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Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

MARIS ANGUIS “LAMIA” (NOCTIVAGANT, marzo 2025) (Reseña / Review #2258).

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Reseña Cultural nº: 2258 // Reseña Musical nº: 1445

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Queen Lamia // 2- Affair // 3- Hera’s Wrath // 4- Cries of the Children // 5- Devouring The Innocent // 6- Hera’s Curse // 7- I Am Monster // 8- No Sleep // 9- Eyes In Eyes Out // 10- Gift of Prophecy // 11- Living A Nightmare // 12- Rise From Hell
Datos técnicos: Temas grabados y mezclados en el año 2025 por Maris Anguis en DarkSkys Studio (Illinois, Estados Unidos de América)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical de ecléctica esencia conceptual de vanguardia

A finales del pasado mes de marzo fue presentado oficialmente el nuevo álbum de Maris Anguis titulado “Lamia”, habiendo sido publicado por el prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant en formato digital y en una preciosa edición limitada de 100 unidades en ecopak CD, ambas disponibles en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con un espectacular diseño, destaca especialmente por su siniestra portada donde se transmiten tres mensajes principales en su imagen: lo ancestral, lo maléfico, y lo poderoso por su capacidad para ver el futuro. Teniendo al mítico monstruo femenino homónimo de la mitología griega como fuente inspiradora principal de los doce temas musicales que vertebran este álbum, la artista japonesa Ryo Utasato, alma mater de Maris Anguis, vuelve a sorprendernos con otra grandiosa obra musical englobada mayormente dentro del estilo dark ambient, pero con influencias claras de la escena tribal, ambient, y experimental. Con la figura de Lamia como eje, cada uno de los títulos de estos temas del álbum cobran sentido al estar directamente relacionados con su historia mitológica. La reina Lamia tuvo relaciones con Zeus, teniendo incluso hijos con él, pero cuando su esposa Hera se entera de ello, su venganza contra la reina Lamia será terrible. Empezando por quitarle sus hijos que, ante su pérdida, la reina Lamia pierde la cordura, llevándola a partir de entonces a matar y devorar a cualquier niño o niña que se encontrara. Esta tenebrosa deriva existencial terminó por afectarla a nivel físico hasta convertirla en un temido monstruo en la Antigüedad griega. Pero Hera también condenó a Lamia al insomnio, no pudiendo cerrar sus ojos para que viera permanentemente la pérdida de sus hijos. Como compensación, Zeus le dio el poder de la profecía, y que pudiera quitarse sus ojos de las órbitas y volver a ponérselos. Un interesante trasfondo mitológico dando sentido a este extraordinario álbum, y que fascinará al melómano lector de Lux Atenea tanto por su calidad artística, como por el talento creativo mostrado por Ryo Utasato a la hora de recrear a nivel musical cada uno de esos escenarios.

Sin más demora iniciamos esta inmersión en la mitología griega de la mano de Maris Anguis, empezando por el tema “Queen Lamia” y este vibrante comienzo armoniosamente equilibrado con el plano vocal femenino, para luego dar paso a esta estructura musical donde se entrelaza lo oriental, lo embriagador, y lo misterioso. Con un estilo ambient que termina fusionándose con lo tribal, el tema “Queen Lamia” rompe esquemas artísticos que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su estructura sonora innovadora y por su capacidad de transformación radical sin perder en ningún momento su belleza melódica. Una exquisitez musical que nos llevará directamente al tema “Affair”, donde lo trágico ya se intuye desde el primer segundo, y que va a ir desarrollándose con una belleza melódica impresionante y con pinceladas iridiscentes que dan luz a este entorno mayormente obscuro. Amenazante como una víbora, el tema “Affair” combina lo seductor con lo tenebroso dentro de una perspectiva artística de influencia oriental que tiene magnetismo, que tiene atracción, que tiene ese lado siniestro que te atrapa durante su audición. A continuación, todo se obscurecerá mucho más en el tema “Hera’s Wrath”, proyectando esa rabia desatada y ese lado diabólico del cual uno siempre trataría de huir lo más lejos posible. En “Hera’s Wrath”, la artista japonesa Ryo Utasato entrelaza conceptualmente el dark ambient con lo tribal dentro de una estructura musical de vanguardia, tomando los pasajes instrumentales para percusión como pilares que irradien el peligro latente.

Con el tema “Cries of the Children” apareciendo inmediatamente con estas tenebrosas y afiladas melodías, unido a la entrada de nebulosos planos sonoros que terminan quedando como trasfondo, aquí el estilo dark ambient presenta una creatividad sonora impresionante, siendo una muestra clara del talento innovador de Maris Anguis. Pasado el ecuador del tema, todo va a tomar una dimensión absolutamente dantesca por su emanaciones sonoras infernales cargadas de solemnidad mortuoria. El tema “Devouring The Innocent” llevará esa terrible acción hasta sus últimas consecuencias, siendo recreada con sumo talento artístico dentro del estilo dark ambient hasta adquirir cualidades sonoras propias de lo experimental, y perfilando un entorno demoníaco muy impactante. En su parte final, “Devouring The Innocent” les sorprenderá por su eclecticismo y por su avanzado concepto creativo, convirtiéndose en una auténtica joya musical. ¡¡¡“Devouring The Innocent”, excelsa composición!!! Posteriormente, el extraordinario tema “Hera’s Curse” realzará el plano vocal desde un perfilamiento sonoro fantasmagórico, y todo lo instrumental irá orbitando alrededor hasta crear este torbellino emocionalmente siniestro aunque emanen fugaces destellos de luz. “Hera’s Curse” es la antesala musical perfecta para remarcar la sobresaliente creatividad de Maris Anguis en el tema “I Am Monster”, donde toda la estructura sonora te impacta por su amplitud dimensional tan profundamente obscura y por esta presencia demoníaca latente en lo más hondo. Pero lo que más destacaría de la excelsa composición “I Am Monster” es su apartado melódico que destila tristeza, esas lágrimas que aparecen en los ojos cuando se miran al espejo. Una sensibilidad artística que engrandece la perspectiva creativa de Ryo Utasato en esta composición capaz de emocionar al melómano lector de Lux Atenea por su trágico trasfondo. ¡¡¡“I Am Monster”, obra maestra de Maris Anguis!!!

Luego, el tema “No Sleep” reflejará ese sufrimiento del cual se tiene consciencia que no tendrá fin, de ahí el tenebroso abatimiento que irradia esta composición dentro de un estilo dark ambient de terrible solemnidad, y en algunos momentos cruzando su frontera con la música contemporánea. “No Sleep” es la recreación musical del peor de los sufrimientos porque seguirá presente mientras se esté encarnado. En el tema “Eyes In Eyes Out”, el escenario musical cambiará totalmente dentro de un estilo dark ambient profundamente tenebroso que te petrifica, presentando planos sonoros que provocan pavor en un entorno emocionalmente cáustico por su alejamiento absoluto de lo humano. La vibrante latencia que impulsa al tema “Gift of Prophecy” en su desarrollo musical, nos invitará a adentrarnos en su interior donde se entremezclan la aceptación de lo inexorable con el descubrimiento de nuevos Conocimientos, perfilando una composición musical de una belleza artística que fascina por su halo femenino y por la presencia del Arte Regio en su trasfondo. Pero todo cambiará en el tema “Living A Nightmare”, volviéndose más tenebroso pero como manifestación de lo horrible, de ahí el potente impacto sonoro de sus pesadas columnas sonoras avanzando de forma imperturbable, y que nos llevarán hasta el tema “Rise From Hell” que clausurará este álbum musical tan admirable. Con un horizonte dimensional en expansión teniendo a lo infernal como fondo, esta composición posee esa belleza oscura tan irresistible como un perfume incensado, de ahí su tremendo poder de seducción para nuestra mente al acariciarla con lo misterioso. De “Rise From Hell” emana la tentación, y su recreación musical es inolvidable. “Lamia”, excelsa obra musical de la artista japonesa Ryo Utasato publicada por uno de los sellos discográficos más comprometidos con la vanguardia musical actual dentro de esta escena. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MAHA PRALAYA “THE FLAME IN THE SKULL” (AUTOEDITADO, noviembre 2024) (Reseña / Review #2257).

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Reseña Cultural nº: 2257 // Reseña Musical nº: 1444

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al talentoso dúo musical ruso Maha Pralaya por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Flame in the Skull
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- The Flame in the Skull

Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen mi pasión por las obras artísticas del dúo musical ruso Maha Pralaya, algunos de cuyos álbumes ya he reseñado en este blog cultural y existencial. Ahondando en esta profundización en sus avanzados conceptos sonoros dentro del estilo ritual ambient, además de su trasfondo esotérico de corte chamánico, como analista musical creo que su espectacular álbum “The Flame in the Skull” se convertirá en una de las audiciones que más les sorprenderá y les fascinará. Concebida por Maha Pralaya junto al bailarín Nemo Butoh como banda sonora de su obra “Butoh”, en su definición artística, el álbum “The Flame in the Skull” se presenta esplendoroso, mágico, solemne, y espectacular en su interpretación y desarrollo, quedando destacada como una de las obras musicales más sobresalientes de Maha Pralaya. Presentado oficialmente en el mes de noviembre del pasado año 2024 en una autoedición en formato digital, disponible en la página oficial de Maha Pralaya en Bandcamp, este álbum ha sido engalanado con un impactante diseño de portada de intensos colores donde el color rojo es ineludible por la presencia del fuego en su título, habiendo quedado como imagen principal, la obra de los maestros talladores de colmillos de mamut, los artistas Artyukhov. Una conexión con lo ancestral, con lo artesano, con la tradición, y con ese trasfondo esotérico y místico que se pierde en pasado más remoto. Por este motivo, el estilo ritual ambient de Maha Pralaya a la hora de componer estas grandiosas obras musicales queda especialmente destacado en su álbum “The Flame in the Skull” por su belleza, por su perspectiva conceptual, y por este sentido del equilibrio sonoro con esencia mística. Sin duda alguna, “The Flame in the Skull” será uno de los álbumes que más veces disfruten a lo largo de los años si sienten la música ritual ambient en profundidad y con sensibilidad musical, porque tiene esa alma sonora que perdura pasen los años que pasen. Brillantez instrumental en su interpretación y mirada artística donde la experiencia musical es un don, convierten al álbum “The Flame in the Skull” es una auténtica delicia para quienes aman lo espiritual.

Iniciamos la atenta audición del álbum “The Flame in the Skull” de treinta minutos de duración, sumergiéndonos en esta atmósfera sonora marcada por las iridiscencias, los tintineos, y estos instrumentos de viento que evocan la entrada de lo sobrenatural y de esas energías provenientes de otro mundo. Con estas fuerzas desatadas, la flauta revela y señala la danza simbólica y metafórica del ritual configurado metódicamente en lo ceremonial, y mientras la obscuridad mística lo rodea todo salvo el centro. Un eje en torno al cual va a expandirse lo sagrado, permaneciendo el centro como generador de esas ondas energéticas que son emanadas para transformarlo todo. La entrada de lo sobrenatural detalladamente recreado a nivel instrumental por Maha Pralaya en esta fase de la composición, adquiere una belleza siniestra espectacular, quedando definida a nivel sonoro con una complejidad artística que te envuelve y te fascina a pesar de la obscuridad que proyecta. A partir de aquí, “The Flame in the Skull” mostrará al melómano lector de Lux Atenea este estilo ritual ambient de vanguardia donde cada plano instrumental tiene un significado claro en esta representación mística, evolucionando como un ritual sagrado donde paso a paso van abriéndose las dimensiones, emanando energías, manifestándose las presencias, y fluyendo todo con un sentido espiritual profundo por su raíz chamánica, de ahí el uso de instrumentos específicos dedicados a estas ceremonias mágicas. Con lo sobrenatural creando esta ambientación fantasmagórica, la entrada de instrumentos de percusión consolidará y estabilizará esta nueva realidad donde todo lo cotidiano y lo humano se desdibujan, apareciendo esa realidad superior que suele estar oculta, pero omnipresente en el destino.

Derivando hacia una estructura musical mucho más solemne tras la aparición de nuevo de las iridiscencias cristalinas que vuelven a romper el velo que oculta lo divino, los instrumentos de percusión verán amplificados sus sonoridades acercándose al melómano lector de Lux Atenea durante la audición, mientras lo mágico fluye en lo alto. Con los sentidos sensibilizados al máximo, “The Flame in the Skull” va a adquirir otra dimensión sonora donde su evanescencia transforma esta atmósfera en esa languidez sagrada unida lo divino, porque el tiempo comienza a disolverse. Y en este estado, la mente se expande, los sentidos elevan su alerta a los matices sonoros e instrumentales que aparecen en esta composición musical, convirtiendo su audición en una auténtica delicia para quienes buscan experimentar sensaciones profundas con el arte musical. Luego, Maha Pralaya reordenará toda la estructura multicapa para hacerla más fluida, más ligera, y mucho más siniestra, proyectando estas presencias inquietantes en la oscuridad que no tienen nada que ver con lo humano. Pinceladas melódicas oscilantes, vibrantes pasajes instrumentales, sonidos selénicos propios de lo mágico, van a apoderarse de este escenario en una recreación musical espectacular que provocará en el melómano, su más sincera admiración hacia el talento y la pasión interpretativa de Maha Pralaya en este álbum. Conduciéndonos hacia espacios más amplios donde la oscuridad sigue apoderándose del entorno, este plano melódico centrará toda nuestra atención hasta que todo desemboque en el sonido del gong como magnífica forma de anunciar su clausura en clave esotérica. “The Flame in the Skull”, el sublime arte del dúo musical ruso Maha Pralaya puliendo sonoramente este álbum grandioso en su concepto, y espectacular en su interpretación. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SUTEKH HEXEN “CONSTELLATION RITUALISTIC ALTARS : DEMO(N)S” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (Reseña / Review #2256).

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Reseña Cultural nº: 2256 // Reseña Musical nº: 1443

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Calling // 2- The Blessing // 3- Cursed Burial // 4- Equinox // 5- Order of Nine // 6- Forest Witch // 7- Obsidian Dawn
Datos técnicos: Álbum remasterizado por Grant Richardson (Gnawed) en el año 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena noise

A principios del pasado mes de marzo, el prestigioso sello estadounidense Sentient Ruin Laboratories presentó oficialmente esta joya discográfica titulada “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S”, y que atesora en su interior los temas musicales pertenecientes a las tres primeras demos de los legendarios Sutekh Hexen: “Constellation” con los temas “The Calling” y “The Blessing” (sello discográfico alemán Fragment Factory, edición limitada de 50 unidades en cassette, 2010), “Ritualistic” con los temas “Cursed Burial” y “Equinox” (Fragment Factory, edición limitada de 50 unidades en cassette, 2010), y “Altars” con los temas “Forest Witch” y “Obsidian Dawn” (sello discográfico neerlandés Zeitgeists, edición limitada de 50 unidades en cassette, 2010). Además, este álbum también incluye el tema “Order of Nine” perteneciente al single homónimo. Publicado en formato digital y, por primera vez, en ecopak CD de seis paneles, y en LP 12” en el clásico vinilo negro y en vinilo púrpura (edición limitada de 100 unidades), el álbum “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S” ha sido engalanado con este siniestro diseño creado por el propio artista Kevin Gan Yuen, cuya obscura portada adquiere estas tonalidades y estas texturas degradadas como cuando el celuloide es sometido a altas temperaturas. Pero observando esta portada a distancia, es cuando aparece nítidamente la presencia de una calavera en la imagen. A nivel artístico, como pioneros del estilo black noise, la banda musical estadounidense Sutekh Hexen aparecieron para romper esquemas sonoros, límites conceptuales, y definiciones estructurales en sus composiciones marcadas por lo extremo y por esta belleza siniestra tan urbana, tan decadente, tan tensionada a nivel existencial por su trasfondo esotérico. En estas primeras demos, Sutekh Hexen componen con esa libertad artística que da no estar atado a condicionantes comerciales o a dar continuidad al éxito musical previo. Por este motivo, la pureza sonora siniestra que podrán disfrutar los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena noise y al metal más extremo, es incomparable, y con una calidad sonora espectacular gracias a la labor técnica de remasterizacion realizada de forma excelsa por el maestro Grant Richardson (Gnawed) en cuanto a la calidad de su registro sonoro. Contundente y mentalmente arrollador, el álbum “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S” es todo un lujo artístico que, gracias a la labor cultural desarrollada por el sello estadounidense Sentient Ruin Laboratories, podemos escuchar en su plenitud sonora en este año 2025.

Iniciamos la audición de este álbum musical espectacular adentrándonos en los dos primeros temas pertenecientes a la demo “Constellation”, presentándose “The Calling” como una rugiente nebulosa de carácter tormentoso como antesala del cambio radical, de ese estado decadente cuyas grietas ampliará hasta la ruptura para dar paso a ese renacer donde todo será completamente distinto a lo anterior. Descargas sonoras afiladas, densidad ambiental que ahoga, movimientos cortantes que despedazan todo a su paso, el tema “The Calling” es inmisericorde porque en su trasfondo se encuentra la muerte no como final, sino como inicio de transformación a algo completamente imposible de imaginar. Posteriormente, el tema “The Blessing” es un paso más en ese proceso de cambio, ahondando en esas turbulencias sonoras noise donde las pinceladas melódicas en un segundo plano adquieren esas texturas ultraterrenas porque son de otro mundo, de ahí su alejamiento del melómano lector de Lux Atenea durante su audición. El tema “The Calling” era siniestro por su vinculación con la muerte, y “The Blessing” presenta su obscuridad pero con esa luz al final del túnel que sirve de guía para no dudar en dejar todo atrás. ¡¡¡“The Blessing”, impresionante tema!!! A continuación, nos sumergiremos en la grandeza artística de la demo “Ritualistic”, empezando con el tema “Cursed Burial”, de impulso constante en su proyección sonora, para luego presentar una estructura musical más propia del metal antes de fundirse con este estilo noise de auténtico lujo. La presencia de este irritante plano sonoro expandiéndose como el sonido de una chicharra en un verano sofocante, adquiere un significado simbólico muy especial en esta composición como elemento unido a lo eterno, siendo “Cursed Burial” el ceremonial previo a ese aspecto existencial marcado por lo obscuro, por la perdición, por lo tenebroso como telón que oculta lo post mortem. Luego, el tema “Equinox” va a adquirir un dimensionamiento sonoro completamente distinto al adentrarse completamente en el estilo noise más saturado. Una explosión musical extrema donde los armónicos danzan en este aquelarre de afiladas garras. Mucho más lineal en su estructura que los tres temas anteriores, “Equinox” posee esa atracción de lo maldito, ese embrujo irresistible de lo siniestro a pesar de sus señales de peligro, proyectando un estilo noise sumamente denso que hará las delicias de los melómanos afines al japanoise.

El tema “Order of Nine” perteneciente al single homónimo surgirá con esta brutal descarga noise de una violencia sonora superlativa, girando como una colosal centrifugadora que lo atrae y lo destruye todo. “Order of Nine” es energía desatada y descontrolada en su colosal impulso, y que se mueve dentro de un eje cuyo poder está más unido a lo divino que a lo terrenal y físico. Aquí, el estilo black noise que caracteriza a Sutekh Hexen presenta una de sus definiciones conceptuales más transgresoras y espectaculares, desarrollándose en el tiempo con matices muy sutiles en su trasfondo que obligarán al melómano lector de Lux Atenea a varias audiciones para poder descubrir toda su esencia artística. Con la demo “Altars” clausurando este impresionante álbum, el tema “Forest Witch” nos llevará al interior de este terrorífico escenario donde las fuerzas ocultas se manifiestan con ese poder tenebroso que hiela la sangre al neófito. Una recreación musical de la visión que quiebra la mente, que rompe esquemas sobre la existencia y sobre el sentido de la vida, y este lado obscuro ha sido configurado a nivel musical con admirable nitidez. La entrada de estos oscilantes planos electrónicos es perfecta para dar forma sonora a lo mágico, a aquello capaz de embrujar, y siempre actuando detrás de la cortina, de ahí la presencia de esta potente columna noise en un primer plano. El tema “Obsidian Dawn” podrá el punto y final a esta impactante audición proyectando a nivel sonoro, la esencia y el fundamento del sacrificio dentro de una visión solar del espíritu. Completamente distinto a cualquiera de los anteriores temas, “Obsidian Dawn” presenta la evolución conceptual más profunda de Sutekh Hexen en esta etapa creativa, apareciendo el metal como antesala de esta inmersión en el noise más descarnado que hayan compuesto. “Obsidian Dawn” es dolor, “Obsidian Dawn” es trágico, “Obsidian Dawn” genera ese éxtasis que nubla la mente hasta someterla a su impacto psicológico más desgarrador a nivel emocional, sobreestimulando sus sensaciones hasta perder completamente el sentido de la realidad. Una crudeza musical que paraliza por su ataque directo al pensamiento propio del individuo. “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S”, excelsa edición discográfica más que necesaria dentro de la escena noise para poder sentir la grandeza conceptual de la mítica banda musical estadounidense Sutekh Hexen en sus primeras obras como pioneros del black noise. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
SUTEKH HEXEN “PRIMEVAL” (CYCLIC LAW / BREATH SUN BONE BLOOD, enero 2025) (leer reseña)
SUTEKH HEXEN / 夢遊病者 (aka SLEEPWALKER) “SPLIT” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, mayo 2019) (leer reseña)
CLAN DOS MORTOS CICATRIZ “TÉCNICAS DE MORTE” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (leer reseña)
6th CIRCLE “PACIFIED / CONJURING” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, mayo 2020) (leer reseña)
KUROI JUKAI (黒い樹海) “KUROI JUKAI” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, febrero 2020) (leer reseña)
ABSTRACTER “WOUND EMPIRE” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, febrero 2015) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

VARIOUS ARTISTS “Электронная Музыка АНС (ANS ELECTRONIC MUSIC)” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (Reseña / Review #2255).

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Reseña Cultural nº: 2255 // Reseña Musical nº: 1442

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Eduard Artemiev, Stanislav Kreitchi – Music For The Film “Cosmos” // 2- Stanislav Kreitchi “Intermezzo” // 3- Alexander Nemtin “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)” // 4- Alexander Nemtin “Tears” // 5- Sándor Kallós “Northern Tale” // 6- Stanislav Kreitchi “A Voice Of The East”
Datos técnicos: Temas musicales grabados en el año 1969 por el sello discográfico soviético Melodiya; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena electrónica experimental de vanguardia

El sello discográfico británico de culto Cold Spring Records vuelve a sorprendernos con la presentación oficial de esta joya musical a finales del pasado mes de febrero. “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)” es un álbum recopilatorio que fue grabado y editado originalmente en vinilo a través del sello discográfico soviético Melodiya en 1969, renaciendo en este año 2025 en formato digital y en una magnífica edición en digipak CD. Engalanado con este impactante diseño gráfico creado por Abby Helasdottir, en su imagen se recrean estos quelíceros arácnidos donde el diseño digital es perfecto para transmitir visualmente en su mensaje, la esencia sonora innovadora que caracteriza a las composiciones musicales incluidas en esta compilación. Una serie de creaciones sonoras basadas en el uso del espectacular sintetizador ANS donde los artistas rusos de vanguardia Eduard Artemiev, Stanislav Kreitchi, Sándor Kallós, y Alexander Nemtin nos muestran en estos seis temas que vertebran el álbum, pura experimentación sonora donde las texturas, las frecuencias, y los cromatismos musicales son la base fundamental de su concepto creativo. El sintetizador musical ANS fue creado por el científico soviético Evgeny Murzin tras su trabajo técnico desarrollado entre los años 1937 y 1957, siendo su nombre ANS en honor al legendario compositor, pianista, y simbolista musical ruso Alexander Nikolayevich Scriabin (1872-1915) que fue miembro de la Sociedad Teosófica, de ahí su orientación artística musical orientada a la sinestesia que vinculaba los colores con las notas musicales dentro de un trasfondo trascendente capaz de elevar el plano de consciencia a nivel espiritual. Como avanzado diseño tecnológico, lo más fascinante del sintetizador musical ANS es que es un instrumento musical fotoelectrónico capaz de transformar dibujos realizados en vidrio ranurado en notas musicales.

Formado por cinco discos de vidrio que giran, el sintetizador musical ANS es capaz de generar 144 tonos por cada disco, teniendo una capacidad total de 720 tonos (144 x 5) que, al utilizar luz en su generación usando células fotovoltaicas, en su combinación más extrema pueden incluso llegar a sonar en su totalidad en un mismo periodo de tiempo. Lo más increíble es que el sintetizador musical ANS transforma dibujos en sonidos, generando unas ondas sonoras que impresionarán a los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute de la vanguardia musical más avanzada a nivel conceptual. Por este motivo, la adquisición del álbum recopilatorio “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)” les resultará fundamental para poder enriquecer su colección discográfica a nivel cultural con esta auténtica joya musical, y mucho más tras haber pasado por el excelso proceso técnico de masterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), ofreciéndonos la mejor calidad musical que se haya presentado en una edición discográfica de este álbum. Una remasterización difícil y complicada pero que, en las expertas manos de Martin Bowes, ha sido reactivada la energía sonora de estas composiciones tan antiguas hasta reiluminar completamente su alma musical con un sentido de la armonía en su registro sonoro que les impresionará. El álbum recopilatorio “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)” es una mirada artística al pasado gracias a la admirable labor discográfica del sello británico Cold Spring Records, pero que se siente casi como propio del siglo XXI por su avanzado concepto musical y tecnológico donde la experimentación y la innovación rompen la barrera del tiempo, incluso entre siglos.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra musical como un apasionante viaje al pasado dentro de la escena electrónica soviética de vanguardia, teniendo a los artistas rusos Eduard Artemiev y Stanislav Kreitchi como experimentadores sonoros en este tema compuesto para la película “Cosmos”. Una oquedad dentro de la cual vibran estos psicodélicos ecos sonoros de una plasticidad musical casi mágica, como de otro mundo. Unas veces cristalina en su iridiscente presencia, otras con la majestuosidad de un órgano de iglesia en un templo futuro, “Cosmos” les fascinará por su radiante sonoridad en constante transformación a cual más misteriosa. Hasta lo siniestro aparece con la presencia de lo fantasmagórico que provoca esa parálisis de la Razón ante lo inexplicable, mientras pasajes musicales que perfectamente podían ser incluidos dentro del estilo ambient, terminan centrando nuestra atención por la belleza melódica que irradian. Con más de doce minutos de duración, “Cosmos” es la composición más extensa de este álbum, llevándonos hasta las puertas del tema “Intermezzo” donde el artista Stanislav Kreitchi perfila una estructura sonora mucho más luminosa y dinámica. El tema “Intermezzo” nos transmite esos alegres aires melódicos de la década de los sesenta, llevándonos mentalmente a un pasado donde las ganas de vivir la vida y las esperanzas positivas de futuro latían con fuerza en la sociedad y en la ciudadanía. Luego, el artista Alexander Nemtin nos invitará a disfrutar de esta interpretación de “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)”, cargada de solemnidad y de espiritualidad en todo su desarrollo. Adquiriendo tonalidades cristalinas que atraerán al melómano lector de Lux Atenea por su increíble belleza musical, se aprecia claramente cómo el tema “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)” conserva su alma artística clásica, pero pulido en su sonoridad con estos aires artísticos que identificamos rápidamente con los instrumentos musicales electrónicos. Precioso en su estructuración sonora, el tema “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)” tiene magia, tiene ese encanto musical envuelto en positividad futurista, y en esa inocencia del espíritu que han de transmitir estas composiciones compuestas por el maestro Johann Sebastian Bach (1685-1750).

En la composición “Tears” encontrarán al artista Alexander Nemtin explorando fronteras sonoras claramente experimentales, y cuya dimensión expansiva no aplaca en ningún momento su poso melancólico y decadente. Una obscuridad ambiental a partir del cual los focos sonoros van irradiando estos planos melódicos, formado un conjunto musical de tenebrosa armonía en su desarrollo y evolución. El tema “Tears” te sorprende por su incesante actividad, por la peligrosa presencia de lo misterioso, haciéndose presente en un escenario obscuro como contraste ideal para destacar estos cromatismos sonoros tan hipnóticos. Posteriormente, el tema “Northern Tale” del artista Sándor Kallós recreará ese entorno cargado de mitología que envuelve a las leyendas que perduran desde la antigüedad. De nuevo, la presencia ineludible de lo mágico, de aquello que está por encima de la realidad humana, y, en este sentido, el uso del sintetizador ANS es ideal para configurar a nivel sonoro esta estructura musical donde se respira de forma permanente lo inquietante. Incluso, en su parte final tiene ese lado tenebroso de lo psicofónico cuando se reproducen esas grabaciones. ¡¡¡“Northern Tale”, espeluznante tema!!! Con el artista Stanislav Kreitchi clausurando este grandioso álbum con su tema “A Voice Of The East”, el escenario sonoro cambiará radicalmente al proyectar estos destellos psicodélicos que parecen tener vida propia por sus intentos de comunicación. Un amplio espectro de tonos orquestados en un fondo musical propio de otro planeta, de otra civilización avanzada, adquiriendo una plasticidad casi orgánica que dejará al melómano lector de Lux Atenea con ganas de más cuando termine esta composición de tan solo dos minutos de duración. “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)”, cuando el sintetizador ANS fue la base sonora esencial de esta corriente musical soviética de vanguardia a finales de la década de los sesenta, y con los artistas Eduard Artemiev, Stanislav Kreitchi, Sándor Kallós, y Alexander Nemtin como destacados pioneros. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

[MY-DYING-ROBOT] “NEW DARK RESURRECTION” (RUSSIAN DARK COMMUNITY, enero 2024) (Reseña / Review #2254).

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Reseña Cultural nº: 2254 // Reseña Musical nº: 1441

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a Vladimir Mironov (Russian Dark Community) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- When Burn in Hell // 2- Demonstrate Your Hate // 3- Everybody Fake // 4- Devastate Me // 5- New Dark Resurrection // 6- Say My Name // 7- Vanishing Feelings // 8- Sickness // 9- You Will Die // 10- The Game // 11- Demonstrate Your Hate (T[ERROR] Remix) // 12- Say My Name (Distoxia Remix) // 13- Devastate Me (Slichtnacht Remix)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena dark electro

En el mes de enero del pasado año 2024, el prestigioso sello discográfico Russian Dark Community presentó oficialmente el excelso álbum musical “New Dark Resurrection” de [My-Dying-Robot]. Publicado en formato digital disponible en la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “New Dark Resurrection” ha sido engalanado con este impactante diseño de portada cuya estética obscura mantiene la esencia visual de la escena dark electro, fundiendo lo tenebroso y lo tecnológico en esta amenazante figura demoníaca. A nivel musical, [My-Dying-Robot] proyecta un eclecticismo conceptual muy amplio dentro de la propia escena dark electro y aggrotech, no dudando un segundo en incluir pinceladas sonoras y planos melódicos propios de otros estilos como el industrial, synthpop… Y todo, integrado con una brillantez artística que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta apasionante escena. [My-Dying-Robot] es muy vanguardista en su estilo de composición, reflejándose en cada uno de sus diez temas incluidos en este álbum y que son auténticas joyas musicales. Además, en esta edición discográfica se han incluido tres remixes realizados por T[ERROR], Distoxia, y Slichtnacht, cada uno dejando su propia perspectiva musical sin perder la grandeza artística original. Incluso, Distoxia llega a potenciar su belleza musical. Como analista musical, [My-Dying-Robot] me ha sorprendido por su talentosa creatividad mostrada en una escena muy amplia en cuanto al número de propuestas artísticas, pero [My-Dying-Robot] es excelso en su mirada conceptual, y sabe cómo crear auténticas joyas musicales dentro del dark electro más vanguardista. Gracias al sello discográfico Russian Dark Community, el sobresaliente álbum “New Dark Resurrection” ha visto la luz, e invito a los melómanos a visitar la página oficial del sello en Bandcamp porque allí encontrarán joyas musicales que disfrutarán intensamente por su esencia conceptual adelantada a su tiempo. Una búsqueda musical que será muy fructífera, y con obras sonoras a descubrir de lo más espectaculares dentro de la escena dark electro más amplia a nivel conceptual.

Iniciamos la audición de este potente álbum musical adentrándonos en el primer tema “When Burn in Hell” para ser inmediatamente poseídos por su densidad sonora. Con esa inconfundible nocturnidad de un electroclub, con esas bases rítmicas remarcadamente secas y underground, y con esa capacidad sonora para abandonarte a su intensidad musical y dejarte llevar, el excelso tema “When Burn in Hell” ha de tener una presencia ineludible en la sesión de un DJ que desee arrasar en la pista de baile con su selección musical. ¡¡¡“When Burn in Hell”, inmejorable entrada al universo [My-Dying-Robot]!!! Una fascinación artística que tendrá su continuidad en el tema “Demonstrate Your Hate”, cuya esencia conceptual presenta una estructura en sus bases rítmicas mucho más nítidas y luminosas, pero manteniendo esa oscuridad que tanto nos embruja en el dark electro y en el aggrotech. Como los melómanos lectores de Lux Atenea podrán comprobar, la magia en la composición musical de [My-Dying-Robot] no solamente no decae, sino que nos lleva a nuevas perspectivas sonoras absolutamente irresistibles que, en “Everybody Fake”, verán aceleradas sus bases rítmicas sin perder su nitidez sonora y su equilibrio estructural. Una a una van a ir añadiéndose más y más bases musicales en esta adrenalínica danza dark electro conducida con maestría hasta el extremo. Como una serpiente cambiando constantemente de piel, el tema “Everybody Fake” no deja de mutar sus pilares musicales hasta llevarnos a estructuras sonoras de auténtica vanguardia que, en una pista de baile en un electroclub debe sonar espectacular. ¡¡¡“Everybody Fake”, brutal!!! Sin descanso posible, el excelso tema “Devastate Me” aparecerá con otra perspectiva conceptual en su definición estructural hasta dar continuidad a esa atmósfera futurista del tema anterior, pero haciendo hincapié en las ondas vibratorias fluyendo sobre bases electrónicas más calmadas cuyo influjo se expande y se prolonga en el tiempo. La entrada de pasajes melódicos no harán más que embellecer considerablemente este universo dark electro, hechizándonos con su embriagadora oscuridad, y presentando un final del tema absolutamente siniestro. ¡¡¡“Devastate Me”, y déjate poseer!!!

El tema homónimo del álbum surgirá con esta potente base rítmica en su núcleo estructural principal, alrededor del cual irán orbitando secuencias sonoras donde el dark electro y el aggrotech muestran su armonía con un plano lírico de fantasmagórica interpretación vocal que, al añadir planos melódicos a la estructura musical, provocan esta explosión sensorial espectacular. Pero [My-Dying-Robot] va mucho más allá en “New Dark Resurrection” a nivel conceptual, presentando cromatismos sonoros propios del industrial y pinceladas musicales del synthpop que engrandecen su perspectiva artística. La verdad es que, el tema “New Dark Resurrection”, profundiza en el estilo alemán de composición electrónica llevándolo a la vanguardia más actual. Una senda artística brillantemente realzada en el tema “Say My Name”, pero reorientado hacia estructuras más eclécticas en cuanto a su definición sonora. “Say My Name” rompe esquemas, juega con el melómano lector de Lux Atenea al sorprenderlo constantemente tanto con su tempo como con los cambios radicales en su estructura, desembocando en el colapso final antes de sumergirnos en la posesiva atmósfera sonora del excelso tema “Vanishing Feelings”, donde [My-Dying-Robot] remarca sus grandiosos pasajes melódicos. Incluso la entrada de bases rítmicas no alterará su influjo musical porque [My-Dying-Robot] sabe muy bien cómo integrarlos sin que la estructura artística se resienta. Sin duda alguna, “Vanishing Feelings” es el tema más experimental de este álbum y, a su vez, el más sobresaliente. Seguimos deseando continuar en esta fascinante inmersión sensorial dark electro, y el tema “Sickness” así lo prolongará. Mucho más siniestro incluso en sus planos musicales melódicos, hasta las bases rítmicas tienen ese decaimiento mientras son decoradas con pasajes electrónicos sintetizados que te expanden la mente por su belleza sonora. Superlativo hasta llegar al límite de lo extremo en cuanto a su nivel de calidad artística, el tema “Sickness” es toda una garantía para cualquier DJ que desee sorprender y llenar la pista de baile de un electroclub desde el primer tema de su sesión. Además, el tema “Sickness”, al tener un tempo en sus bases rítmicas equilibrado, te permite luego ir acelerando la intensidad de los siguientes temas en la sesión musical. Como entrada de sesión, “Sickness” es toda una garantía de éxito. ¡¡¡“Sickness”, oscura belleza artística que te seduce el alma!!!

Cuando el tema “You Will Die” lance sus voraces ondas musicales para dominarlo todo con su inconfundible esencia industrial inicial, todo quedará despejado para que esta pesada y acelerada base rítmica marque el tempo de forma implacable. Absolutamente brutal y despiadado, el tema “You Will Die” induce a esa actividad extrema sin descanso alguno, salvo en su melódico final. En cambio, la estructura sonora del tema “The Game” es más destellante, con más matices musicales, configurando un escenario donde todo late, donde todo posee esa energía que transmite esencia existencial y mirada positiva alrededor de uno, y sin perder ese lado oscuro cargado de pasión. El tema “The Game” resplandece como la ciudad de Tokio en plena noche, e incluso podía ser su banda sonora por su halo futurista, si en toda la ciudad pudiera sonar esta música en el entorno. Los melómanos lectores de Lux Atenea pueden ver que, a nivel conceptual, [My-Dying-Robot] presenta esta riqueza musical ecléctica con una perspectiva innovadora que lo hace sobresaliente a nivel artístico. A partir de aquí, los tres siguientes temas son diferentes perspectivas musicales desarrolladas por tres miradas artísticas distintas sobre su obra. Desde Reino Unido, T[ERROR] nos presenta el remix del tema “Demonstrate Your Hate (T[ERROR] Remix)” aumentando su oscuridad sonora y expandiendo su trasfondo con este drone, para luego dar paso a una plasticidad musical de corte futurista emocionalmente más fría que el tema original. Luego, desde Chile, Distoxia acelerará el alma sonora del tema en su remix “Say My Name (Distoxia Remix)”, embelleciéndolo considerablemente al darle un tempo algo más calmado que en el original, y volviéndolo mucho más bailable en un club electrodark. “Say My Name (Distoxia Remix)” es una auténtica joya musical donde te sorprenden hasta sus vampíricos valles musicales, más propios de las míticas películas de la Hammer. Finalmente, desde México, Slichtnacht contraerá los espacios en su remix del tema “Devastate Me (Slichtnacht Remix)”, hasta hacerlo más fácil de incluir en una sesión musical dark electro. Una mirada artística completamente distinta del tema original. “New Dark Resurrection”, la labor cultural que está desarrollando el sello discográfico Russian Dark Community es impresionante dentro de la escena dark electro actual, y este excelso álbum de [My-Dying-Robot] es uno de sus más destacados buques insignia a nivel de vanguardia musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

FLEUR DE FEU “WEEP” (POGO RECORDS, febrero 2025) (Reseña / Review #2253).

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Reseña Cultural nº: 2253 // Reseña Musical nº: 1440

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico Pogo Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- How Shall I Begin My Song // 2- In The Great Night // 3- Weep // 4- My Hand // 5- Mother // 6- White Feathers
Datos técnicos: Temas musicales grabados, mezclados, y masterizados entre los años 2023 y 2024 por Déhà en Opus Magnum Studio (Bruselas, Bélgica)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ambient con trasfondo místico

Dedicado en memoria de Paul Van Cappellen, padre de Dominique Van Cappellen-Waldock, a mediados del pasado mes de febrero fue presentado oficialmente el segundo álbum de la banda musical belga Fleur de Feu titulado “Weep”. Publicado a través del prestigioso sello discográfico Pogo Records en formato digital y en una preciosa edición limitada de 200 unidades en digipak CD, el álbum “Weep” ha sido engalanado con este bello diseño ilustrado por Nicole Boitos Hayworth para engrandecer la maquetación realizada por Déhà, proyectando un armonioso reflejo visual en su portada donde lo místico fluye con absoluto equilibrio en esta bella definición cromática y simbólica de trasfondo chamánico. Inspirado en los escritos realizados por la curandera decimonónica cheyenne Owl Woman (salvo en la lírica del tema “Weep” perteneciente a Al-Khansa tras ser adaptada por Dominique Van Cappellen-Waldock, y la lírica del tema “Mother and My Hand” íntegramente escrita por Dominique), los seis temas musicales que vertebran esta impresionante obra fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su avanzada perspectiva conceptual dentro de la escena ambient, teniendo a lo págano, a lo místico, y a lo chamánico como fundamento principal. Formado por Dominique Van Cappellen-Waldock (vocalista y loops de guitarra), Déhà (guitarra, bajo, percusión, y sintetizador), y Teuk Henri (guitarra), en este segundo álbum han podido contar con la colaboración profesional de artistas como Alinovsky (percusión), Raphaël Rastelli (guitarra y sintetizador), Matthieu Safatly (violonchelo en los temas “In the Great Night” y “My Hand”), James De Backer (guitarra hawaiana en los temas “My Hand” y “White Feathers”), y Jacopo Andreini (laúd de cuello largo arqueado en el tema “How Shall I Begin My Song?”). Unos temas musicales extraordinarios que han sido compuestos con sumo talento por Dominique Van Cappellen-Waldock y Teuk Henri con arreglos a cargo de Déhà, y cuya proyección sonora ha sido meticulosamente detallada por Déhà durante el proceso técnico de masterización sonora realizada entre los años 2023 y 2024. Por este motivo, el álbum “Weep” presenta una excelsa calidad musical durante su audición que les encantará por sus detalles sonoros y por su nitidez, potenciando el valor artístico de cada uno de estos temas con su belleza musical más esplendorosa.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum sumergiéndonos en el primer tema “How Shall I Begin My Song”, donde destaca el protagonismo musical del plano instrumental para laúd de cuello largo arqueado interpretado por Jacopo Andreini, acompañando a Dominique Van Cappellen-Waldock en su cuidado registro vocal hasta configurar un escenario musical evanescente que parece flotar en esta atmósfera profunda por su mensaje, y envolvente por su vaporosa sonoridad donde la luz adquiere su propia alma radiante. “How Shall I Begin My Song” te paraliza por su esencia hierática, a pesar de conducirnos poco a poco hacia la oscuridad, hacia ese lado oculto que deseamos conocer y que, a su vez, provoca cierto rechazo por la misteriosa inquietud que sentimos. Todo en “How Shall I Begin My Song” es mágico, es místico, incluyendo lo espiritual en sus claroscuros trascendentes donde lo mortal y la iluminación dejan de tener sus fronteras definidas. Tras quedar fascinados con la atenta audición del precioso tema “How Shall I Begin My Song”, a continuación, el peso instrumental en el tema “In The Great Night” quedará en manos de Matthieu Safatly con esta magnífica interpretación para violonchelo, proyectando intensos aires selénicos que refuerzan el mensaje lírico transmitido fielmente por Dominique Van Cappellen-Waldock con estos matices muy sutiles en su declamación. Mucho más denso en su atmósfera sonora, “In The Great Night” es una auténtica joya musical que impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena con trasfondo místico. Hasta los valles instrumentales donde la voz desaparece, no hacen más que revitalizar la energía ceremonial del plano lírico, fundiéndose todo en esta excelsa interpretación del tema. ¡¡¡“In The Great Night”, obra maestra para disfrutar in aeternum!!! Profundamente impresionados tras repetir varias veces su bella audición, el tema “Weep” dejará a un lado esas atmósferas sonoras densas para abrir los espacios sin perder su obscuridad. Una obscuridad que, curiosamente, revela en su trasfondo espiritual. Por este motivo, el tema “Weep” adquiere una dimensión musical más ritual donde lo mágico y lo esotérico dan sentido a todo en su mensaje trascendente. Con planos sonoros oscilantes que dan este tempo ondulante a toda la composición, sobre ellos flota la admirable interpretación lírica de Dominique Van Cappellen-Waldock para llevarnos hasta el centro de este ceremonial. La entrada de nuevos planos instrumentales en el ecuador de la composición como pinceladas sonoras que recrean la ruptura dimensional, llevan a la amplificación energética de este tema mientras el registro vocal de Dominique Van Cappellen-Waldock va tomando mayor impulso hacia lo extático, conduciéndonos hasta un final donde la percusión es absolutamente mántrica. ¡¡¡“Weep”, impresionante!!!

En el tema “My Hand”, de nuevo Matthieu Safatly nos fascinará con su arte interpretativo para violonchelo, acompañado por James De Backer que, con su guitarra hawaiana, perfilan esta estructura instrumental con una magnificencia artística admirable por su sentido del equilibrio. Todo ello potenciado con la cadencia sonora de la percusión, convierten al tema “My Hand” en el más solemne del álbum, emanando esta embriagadora esencia mística cuya trascendencia va mucho más allá de este mundo. Una proyección que ha quedado impecablemente definida en esta composición, sumergiendo al melómano lector de Lux Atenea en un entorno ceremonial donde Dominique Van Cappellen-Waldock es la sacerdotisa sagrada. Aquí fluyen las fuerzas ctónicas, la energía vital del cuerpo, la energía de las almas, conectándose todo a la Madre Naturaleza, al culto a la Gran Diosa Madre, y a ese cielo donde la Divinidad es el núcleo espiritual que fundamenta todo este universo. De acelerado final por su sentido instrumental orientado al éxtasis, “My Hand” es intenso por su profundidad mística capaz de romper barreras mentales unidas a la Lógica y a la Razón. Posteriormente, el tema “Mother” mantendrá esa intensidad sonora pero alejándose de esa deriva extática, surgiendo con la contundencia de la revelación que derriba prejuicios y que hace aflorar ese sentimiento de honesta gratitud que nace en nuestro interior. A nivel interpretativo, el tema “Mother” es el más espectacular que encontrarán en este álbum, y con Dominique Van Cappellen-Waldock absolutamente poseída por su pasión y por su entrega artística a la hora de interpretar la lírica. Una intensidad que desaparecerá en cuanto el tema “White Feathers” llegue para clausurar esta magna obra musical, configurando una armoniosa atmósfera sonora en la cual el artista James De Backer destacará con su melódica guitarra hawaiana de quebrada sonoridad, potenciada a nivel dimensional con el eco. Pura magia musical perfumando y estimulando nuestros sentidos, y donde aparecerá la voz de Dominique Van Cappellen-Waldock con una esencia emocional que les impresionará profundamente. Aunque la percusión se convierte en columna y tempo de esta composición, su densidad instrumental es el firme soporte para poder remarcar esta delicada interpretación lírica cuya sensibilidad les emocionará. ¡¡¡“White Feathers”, espectacular!!! “Weep”, auténtica Obra Maestra Musical dentro de la escena ambient actual, y con reminiscencias rituales y ceremoniales por su esencia trascendente de trasfondo chamánico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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DEW “DEW-STORTION DEW-MORGEN” (POGO RECORDS, junio 2018) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PUREH “TETRAGRAM” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2024) (Reseña / Review #2252).

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Reseña Cultural nº: 2252 // Reseña Musical nº: 1439

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: CD, edición promocional (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Paracusia // 2- Slumber // 3- Tasukete // 4- Metatron // 5- Keif // 6- Tetragram // 7- Polynya
Datos técnicos: Álbum masterizado por Alexandr Vatagin y Simon Šerc
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena ambient de vanguardia

El talentoso artista esloveno Simon Šerc, alma mater de PureH, a finales del mes de diciembre del pasado año 2024 presentó su nuevo álbum “Tetragram”, en cuyos temas, los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán ese virtuosismo en la composición musical que irradia la vanguardia conceptual. Publicado a través de su propio sello discográfico Pharmafabrik Recordings en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD, ambas se encuentran disponibles en la webstore del sello y en su página oficial en Bandcamp. El álbum “Tetragram” ha sido engalanado con esta atrayente portada con fotografía a cargo de Martina Testen y del propio artista Simon Šerc, reflejando esta belleza sublime unida espiritualmente a lo universal. Desde principios de la década de los noventa, hablar de PureH es hablar del instinto creativo del pionero musical en la búsqueda de nuevas fronteras conceptuales, proyectando siempre en sus obras esa mirada adelantada a su tiempo que hace destacar a Simon Šerc dentro de esta escena, pasen los años que pasen. En su nuevo álbum “Tetragram” ha podido contar con la colaboración artística de Vili Žigon (batería en el tema “Slumber”) y con Martina Testen en grabaciones de campo realizadas en Eslovenia e Italia, quedando inmortalizada en esta edición discográfica la interpretación en directo de los temas “Paracusia”, “Tasukete”, y “Tetragram”. Tras haber pasado por un detallado proceso técnico de masterización realizado por Alexandr Vatagin y por el propio artista Simon Šerc, cada una de las siete composiciones que vertebran este álbum se presentan espectaculares durante su audición, quedando remarcada esta edición discográfica como una de las más relevantes a nivel conceptual que se hayan presentado en el año 2024 dentro de la escena ambient de vanguardia.

Sin más demora, iniciamos la audición de este viaje sonoro adentrándonos en el universo musical de PureH con el primer tema “Paracusia”, de nebulosa languidez donde las grabaciones de campo bucólicas contrastan en este entorno sombrío cargado de matices sonoros oscuros. Con la entrada de planos musicales experimentales cercanos al dark ambient, se perciben incluso matices sonoros industriales que se mantienen de forma enérgica como fondo para aumentar la sensación de aislamiento sensorial respecto a lo externo, incrementándose este factor conceptual industrial con la aparición de vibrantes y afiladas secuencias que se aproximarán al melómano lector de Lux Atenea durante su audición hasta envolverlo con su intenso registro. Cuando esta agresiva oleada musical pase, quedará un vibrante eco como fondo en tono grave que se irá diluyendo lentamente mientras escuchamos el sonido de las olas rompiendo en la orilla. Con ese regusto artístico de lo experimental aún en la mente, el tema “Slumber” aparecerá en clave melódica manteniendo el sonido de las olas en su inicio, quedando elevado este plano sonoro tenebroso en tono grave al cual se incorporarán frecuencias más cristalinas como antesala de esta exquisita batería en clave noir jazz, magníficamente interpretada por el artista Vili Žigon. La atmósfera sonora de “Slumber” les embriagará tanto por su enérgico impulso selénico, como por sus posesivas brumas mentales que te hacen abandonar el estado de vigilia al estimular nuestra imaginación, quedando todo interrumpido con esta entrada sonora bucólica como un amanecer. “Slumber” es una auténtica delicatessen que encantará a los melómanos que buscan encanto artístico en la música y, en el siguiente tema “Tasukete”, toda la estructura sonora evolucionará hacia un lujoso estilo ambient de sofisticada estructura, y cuyos giros dimensionales conducen a lo psicodélico. La entrada de este vibrante plano instrumental para bajo no hará más que aumentar la magia ambiental de este escenario, intuyéndose ese quiebre, ese suceso, esa acción que lo alterará todo, como así ocurrirá sin demasiada demora. Adquiriendo una dimensión conceptual ecléctica donde se entremezcla lo experimental, el ambient como trasfondo, y un neojazz urbano, las pinceladas vocales femeninas y masculinas en idioma japonés crearán estos claroscuros esenciales para dar un fuerte contraste musical.

Careciendo de silencio entre temas, “Metatron” surgirá con una aura sonora donde la inquietud y la magnificencia son magníficamente recreadas en esta espiral musical evanescente. Mucho más lineal en cuanto a su definición sonora respecto a los tres temas anteriores, “Metatron” trata de llevarnos a ese estado hierático donde lo humano ve empequeñecida su relevancia existencial ante lo supraterrenal. Aquí, lo único que nos une a este mundo es el incesante sonido de las olas, creando un conjunto global dirigido claramente a lo místico, de ahí el relax mental que irradia y que resulta de lo más armonioso para que el tema “Keif” prolongue ese estado. Englobado dentro del estilo ambient, y que hace años se llegó a etiquetar como new age, “Keif” transmite una profunda sensación de paz interior cuya luz queda difuminada en este entorno. Unos ciclos sonoros prolongados en el tiempo que se dilatan para conducir a la calma, a la disociación con ese lado tormentoso que conlleva lo humano, transformándose completamente su estructura sonora con estos planos musicales acelerados que no pierden su base ambient a pesar de su impulso experimental tan provocador. Posteriormente, el tema “Tetragram” seguirá conservando ese halo espiritual, pero dentro de una perspectiva mística donde lo mágico es fundamental por su esencia esotérica. Lento, calmado, unido a la Madre Naturaleza, “Tetragram” va a ir desarrollándose con la firmeza de lo inexorable para incorporar ese factor mágico recreado sonoramente con el melódico teclado. Aunque lo lineal da base a su estructura musical, sus vibrantes cromatismos sonoros lo fortalecen, le irradian energía, reflejando todo aquello que está unido a lo eterno, a lo divino. La parte final de esta sublime composición… ¡¡¡impresionante!!! Sin duda alguna, una muestra más del talento creativo inagotable del artista esloveno Simon Šerc. Con el tema “Polynya” clausurando este grandioso álbum, lo amenazante y lo tenebroso dominarán este escenario tan sublime en su dimensión sonora. De inquietante tempo, su estructura musical incorpora esa fragilidad de lo cristalino sometido a la acción externa, y esa línea quebradiza se va a mantener mientras lo siniestro va apoderándose de todo. Una obscuridad que no tapa la luz, pero que la distorsiona y la filtra hasta crear esta atmósfera que corta la respiración. “Tetragram”, PureH demostrando con la contundencia artística de la vanguardia musical por qué sigue siendo referencia ineludible dentro de esta escena en los tiempos actuales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CLAN DOS MORTOS CICATRIZ “TÉCNICAS DE MORTE” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (Reseña / Review #2251).

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Reseña Cultural nº: 2251 // Reseña Musical nº: 1438

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Ainda vivo (Técnica de Morte) // 2- Caixão // 3- Pregos Podres // 4- Nada // 5- Dança Assombrada // 6- Máscara da Morte // 7- Quero Que Quebre, Senão, eu Mesmo Quebro // 8- O Avesso de Um Corpo Oco // 9- Narrativa do Nada // 10- Olhos Cazios // 11- Mundo Miserável // 12- Corta de Dentro Pra Fora // 13- Tatuado em Pele Podre // 14- Quebra de Dentro Pra Fora // 15- Pacto Diabólico
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Felipe Sad en Estúdio Laje, mezclados por Michael Wilseque, y masterizados por Will Killingsworth en Dead Air
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- Pregos Podres // 4- Nada // 7- Quero Que Quebre, Senão, eu Mesmo Quebro //9- Narrativa do Nada // 14- Quebra de Dentro Pra Fora

A finales del pasado mes de marzo, la banda musical brasileña Clan Dos Mortos Cicatriz presentó oficialmente su nuevo álbum “Técnicas de Morte”, publicado a través del prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories en formato digital, en cassette, y en una preciosa edición limitada de 100 unidades en LP 12” en vinilo blanco y en el clásico vinilo negro. Engalanado con este magnífico diseño de MA basado en el trabajo artístico creado por Antônio Leal, a nivel visual, en el álbum “Técnicas de Morte” destaca especialmente su portada infernal donde aflora el dolor y las torturas remarcadas por rostros desencajados por el sufrimiento. Clavos y cadenas revelan simbólicamente la esencia demoníaca del ser humano, y cuyos crueles actos son aplicados sin compasión alguna sobre sus semejantes. Formada por Michael Wilseque, Weliton Lisboa, Felipe Soares, y Ênio Guilherme, en el álbum “Técnicas de Morte”, la banda musical brasileña Clan Dos Mortos Cicatriz basa la mayoría de sus composiciones en el hardcore a nivel conceptual, incluyendo pasajes deathrock y pinceladas punk para ofrecernos una mirada creativa más innovadora y actual dentro de esta escena. Quince temas musicales vertebrando este álbum con una intensidad sonora formidable, y donde el peso y el protagonismo de los instrumentos va variando de la batería a la guitarra eléctrica, sin dejar a un lado al insustituible bajo. En este sentido, Clan Dos Mortos Cicatriz da un nuevo aire sonoro a la perspectiva artística, además de mostrar un especial talento interpretativo debido a la complejidad de algunos de estos temas musicales, llevados algunos de ellos a su límite extremo. Por esta cualidad, el álbum “Técnicas de Morte” ofrece ese plus creativo tan necesario para poder destacar en este siglo XXI tan prolífico como insustancial en muchas de sus propuestas musicales actuales. Clan Dos Mortos Cicatriz arriesga en sus composiciones, sabe cómo interpretarlas por difíciles que sean, y el resultado final ha sido excelso por su alma musical.

Iniciamos la audición de este intenso álbum musical sumergiéndonos en la arrolladora entrada instrumental del primer tema “Ainda vivo (Técnica de Morte)”, donde esta brutal batería acompañada por una afilada guitarra eléctrica nos empezarán a ir preparando para la descarga hardcore que se va a desatar. Con la batería marcando este potente tempo casi marcial, todo cambiará en cuanto lleguemos a su primer valle musical, tomando ese aire melódico donde los instrumentos se despejan en esta estructura musical tan compacta, retornando inmediatamente al hardcore hasta su conclusión. Posteriormente, el mortuorio tema “Caixão” aparecerá con esta barrera sonora para guitarra eléctrica orquestada y dirigida magistralmente por el baterista, sobrevolando el plano vocal en toda la estructura con esa difusión expansiva como si fuera un megáfono de alarma. Llevándonos hasta el tema “Pregos Podres” donde lo creepy fundamenta su trasfondo, va desarrollándose esta extraordinaria interpretación en clave conceptual punk con una magia melódica y sonora que les encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. ¡¡¡“Pregos Podres”, extraordinario tema!!! Cortante como una sierra eléctrica en acción, la canción “Nada” nos sumergirá en esta vorágine con reminiscencias deathrock pero, en este tema, la banda musical brasileña Clan Dos Mortos Cicatriz ha sabido poner su propia personalidad conceptual para ofrecernos una interesante perspectiva sonora e interpretativa. Otra joya musical antes de que el tema “Dança Assombrada” lo lleve todo al extremo, retornando a un hardcore de siniestro trasfondo. “Dança Assombrada” cubrirá todo el espectro sonoro, destacando el plano instrumental del bajo que resulta esencial en esta composición. Con “Máscara da Morte” ralentizando un poco su diabólico tempo, esto no evitará que el tema siga impulsando su salvaje desarrollo musical perfilado a oleadas donde la guitarra eléctrica es insustituible en su configuración instrumental. Y ahondando en su protagonismo sonoro, el tema “Quero Que Quebre, Senão, eu Mesmo Quebro” se volverá algo más melódico mientras la batería suelta tu incesante tempo para sostener toda la estructura musical, creando esta danza radical donde guitarra, batería, y vocalista proyectan su impulso destructivo en clave sonora. ¡¡¡“Quero Que Quebre, Senão, eu Mesmo Quebro”, brillante interpretación!!!

En el tema “O Avesso de Um Corpo Oco”, el deathrock sabrá a poco en esta interpretación intensa de corta duración y como antesala de la canción “Narrativa do Nada”, donde el hardcore con pinceladas sonoras punk va adquiriendo esta potencia instrumental progresiva donde el bajo marca el tempo con absoluta brillantez en su estructura musical. Escuchar “Narrativa do Nada” es una auténtica delicia que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su inteligente desarrollo artístico, y por su alma ecléctica. ¡¡¡“Narrativa do Nada”, chapeau!!! Presentándose el tema “Olhos Cazios” de nuevo con un trasfondo escatológico, aquí la batería vuelve a hacerse dueña de la estructura musical dirigiendo a esta atronadora guitarra, mientras el plano vocal ve decorado su mensaje con un comedido eco. Otra demostración de talento en la composición que, en “Mundo Miserável”, voz y guitarra eléctrica logran fusionarse en esta composición llevada hasta su extremo conceptual e interpretativo, quedando los valles sonoros utilizados por la batería para tomar mayor impuso aún. En directo, “Mundo Miserável” debe sonar espectacular. El tema “Corta de Dentro Pra Fora” tratará de mantener esa situación musical límite pero su estructura es completamente distinta, ya que sus valles son concebidos para poder tomar aire en la interpretación, siendo esta corta canción el preludio del tema “Tatuado em Pele Podre”, escatológico y siniestro hasta llegar a lo bizarro, siendo recreado a nivel musical como una turbina de afiladas cuchillas lanzada al aire con macabra intencionalidad. Pero “Tatuado em Pele Podre” es un tanto lineal, permitiendo al tema “Quebra de Dentro Pra Fora” destacar por su crudeza sonora y por este tempo impecablemente definido en su evolución melódica. ¡¡¡“Quebra de Dentro Pra Fora”, puro talento interpretativo!!! Con el tema “Pacto Diabólico” cerrando este magnífico álbum, el escenario musical cambiará completamente al entrar en un entorno conceptual deathrock que les sorprenderá por su intensa interpretación vocal, acelerándose todo en su parte final. “Técnicas de Morte”, cuando el hardcore, junto al deathrock con puntuales pinceladas punk, revitalizan esta escena gracias a la maestría artística desarrollada por la banda musical brasileña Clan Dos Mortos Cicatriz en su nuevo álbum. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
6th CIRCLE “PACIFIED / CONJURING” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, mayo 2020) (leer reseña)
KUROI JUKAI (黒い樹海) “KUROI JUKAI” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, febrero 2020) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DEAD MAN’s HILL “BORN FROM THE BLACK CAULDRON” (ZAZEN SOUNDS, febrero 2025) (Reseña / Review #2250).

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Reseña Cultural nº: 2250 // Reseña Musical nº: 1437

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista belga Bart Piette (Dead Man’s Hill) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Tei Der Gni // 2- Shaped By The Elements // 3- Collecting Out Of The Mirror // 4- Scentoxication // 5- Beneath The Gaping Eye Of Twilight // 6- Born From The Black Cauldron
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena ritual ambient

Desde principios de este siglo XXI, el prolífico artista belga Bart Piette viene sorprendiéndonos con espectaculares álbumes musicales que destacan dentro de esta escena por su perspectiva creativa, y por el reflexivo trasfondo que fundamenta cada una de sus composiciones. Alma mater de Dead Man’s Hill, su más reciente álbum “Born From The Black Cauldron” fue presentado oficialmente a principios del pasado mes de febrero, mostrándonos esta inmersión musical basada en la recuperación espiritual de esa unión que enlazaba lo humano con la Madre Naturaleza, y que mantuvo armonizada esa conexión hasta la aparición de algunas corrientes religiosas tras la creación de las primeras ciudades, rompiéndose definitivamente esa empatía con el entorno natural cuando la Humanidad antepuso el desarrollo tecnológico y los intereses económicos por encima de todo de cara a su destino futuro. Publicado por el prestigioso sello discográfico griego Zazen Sounds en formato digital y en una preciosa edición limitada en digipak CD, ambas se encuentran disponibles en las páginas oficiales del sello y de Dead Man’s Hill en Bandcamp. El álbum “Born From The Black Cauldron” ha sido engalanado con un extraordinario trabajo artístico creado por VisionBlack, cuya portada transmite esta fascinante belleza visual unida al fuego como simbólico elemento de carácter mágico y místico en un entorno natural denso, y con la noche expandiendo la oscuridad y las sombras como presencia de lo oculto y de lo misterioso. Vertebrado por seis magníficos temas, “Born From The Black Cauldron” fascinara al melómano lector de Lux Atenea por su avanzada perspectiva conceptual de esencia creativa ecléctica donde lo tribal, el dark ambient, el ritual ambient… dan cuerpo sonoro a cada una de estas composiciones de forma detallada y perfectamente definidas en su alma artística. Dead Man’s Hill sabe cómo recrear el concepto, la idea, el flash mágico y místico en lenguaje musical, y, por este motivo, el álbum “Born From The Black Cauldron” termina convirtiéndose en un viaje espiritual, en ese intento de retornar a la conexión con la Madre Naturaleza que perdimos hace siglos. “Born From The Black Cauldron” destila ese rechazo a la sociedad moderna y a lo tecnológico pero no como enfrentamiento, sino como vuelta al verdadero origen del espíritu humano en este mundo cuando lo chamánico era lo auténticamente espiritual, y no las religiones y sectas unidas a unas leyes o normas alejadas completamente del destino natural de lo humano. En este sentido, Dead Man’s Hill ha logrado transmitir a través de la música esa perspectiva con absoluta nitidez y belleza artística.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en el tema “Tei Der Gni” con esta llamada de lo mágico sonando en el entorno natural, presentándose además con una sucesión de estratos musicales de lo más espectacular y siniestro que hacen destacar a Dead Man’s Hill dentro de esta escena. Convergiendo lo tribal con lo ritual mientras el dark ambient lo envuelve todo, el tema “Tei Der Gni” te llega a sobrecoger por su grandiosa dimensión espacial dentro de un realismo sonoro que, escuchado en un entorno natural, tiene que ser de lo más hierático. Una contundente demostración de la presencia de lo mágico y de lo sobrenatural con conexiones profundas con lo universal en su mirada a lo divino, y con lo trascendente en su inmersión mística dentro del sagrado Arte Regio. Este trasfondo iniciático es lo que sobresaldrá luego en el tema “Shaped By The Elements”. Alquímico en su mensaje y ceremonial en su esencia ritual de carácter mágico, aquí el ritual ambient predomina en su base conceptual hasta crear esta campana de irrealidad donde lo que tomamos como cotidiano se rompe, apareciendo esa otra dimensión donde lo humano queda profundamente empequeñecido en cuanto a las poderosas fuerzas y entidades que allí de presentan. A nivel instrumental, la flauta destaca de manera muy especial en esta densa estructura musical con sus agudas pinceladas sonoras, unidas a la manifestación de lo oculto en este ceremonial mágico. Con el trance, el éxtasis místico, y lo mágico creando este vórtice espiritual, “Shaped By The Elements” conmoverá al melómano lector de Lux Atenea por su intensidad musical y por su avanzada perspectiva creativa. ¡¡¡“Shaped By The Elements”, espectacular!!! Luego, el tema “Collecting Out Of The Mirror” dará continuidad a esa atmósfera mágica pero, en este caso, con lo fantasmagórico y sobrenatural manifestándose en este escenario. Estas voces lejanas provenientes de otro mundo, este vibrante plano sonoro más propio de la escena industrial, la contundencia de las columnas musicales del dark ambient más colosal, todo en “Collecting Out Of The Mirror” fluye para provocar nuestra admiración hacia el artista belga Bart Piette. Derivando hacia un entorno tenso y tenebroso donde lo vocal provoca pavor, escuchar este tema es toda una experiencia artística que no hace más que engrandecer a esta apasionante escena.

En uno de mis comentarios publicados en Lux Atenea ya comenté que los perfumes están unidos mentalmente a las sensaciones, a los recuerdos, a las experiencias sensoriales… que son guardadas en nuestro cerebro. Llevado todo ello al arte musical, el tema “Scentoxication” nos llevará a la embriaguez como momento marcado por lo denso, por lo extremo, por lo transgresor en cuanto a su capacidad para quebrar lo que se considera normalidad, lo que se valora como realidad cotidiana. En este sentido, el tema “Scentoxication” es obscuramente provocador con su belleza sonora tan siniestra, conduciéndonos a lo ritual cuando el trance se ha apoderado de la atmósfera ceremonial, siendo esencial la percusión a nivel instrumental para llevar a ese estado sensorial y mental. Con la voz repitiendo el ritual como insistente mantra en esta ceremonia propia de lo chamánico, de nuevo la flauta aparecerá para hacerse mucho más presente hasta elevarse al cielo divino. “Beneath The Gaping Eye Of Twilight” dará continuidad a esa atmósfera pero llevado a lo solemne, volviéndose todo mucho más melódico, más evanescente, más profundo en su poder para transformar el interior con su mensaje trascendente. Pausado, equilibrado, con la tenebrosidad de la penumbra, escuchar el tema “Beneath The Gaping Eye Of Twilight” es una auténtica delicia para quienes amamos esta escena única en su trasfondo esotérico. Un auténtico lujo artístico donde la música va mucho más allá con su mensaje, y con su trasfondo espiritual unido a lo arcano, a lo intemporal, a lo eterno tras perder el condicionante físico. Desembocando en el tema homónimo del álbum que lo clausura, la presencia del caldero como símbolo de lo mágico y de la creación destaca especialmente en el mensaje de esta composición, además de sus poderes transformadores a través de los rituales (cambios de lo externo al interior) y de las pócimas (cambios de lo interior hacia lo externo). En el tema “Born From The Black Cauldron”, Dead Man’s Hill sabe cómo incorporar elementos sonoros propios de lo tribal en esta estructura musical ritual ambient, y llevado todo a su representación más expansiva y poderosa potenciada con este vibrante plano drone y con esta intensa cadencia instrumental de la percusión. Una clausura espectacular por su dimensionamiento sonoro superlativo, por su profunda oscuridad, y por sus tenebrosos destellos mágicos. Sin duda alguna, el tema más experimental e innovador de este álbum. “Born From The Black Cauldron”, el artista belga Bart Piette concibiendo otra obra musical espectacular por su fundamento místico en clave conceptual predominantemente ritual ambient. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CORONA BARATHRI & AKHTYA “ARIMANIUS IGNIS ATER” (ZAZEN SOUNDS, febrero 2025) (leer reseña)
HROSSHARSGRANI / DEAD MAN´S HILL “DEAD MEAT” (STEINKLANG RECORDS, 2010) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “PAGAN FOLK UND APOCALYPTIC PSYCHEDELIA KAPITEL II” (STEINKLANG RECORDS, 2010) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BARTOSZ DZIADOSZ “THEME” (FONODROOM / DRONARIVM, febrero 2025) (Reseña / Review #2249).

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Reseña Cultural nº: 2249 // Reseña Musical nº: 1436

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Harmony // 2- Fragments // 3- Theme // 4- Horizon Variations // 5- Written on the Sky
Datos técnicos: Álbum masterizado por Tobias Lorsbach
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena ambient teñida puntualmente con lo siniestramente bello

“Theme” es el título del nuevo álbum musical del artista polaco de vanguardia Bartosz Dziadosz. Presentado oficialmente a mediados del pasado mes de febrero a través del sello discográfico Dronarivm y de la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom, el álbum “Theme” ha sido publicado en formato digital y en una elegante edición limitada de 50 unidades en cajas numeradas a mano con mini CD de tres pulgadas, y que incluyen como extras en su interior un libreto, dos conjuntos de fotografías desplegables realizadas por Dmitry Taldykin, piedras de obsidiana, piezas de hielo artificial, y copos de nieve translúcidos. Engalanado con un precioso diseño de portada creado por Agata Grzybowska, la gelidez emocional queda reflejada en esta estética de inspiración abstracta a través de texturas casi algodonosas donde lo enfermizo está presente como trasfondo. Cromáticamente basada en diferentes tonos azules que dominan la portada, se aleja de lo espiritual en su significado simbólico al llevarnos a la fantasía, a esa fantasía mental donde se pierde el sentido de la realidad hasta situarse entre la vigilia y lo onírico. Vertebrado con cinco temas musicales compuestos por Bartosz Dziadosz entre los años 2023 y 2024, el álbum “Theme” está inspirado en el teatro como manifestación y representación de la decadencia y de la degradación emocional, siendo el melómano lector de Lux Atenea observador de estos estados psicológicos durante la atenta escucha de estas atrayentes composiciones. Una audición rica en matices gracias a la magnífica labor técnica de masterización sonora realizada por Tobias Lorsbach, donde la nitidez musical y su dimensión espacial son extraordinarias para poder dar ese realismo sonoro esencial, y para sentir estos temas musicales en su plenitud artística. Englobados conceptualmente dentro del estilo ambient, cada composición presenta una perspectiva nueva, un trasfondo único, y esa belleza melódica que caracteriza al artista polaco Bartosz Dziadosz a la hora de definir musicalmente cada una de sus obras, enriqueciendo conceptualmente la escena en este siglo XXI con sus avanzadas estructuras sonoras ambient.

Iniciamos la audición de este magnífico álbum sumergiéndonos en la ondulante entrada melódica del primer tema “Harmony”, cuya cadencia sonora provoca que sus planos musicales lleguen a nosotros como olas del mar a la orilla. Con un estilo ambient de inspiración orquestal que se sitúa conceptualmente muy cercano a las bandas sonoras, “Harmony” irradia una belleza que te embriaga desde el comienzo del tema, manteniendo este oscilante tempo que marca toda la composición aunque su intensidad sonora vaya en aumento, incorporando pinceladas musicales que lo vuelven mucho más magnética. Esa misma atracción es lo que el artista polaco Bartosz Dziadosz mantendrá en el siguiente tema “Fragments”, llevándonos a un escenario musical muy distinto caracterizado por este vibrante ambient de deslumbrante luz. De comienzo sonoro más calmado que el anterior tema, “Fragments” ve decorada su estructura musical con matices que se mantienen al otro lado de este velo traslúcido, estimulando nuestras ganas de conocer qué se va a presentar en esta composición a continuación, y esta espera constante de algo más es lo que es regularmente se ve satisfecho en este tema complejo por su extraordinario perfilamiento sonoro. Cuando “Fragments” toma impulso musical, su energía se acelerará incluso con la incorporación de planos sonoros en tonos graves basados en el vibrante protagonismo del chelo con los cuales Bartosz Dziadosz cierra esta composición de manera brillante. Luego, el tema homónimo del álbum aparecerá con esta solemnidad expansiva que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea que buscan la belleza siniestra en el arte musical. “Theme” también posee ese poso melancólico que lo lleva hasta los límites conceptuales del ambient con lo gótico, destacando especialmente este plano instrumental para piano cuya evolución muestra fragilidad, y estas erosivas grietas potenciadas con el uso del eco en su manifestación melódica. Fusionado con el lánguido plano instrumental del chelo, alcanza su perfección dimensional y artística para mandar este mensaje cargado de añoranza, de melancolía, y de pérdida de un presente que no se siente como propio porque la mente está profundamente dañada por el dolor, por la angustia, y por las dudas existenciales constantes sobre uno mismo. ¡¡¡“Theme”, espectacular!!!

“Horizon Variations”, como en el tema “Fragments”, retorna a lo potente, a lo intenso, a aquello que se mueve con decisión y con ese arrojo inconsciente alejado del razonamiento y del análisis. En el tema “Horizon Variations” todo es ímpetu, energía desbocada, y durante su audición te va condicionando a nivel energético con su impulso vital, desarrollándose en un escenario de amplio horizonte donde la luz revela todo aquello que ha de presentarse como obstáculo, o también como reto a alcanzar que ya se vislumbra. Esta positividad cercana conceptualmente a lo oriental, realza toda esta estructura sonora que les encantará por su dinamismo y por su interesante transformación musical a lo largo de toda la composición, entrando en su parte final en un bucle melódico convertido en una rueda imparable en su avance. Con el tema “Written on the Sky” clausurando este grandioso álbum, aquí las formas se difuminan, las imágenes se desenfocan hasta perder sus detalles de forma progresiva, además de establecer esta unión con lo infinito pero dejando una huella indeleble en el pasado. “Written on the Sky” les fascinará por sus preciosos planos melódicos que se prolongan en el tiempo, mientras el piano pone sus matices sonoros como pinceladas musicales esenciales para embellecer aún más este tema. Como un sueño, como una mirada al horizonte desde lo alto de un acantilado al borde del mar, “Written on the Sky” tiene magia, tiene alma, tiene esa esencia intemporal que hará que, dentro de unos años, siga poseyéndonos con su belleza melódica, abandonándonos a su influjo sonoro con sumo placer. ¡¡¡“Written on the Sky”, pura delicatessen hedonista para el melómano más selecto!!! “Theme”, otra brillante perspectiva musical en clave conceptual ambient, y cincelada artísticamente por Bartosz Dziadosz con un increíble sentido de la estética melódica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CORRADO MARIA DE SANTIS “CITY OF TETHERS” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, noviembre 2024) (leer reseña)
DEMETRIO CECCHITELLI “JUMP” (FONODROOM / DRONARIVM / LE MONT ANALOGUE, junio 2024) (leer reseña)
FAUX TAPES “DIVE – EP” (FONODROOM / DRONARIVM, septiembre 2024) (leer reseña)
CHIHEI HATAKEYAMA “THOUSAND OCEANS” (FONODROOM / DRONARIVM, junio 2024) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.