Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

Review #1733).

Posted on 14 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1733 // Reseña Media nº: 86
Reseña actualizada. Publicada el 29 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: LENI RIEFENSTAHL
Guión: LENI RIEFENSTAHL
País: ALEMANIA Año: 1935 (El Triunfo de la Voluntad) / 1938 (Olympia)
Productora: REICHSPARTEITAGSFILM (El Triunfo de la Voluntad); OLYMPIA FILM / TOBIS FILM KUNST (Olympia)
Duración aprox.: 102 minutos / 191 minutos / 81 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: Digipak 3DVD con libreto de 6 páginas, edición especial coleccionista (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: “El triunfo de la voluntad” 1935
DVD 2: “Olympia” 1938 (Olimpia: Olimpiada / Olimpia: Juventud Olímpica).
DVD 3 – EXTRAS: Día de Libertad (Tag der Freiheit) (cortometraje) // El Alquimista (documental de Xose Zapata) // Leni Riefenstahl (por Roman Gubern) // Biofilmografía Leni Riefenstahl

Antes de empezar a comentar la excelsa obra cinematográfica de esta genial directora alemana e innovadora artista, quisiera dar una opinión personal y subjetiva bastante clara sobre ese intento informativo parcial y sectario que realizan algunos sobre el admirable trabajo artístico de Leni Riefenstahl (1902-2003), y donde se ha tratado de mezclar y enturbiar su magnífica obra por la relación que tuvo esta directora de cine con el gobierno nacionalsocialista alemán. Un hilo conductor que tratan de mostrar ante el público como justificación de su rechazo al Arte creado por Leni Riefenstahl, y cuya base moral y ética se apoya en el esperado rechazo de los ciudadanos ante esa unión directa del artista con sus líderes políticos. Desde mi punto de vista, esa etiqueta asignada a lo políticamente incorrecto cae por su propio peso si esas mismas personas que señalan a Leni Riefenstahl, no señalan con la misma contundencia y rechazo a otros geniales directores de cine como, por ejemplo, a Serguéi Eisenstein (con obras maestras en su haber como “El Acorazado Potemkin”, “Octubre”, “Alexander Nevsky”…) por su vinculación artística directamente relacionada con el gobierno comunista soviético, o a Elia Kazan (con obras maestras como “Un Tranvía Llamado Deseo”, “¡Viva Zapata!”, “Esplendor En La Hierba”…) por estar directamente vinculado con la caza de brujas desatada en Hollywood entre los años 1947 y 1956 por la Comisión de Actividades Antiamericanas, y donde testificaría contra otros compañeros de profesión acusados de ser comunistas. Por lo tanto, dejando la política a un lado, a los cinéfilos lectores de Lux Atenea voy a comentarles la obra artística de esta directora alemana porque tuvo una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo. No debemos olvidar que “El Triunfo de la Voluntad” llegó a ser premiado en la Exposición Internacional de París del año 1937, por lo que sus premios y reconocimientos artísticos no tuvieron como origen solamente a Alemania y a los países occidentales afines al III Reich. De por sí, en este siglo XXI, analistas y expertos en esta materia siguen alabando las excepcionales dotes cinematográficas de Leni Riefenstahl por su sublime belleza artística, por su incomparable estilo a la hora de rodar secuencias y escenas, y por su agudeza técnica tan sobresaliente, opiniones que comparto mayormente.

“Es un prodigio que nunca más se ha repetido.”

Iniciamos este fascinante recorrido por el universo cinematográfico ideado y creado por Leni Riefenstahl con una de sus obras más carismáticas y avanzadas a su tiempo: “El Triunfo de la Voluntad”. Una excelsa obra comentada en este DVD por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, ofreciéndonos una opinión crítica y sincera desde una perspectiva profesional elaborada y constructiva alejada de convencionalismos y prejuicios. Un interesante recorrido cultural por esta película rodada en blanco y negro donde todo su simbolismo queda revelado punto por punto, detalle a detalle, mientras nuestra mirada queda fascinada ante la contemplación de estas muestras de genialidad artística, y con una sensación de modernidad que nos absorbe hasta establecer un contraste absoluto entre lo que estamos viendo y la consciencia de estar visualizando una obra creada hace casi ochenta años. Con una carga política en el trasfondo y en la evolución de sus imágenes muy clara, “El Triunfo de la Voluntad” se presentará ante los cinéfilos lectores de Lux Atenea tan colosal y mesiánica como Leni Riefenstahl perfiló. Una exaltación del líder cargada en elementos simbólicos que refuerzan su figura ante el pueblo, ante la nación, y ante el mundo, y donde las perspectivas y los encuadres durante su rodaje no dejarán de sorprenderles plano tras plano, mientras los comentarios en off van instruyendo en sus detalles artísticos y técnicos. En el fondo, el mayor logro alcanzado por Leni Riefenstahl en “El Triunfo de la Voluntad” ha sido crear una incomparable obra del Séptimo Arte con un nivel de calidad nunca alcanzado anteriormente, habiendo sabido perfilar gran parte de su mensaje con el espíritu schopenhaueriano en el cual esa voluntad humana está basada y fundamentada.

“Si hubiera que hacer un resumen de la estética de Riefenstahl, diría que consiguió armonizar una concepción estética neoclásica, geométrica, ordenada, equilibrada, con algunos hallazgos de la vanguardia.”

Una fusión de la imagen cinematográfica con lo filosófico que, pese a su indiscutible trasfondo político, en “El Triunfo de la Voluntad” adquiere una plasticidad y un poder visual en constante crescendo. Una intensidad audiovisual capaz de fascinar al espectador ante la presencia del sublime poder desatado, factor fundamental de esa voluntad convertida en hechos materiales y capaz de transformarlo todo en un nuevo principio de esplendor. En el fondo, Leni Riefenstahl supo convertir en subliminales imágenes el nacimiento de una supuesta nueva Edad de Oro en Europa con Alemania como punto de origen del cambio social y político, siendo la nación germana el nuevo eje de la civilización occidental donde todo quedaría orientado hacia la construcción de una nueva cultura. El tiempo y la realidad luego demostrarían el dramático futuro y la cruda realidad de esa nueva corriente política que llevaría a Occidente a una nueva guerra mundial, absolutamente devastadora para las naciones en Europa. Si hasta un político de la categoría de Winston Churchill llegó a decir en la edición de Great Contemporaries del año 1939 que “Siempre he dicho que si Gran Bretaña fuera derrotada en la guerra, espero que encontremos un Hitler que nos devuelva a nuestra posición correcta entre las naciones”, en el año 1935 cómo creen que reflejaría en imágenes a su aclamado líder esta innovadora directora de cine a la que pusieron a su disposición todos los medios económicos y técnicos que necesitara. Por ideas políticas, ningún artista que ame sus obras rechazaría esos medios casi ilimitados que darán vida a sus futuras creaciones.

Respecto al contenido del segundo DVD de esta edición, en el que se ha incluido de nuevo las excelentes explicaciones realizadas por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, no comentaré nada más ya que fue analizado en la reseña que publiqué sobre su impresionante obra “Olimpiada Parte I y II” (en este DVD han sido titulados como “Olimpia: Olimpiada” y “Olimpia: Juventud Olímpica”). Por lo tanto, adentrémonos en el excepcional contenido del tercer DVD que incluye selectos e interesantes rodajes y documentales como extras. “Día de Libertad” es un cortometraje de corte militarista sobre la Wehrmacht, y donde el uso de película en blanco y negro no fue impedimento alguno para que Leni Riefenstahl, en esta moderna representación de la vida castrense, pudiera reflejar el día a día en los campamentos militares como imagen firme y organizada del carácter militar del pueblo alemán. Su banda sonora, acorde a la intensidad y a la firmeza marcial de la época, acompaña esta presentación de la vida de los soldados alemanes con absoluta naturalidad, a través de sorprendentes imágenes donde esta inteligente directora sabe utilizar la iluminación natural en exteriores y sus novedosos ángulos de enfoque como elementos clave en esta visión de la fortaleza y del poder militar de la Wehrmacht. Uno de los momentos audiovisuales más intensos de este cortometraje es la contemplación de sus exhibiciones en ejercicios realizados en eventos públicos. Su final, con una amplia demostración del poder aéreo de la Luftwaffe y del antiaéreo en manos de la Wehrmacht, no hará más que reforzar la imagen de Alemania como una moderna y poderosa potencia militar en aquella época en Europa.

“Ella fue pionera en una época pre-televisiva.”

A continuación, en el documental “El Alquimista”, será el enfoque audiovisual de Xose Zapata sobre la neutralidad española en la II Guerra Mundial, y sobre la evolución de la relación económica y política que se estableció entre Francisco Franco con el régimen nacionalsocialista alemán, los que serán descritos a través de detallados análisis históricos realizados por expertos. Un excelente trabajo documental sobre aquella etapa de nuestra historia no tan conocida a nivel público, y que será de sumo interés tanto para investigadores como para los cultos lectores de Lux Atenea interesados en ampliar sus conocimientos en este tema. En el documental sobre Leni Riefenstahl realizado por el crítico cinematográfico Román Gubern, conoceremos no solamente parte de la vida de Leni Riefenstahl en aquella época, sino también cómo era su carácter independiente y su firme personalidad. Finalmente, la biofilmografía de Leni Riefenstahl clausurará este impresionante documento artístico e informativo sobre su vida y obra, publicado por Cameo Media en el año 2006. “Leni Riefenstahl: El Triunfo de la Voluntad / Olimpia”, una edición en formato DVD de auténtico lujo para poder mostrar el talento artístico de la directora cinematográfica europea más sobresaliente en todo su esplendor. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Buscó su último paraíso en los fondos submarinos y se dedicó a realizar fotografía y cine subacuático.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LENI RIEFENSTAHL “OLIMPIADA PARTE I y II (OLYMPIA)” (Reseña / Review #1732).

Posted on 14 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1732 // Reseña Media nº: 85
Reseña actualizada. Publicada el 28 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Directora: LENI RIEFENSTAHL
Guión: LENI RIEFENSTAHL
País: ALEMANIA Año: 1938 Productora: OLYMPIA FILM / TOBIS FILM KUNST
Duración aprox.: 205 minutos
Publicado en España por: FH PRODUCCIÓN Año: 2006
Formato: Digipak 2DVD edición especial limitada para coleccionistas (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Filmografía de Leni Riefenstahl // Biografía de Leni Riefenstahl // Galería de fotos de Leni Riefenstahl // Olimpiada Parte I trailer // Olimpiada Parte II trailer // El Triunfo de la Voluntad trailer // Adolf Hitler después de Mi Lucha trailer

Rodada en 1936 durante la celebración de este evento deportivo de alcance mundial, esta excelsa obra cinematográfica de la directora alemana Leni Riefenstahl (1902-2003) se convirtió en la película oficial de la IX Olimpiada celebrada en Berlín, estrenándose el día 20 de abril del año 1938 en el Palacio de UFA (estudio cinematográfico Universum Film AG) de la misma ciudad. “Olimpiada” se ha convertido en una de las Obras Maestras del Séptimo Arte por los innovadores méritos artísticos de Leni Riefenstahl, y está estructurada con un prólogo evocador sobre el origen de este evento deportivo en la Grecia Clásica para, posteriormente, proceder a reflejar la IX Olimpiada celebrada en Berlín con imágenes de incomparable belleza estética. Dividida en dos partes muy diferenciadas, la primera está basada en el rodaje de la Ceremonia Inaugural y de las competiciones atléticas celebradas en el estadio olímpico, y la segunda parte corresponde a las tomas realizadas en otros deportes dentro de sus competiciones, así como la refinada y escultural presentación del entrenamiento y descanso de los atletas en la Villa Olímpica. Gracias a este impresionante trabajo artístico realizado por Leni Riefenstahl, muchos críticos y especialistas cinematográficos han valorado a “Olimpiada” como la mejor obra que se haya rodado sobre una Olimpiada, y a pesar de todos los avances técnicos y audiovisuales que se han producido desde entonces hasta nuestros días. La grandeza artística de Leni Riefenstahl perdura en este siglo XXI con mayor profundidad en virtud a su maestría, a su visión vanguardista de las imágenes a rodar, y a su talento innato a la hora de transformar estas imágenes en sublime belleza. Tan grandiosa fue la calidad de este documental que en 1938 llegó a ser galardonado en el Festival Internacional de Cine de Venecia, en 1939 le fue concedida la Medalla de Oro Olímpica del Comité Olímpico Internacional, y en el año 1948 también fue premiado con el Diploma Olímpico en el Festival Internacional de Cine de Lausana (Suiza). En definitiva, un reconocimiento oficial al talento y a la creatividad de Leni Riefenstahl a la hora de reflejar a aquellos atletas participantes en la Olimpiada en majestuosas, esplendorosas, y deslumbrantes imágenes hasta quedar inmortalizados como auténticos héroes a través de su mirada. Indudablemente, “Olimpiada” no solamente se convirtió en arte cinematográfico destinado a la exaltación del deporte, de los deportistas, y del propio espíritu olímpico, sino también se alzó como eficaz medio de propaganda de alcance internacional sobre los logros alcanzados en Alemania por el III Reich, reflejando en imágenes gran parte de sus ideales políticos de forma atrayente para el espectador.

En España, gracias a la admirable labor realizada por la compañía FH Producción, en el año 2006 pudimos disfrutar por primera vez de esta impresionante obra maestra en su versión original sin cortes. Esta lujosa edición incluye dos DVD´s correspondientes a cada una de las dos partes en las cuales está dividida, y cuyo trabajo de remasterización fue impecable. En esta edición limitada especial para coleccionistas, sin duda alguna, los cinéfilos lectores de Lux Atenea interesados en esta temática encontrarán la mejor publicación que se haya presentado hasta el momento, siendo además sus extras, otra de sus características más destacadas e interesantes debido a la detallada información que nos ofrecen. Si incluso un prestigioso medio de comunicación como The Times llegó a referirse a esta película en términos elogiosos, o, en el año 1960, llegó a ser incluida dentro de los diez mejores largometrajes rodados hasta entonces tras ser seleccionada por un grupo de expertos cineastas de la época, cómo se va a poder empañar esta obra maestra a través del vaho de la intencionalidad política, siempre tan insensible como cambiante en su visión del Arte. Firmado y filmado por Leni Riefenstahl, su Arte siempre se presentará tan excelso como grandioso ante los ojos de una mente culta, y esto es lo que verdaderamente importa porque “Olimpiada” es y seguirá siendo una obra maestra intemporal.

“Olimpiada” dura más de 200 minutos, y les puedo asegurar que en cuanto empiecen a verla quedarán irresistiblemente hechizados ante la contemplación de tanta belleza en imágenes. En el primer DVD de esta lujosa edición podrán disfrutar de la ceremonia inaugural y de las competiciones atléticas celebradas en el estadio olímpico de Berlín, conteniendo su segundo DVD las impactantes imágenes rodadas en otros deportes, sobre el entrenamiento, y sobre el descanso de los atletas en la Villa Olímpica. Y es que “Olimpiada” no es una de esas producciones de Hollywood de metraje incomprensiblemente largo donde, tras disfrutar de un comienzo espectacular de media hora, a continuación la película pasa a un estado de progresivo sopor imposible de aguantar. “Olympia” es precisamente todo lo contrario porque lo tiene todo para que te quedes con la mirada fija en la pantalla ante la esplendorosa visión de sus imágenes. Incluso, les sorprenderá que este documental se rodara en el año 1936 con estas escenas cinematográficas tan modernas en su realización, con estas espectaculares imágenes a cámara lenta, con estos innovadores y seductores enfoques, y con estas tomas en movimiento. La magia artística de Leni Riefenstahl se presenta siempre contundente y poderosa dentro del mundo del cine, destacando sobre todo por su inconfundible talento en el uso de la iluminación exterior en sus espectaculares tomas rodadas, y por su arte cinematográfico basado en esta definición y concepción estética de las imágenes que rueda hasta convertir a sus protagonistas en seres casi divinos y sobrenaturales. Si los cinéfilos lectores de Lux Atenea desean informarse más en detalle sobre las virtudes técnicas y artísticas de “Olympia”, les aconsejo que visualicen la edición especial en DVD dedicada a Leni Riefenstahl que publicó la compañía Cameo Media, mientras escuchan sus interesantes análisis y comentarios en off. “Olimpiada / Olympia”, excelso documental de culto donde la innovación cinematográfica y la fascinante belleza de las imágenes olímpicas rodadas por la mente creativa de Leni Riefenstahl, fueron transformadas en Arte y en imagen del espíritu de una nación a nivel internacional. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO (Twin Peaks: fire walk with me)”, 1992 (Reseña / Review #1731).

Posted on 13 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1731 // Reseña Media nº: 84
Reseña actualizada. Publicada el 30 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DAVID LYNCH
Guión: DAVID LYNCH y ROBERT ENGELS
Actores principales: SHERYL LEE (Laura Palmer), RAY WISE (Leland Palmer), MÄDCHEN AMICK (Shelly Johnson), DANA ASHBROOK (Bobby Briggs), DAVID BOWIE (Phillip Jeffries), MIGUEL FERRER (Albert Rosenfeld), RAY WISE (Leland Palmer), FRANK SILVA (Bob), HEATHER GRAHAM (Annie Blackburn), CHRIS ISAAK (agente especial Chet Desmond), MOIRA KELLY (Donna Hayward), PEGGY LIPTON (Norma Jennings), DAVID LYNCH (agente Gordon Cole), HARRY DEAN STANTON (Carl Rodd), KIEFER SUTHERLAND (Sam Stanley), MICHAEL J. ANDERSON (enano del traje rojo), KYLE MacLACHLAN (agente especial Dale Cooper), GRACE ZABRISKIE (Sarah Palmer), KIMBERLY ANN COLE (Lil, la bailarina), LENNY von DOHLEN (Harold Smith)
País: EE.UU Año: 1992 Productora: TWIN PEAKS PRODUCTION
Duración aprox.: 129 + 85 minutos
Publicado en España por: FILMAX Año: 2006
Formato: 2DVD edición limitada con el libro “David Lynch: El Zar de lo Bizarro” (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo”
DVD 2 – EXTRAS: Camina Conmigo // Documental “Pretty as a Picture”

Antes de empezar a analizar esta excelsa obra cinematográfica, quisiera informar a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que han seguido la serie de culto “Twin Peaks” que, en la película “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo”, el papel de Donna fue interpretado por la actriz Moira Kelly y no por Lara Flynn Boyle, que fue quien dio vida a este personaje en la serie de televisión. Teniendo esto en cuenta, vamos a sumergirnos en el fascinante universo de David Lynch que tanta grandeza artística atesora, y cuyo talento e innovación dentro del Séptimo Arte no siempre ha sido bien comprendidos y valorados por la propia industria audiovisual estadounidense, y por los expertos en los medios de comunicación. En cambio, su complejo e irresistible mensaje artístico sí ha sabido conectar directamente con la mente de millones de espectadores para fascinarlos con otro estilo, con otro tempo, con otra visión del suspense, de la intriga, del horror procedente del interior del ser humano, y del drama y la tragedia que éste provoca cuando se manifiesta en la vida real. Debido a que en la mítica serie de televisión “Twin Peaks” habían quedado algunos cabos sueltos en su trama que provocaban el debate y cierto desconcierto entre el público, “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo” aparecerá como una película de desvelos que dan respuesta a esa inquietud provocada, ofreciendo información que es clave para poder conocer el trasfondo real de esta dramática historia marcada por el lado más siniestro del ser humano. Aunque “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo” comienza con la aparición del cuerpo de Teresa Banks en el río, pasando este caso a manos del FBI para su investigación bajo la dirección del agente especial Chet Desmond (interpretado por el actor y cantante Chris Isaak), al final quedará sin esclarecer y con su asesino sin identificar. Pasado un año desde ese suceso, serán los siete días previos a la muerte de Laura Palmer (actriz Sheryl Lee) los que desvelen al espectador el turbio ambiente en el que vivía, y que finalmente terminaría con su vida. Máscaras sociales y falsas apariencias que conforman la vida cotidiana en aquel lugar y destinadas a ocultar ese mundo familiar, social, y personal siniestramente obscurecido por los vicios, las perversiones, y el sufrimiento. De ahí la importancia del factor psicológico en el perfilamiento de cada uno de estos personajes, algunos de los cuales ya se han convertido en míticos e inolvidables para los fieles seguidores de esta serie de televisión de culto, aquí ampliada en la gran pantalla.

La verdad es que fue todo un acierto que la mítica compañía Filmax incluyera el libro “David Lynch: El Zar de lo Bizarro” de Javier J. Valencia en esta lujosa publicación en formato DVD. Noventa y seis páginas que fascinarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su contenido informativo, y en cuyas hojas encontrarán datos sobre esta obra no tan conocidos a nivel público debido a la complejidad en la producción que siempre arrastró el proyecto “Twin Peaks”, antes y después del rodaje. Además, haber incluido un segundo DVD con extras que amplían considerablemente el arco informativo sobre este largometraje, convierte a esta caja de edición limitada en un preciado objeto muy buscado por coleccionistas en la actualidad. La siniestra y elegante belleza de su diseño, junto a esta acertada unión de lo literario con lo cinematográfico en una edición única, como analista cultural lo valoro enormemente ya que el mundo de la literatura y del Séptimo Arte prácticamente llevan unidos desde el rodaje de las primeras películas mudas hasta nuestros días. Como apasionado del Arte, siempre aplaudiré la publicación de este tipo de ediciones tan cuidadas interna y externamente. Como guinda en esta crème de la crème cinematográfica, si añadimos esta magnífica banda sonora compuesta por el maestro Angelo Badalamenti para esta película, uno no puede decir más que ¡¡¡chapeau!!! Además, David Lynch es todo un genio a la hora de orquestar un fuerte impacto visual que toque la fibra sensible del espectador a través de una historia de ficción con fuertes lazos emocionales y psicológicos con la vida cotidiana, pero llevado a ese siniestro lado obscuro que es propio del ser humano cuando lleva a cabo sus más diabólicos y terribles actos en un mundo aparentemente normal de cara a la sociedad. Homo homini lupus como lema en este infierno por él creado, y actuando de esta manera tan salvaje sobre la faz de la tierra desde que el mundo es mundo. Esta es la principal fuente de inspiración de David Lynch en sus obras cinematográficas inspiradas en esta temática.

La importancia del factor psicológico en la obra cinematográfica de David Lynch se refleja con absoluta intensidad y crudeza emocional en este inquietante espectáculo humano, protagonizado por personas dominadas totalmente por sus pasiones y por los sentimientos nacidos en las profundidades de su inescrutable inconsciente. Una trágica realidad mostrada en este largometraje, y que desespera aún más ante la pasibilidad reinante y el ocultamiento de la verdad en quienes la conocen para seguir tapando sus trapos sucios. Un asesinato, el de Teresa Banks, con su cuerpo flotando en el río mientras es llevado por la corriente, terminará siendo descubierto pero el primer choque emocional llegará con la ligereza con la cual las autoridades locales se toman ese crimen, mostrando estos agentes y empleados un humor un tanto irritante. Pero, cuando llega a manos del FBI con los agentes Chet Desmond (que descubrirá el mensaje simbólico de este caso), su ayudante Sam Stanley (actor Kiefer Sutherland), y el agente Gordon Cole y su inseparable sonotone (interpretado por el propio David Lynch), una autopsia más detallada del cadáver revelará que le falta un anillo (el anillo verde terminará siendo una de las claves para resolver su asesinato) y que debajo de una de sus uñas hay un trozo de papel con la letra T impresa. Pero antes de entrar en los siete últimos días de Laura Palmer, David Lynch pondrá su inconfundible sello artístico llevándonos a Philadelphia, con los agentes Gordon Cole, Dale Cooper (interpretado por el icónico actor lynchiano Kyle MacLachlan) y Phillip Jeffries (interpretado por el actor y cantante David Bowie) como protagonistas, mientras aparecen en pantalla ambientes surrealistas, los enigmáticos sueños de Phillip Jeffries (ya que éste ha estado desaparecido durante dos años sumergido en un sueño dentro de un sueño), y la imborrable e inquietante habitación de cortinas rojas y suelo ondulado en blanco y negro que se ha convertido en la imagen más recordada de este largometraje. Todo se complicará en este caso cuando el agente Chet Desmond desaparezca, haciéndose cargo de ello el agente Dale Cooper. En esta parte inicial de la película, provoca admiración el extraordinario apartado de iluminación al hacer uso de tanta luz cálida en escena que parece que es de día en interiores. Además, el decrépito camping en el cual todo parece estar en abandono, junto a personajes que van apareciendo como la camarera o el dueño de las caravanas, nos van hundiendo mentalmente en este ambiente confuso y enredado donde los secretos inconfesables tapan la auténtica verdad.

Pasado un año desde la aparición del cadáver de Teresa Banks, iremos conociendo poco a poco la vida personal, familiar, y social de Laura Palmer en los últimos siete días antes de su asesinato. Entrará en escena su amiga Donna, también observaremos las adicciones de Laura Palmer, y el ambiente universitario tan particular en el cual se mueve, siendo Bobby Briggs (actor Dana Ashbrook) la persona que trata de controlar a Laura al verla arrastrada por su propia deriva personal, pero ella sabe muy bien cómo manipularlo. A nivel familiar, la casa donde vive Laura muestra un estilo de vida acomodado pero, Laura, al igual que su madre, tienen fuertes adicciones, revelándose como una familia desestructurada. Me impresionó la magnífica interpretación de la actriz Grace Zabriskie al dar vida a la madre de Laura, Sarah Palmer, en un difícil papel que logra convertirlo en creíble y auténtico ante nuestros ojos. Retornando a la trama de la película, todo cambiará radicalmente en cuanto Laura comprueba que alguien ha arrancado algunas páginas de su diario personal, a pesar de que lo tiene escondido. En esas hojas describía el tormento interior que viene padeciendo por culpa de Bob, personaje magistralmente interpretado por el actor Frank Silva al haber reflejado con absoluta contundencia visual el carácter salvaje, inhumano, y poderoso de Bob como icono de la maldad. El horror íntimamente relacionado con el desequilibrio psíquico que presenta el padre de Laura, Leland Palmer (actor Ray Wise), y con esas miradas y esas sonrisas de trasfondo malévolo entremezcladas con ciertos momentos de calma donde la culpa y los remordimientos afloran para torturarlo implacablemente. Además, una escena que es clave en esta película, y en la trama de toda la serie, es cuando Leland Palmer sale de la casa donde Laura había visto a Bob en una de las habitaciones, y la aparente normalidad hogareña que el espectador contempla cuando Laura llega a su casa, cuya atmósfera será rota cuando su dominante y neurótico padre empieza a humillarla verbal y psicológicamente incluso delante de su temerosa madre. Una doble personalidad destructiva, obsesiva, dominante, neurótica, incontrolable, y de reacciones impredecibles. De ahí el permanente estado de sufrimiento y de soledad que presenta Laura Palmer, motivo por lo cual lleva su existencia al extremo en su vida privada como un intento de desconexión de la insoportable realidad. Pero ese espinoso camino que ha tomado no logra aplacar su dolor, sino aumentarlo. Dentro de este apartado, la mirada analítica y en profundidad lanzada por este maestro cinematográfico al círculo insalvable de quienes entran de lleno en entornos de perversión y de violencia que avivan el fuego de sus infiernos interiores, convierte la escena del reservado en el local canadiense donde se celebran las fiestas privadas en una de las más impactantes de esta película. Centro de vicio y perversión donde algunas personas encuentran su ansiado reino carnal, siendo ese el lugar donde Donna descubrirá el lado obscuro de Laura que jamás hubiera pensado que existiera. Allí, el espectador también encontrará información muy reveladora sobre Teresa Banks, la mujer asesinada cuyo cuerpo encuentran en el río al principio de la película.

“Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo” es una obra maestra a la hora de reflejar ambientes sórdidos, crudos, y tensos llevados al terreno del simbolismo metafórico y de la plasticidad visual, junto a elementos y personajes relacionados con el plano psíquico, onírico, y paranormal como en la escena del encuentro entre el enano de traje rojo (actor Michael J. Anderson) y el agente Dale Cooper en la habitación roja, simbolizando el plano analítico dentro del inconsciente colectivo. Un plano metafísico donde varias personas interactúan, comunicándose entre ellos a través de lo que llamamos intuición, o, también, a través de sueños premonitorios. Dotes premonitorias que Dale Cooper tendrá antes de la muerte de Laura, comentándoselo a su compañero Albert. Y es que el factor psicológico condiciona la mente del espectador en esta película con personajes inolvidables como Lil (actriz Kimberly Ann Cole), la bailarina del vestido rojo de simbólico gesto, o el inquietante enano del traje rojo con su particular forma de hablar y de expresarse (nos parece sumamente tenebroso ya que lo que vemos es el rodaje de la interpretación del actor pero reproducido al revés, de ahí sus movimientos y sus expresiones tan extrañas). Un espectáculo visual obscuro representado en secuencias e imágenes como la visión del siniestro cuadro con la elegante anciana y el niño de la máscara blanca sin rostro, la fantasmagórica imagen de Laura que aparece cuando le confiesa a Harold Smith (actor Lenny von Dohlen) que Bob ha arrancado algunas páginas de su diario, o la impactante escena del asesinato en el aserradero. El perfilamiento de imágenes es clave en el arte audiovisual de David Lynch como la evanescente imagen de la cantante con una magnífica interpretación de la canción delante de ese fondo rojo intenso y cuya letra conmueve y hace llorar a Laura, la imagen mental del padre de Laura cuando ella y Donna están sentadas en el sillón, la imagen simbólica del ángel protector que desaparece del cuadro ante la mirada de Laura, observar a James y Laura solos en la noche, la visión de la cabaña del bosque con el pájaro enjaulado, la imagen del padre de Laura acercándose a la ventana de la cabaña, y, sobre todo, la densa atmósfera de dolor y sufrimiento que se respira en la escena del vagón de tren. En definitiva, una nueva demostración del virtuosismo creativo de David Lynch en esta película de culto. “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo”, detrás de las cortinas rojas del inconsciente colectivo se esconde la obscura raíz que da sentido, causalidad, y energía emocional a este infierno llamado Humanidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“NIEBLA EN EL ALMA (don’t bother to knock)”, 1952 (Reseña / Review #1730).

Posted on 13 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1730 // Reseña Media nº: 83
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: ROY WARD BAKER
Guión: DANIEL TARADASH
Actores principales: RICHARD WIDMARK (Jed Towers), MARILYN MONROE (Nell Forbes), ANNE BANCROFT (Lyn Lesley)
País: EE.UU Año: 1952 Productora: 20TH CENTURY FOX Duración aprox.: 76 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. / DIARIO EL MUNDO
Año: 2005 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Niebla en el Alma” es una película rodada en la gloriosa década de los cincuenta que sorprenderá a los cinéfilos lectores de Lux Atenea cuando presencien el dramático personaje de Nell Forbes, magníficamente interpretado por la legendaria actriz estadounidense Marilyn Monroe (1926-1962) debido a su trasfondo trágico y psicológico al tomar especial protagonismo. Basada en la novela de la escritora estadounidense Charlotte Armstrong (1905-1969), “Niebla en el Alma” es un terrible drama rodado en blanco y negro, unos colores perfectos para reflejar este esquivo poso psicológico donde el velo de lo aparentemente normal oculta los obscuros traumas de una persona desequilibrada. Rupturas sentimentales, apariencias que esconden sufrimientos emocionales por pérdidas irreparables no asimiladas en la vida, dulzura que oculta una profunda tristeza… en definitiva, “Niebla en el Alma” es un largometraje que presenta hechos ficticios que perfectamente pueden haber ocurrido, que ocurren, y que ocurrirán en la vida real. Pero su grandeza artística no viene dada solamente por el protagonismo de Marilyn Monroe en la misma, sino también por esta extraordinaria interpretación de Jed Towers realizada por Richard Widmark (1914-2008). Un carismático actor que nos ha ofrecido inolvidables momentos cinematográficos a lo largo de toda su carrera y, como una muestra clara de su arte, en la película “Niebla en el Alma” sabe cómo dar personalidad y credibilidad a un hombre con una gran incertidumbre interna donde intervienen y se contraponen el deseo y la razón. Además, acompañando a estos dos geniales actores, la mítica actriz Anne Bancroft (1931-2005) tuvo su debut en el cine precisamente en este largometraje.

Como analista cultural, una de las cualidades cinematográficas que me más encanta de la película “Niebla en el Alma” es poder ver a Marilyn Monroe mostrándose como la excelente actriz que era, demostrando con hechos cómo estaba perfectamente capacitada para dar vida a personajes dramáticos tan complejos como Nell. Una buena actriz con magníficas dotes interpretativas, pero la industria de Hollywood no estuvo por la labor de potenciar esas cualidades por ella atesoradas, primando su belleza a la hora de presentarla en la gran pantalla. En “Niebla en el Alma” podrán disfrutar de impresionantes escenas como la del ascensor y el dálmata que no quiere entrar en él, la melancólica Nell mirando por la ventana cuando escucha el sonido de un avión surcando el cielo, la plasticidad visual de los flirteos ventana a ventana entre Nell y Jed, la imagen de las muñecas de Nell mientras se pinta los labios frente a un espejo de mano, o con la impresionante interpretación de Marilyn Monroe en la escena final del hall del hotel McKinley. Pese al gran papel realizado por Marilyn Monroe en esta película, tristemente, su posterior éxito en el cine estadounidense de impacto mundial vendría de la mano de una industria cinematográfica que terminaría encasillándola en papeles de chica rubia que despierta pasiones a su alrededor, y a través de escenas visualmente impactantes, luminosas, y glamurosas que harían soñar a millones de espectadores generación tras generación hasta nuestros días. Solamente en la espectacular película “Vidas Rebeldes (The Misfits)” volveremos a ver brillar artísticamente con fuerza a Marilyn Monroe en una interpretación sublime. “Niebla en el Alma”, en toda la carrera cinematográfica de Marilyn Monroe, posiblemente sea la película menos conocida por el gran público. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LOS OJOS MISTERIOSOS DE LONDRES (the human monster -USA- / the dark eyes of London -UK-)”, 1940 (Reseña / Review #1729).

Posted on 13 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1729 // Reseña Media nº: 82
Reseña actualizada. Publicada el 17 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la empresa TEMA DISTRIBUCIONES por su cortesía al enviarme este promocional fisico.

Director: WALTER SUMMERS
Guión: JOHN ARGYLE, PATRICK KIRWAN, JAN VAN LUSIL y WALTER SUMMERS
Actores principales: BELA LUGOSI (Dr. Feodor Orloff / Prof. John Dearborn), HUGH WILLIAMS (inspector Larry Holt), EDMON RYAN (teniente Patrick O´Really), WILFRED WALTER (Jake), GRETA GYNT (Diana Stuart), ALEXANDER FIELD (Fred Grogan)
País: EE.UU Año: 1940 Productora: MONOGRAM PICTURES / ARGYLE PRODUCTIONS
Duración aprox.: 76 minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES Año: 2009
Formato: Digipak 2DVD de 6 paneles “The Bela Lugosi Collection” (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

PELÍCULAS: Entierro A Medianoche // Asesinato Por Television // Bela Lugosi Contra El Gorila // Los Ojos Misteriosos De Londres
EXTRAS: Trailers de Bela Lugosi // Selecciones de Drácula // Bela Lugosi en You Asked For It // Biofilmografía de Bela Lugosi // Galería de fotografías

Esta joya cinematográfica en formato DVD está incluida en la lujosa edición “The Bela Lugosi Collection”, publicada por la empresa Tema Distribuciones en el año 2009. “Los Ojos Misteriosos De Londres” es una película que será disfrutada intensamente por los cinéfilos lectores de Lux Atenea que son fieles seguidores del actor austro-húngaro Bela Lugosi (1882-1956), todo un mito artístico dentro del Séptimo Arte. Editada en versión original subtitulada, en este largometraje rodado en blanco y negro podrán sentir la siniestra belleza interpretativa de este actor inmortal, ya sea contemplando su hipnótica mirada, sus sarcásticas sonrisas, sus repentinos ataques de ira, sus despóticos modos al interpretar al doctor Orloff, y, sobre todo, con la inmisericorde sangre fría mostrada contra aquellos que se interponen en su camino. Un tenebroso personaje que, tras la inocua fachada de una agencia de seguros, oculta una red criminal basada en la manipulación interesada de personas ciegas que trabajan para el doctor Orloff, sin saberlo. Al igual que sucedía en otra interesante película como “Entierro A Medianoche” (ya reseñada en Lux Atenea), en “Los Ojos Misteriosos De Londres”, Bela Lugosi de nuevo vuelve a hacer un doble papel interpretando al doctor Feodor Orloff, un manipulador agente de seguros y siniestro hombre de negocios, y, caracterización incluida, al profesor John Dearborn que siendo aparentemente ciego dirige un refugio para vagabundos invidentes en Greenwich. Una obra cinematográfica donde el monstruoso y obediente asesino Jake, que trabaja para el doctor Orloff, adquiere un especial protagonismo en este papel magníficamente interpretado por el actor Wilfred Walter. Además, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán poseídos por la intriga despertada en esta trama donde los detalles son constantes de principio a fin, teniendo en cuenta la época en la que fue rodada (año 1940). Quedarán fascinados con la máquina de escribir en Braille que utiliza el doctor Orloff, con el uso que hace de sus mensajes cifrados publicados en la prensa, con el sutil sistema con el cual se pone en comunicación con el refugio de Greenwich y da órdenes al maléfico Jake, sobre cómo el doctor Orloff da solidez a sus coartadas en los diferentes casos que le implican… en definitiva, un magnífico largometraje con Bela Lugosi artísticamente brillante y extendiendo su magia en la gran pantalla.

Esta atrayente película comienza a orillas del río Támesis con la aparición del cadáver de un hombre. El Departamento de Investigación Criminal es presionado por el gobierno británico debido a que, con esta persona hallada muerta, el número de cadáveres hallados en los últimos ocho meses suman ya cinco sin que hayan encontrado prueba alguna sobre su autoría. Lo único que une a todos ellos es que tenían contratos firmados con compañías de seguros. El inspector Larry Holt (interpretado por el actor Hugh Williams) lleva personalmente tres de esos cinco casos y, en sus investigaciones, va a poder contar con la ayuda del teniente O´Really de la policía de Chicago (actor Edmon Ryan) que acompaña al experto falsificador Fred Grogan (actor Alexander Field) escoltándole oficialmente hasta la ciudad de Londres. Cuando el doctor Orloff (Bela Lugosi) se entera que Fred Grogan regresa a Inglaterra, ordena que se pague su fianza y así poder contar con su minucioso trabajo para poder falsificar las firmas de sus clientes. Cuando el doctor Orloff recibe la visita del inspector Larry Holt para recoger información, ya que las víctimas habían contratado seguros en su empresa, éste le muestra su absoluta colaboración en estos casos que investiga al darle todos los datos que le va solicitando. Poco tiempo después, otro cadáver es encontrado en el río aunque, tras la autopsia, los forenses informan al inspector Holt que ese hombre ha muerto ahogado de forma natural pero, entre sus pertenencias encuentran un trozo de papel escrito en Braille. Poco a poco, a base de analizar las pruebas obtenidas en este nuevo y extraño caso, el inspector Holt irá descubriendo que todas ellas señalan al doctor Orloff de un modo u otro, comprobando posteriormente que esa misma persona había firmado recientemente un seguro precisamente en la empresa del doctor Orloff, siendo éste además el beneficiario de la misma en caso de fallecimiento. El creciente protagonismo en la trama de la hija del fallecido, la señorita Diana Stuart (actriz Greta Gynt), lo acelerará todo, principalmente al sospechar que su padre ha sido asesinado y desconoce de dónde podía haber sacado ese papel escrito en Braille. Tras realizar una visita al doctor Orloff, éste le ofrecerá un puesto de trabajo como secretaria para el profesor Dearborn en Greenwich, aceptándolo sumamente agradecida.

El cine es entretenimiento, y si algo destaca en la película “Los Ojos Misteriosos De Londres” es la sucesión de atrayentes secuencias a pesar de los escasos medios de los que dispuso su director británico Walter Summers (1892-1973). Un extraordinario largometraje que atesora mágicas escenas como cuando la secretaria del doctor Orloff le trae un espirituoso en una bandeja tras haber recibido la visita del inspector Holt, la siniestra escena del salón con los ciegos reunidos en torno a la mesa, el monstruoso Jake subiendo torpemente por las escaleras, o el profesor Dearborn bendiciendo la comida con música sacra para órgano de fondo. “Los Ojos Misteriosos De Londres” tiene encanto artístico y atracción como en la simpática escena del borracho entrando en la celda de Fred Grogan como inteligente engaño para poder sacarle información al detenido sin que éste sospeche, en la macabra escena de la proyección de imágenes dentro de las investigaciones realizadas por el inspector Holt en el caso del señor Stuart, en la impactante escena del asesinato de Fred Grogan donde la oscura figura de Jake va acercándose despacio hacia él, en la cruel e inmisericorde escena en la cual el doctor Orloff deja a Lou el mudo completamente inútil mediante electroshock para que no pueda dar información a la policía, cuando la señorita Diana Stuart lee la prensa al profesor Dearborn sin saber que él es el buscado doctor Orloff caracterizado, o con la tensión que se respira cuando el profesor Dearborn le dice la verdad de todo a Diana Stuart. “Los Ojos Misteriosos De Londres”, la magia del cine en blanco y negro transmitida en el arte interpretativo de esta auténtica leyenda: Bela Lugosi. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“AL CAPONE”, 1959 (Reseña / Review #1728).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1728 // Reseña Media nº: 81
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: RICHARD WILSON
Guión: MALVIN WALD y HENRY GREENBERG
Actores principales: ROD STEIGER (Al Capone), MARTIN BALSAM (Mac Keeley), FAY SPAIN (Maureen), JAMES GREGORY (Schaefler)
País: EE.UU Año: 1959 Productora: ALLIED ARTISTS PICTURES CORPORATION
Duración aprox.: 102 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2010
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Al Capone” es una de las películas más grandes que se hayan rodado sobre la Mafia en la Historia del Cine. Filmada en blanco y negro, este clásico dentro del cine de gángsters es un drama sobre la vida de uno de los capos de la mafia más famosos del mundo: Alphonse Gabriel Capone, Al Capone (1899-1947). Rodado por el magnífico director de cine estadounidense Richard Wilson, “Al Capone” es un largometraje magistral que nos muestra el auge y caída de este poderoso jefe mafioso en la ciudad de Chicago a través de excepcionales imágenes y escenas. Al Capone fue un visionario líder de la Mafia que, amparándose en los grandes beneficios que la Ley Seca proporcionaba a los grupos mafiosos que en la década de los veinte se dedicaron a la venta ilegal de alcohol, logró reestructurar el crimen organizado entonces conocido hasta darle una dimensión mucho más efectiva y productiva que prácticamente se ha mantenido hasta nuestros días en su esquema principal. Aunque el director Richard Wilson trató de presentar públicamente a esta película como basada en hechos reales, la verdad es que la ficción tiene un peso considerable en esta magnífica trama digna del mejor cine negro. Pero donde verdaderamente este largometraje tendría un impacto e influencia considerable sería precisamente en los líderes mafiosos de la década de los cincuenta y sesenta, los cuales copiarían el estilo ‘Rod Steiger’ como modelo a seguir en su vida pública, tal y como se detalla en el libro de Tim Adler “Hollywood y la Mafia” que ya reseñé en Lux Atenea. La genial interpretación del mítico actor Rod Steiger en el papel de Al Capone, le llevaría al estrellato tras el estreno oficial de esta película. En esta edición en versión original (con subtítulos en español opcionales) publicada por la compañía Regia Films, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar la genuina entonación ofrecida por estos grandes actores a la hora de dar personalidad y realismo a los capos mafiosos a través de sus magníficas interpretaciones. Además, en este largometraje disfrutarán contemplando escenas impresionantes como el asesinato de Colosimo con la música clásica de ópera como banda sonora del crimen, los populosos funerales celebrados en la ciudad por el fallecimiento de un gran jefe de la Mafia, con las impactantes imágenes de la Matanza de San Valentín ocurrida el 14 de febrero de 1929, con la extraordinaria escena del asesinato del periodista en el metro, o con la gran tensión que trasmite el momento en el cual Al Capone visita a la viuda de Colosimo tras la muerte de su marido. Así de grandioso y cautivador se muestra el Séptimo Arte cuando es capaz de generar emociones.

Una de las características artísticas que más me han gustado en esta película es el peso moral que el director Richard Wilson termina reflejando en la conciencia de algunos mafiosos, acercando su imagen a la realidad de la vida. Esto, unido al uso de la voz en off a lo largo de todo el largometraje para ir informando al espectador sobre el desarrollo de los acontecimientos, según van sucediéndose los hechos más importantes protagonizados por Al Capone, convierten a esta obra cinematográfica en una auténtica joya. Con un inicio donde podemos ver a Al Capone entrando en el mundo del hampa de la ciudad de Chicago, la pragmática visión comercial sobre los negocios ilegales que empieza a plantear rápidamente comenzará a dar sus frutos en forma de colosales beneficios económicos. Y con las arcas de estos clanes llenas de dinero, la corrupción de todo aquel que se interponía en su camino era prácticamente inevitable. De por sí, en esta película solamente hay dos grandes personajes que no se dejan comprar por Al Capone: Mauree, viuda de Colosimo, y Mac Keeley, sargento/capitán de la policía. Salvo estas dos excepciones, nada impide a Al Capone hacerse con el control absoluto de la ciudad. Uno por uno, todos los principales jefes del hampa en Chicago irán cayendo mientras el reparto de los distritos de la ciudad entre los diferentes clanes y los ajustes de cuentas entre bandas, van allanando el terreno de este implacable líder para hacerse con el poder absoluto.

Su temperamento violento e impetuoso, su astucia maquiavélica, su firmeza a la hora de resolver situaciones complicadas, y su visionaria inteligencia a la hora de estructurar y orientar los beneficios de los negocios ilegales para ser mezclados con los negocios legales de la ciudad, unido al impacto de su imagen pública en la sociedad estadounidense de la época, elevarán la figura de Al Capone hasta convertirla en un icono universal de la Mafia. En esta película, se muestra muy claramente cómo Al Capone utiliza los vínculos existentes entre los políticos y la Mafia, debido al control que ésta tiene sobre los votos en cada distrito de la ciudad, y todo ello finalmente consolida su privilegiada posición alcanzada a través de los negocios ilegales. Es obvio que, sin la Ley Seca aprobada en el año 1919 (Ley Volstead), el Crimen Organizado no habría podido manejar las impresionantes sumas de dinero que la venta ilegal de alcohol les proporcionó, como muy bien se describe en esta película. De por sí, cuando la venta de alcohol vuelve a ser legal, esos descomunales beneficios a los que estaban acostumbrados caen en picado y, tras ello, su capacidad para corromper cada uno de los estamentos económicos, políticos, judiciales, y policiales en la ciudad. “Al Capone”, la mejor película que se haya rodado sobre el mafioso más famoso del mundo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ROJO OSCURO (profondo rosso)”, 1975 (Reseña / Review #1727).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1727 // Reseña Media nº: 80
Reseña actualizada. Publicada el 16 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: DARIO ARGENTO
Guión: DARIO ARGENTO y BERNARDINO ZAPPONI
Actores principales: DAVID HEMMINGS, DARIA NOCOLODI, GABRIELE LAVIA y MACHA MERIL
País: ITALIA Año: 1975 Productora: RIZZOLI FILM
Duración aprox.: 100 y 128 minutos aprox.
Publicado en España por: TRIBANDA PICTURES, S.L. Año: 2010
Formato: Digipak 2DVD más libreto con la biografía del director (EDICIÓN COMPRADA)

Estrenada en el año 1975 en Italia y galardonada en 1976 con el premio al Mejor Director en el prestigioso Festival de Sitges, “Rojo Oscuro” está considerada como una de las películas más deslumbrantes que haya rodado el mítico director de cine italiano Dario Argento. Basada en una trama donde nos presentan la historia del sangriento asesinato de una parapsicóloga, tras haber adivinado el trágico suceso protagonizado por uno de los asistentes a su conferencia, un pianista (protagonista principal de la película) tratará de desenmascarar al asesino tras haber presenciado ese crimen. Con la muerte siempre acechándole, y con horribles asesinatos entorpeciendo su labor de investigación, la película “Rojo Oscuro” nos ofrece un ambiente anormalmente luminoso respecto a lo que suele ser un thriller donde el misterio y el horror más obscuros acaban provocando intensas emociones en el espectador. Por su talentosa labor artística, Dario Argento es uno de los indiscutibles maestros del cine giallo (‘amarillo’ en idioma español, debido al color de las portadas de las sangrientas novelas en las cuales solían basarse estas películas), tras convertirse en la versión italiana de la corriente cinematográfica de moda en la década de los sesenta, setenta, y ochenta con películas donde los crímenes, la sangre, y las imágenes macabras son protagonizados por asesinos en serie y psicópatas. Imágenes impactantes que son mostradas con bastante crudeza, como así podrán comprobarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea. El cine giallo consiguió que el público internacional se interesara por estas obras cinematográficas, algunas de las cuales (como “Rojo Oscuro”) son consideradas como películas de culto por su calidad artística y por su siniestra belleza.

Pese a que estas películas pudieran parecer a simple vista demasiado escabrosas y sencillas en su concepción, Dario Argento tiene el don de convertir los planos, los escenarios, los enfoques, los encuadres, la disposición de los actores en cada toma, la geometría de los decorados… en imágenes con una hipnótica belleza artística. Esta visión innovadora dentro del cine giallo obliga a hablar de Dario Argento como uno de los grandes directores que nos ha ofrecido el cine de terror, horror, y suspense. Una proyección artística que, incluso en “Rojo Oscuro”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán observar con este guiño cultural al admirado maestro de la pintura estadounidense Edward Hopper (1882-1968) en cuanto vean el Blue Bar, local que parece sacado literalmente de uno de sus cuadros. Dario Argento es todo un maestro a la hora de utilizar todos los elementos indispensables que transforman una película en una horrible danza macabra, y donde estos siniestros escenarios acaban siendo marcados simbólica y psicológicamente por inquietantes muñecas, infernales autómatas, macabros muñecos colgando del cuello, canciones infantiles que en dramáticas circunstancias inspiran miedo y terror… en definitiva, todo aquello que puede impactar en la mente del espectador a través de horribles imágenes.

La magistral entrada en esta historia será con la presencia infantil en un sangriento crimen, y toda la carga psicológica que ello provoca. Aparecerán personajes que siempre darán la sensación de estar ocultando algo importante para poder descubrir quién es el asesino, y con esta intensa luz que es mostrada prácticamente a lo largo de todo el largometraje como si lo que sucede fuera aparentemente normal y cotidiano. “Rojo Oscuro” incluso presenta detalles como el frío y el vaho como formas de presentar un mensaje con inteligencia, al igual que los macabros y retorcidos divertimentos de esta niña. Imágenes que logran concentrar la atención del espectador en cada plano mostrado ante sus ojos. Además, en esta película, Dario Argento se permite el lujo de incluir en la preciosa e inolvidable escena de la fuente, un reflexivo diálogo filosófico sobre la realidad y la imaginación en la mente humana. Amante de la estética barroca que acabó siendo característica en la obra artística de este director, en “Rojo Oscuro” es perfectamente apreciable en la distintas decoraciones utilizadas en las casas de la parapsicóloga, de Giordani, de la madre de Carlo, del amigo de Carlo, de la escritora e investigadora, de la lujosa y abandonada mansión del escritor donde dicen que habitan los fantasmas… reflejando visualmente cada una de sus personalidades. Y en la genial escena del muñeco autómata, podrán comprobarán cómo Dario Argento es todo un maestro a la hora de crear imágenes que reflejen tensión, miedo, y terror. Gracias a la magnífica labor cultural que la empresa Tribanda Pictures ha realizado con la publicación de esta completa edición en formato DVD, es posible disfrutar tanto de la versión censurada de 100 minutos de duración que fue la que se estrenó en las salas de cine en aquella época, como la versión original extendida de 126 minutos. Dos largometrajes que son fieles reflejos artísticos del fuerte impacto visual que estas obras llegaron a provocar en la sociedad de su tiempo. “Rojo Oscuro”, el maestro Dario Argento sabe cómo convertir sus obras cinematográficas en películas de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HISTORIA MUERTA”, 2011 (Reseña / Review #1726).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1726 // Reseña Media nº: 79

Reseña actualizada. Publicada el 3 de septiembre del año 2011 en Lux Atenea.
Quiero dar las gracias al director de cine español FRAN MATEU por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Director: FRAN MATEU
Guión: FRAN MATEU
Actores principales: FRAN PALACIOS, MAITE MATEO, JESÚS DÍAZ
País: ESPAÑA Año: 2011 Productora: SOTOFILMS Duración aprox.: 15 minutos
Formato: DVD (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

Estrenado el pasado día 3 de abril en CCCE L´Escorxador de Elche, y galardonado con el premio “Ciudad de Elche” a la Mejor Producción Local (premio que le permite entrar en el próximo Festival Internacional de Cine Independiente de Elche), “Historia Muerta” es el título del cortometraje rodado por el magnífico director y guionista Fran Mateu donde el terror y lo sobrenatural han ambientado esta trama con trasfondo social a través de la crítica. En “Historia Muerta”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de un cortometraje donde apreciar cómo las influencias del pensamiento que caracterizaron al Romanticismo y al Decadentismo del siglo XIX, adquieren una importante presencia audiovisual en esta obra con la doble dimensión temporal unida por lo vampírico. Ecos del pasado enlazados con la volatilidad moral y el acelerado dinamismo que están marcando las pautas de la sociedad del siglo XXI y, todo ello, integrado en una terrorífica trama donde lo gótico tiene acto de presencia en su esencia conceptual a través del amor imposible. Un ideal romántico que se identifica fácilmente en esta obra, al quedar representado en el anhelo de Samuel (interpretado por el actor Fran Palacios) hacia la figura de Isabel (obscuro personaje sobrenatural interpretado por Maite Mateo). Con la voz en off del actor Fele Pastor como hilo narrativo de la historia, y con una banda sonora compuesta por Jorge A. Montesinos, tras su visualización y análisis, en este cortometraje se puede apreciar la escasez de medios y el escaso tiempo que tuvo disponible Fran Mateu para su rodaje, ya que hubo de ser filmado en tan solo tres días. Un interesante contrapunto artístico en relación a la definición de una idea, y que dio como fruto esta siniestra trama donde la muerte es vista como una irreparable pérdida de la vida por un lado, o como una liberación por otro. En definitiva, un cortometraje donde la sangre hace acto de presencia como seguro de una vida inmortal, y donde la ausencia del amor acaba convirtiendo todo en un suplicio casi eterno. “Historia Muerta”, cuando la escasez de medios materiales disponibles no impide rodar una buena obra cinematográfica dentro del género de terror en este país. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MARS ATTACKS!”, 1996 (Reseña / Review #1725).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1725 // Reseña Media nº: 78
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: TIM BURTON
Guión: JONATHAN GEMS
Actores principales: JACK NICHOLSON (presidente James Dale / Art Land), GLENN CLOSE (Primer Dama Marsha Dale), ANNETTE BENING (Barbara Land), PIERCE BROSNAN (profesor Donald Kessler), DANNY DEVITO (apostador), SARAH JESSICA PARKER (Nathalie Lake), MARTIN SHORT (secretario de prensa Jerry Ross), MICHAEL J. FOX (Jason Stone), NATALIE PORTMAN (Taffy Dale), ROD STEIGER (general Decker), JACK BLACK (Billy Glenn Norris), TOM JONES, JIM BROWN (Byron Williams), SYLVIA SIDNEY (abuela Florence Norris)
País: EE.UU Año: 1996 Productora: WARNER BROS. PICTURES
Duración aprox.: 102 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

No sé cuántas veces habré visto la película “Mars Attacks!” a día de hoy, y cada vez que vuelvo a visualizarla me sigue encantando como la primera vez que la vi en una sala de cine en Madrid, días después de su estreno. Una película de culto donde reina el humor negro. En esta obra cinematográfica, el genial director de cine estadounidense Tim Burton logró convertir esta película de ciencia-ficción en una ácida y sarcástica comedia donde la siniestra esencia del ser humano queda al descubierto, tras haber sido incorporada a las actitudes y pensamientos de estos marcianos decididos a invadir el planeta Tierra. A través de la música de Danny Elfman, que con solo escucharla unos instantes ya sabes que vas a ver un largometraje de Tim Burton, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán sumergirse en este espectacular despliegue audiovisual donde las escenas de acción y el intenso discurrir de su trama les hará disfrutar esta obra durante más de hora y media. En “Mars Attacks!”, el maestro Tim Burton realiza este homenaje cinematográfico a la colección de cromos del mismo nombre aparecido en el año 1962, alejándose de las ambientaciones predominantemente siniestras y oscuras que venían siendo características en las películas que había rodado hasta entonces. Aquí nos ofrece una atmósfera mucho más luminosa y alegre, pero sin perder totalmente ese acercamiento al horror que tanto le atrae. Colores intensos, plasticidad en las imágenes con diseños muy cuidados tanto en escenarios como en los vestuarios, encuadres perfectos, admirables movimientos de cámara, preeminencia de los gestos de los personajes en cada escena… dan esta esencia audiovisual que solamente el Séptimo Arte puede configurar. Pero, por encima de todo, son los impresionantes diseños que contemplamos en “Mars Attacks!” los que, en manos del talento creativo de Tim Burton, terminan convirtiéndose rápidamente en iconos de esta obra, y que recordamos inmediatamente en cuanto escuchamos cualquier mención a su título. Además, detalles como el anillo-ojo, la máquina utilizada por los marcianos para uniformar a sus soldados, el robot gigante, el vestido de la espía, incluso sus andares, se convierten en claros ejemplos de sus genialidades cinematográficas mientras jeeps, utilitarios, tractores, sillas de ruedas… con esqueletos humanos carbonizados van desfilando ante nuestros ojos.

Indudablemente, hay escenas en “Mars Attacks!” que te marcan por su mensaje humorístico y sarcástico como en la escena donde el perrito se lleva la mano humana separada del cuerpo, cuando vemos al líder de los marcianos mirando el póster central de la revista Playboy, cuando el salón Kennedy de la Casa Blanca pasa del mito a la realidad de la pantalla, cuando los hijos del exboxeador se toman el ataque contra los marcianos como si estuvieran jugando a un videojuego, cuando las vacas ardiendo en estampida se presentan ante nuestros atentos ojos al principio de la película, cuando en el bunker somos testigos del discurso político ofrecido por el Presidente de los EE.UU ante el líder de los marcianos para poder alcanzar la paz… y, sobre todo, es la impactante escena de los marcianos en el Congreso lo que marcará ese punto de no retorno que acabará desembocando en el satírico final de la película. En “Mars Attacks!”, parece que la historia y la hegemonía de lo humano se han acabado en este planeta tras la llegada de estos extraterrestres, cuya alta tecnología convierte a nuestros avances científicos más avanzados en algo que raya lo ridículo. Un sentimiento de inferioridad ante tales demostraciones de poder tecnológico que incitará a los líderes de los gobiernos en el mundo a una Política de Apaciguamiento con los invasores a cualquier precio, y pese a que la agresividad, la violencia, y la crueldad mostradas por los marcianos son constantes. Actos brutales e inmisericordes que son interesadamente interpretados por los líderes políticos como errores o malentendidos en su falsa esperanza de poder alcanzar la paz con ellos para, de esta forma, poder llegar a tener acceso a su tecnología.

La escena de la paloma es una muestra clara de la actitud belicista de estos marcianos en la Tierra, y que se hará presente y notorio en los salvajes juegos de los marcianos divirtiéndose con los monumentos más representativos de la Humanidad. La malvada ironía y el despiadado humor negro del líder de los marcianos, su visceral rechazo a la presencia de las aves volando libremente a su alrededor, el uso de su alta tecnología para jugar con los seres sin importarles en absoluto sus sentimientos y emociones, o cómo con sus avances científicos se burlan de la vida a su antojo. ¿Les suena de algo esa actitud? ¿Cuántos pueblos y civilizaciones recibieron con muestras de paz y concordia a otras culturas más avanzadas, y fueron posteriormente ultrajados, explotados y/o aniquilados? Observo en “Mars Attacks!” esa crítica a lo humano en particular, y a la máxima por la cual una civilización con mayor poder y tecnología siempre termina sometiendo a otras culturas y pueblos no tan avanzados en la gran mayoría de los casos a través de la utilización de la fuerza, pasando luego al abuso una vez dominados. Además, el uso de la fuerza combinada con el engaño siempre se convierte en una unión letal, como así se puede comprobar en esta película con la manipulación que los marcianos hacen de la televisión, utilizada como medio de propaganda para tapar sus verdaderas y violentas intenciones.

Me encanta contemplar el espíritu psicológico y analítico con el cual Tim Burton lleva a la gran pantalla el pensamiento humano en sus diferentes manifestaciones y personificaciones. Una variedad de perspectivas humanas relacionadas con la realidad y que, independientemente de la época histórica o la cultura que seleccionemos, siempre llegaremos a encontrar en individuos con un enfoque científico pacifista de la vida (Pierce Brosnan / profesor Donald Kessler), otros con una visión mucho más alarmista y belicista ante lo desconocido (Rod Steiger / general Decker), personas con actitudes caprichosas motivadas por su privilegiada posición social (Glenn Close / Primera Dama Marsha Dale) y que afectan a su propia familia (Natalie Portman / Taffy Dale), otras en cambio aprovechan esa ventajosa posición dentro del círculo del poder para darse a la buena vida (Martin Short / secretario de prensa Jerry Ross), personas cursis y extravagantes en su imagen pública tan artificial (Sarah Jessica Parker / Nathalie Lake) mientras otros oportunistas buscan su momento (Michael J. Fox / Jason Stone), apasionados del juego donde la vida únicamente existe en el casino (Danny DeVito / apostador), personas acomodadas con mentalidades inmaduras claramente identificadas con los postulados new age (Annette Bening / Barbara Land), ancianos que parecen que están en su mundo pero en cambio se enteran de todo (Sylvia Sidney / abuela Florence Norris)… en definitiva, un amplio abanico de las diversas perspectivas a través de las cuales los seres humanos perciben y sienten este mundo, y que, en esta película, al ser observados desde la distancia parecen darnos una imagen un tanto ridícula y sin sentido. A nivel artístico, quisiera destacar los excelentes papeles interpretados por el grandioso actor Jack Nicholson, ya sea como presidente de los EE.UU (presidente James Dale) o como avaricioso capitalista al que solamente le importa una cosa, el dinero (Art Land). Completando este arco artístico, los cinéfilos lectores de Lux Atenea también podrán disfrutar la magnífica interpretación realizada por el actor secundario Jim Brown, en el papel de este exboxeador empleado en un casino para poder sacar adelante a su familia, o en este toque musical surrealista protagonizado por Tom Jones y que terminó convirtiéndose en la inconfundible canción de esta película. “Mars Attacks!”, la magia artística de Tim Burton en esta invasión extraterrestre que expone el lado más obscuro del ser humano ante el espejo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BULLET BALLET”, 1998 (Reseña / Review #1724).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1724 // Reseña Media nº: 77
Reseña actualizada. Publicada el 8 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: SHINYA TSUKAMOTO
Guión: SHINYA TSUKAMOTO
Actores principales: SHINYA TSUKAMOTO (Goda), KIRINA MANO (Chisato), TAKAHIRO MURASE (Goto), TATSUYA NAKAMURA (Idei), KYÔKA SUZUKI (Kiriko), HISASHI IGAWA (Kudo)
País: JAPÓN Año: 1998 Productora: KANGJEGYU FILMS
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VÍDEO Año: 2003
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Bullet Ballet”
EXTRAS: Ficha técnica y artística // Filmografía del director // Trailer

Rodada en blanco y negro como todo buen thriller que desee proyectar en sus imágenes un dramático ambiente de suspense, la extraordinaria película “Bullet Ballet” es una muestra clara del cine japonés underground donde la siniestra estética fotográfica queda inmortalizada en la modernidad cosmopolita, decadente, y sucia que refleja. Un drama posmoderno protagonizado por el individuo sobrepasado por la realidad, y fascinado a su vez ante la contemplación de esta sublime belleza urbana en movimiento donde él queda siempre empequeñecido tras la aceptación de su intrascendente existencia. Dirigido por el talentoso maestro japonés Shinya Tsukamoto, director de la película de culto “Tetsuo” (ya reseñada en Lux Atenea), en esta trágica historia poblada por personajes con vidas llevadas al límite también interpreta a su personaje principal, Goda. Con un tempo lento en su desarrollo que es perfecto para que el espectador no caiga en un histriónico estado de tensión y angustia ante tal avalancha de intensos estímulos, si a ello le unimos una espectacular banda sonora con música ambient e industrial compuesta por Chu Ishikawa, todo encuentra su más perfecto equilibrio en esta egocéntrica posmodernidad basada en la tecnología y en el materialismo para su perduración como sistema social. “Bullet Ballet” se presentará ante el cinéfilo lector de Lux Atenea como una colosal película de imprescindible visualización, y donde el cine japonés underground encuentra en esta segunda década del siglo XXI envuelta en la crisis, el entorno y el escenario ideal para su correcta valoración artística. Los amantes del Séptimo Arte descubrirán en “Bullet Ballet”, ese cine de autor situado al margen del mainstream como máxima garantía de independencia y de creatividad artística en su definición conceptual y en su producción.

Esta lúgubre historia comienza con Goda, trabajador con una existencia cotidiana normal cuya vida gira alrededor de su novia Kiriko, llevando diez años juntos. Un día, regresando a casa tras haber terminado su trabajo, verá cambiado su destino al encontrarse con la desagradable e inasumible sorpresa del suicidio de Kiriko tras haberse disparado con una pistola. En ese momento, todo su mundo se vendrá abajo, creciendo la tensión y la desesperación en su interior hasta caer poseído por una irresistible pasión por las armas que le llevará a entrar en un alocado y salvaje caos existencial. En las calles de Tokio se encuentra con una joven, Chisato, la cual vive en otro ambiente completamente distinto al suyo. Esa forma de vida violenta y extrema que late de forma oculta en las grandes ciudades, y que estimulará aún más la rabia y la ira interior de Goda en cuanto sea mínimamente provocado. Una agitada tensión interior que verá aumentará su desesperación cuando Goda descubra la auténtica realidad que provocó la muerte de Kiriko. En “Bullet Ballet”, el director Shinya Tsukamoto hace una excelente y convincente interpretación de este personaje en la película, ya que Goda achaca el origen de su difícil situación interior señalando siempre hacia fuera, hacia los demás. Goda no reflexiona. Únicamente actúa de forma violenta tratando de eliminar todo aquello que le perturba o molesta, y sin cambio o transformación interna, por lo que sus propios miedos y temores no hacen más que crecer, metiéndole de lleno en una violenta espiral de obscura y dramática salida. Como analista cultural, disfruto viendo la magna obra artística de Shinya Tsukamoto porque es todo un maestro a la hora de reflejar en imágenes, esa actitud de indiferencia posmoderna que muestran los ciudadanos ante los dramáticos acontecimientos que suceden a su alrededor… hasta que ellos resultan ser los afectados. Así se representará ante el espectador cuando observe la imperturbable actitud de Goda al llegar al portal de su casa, instantes antes de conocer la dramática desgracia que cambiará su vida. La imagen casi constante de las calles de Tokio con la suciedad, la degradación, y la inmundicia dominando estos escenarios tan decadentes, unido a la lucha sin cuartel entre bandas urbanas, configuran esta talentosa fusión artística de lo industrial con lo ultraviolento a través de escenas tensas, amargas, adrenalínicamente ácidas. También hay que destacar la magnífica interpretación que hace la actriz Kirina Mano en el papel de Chisato. La frialdad emocional que muestra siempre la andrógina Chisato, junto a la sádica e irresistible atracción que siente hacia todo lo que represente dolor, sufrimiento, o muerte, son una muestra clara de la profunda soledad interior en la que vive, aunque Chisato viva el día a día cubierta por esa máscara de indiferencia, de estar por encima del Bien y del Mal, y de mostrar ese valor extremo ante las personas. La actriz Kirina Mano ha logrado convertir a Chisato en uno de los personajes principales de este largometraje, gracias a esta extraordinaria interpretación de hermética y enigmática personalidad.

El cine japonés underground es, sobre todo, trasfondo conceptual y existencial a través del adorado culto artístico a la imagen, a la estética, y al equilibrio incluso cuando se muestra extremo y transgresor. Así podrán comprobarlo y disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea en “Bullet Ballet” con esta visión cosmopolita bellamente reflejada en imágenes en blanco y negro, en el shock y en el bloqueo emocional que sufre Goda tras conocer la trágica noticia, cómo la paliza que recibe Goda a manos de la banda de Chisato le hace romper los límites del autocontrol, impulsándole a una nueva vida marcada por lo extremo y lo violento. Cautiva observar la inocencia inicial de Goda para moverse dentro de los bajos fondos y cómo el ser engañado y estafado le hace aprender, cómo Internet acaba convirtiéndose en la fuente principal donde Goda parece hallar el camino para conseguir el arma que tanto desea, o las contundentes imágenes donde se entremezclan secuencias bélicas y de la pistola como reflejo simbólico de los pensamientos de Goda. Es espectacular la escena del siniestro y decadente local underground caracterizada por estos giros de cámara, la impactante escena donde los instintos suicidas de Chisato hacen que Goda se enfrente con sus más terribles miedos y temores, la impresionante secuencia donde contemplamos el juego suicida que a Chisato le gusta practicar en los andenes de metro, y cómo ante la desesperación que tiene Goda para hacerse con un arma, aparece una oportunidad para conseguirla en el momento y de la forma más inesperada. Pero “Bullet Ballet” es extremo, como la brutal escena donde Goda convierte su entrada en lo violento en un salvaje ritual iniciático donde el valor es el antídoto para sus miedos, con la siniestra belleza que destila la escena del parque de atracciones, con la secuencia de Goda y Chisato en la azotea como imagen clara de las personas inmovilizadas por ese impasse existencial tras verse superadas por las circunstancias, con la imagen de Goda y Chisato en la escalera donde se refleja su situación al margen de esa sociedad alienante donde tratan de vivir y que también rechazan, o la terrible escena final como sangrienta apoteosis protagonizada por el tirador en una clausura propia del cine negro. “Bullet Ballet”, cuando el Séptimo Arte japonés es transgresor y completamente alejado del mainstream. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

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Archivo del Autor: Félix V. Díaz

Acerca de Félix V. Díaz

“LENI RIEFENSTAHL: EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD / OLYMPIA (Triumph der Willems / Olympia)” (Reseña / Review #1733).

LENI RIEFENSTAHL “OLIMPIADA PARTE I y II (OLYMPIA)” (Reseña / Review #1732).

“TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO (Twin Peaks: fire walk with me)”, 1992 (Reseña / Review #1731).

“NIEBLA EN EL ALMA (don’t bother to knock)”, 1952 (Reseña / Review #1730).

“LOS OJOS MISTERIOSOS DE LONDRES (the human monster -USA- / the dark eyes of London -UK-)”, 1940 (Reseña / Review #1729).

“AL CAPONE”, 1959 (Reseña / Review #1728).

“ROJO OSCURO (profondo rosso)”, 1975 (Reseña / Review #1727).

“HISTORIA MUERTA”, 2011 (Reseña / Review #1726).

“MARS ATTACKS!”, 1996 (Reseña / Review #1725).

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