“LA MÁSCARA DEL DEMONIO (la maschera del demonio)”, 1960 (Reseña / Review #1718).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1718 // Reseña Media nº: 71
Reseña actualizada. Publicada el 24 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: MARIO BAVA
Guión: MARIO BAVA, ENNIO DE CONCINI y MARIO SERANDREI
Actores principales: BARBARA STEELE (princesa Katia Vajda / princesa Asa Vajda), JOHN RICHARDSON (Dr. Andrei Gorobec), ANDREA CHECCHI (Dr. Thomas Kruvajan), IVO GARRANI (príncipe Griabby Vajda / el príncipe, padre de Katia), ARTURO DOMINICI (príncipe Igor Javutich), ENRICO OLIVIERI (príncipe Constantine Vajda), ANTONIO PIERFEDERICI (sacerdote), TINO BIANCHI (Iván), RENATO TERRA (Boris)
País: ITALIA Año: 1960 Productora: GALATEA / JOLLY FILM
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2009
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Cuando la literatura y el cine se integran perfectamente en la creación de una obra artística, en algunas ocasiones surgen películas de culto como “La Máscara Del Demonio” cuya mítica y tenebrosa aura aún perdura en esta segunda década del siglo XXI. Considerada como una de las obras cinematográficas más destacadas del género de horror, brilla con mayor intensidad iluminando la historia más prestigiosa del cine italiano. A través de esa expresividad tan característica que ofrece el celuloide en blanco y negro, lo que engrandece todavía más su magnífico guión son los personajes y el entorno donde se desarrolla la acción. Basada en el relato de terror “El Viyi” (1835) del maestro de la literatura decimonónica rusa Nikolái Gogol (1809-1852), la película “La Máscara Del Demonio” es cine de horror gótico dirigido por el mítico maestro italiano Mario Bava (1914-1980), quedando su talento y su pasión por el detalle visual perfectamente representados a través del simbolismo ritual de la máscara del demonio.

Rodeado por el tupido velo de la superstición, y bajo la protección del halo diabólico intemporal que sigue latente a lo largo del tiempo, solamente podrá liberarse rompiendo el sello nigromántico como mágico elemento resucitador tras la retirada de estas máscaras de los cuerpos y de la sangre. Aunque Mario Bava ya había trabajado anteriormente en otras películas, “La Máscara Del Demonio” se convertirá en el primer largometraje bajo la única dirección de este ilustre maestro, siendo el comienzo de una espectacular carrera dentro del Séptimo Arte que terminaría grabando su nombre con letras de oro en el altar del cine underground. “La Máscara Del Demonio” es una película de terror que disfrutarán intensamente los cinéfilos lectores de Lux Atenea, porque este mítico largometraje es perfecto para convertir una velada cinematográfica nocturna en un evento artístico de primer orden. Un obscuro espectáculo de imágenes góticas a cual más siniestramente bella e hipnótica, pero lo que más destacaría de esta obra maestra son los elementos simbólicos que encontrarán a lo largo de su visualización. Característicos de la escatología barroca marcada por la vida y el sufrimiento, la luz y la muerte, la esperanza y la presencia diabólica, ofrecen ese trasfondo sobrenatural más allá del alcance del ser humano ante las poderosas fuerzas del Mal a las cuales ha de enfrentarse. Una irresistible seducción a través de su tenebrosa armonía estética que hipnotizará a aquellos que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2009, habiendo sido engalanada su portada con el poster original con el cual se presentó la película en Italia.

Esta historia de terror situada en tierras rusas nos traslada al siglo XVII donde la princesa Asa Vajda (interpretada por la mítica actriz inglesa Barbara Steele) y el príncipe Igor Javutich (actor Arturo Dominici) son juzgados por unos inquisidores tras acusarlos de ser brujos y de adorar al Satanás. Ambos son condenados a una muerte horrible donde primero su piel será marcada con el ardiente símbolo de un hierro candente, para luego clavar en el rostro una máscara del demonio hecha de bronce. La princesa Asa Vajda antes de morir, lanza una maldición al gran inquisidor que se transformará en un maléfico espíritu de venganza que seguirá aún latente pasadas las centurias. Además, en el momento en el cual van a encender la pira para quemarlos, una terrible tormenta cae sobre ellos evitando que las llamas les consuman, provocando el miedo en los hombres del lugar. Posteriormente, en el siglo XIX, los doctores Thomas Kruvajan (actor Andrea Checchi) y Andrei Gorobec (John Richardson) camino a Moscú para la inauguración de un congreso, tras sufrir un pequeño accidente descubren una iglesia abandonada y la tumba de la princesa Asa en su interior. Retirando la máscara de su cuerpo sin vida, pero incorrupto como si el tiempo no hubiera pasado para ella, a partir de ese preciso instante, la maldición de la princesa Asa Vajda empezará a hacerse realidad. Este hecho pondrá en alerta a la princesa Katia Vajda y a su padre cuando observan el cambio producido en un cuadro antiguo donde se retrató a la princesa Asa. Cuando resucita a su amado príncipe Javutich, la Muerte empezará a hacer acto de presencia en este lugar con la aristocrática familia Vajda como objetivo principal de su venganza. Si a tan atrayente trama le unimos esta extraordinaria banda sonora compuesta por Roberto Nicolosi, e interpretada magistralmente por la orquesta dirigida por Pierluigi Urbini, la grandeza artística que adquiere esta película de horror no puede ser más contundente y persuasiva.

“La Máscara Del Demonio” es un largometraje que refleja una maléfica obscuridad y un inquietante suspense, y del cual resaltaría escenas e imágenes inolvidables como la impactante, agobiante, y terrible secuencia inicial de la película con la tenebrosa imagen de los inquisidores portando antorchas en mitad de la noche con niebla, la princesa Asa siendo marcada por tan siniestros verdugos, la penetrante mirada de odio y desesperación que ella lanza a los inquisidores, el lapidario discurso del príncipe Griabby Vajda (actor Ivo Garrani), gran inquisidor y hermano de la princesa, la horrible imagen del verdugo acercándose a la princesa mientras sujeta la máscara del demonio de afilados pinchos en su interior (¡¡¡aterrador!!!), y la escalofriante visión del verdugo con la maza dispuesta a clavar la terrible máscara en el rostro de la princesa. Un comienzo visualmente brutal por el horror de sus imágenes, y que será el inicio de una sucesión de escenas tan espectaculares como el fantasmagórico enterramiento del ataúd de Javutich en el cementerio de los asesinos y la sepultura del cuerpo de la princesa Asa en la cripta (¡¡¡impresionante!!!), el lúgubre magnetismo del coche de caballos cruzando el bosque a través de la densa niebla, la siniestra belleza de la cripta abandonada, el órgano en ruinas cuyos tubos emiten estos sonidos del inframundo gracias a la fuerza del viento, o la grandeza cinematográfica en la escena cuando los doctores entran en el mausoleo donde se encuentra el sepulcro de la princesa Asa, y donde el osario, los arcos, los pilares, los enrejados metálicos, la decoración arquitectónica… son extraordinariamente tenebrosos.

Impresiona ver la imagen infernal de la máscara de bronce cubierta de polvo y telarañas tras el paso de los siglos, la simbólica presencia de los escorpiones que aparecen en el rostro de la princesa cuando el doctor Kruvajan le quita la máscara, la visión de la princesa Katia con sus dos perros en la entrada a la cripta, el tenebroso diseño de la chimenea del palacio Vajda, y la decadente atmósfera que se respira en ese salón con la princesa Katia tocando el piano mientras su padre observa el fuego con la mirada perdida. Hay otras escenas a disfrutar como la impresionante secuencia cuando el padre de Katia ve la máscara del demonio en la copa que le ha traído su sirviente Iván (actor Tino Bianchi), la escalofriante secuencia cuando Asa reencarnada llama al príncipe Javutich para que resurja de su tumba, la impactante imagen de su resurrección al ser una de las más expresivas en esta película, la fantasmagórica imagen del coche de caballos observado por la joven aldeana y del cual me impresionó su lujosa y siniestra decoración. Todo en “La Máscara Del Demonio” es terror gótico. Las manos, el rostro, los gestos, la mirada, y el chirriar de uñas de la princesa Asa cuando se libera de su sepulcro delante del doctor Kruvajan, dan intensidad artística a una de las escenas más pavorosas e inolvidables, o la sacra belleza de la iglesia ortodoxa, la misteriosa atracción que siempre provocan los pasadizos secretos, o esta extraordinaria escena final con sorpresa incluida. En definitiva, una película convertida en el ejemplo más claro del cine de terror gótico, y con la brujería como telón de fondo para el disfrute de imágenes y escenas de gran belleza dentro del canon estético más siniestro. “La Máscara Del Demonio”, el talento artístico italiano dentro del cine de horror más excelso e inmortal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ÚLTIMO SAMURÁI (the last samurai)”, 2003 (Reseña / Review #1717).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1717 // Reseña Media nº: 70
Reseña actualizada. Publicada el 3 de abril del año 2013 en Lux Atenea.

Director: EDWARD ZWICK
Guión: JOHN LOGAN, MARSHALL HERSKOVITZ, EDWARD ZWICK
Actores principales: Tom Cruise (capitán Nathan Algren), Ken Watanabe (samurái Katsumoto), Tony Goldwyn (coronel Bagley), Timothy Spall (Simon Graham), Koyuki (Taka), Nakamura Shichinosuke (emperador Meiji), Masato Harada (Omura), Billy Connolly (sargento Zebulon Gant), Togo Igawa (general Hasegawa)
País: EE.UU Año: 2003 Productora: WARNER BROS. PICTURES
Duración aprox.: 148 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO, S.A.
Año: 2004 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Último Samurái” // Comentario del director Edward Zwick

La extraordinaria película “El Último Samurái” es cine épico de acción ambientado en el Japón del siglo XIX. Un próspero país en profunda transformación social, económica, y política situado en la encrucijada entre el tradicionalismo feudal representado por la figura del samurái y su código de honor, y la modernidad representada por el tremendo poder tecnológico e industrial que ésta desarrolla. Dos visiones sociales absolutamente incompatibles que terminarán en un enfrentamiento militar, originando una lucha desigual ante el gran desequilibrio existente entre el poder destructivo de uno y otro en el campo de batalla, quedando la balanza desnivelada de forma aplastante a favor de la modernidad industrial. Lo moral y lo ético son valores en decadencia dentro de una sociedad moderna unida al progreso tecnológico y científico inmerso en un mundo dominado por la Razón. La ética, la moral, la lealtad que en el mundo samurái lo es todo junto al honor, son valores sociales y personales profundamente enraizados en la vida tradicional, y es precisamente la visión realista del choque entre estos dos modelos de sociedad diametralmente opuestos donde el director estadounidense Edward Zwick alcanza su mayor profundidad conceptual en esta magnífica película. “El Último Samurái” es un largometraje que enamorará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea amantes del cine ambientado en Japón, y muy especialmente en todo lo relacionado con el fascinante y atrayente mundo de los samuráis. Eso sí, me ha resultado curioso comprobar cómo algunos críticos de cine consideran a Omura como un consejero un tanto negativo cuando, en realidad, lo que quiere es convertir a Japón en una poderosa nación que gracias a la Modernidad pueda tener independencia y no estar sometida a otras naciones extranjeras ya modernas. Reconozco que es muy atrayente dejarse arrastrar por el sentimentalismo romántico en referencia al tradicionalismo samurái, pero siendo realistas con la política internacional existente en la segunda mitad del siglo XIX, o una nación era moderna, poderosa, y tenía colonias a su servicio para explotar sus materias primas; o sencillamente pasabas a ser colonia o protectorado de otra nación, a ser condicionada y sometida por los intereses económicos y políticos de las naciones más modernas e industrializadas, y obligado a dejar anclado a tu sociedad tradicional en un nivel de vida mucho más bajo de lo que la Modernidad puede ofrecer, con las tensiones internas que ello puede generar en la ciudadanía a lo largo del tiempo. Porque la Modernidad no solamente trae consigo el acceso a poderosas armas, sino también una industrialización, una manufacturación, una mecanización, una electrificación, unos avances científicos y tecnológicos… que ninguna nación desea dejar a un lado cuando otras disfrutan de ese nuevo estatus tan poderoso. Y en política internacional, a las naciones débiles jamás se las respeta, convirtiéndose en peones de otras o desapareciendo absorbidas por naciones más fuertes.

La épica historia de “El Último Samurái” comienza con la imagen del samurái Katsumoto (actor Ken Watanabe) teniendo un sueño premonitorio unido simbólica y metafóricamente a un tigre. Tras esta impactante secuencia, viajaremos a la ciudad estadounidense de San Francisco, año 1876, abriéndose ante los ojos del espectador la alcohólica, decadente, y triste vida del capitán Nathan Algren (actor Tom Cruise), héroe nacional condecorado con la Medalla del Honor por su participación en la batalla de Gettysburg (1863) y por haber formado parte del legendario Séptimo de Caballería en la lucha contra los indios nativos. Una acción contra los pieles rojas de la cual no se siente nada orgulloso, pesando como una losa sobre su conciencia. Autotorturándose física y mentalmente, Nathan Algren ha terminado convirtiéndose en promotor de ventas al servicio de la famosa empresa fabricante de armas Winchester. Tras ser despedido, el sargento Zebulon Gant (actor Billy Connolly) le propone un trabajo bien remunerado acorde a su gran experiencia como militar, y en el que está en juego un fructífero negocio donde los Estados Unidos de América puede convertirse en el único proveedor de armas de Japón, a cambio de ayudar al emperador a llevar a cabo con éxito sus planes de reforma y modernización del país aplastando militarmente a aquellos que se le opongan. Nathan Algren y Zebulon Gant se reúnen con influyentes militares estadounidenses y diplomáticos japoneses entre los cuales destaca Omura (actor Masato Harada), consejero del emperador Meiji (actor Nakamura Shichinosuke), y el impasible coronel Bagley (actor Tony Goldwyn), oficial del Séptimo de Caballería que Nathan Algren ya tuvo como superior. El trabajo de Nathan Algren será ayudar al general Hasegawa (actor Togo Igawa) a adiestrar a sus tropas en el manejo de las nuevas armas. Una vez llega a Japón, allí se encuentra con un traductor y antiguo diplomático inglés llamado Simon Graham (actor Timothy Spall), el cual le pone al corriente de la vida y costumbres del país, sobre los grandes cambios que está experimentando la nación, cómo los samuráis se están oponiendo a esa modernización, y cómo ha de desenvolverse con las autoridades para poder cumplir su trabajo con eficacia.

Liderados por Katsumoto Moritsugu, prestigioso samurái que también fue maestro del emperador, los samuráis se han rebelado contra el emperador por traicionar la tradición ancestral en pro de la modernidad, negándose a aceptar los radicales cambios que quiere instaurar en toda la nación. Pero la autoridad del emperador Meiji está en cuestión ante los ataques de Katsumoto a todo lo que representa lo moderno, y sin esperar a que las tropas hayan terminado de ser entrenadas, se ordena al general Hasegawa que aplaste ese levantamiento. Envalentonados por la superioridad de fuego de las nuevas armas y por el mayor número de tropas que llevan a la zona de conflicto, las consecuencias de ese grave error de cálculo y de menosprecio del poder del enemigo no se harán esperar, siendo derrotados en el campo de batalla. Tras ser vencido, el general Hasegawa practicará el ritual del seppuku para no cargar con la deshonra de la derrota, y en ese mismo enfrentamiento militar Nathan comprobará la tremenda astucia y valor que los samuráis despliegan en la acción, siendo rodeado, herido, y hecho prisionero por orden de Katsumoto tras comprobar su gran valor en combate cuando estaba a punto de ser ejecutado por uno de sus samuráis. Katsumoto se lo lleva al campamento donde pasará el invierno, encargándose de su cura la propia hermana de Katsumoto llamada Taka (actriz Koyuki). Nathan era un hombre perdido interiormente y atormentado existencialmente pero, una vez recuperado, entre los samuráis recuperará su norte anímico y espiritual según vaya asimilando las costumbres y tradiciones de los samuráis (bushido) en una armonía interior tan intensa y vital como jamás hubiera experimentado antes en su vida. En el otro extremo, en el bando del emperador se ha comprendido que solamente con fusiles no podrán aplastar a los samuráis, y autorizando la compra de armas más poderosas entre las que se incluyen piezas de artillería howitzer y ametralladoras tipo gatling, despliegan una terrorífica e incontenible superioridad de fuego imposible de parar o derrotar usando armas tradicionales. “El Último Samurái” es un épico largometraje de acción, pero la épica solamente alcanza su estado más puro en su trasfondo heroico si la tragedia y el drama están presentes en la vida de los elegidos.

Los cinéfilos lectores de Lux Atenea se sorprenderán al comprobar que el rodaje en exteriores fue realizado en Nueva Zelanda, porque la ambientación ha sido lograda de forma impecable. También se han utilizado imágenes creadas por ordenador, haciendo que la mente del espectador se adentre rápidamente en la trama y en los escenarios donde se desarrolla esta historia, identificándose fácilmente con sus protagonistas y con las acciones en las cuales están involucrados gracias a este admirable realismo visual. Además, la intensidad emocional en la cual poco a poco nos vamos sumergiendo, convierten a “El Último Samurái” en toda una experiencia cinematográfica durante más de dos horas que dura esta película, Quedarán indeleblemente grabadas en la memoria algunas de estas bellas y extraordinarias imágenes y secuencias como, por ejemplo, la escena donde Nathan de nuevo se pone el uniforme e instantáneamente vuelve a revivir las carnicerías contra los nativos en las cuales participó, impresiona la excelente y meticulosa ambientación de la vida cotidiana de los ciudadanos japoneses en una ciudad de aquella época en rápida transformación, o la colosal batalla que se desencadena en el bosque cubierto por brumas entre las tropas del emperador y los sublevados con una carga de caballería samurái impresionante. Les cautivará la contemplación de la belleza que transmiten las armaduras de los samuráis, el sigiloso y letal ataque de los ninja al poblado ocultos en la oscuridad de la noche, o la épica batalla final donde el heroísmo y la valentía quedan perfumadas con la defensa de lo íntegro hasta la muerte. “El Último Samurái”, uno de los mejores papeles interpretados por el actor Tom Cruise, y con la espectacularidad y la magia cinematográfica ambientada en el Japón del siglo XIX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SEIS MUJERES PARA EL ASESINO (Sei donne per l’assassino)”, 1964 (Reseña / Review #1716).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1716 // Reseña Media nº: 69
Reseña actualizada. Publicada el 18 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: MARIO BAVA
Guión: MARCELLO FONDATO, MARIO BAVA y GIUSEPPE BARILLA
Actores principales: CAMERON MITCHELL (Massimo), EVA BARTOK (condesa Cristiana Como), THOMAS REINER (inspector Silvestri), ARIANA GORINI (Nicole), DANTE DI PAOLO (Franco Scalo), MARY ARDEN (Peggy Peyton), FRANCO RESSEL (marqués Riccardo Morelli di Castelfranco), CLAUDE DANTES (Tao-Li), LUCIANO PIGOZZI (Cesare Lazzarini), FRANCESCA UNGARO (Isabella), MASSIMO RIGHI (Marco)
País: ITALIA-FRANCIA-ALEMANIA Año: 1964 Productora: EMMEPI CINEMATOGRAFICA / GEORGE DE BEAUREGARD / MONACHIA FILM
Duración aprox.: 85 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Tan importante es esta película en la historia del cine underground que sin la senda artística abierta por Mario Bava en “Seis Mujeres Para El Asesino” (1964), el género cinematográfico italiano de terror denominado como giallo no hubiera sido tal y como lo conocemos, ni tampoco el mítico director Dario Argento hubiera logrado el excelso nivel artístico que alcanzó con películas de culto dentro de este género como “El Pájaro De Las Plumas De Cristal” (1970), “Rojo Oscuro” (1975), o “Tenebre” (1982), largometrajes ya reseñados en Lux Atenea. Con una impresionante y admirable carrera cinematográfica en su haber que le ha permitido alcanzar este prestigio tan meritorio dentro del cine independiente, el director italiano Mario Bava (1910-1980) no creo que fuera realmente consciente de la revolución artística que iba a provocar con el rodaje de esta obra convertida ya en película de culto e ilustre estandarte del cine giallo. Como obra pionera, “Seis Mujeres Para El Asesino” tiene esa grandeza y ese halo conceptual tan especial e irrepetible donde el cine de terror y de suspense muta visualmente en decadentismo barroco, y dentro de una aristocrática estética diseñada para engalanar a la muerte en su más sádica y horrible manifestación. Teniendo al sofisticado mundo de la Alta Costura como escenario principal de estos crímenes, en “Seis Mujeres Para El Asesino”, Mario Bava hace honor al siniestro atractivo que ofrece el cine giallo con la presencia de un inteligente y escurridizo psicópata de rostro oculto, cuya mente enferma y sanguinarios impulsos le incitan a matar a bellas mujeres. En esta película, el drama y el suspense inician un tenso crescendo emocional tal y como transmitían la obras literarias de la década de los treinta cuyo color de sus portadas ha dado nombre a este género cinematográfico (giallo, ‘amarillo’ en italiano). Además, en “Seis Mujeres Para El Asesino”, el talento y el ingenio del maestro Mario Bava dan especial protagonismo a un objeto que será a partir de entonces sinónimo de miedo y de misterio en la gran pantalla dentro de este género de películas, como son los maniquíes. Fetichismo y horror fundidos en este objeto de siniestro influjo en la mente del espectador.

Esta dramática historia de horror y suspense comienza en una oscura noche de viento y tormenta, y con la visión de esta lujosa mansión convertida en sede del Salón de Alta Costura Christian. Cuando la joven Isabella (actriz Francesca Ungaro) llega en taxi y recorre el jardín para entrar a la mansión, es asesinada, teniendo como únicos testigos de su sangriento destino a las estatuas que decoran ese frondoso lugar. La condesa Cristiana (actriz Eva Bartok) se indigna con la tardanza de Isabella, pero no tardará mucho en conocer el trágico final de esa joven cuando descubre su cadáver. Este caso criminal pasa a manos de las autoridades, y será el inspector Silvestri (actor Thomas Reiner) quien se encargue de encontrar a ese sádico asesino, interrogando a las personas del Salón de Alta Costura. La entrada en escena del marqués Riccardo Morelli (actor Franco Ressel) y de Cesare Lazzarini (actor Luciano Pigozzi), junto a Marco (actor Massimo Righi), Massimo (actor Cameron Mitchell), y Franco Scalo (actor Dante Di Paolo) no harán más que ampliar el número de sospechosos de tan salvaje crimen. Durante la investigación, el inspector Silvestri descubrirá que las drogas forman parte de tan esquivo y desconfiado ambiente, y en el Salón de Alta Costura aflorarán las mentiras y los encubrimientos entre los sospechosos. Con la aparición del diario de Isabella como clave para la resolución definitiva de este difícil caso, su descubrimiento no hará más que despertar el temor en más de una persona en tan turbio lugar, y todo se empezará a complicar en cuanto el asesinato de otras jóvenes del Salón de Alta Costura comience sin que nadie pueda impedirlo. Si a esta intrigante trama le unimos la música compuesta por Carlo Rustichelli para ambientar estas siniestras secuencias, los cinéfilos lectores de Lux Atenea disfrutarán de una de las mejores bandas sonoras que podrán encontrar dentro del cine giallo.

Como analista cultural, recomiendo la adquisición de esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films, ya que la película de culto “Seis Mujeres Para El Asesino” es cine de intriga y suspense en estado puro dentro de la técnica cinematográfica más cuidada, y donde la fotografía alcanza una increíble belleza visual que les fascinará. Con largometrajes de esta irresistible estética, el cine giallo logra alcanzar el prestigio artístico y la atención del público afín a este género de películas gracias al inteligente uso del color, resaltando sobre todo el rojo y el azul en sus más variadas tonalidades gracias al Eastmancolor utilizado en su rodaje, y a una talentosa visión de la iluminación para crear entornos y atmósferas donde la muerte prácticamente se intuye antes de su violenta aparición. Los aristocráticos decorados dejarán impresionados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su atractivo, siendo el escenario perfecto para crear imágenes y escenas imborrables en su memoria como la impresionante imagen de Marco tras los cristales con el tenebroso maniquí rojo en primer plano, la decoración barroca tan sobrecargada que presentan las estancias de la mansión, la impactante escena cuando la condesa Cristiana encuentra el cadáver de Isabella y el primer plano de su horrible rostro, o las malévolas miradas al bolso negro de Nicole (actriz Ariana Gorini) con el diario de Isabella en su interior. Quedarán fascinados con la atmósfera de lujo y sofisticación que se respira en los preparativos del desfile, con la excelsa iluminación en la escena de Nicole cuando está en el interior de la tienda de Franco Scalo buscándole, con el horror que provoca la visión en primer plano de la garra de metal, con el cálido reflejo del lujo que presenta la decoración de la casa de Peggy Peyton (actriz Mary Arden), con la mágica y tenebrosa plasticidad de la secuencia de Tao-Li (actriz Claude Dantes) reflejada en el espejo ovalado, o con la hipnótica visión de los maniquíes rojos a lo largo de todo el largometraje. Como en todo buen largometraje dentro del cine giallo, las apariencias engañosas y las pistas falsas estarán ahí para que mantener viva la intriga y el suspense, y para que no puedan descubrir al verdadero asesino hasta la llegada de sus minutos finales. “Seis Mujeres Para El Asesino”, película de culto convertida en la principal raíz artística y estética del cine giallo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAI DOH MARU (怪童丸」、)”, 2001 (Reseña / Review #1715).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1715 // Reseña Media nº: 68
Reseña actualizada. Publicada el 24 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: KANJI WAKABAYASHI
Guión: NOBUHISHA TERADO
País: JAPÓN Año: 2001 Productora: PRODUCTION I.G.
Duración aprox.: 45 minutos
Publicado en España por: SELECTA VISIÓN Año: 2004
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Kai Doh Maru” es una película de animación cuyas imágenes asombrarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su belleza artística. Con una plasticidad visual y una atmósfera que recuerda al apocalíptico pensamiento propio de la sociedad medieval, la película de animación japonesa “Kai Doh Maru” se presenta en pantalla con imágenes vanguardistas y experimentales que se salen del estándar clásico seguido hasta ahora en el cine anime. En el clima religioso de la sociedad donde se desarrolla esta historia, lo sobrenatural y lo mágico condicionan la vida humana sobre la tierra y, en medio de esa lucha entre poderosas fuerzas, nuestra protagonista habrá de enfrentarse a las fuerzas del Mal, las cuales están dirigidas por la perversa y diabólica princesa Ohni. Basada en esta historia nacida a finales de la década de los noventa, por su final, “Kai Doh Maru” parece más una película o un proyecto de serie inacabado que un largometraje con su trama elaborada y desenlace cerrado. Cuando los cinéfilos lectores vean la película de animación “Kai Doh Maru” se encontrarán con un largometraje con mucho dinamismo y movimiento en sus dibujos, y con una expresividad en sus personajes que les impactará. Un largometraje de animación experimental donde hasta la música les sorprenderá, respecto a lo que se viene presentando como banda sonora dentro del anime actual.

A sus pinceladas estéticas dentro de la belleza siniestra donde lo macabro se une ocasionalmente a lo gore, en “Kai Doh Maru” encontrarán esta interesante y compleja trama donde las armas y la magia, donde la belleza más delicada y las muertes más sangrientas, ofrecen al espectador este contraste entre dos mundos opuestos cuyas conexiones e influencias se entremezclan en las acciones protagonizadas por sus principales personajes, y en su solemne sonoridad poética como anticipo a la inmisericordia que muestran con sus enemigos. Además, los movimientos de sus personajes terminarán fascinando al cinéfilo lector de Lux Atenea porque en la creación de los dibujos que dan personalidad artística a “Kai Doh Maru” se han utilizado principalmente los tonos pastel con colores difuminados. Tonos y colores apagados donde, incluso, la noche se presenta de forma etérea a través del uso de tonos azules para el cielo nocturno. El único color intenso que se ha utilizado en toda la película es el rojo y, en las escenas definidas únicamente en blanco y negro, el buen uso de la escala de grises nos provoca admiración ante tal despliegue técnico. Unas imágenes en blanco y negro que parecen sacadas de un cómic manga y que, combinadas con imágenes en color, da la sensación de visualizar un 3D a algunas de sus secuencias. Por este motivo, “Kai Doh Maru” presenta impresionantes e imborrables escenas como la captura de la protagonista al inicio de la película, la impresionante escena del carro de la anciana, o las sobrecogedoras danzas macabras en el poblado entre voraces fuegos. Sin duda alguna, “Kai Doh Maru” es una película de animación japonesa que no olvidarán nunca. Como apunte final, en los extras incluidos en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Selecta Visión, les recomiendo que vean la interesante entrevista realizada a su director Kanji Wakabayashi, al diseñador de personajes Shou Tajima, y al director de animación Kyouji Asano. “Kai Doh Maru”, una auténtica delicatessen dentro del cine de animación japonés. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HÄXAN, LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS”, 1922 (Reseña / Review #1714).

Posted on 10 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1714 // Reseña Media nº: 67
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: BENJAMIN CHRISTENSEN
Guión: BENJAMIN CHRISTENSEN
Actores principales: BENJAMIN CHRISTENSEN (El Diablo), ELLA LA COUR (Karna, la bruja), OSCAR STRIBOLT (Monje), HERR WESTERMANN (Rasmus, el verdugo)
País: DINAMARCA / SUECIA Año: 1922 Productora: ALJHOSA PRODUCTION COMPANY / SVENSK FILMINDUSTRI
Duración aprox.: 105 y 76 minutos
Publicado en España por: VERSUS ENTERTAINMENT Año: 2008
Formato: Caja de 2DVD y dos libretos (EDICIÓN COMPRADA)

El Diablo y las brujas, auténtico leitmotiv que vertebra este largometraje como arquetipo universal en Occidente desde tiempos inmemoriales. Pero “Häxan, La Brujería a través de los Tiempos” es una película que, desde su estreno en el año 1922 en importantes ciudades europeas, ya provocó una oleada de protestas cuyo impacto social llevaría a las autoridades a prohibir tajantemente su exhibición pública. Una tenebrosa temática tratada en este largometraje en siete capítulos como si de una serie documental se tratara, y que lo convertiría en una película maldita hasta que, en el año 1968, el genial escritor estadounidense William Burroughs la recuperara de la memoria cinematográfica en un renacimiento público que ha tenido su merecido reconocimiento por su excepcional calidad artística. “Häxan”, “La Bruja”, es una película muda nacida en la transgresora década de los veinte y que acabaría convirtiéndose en la obra maestra del director danés Benjamin Christensen (1879-1959), considerado por muchos expertos como pionero en el cine de autor, por lo que es inevitable que se le considere un director de culto al igual que todas sus películas. Con un estilo nada convencional para la época, en este largometraje en blanco y negro, Benjamin Christensen se presentará ante los cinéfilos lectores de Lux Atenea como un visionario cuyas ideas vanguardistas fueron inexorablemente etiquetadas como provocadoras en aquella época, debido a su carga moral influenciada por el pensamiento científico y racional, y frente a la debilidad intelectual propia de un pueblo más dado a los actos irracionales y salvajes que tratan de justificar a través de estas supersticiones y creencias en el Maligno y en sus fieles adoradores. Brutales represiones, intolerancia, y cultura popular cargada de supersticiones, dan este trasfondo a la película “Häxan” mientras la lógica científica se encarga de racionalizar actos, sucesos, y hechos que, desde antiguo, han sido tomados como paranormales o misteriosos.

Hay críticos que han catalogado a esta impresionante obra cinematográfica como un largometraje pesimista. Como analista cultural, más bien catalogaría a la película “Häxan” como un largometraje inconfundiblemente misántropo al mostrar en sus imágenes con suma crudeza, esa realidad del espíritu humano destructor y corrupto que desde siempre ha caracterizado a nuestra especie. Una sinrazón humana de mefistofélica atracción en la cual innumerables personas han ido cayendo desde tiempos inmemoriales, y que tantas muertes y sufrimientos ha originado. Brujería, inquisición, magia, ocultismo, maldiciones, leyendas, mitos, ritos satánicos… vertebran este largometraje a través de imágenes barrocas hasta en su lado macabro, mientras lo gótico impregna su esencia espiritual. Con todo lujo de detalles, los cinéfilos lectores de Lux Atenea presenciarán los luciferinos escenarios donde se realizaban sacrificios humanos como ofrenda a los poderes del Mal, el satánico Sabbat donde las brujas preparaban comidas antropófagas, la persecución de estas brujas y sus prácticas por parte de la Iglesia y cómo en las confesiones de las brujas capturadas se entremezclaban las leyendas populares con las venganzas personales, cuáles eran los brutales métodos inquisitoriales usados para descubrir quién era una bruja, cómo eran las cámaras de tortura de la época y cómo se utilizaban cada uno de los dolorosos y brutales instrumentos usados para que el acusado confesara, cuál era el ritual del plomo para saber si una persona había sido hechizada o embrujada… en definitiva, tentaciones irresistibles, vicios y depravaciones, tortura y dolor, que fueron justificadas por estas creencias a través de imágenes de una belleza artística indiscutible donde el horroroso imaginario popular es explicado por el propio director.

En la película “Häxan”, Benjamin Christensen les mostrará cómo estas creencias han perdurado hasta el siglo XX y cómo la Ciencia ha logrado desenmascarar muchos de estos temas relacionados con lo supersticioso, la hechicería, y lo maléfico. Ese otro lado tenebroso e infernal que es presentado a través de planos con cámara fija donde la oscuridad predomina en la escena, salvo en las partes iluminadas que son las que han de concentrar la atención del espectador. Una calidad visual admirable, sobre todo, teniendo en cuenta los medios técnicos disponibles en aquella época, y donde la fuerza expresiva de los actores, auténtica piedra angular de las películas mudas, se muestra de forma siniestra y bella. Con una banda sonora exquisitamente sobrecogedora y tétrica que impresionará a los espectadores no familiarizados con estilos musicales como el ritual, ethereal, neoclasicismo, dark ambient… es muy fácil que queden impactados al presenciar escenas como la dantesca animación de los demonios, la fantasmagórica escena de las brujas sobrevolando ciudades y parajes durante la noche dirigiéndose al aquelarre, con la mágica escena de las monedas, o, incluso, con la escena donde hasta los propios inquisidores dan credibilidad a la creencia en el Mal de Ojo como algo real ante lo que deben ser muy precavidos en sus juicios contra los adoradores del Mal.

Benjamin Christensen fue un director que, desde su primera película rodada en el año 1913 hasta el momento en que abandona su carrera cinematográfica en 1942, nunca deja de crear obras muy personales sin perder un ápice de su espíritu provocador y transgresor. Pese a la incomprensión pública y social que siempre le acompañó, y a los sinsabores que estas innovadoras películas le trajeron consigo, siempre se entregó en cuerpo y alma a su particular visión de lo que es el Séptimo Arte en esencia: belleza en imágenes, ilusiones ensoñadoras, y vanguardia cultural. Sin lugar a menor duda, Benjamin Christensen es uno de los directores con mas talento que nos ha ofrecido el cine danés y europeo en toda su historia, y toda obra firmada por Benjamin Christensen es muy claramente cine de autor por su excelencia. Gracias a empresas como Versus Entertainment, los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar visualizando esta completa edición en formato DVD, y donde se han incluido tanto la versión original de la película como la versión más corta del año 1968, junto a un libreto de diez páginas escrito por todo un experto cinematográfico como Jesús Palacios, un libreto de diez páginas del Instituto Sueco de Cinematografía, y una entrevista a Jesús Palacios de carácter informativo donde nos comenta esta excepcional película. “Häxan, La Brujería a través de los Tiempos”, cuando el arte cinematográfico es capaz de configurar y de definir la belleza visual más siniestra a través de impactantes imágenes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (invasion of the body snatchers)”, 1956 (Reseña / Review #1713).

Posted on 10 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1713 // Reseña Media nº: 66
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: DON SIEGEL
Guión: DANIEL MAINWARING
Actores principales: KEVIN McCARTHY (Doctor Miles J. Bennell), DANA WYNTER (Becky Driscoll), LARRY GATES (Doctor Dan Kauffman)
País: EE.UU Año: 1956 Productora: ALLIED ARTISTS
Duración aprox.: 76 minutos
Publicado en España por: SUEVIA FILMS / EL CORTE INGLÉS
Año: 2009 Formato: DVD edición coleccionista con libreto de 32 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

Perteneciente a la colección “Selección Clásicos de Oro”, El Corte Inglés y Suevia Films han publicado esta magnífica edición en formato DVD de la película de culto “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos”, incluyendo un precioso libreto de treinta y dos páginas con interesante información sobre este mítico largometraje e imágenes de algunas de sus escenas más inolvidables. Rodada en blanco y negro, perfecto para aumentar la atmósfera de misterio en las películas de terror y suspense, esta fascinante obra cinematográfica está basada en la novela escrita por Jack Fenney cuya trama comienza en la pequeña ciudad californiana de Santa Mira, cuando sus habitantes poco a poco empiezan a mostrar signos y comportamientos extraños ante sus familiares, vecinos, autoridades… En medio de esta extraña plaga que parece afectar a un número creciente de personas en esta ciudad, el doctor Bennell (actor Kevin McCarthy) empezará a investigar el origen de esta dolencia tan anormal que parece afectar a la personalidad de sus pacientes en extraños casos médicos y que, de la noche a la mañana, sin explicación alguna vuelven a la normalidad. Una película de terror y suspense con una intensidad que provoca un agobio emocional creciente, y donde el nerviosismo irá apoderándose de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que disfruten de esta impresionante película en esta lujosa edición. Como analista cultural, “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos” es una película de culto que me dejó fascinado desde la primera vez que la vi en televisión (en la 2 de Televisión Española) hace ya algunas décadas, no dudando un segundo en comprarla en cuanto supe que la empresa Suevia Films había publicado esta edición tan completa.

Las vainas y la aparente normalidad con la cual esta plaga se va extendiendo en una sociedad moderna que únicamente se fija en lo físico y en la imagen por encima de cualquier otra consideración, las personas que dejan su verdadera personalidad atrás tras ser copiados en cuerpo y mente… configuran y dan sentido al trasfondo conceptual y existencial que emana de “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos». La frialdad emocional que transmiten estos seres humanos que han dejado de serlo al quedar carentes de sentimiento alguno, la pérdida de humanidad que se refleja incluso físicamente en los individuos copiados con el borrado de sus huellas dactilares, dan esa fuerza al horror en este mítico largometraje cuya trama está inspirada en el peligro que puede significar para la Humanidad el poder ser colonizados por entes extraterrestres deseosos de conquistar nuestro planeta a través del exterminio de nuestra especie mediante el copiado corporal. En este legendario largometraje, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de inolvidables escenas como, por ejemplo, cuando el doctor Bennell abre el arcón en casa de Becky (actriz Dana Wynter), cuando el perro cruza la calle delante del doctor Bennell y Becky, la amenazante llegada al centro de la ciudad de los camiones cargados de vainas, el peligroso regalo que les deja el personal de la gasolinera en el coche, o la impactante escena donde las vainas van abriéndose en el interior del invernadero. En definitiva, una película de culto donde sus opresivos ambientes les harán pasar momentos angustiosos debido a la hipnótica atracción que provoca su trama. Además, tan grande ha sido el éxito de esta historia de ficción entre el público que, a día de hoy, la industria del cine ha realizado ya tres remakes, siendo su versión más reciente el largometraje “Invasión (The Invasion)” protagonizado por los actores Daniel Craig y Nicole Kidman, y que se estrenó en el año 2007. “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos”, una de las mejores películas de Terror y de Ciencia-Ficción en la Historia del Séptimo Arte.¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PIEL DE SERPIENTE (the fugitive kind)”, 1960 (Reseña / Review #1712).

Posted on 10 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1712 // Reseña Media nº: 65
Reseña actualizada. Publicada el 30 de agosto del año 2012 en Lux Atenea.

Director: SIDNEY LUMET
Guión: TENNESSEE WILLIAMS y MEADE ROBERTS
Actores principales: MARLON BRANDO (Valentine Xavier “Piel de Serpiente -Snakeskin-”), ANNA MAGNANI (Señora Torrance), JOANNE WOODWARD (Carol Cutrere), MAUREEN STAPLETON (Señora Talbot), VICTOR JORY (Jabe Torrance), R. G. ARMSTRONG (Sheriff Talbot), EMORY RICHARDSON (Tío Pleasant), MADAME SPIVY (Ruby Lightfoot), SALLY GRACIE (Dolly Hamma), LUCILLE BENSON (Beulah Binnings)
País: EE.UU Año: 1960 Productora: UNITED ARTISTS
Duración aprox.: 116 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2010 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Piel de Serpiente”
EXTRAS: Ficha Técnica // Ficha Artística // Galería Fotográfica

Basada en la obra del talentoso escritor estadounidense Tennessee Williams “La caída de Orfeo (Orpheus Descending)”, la película “Piel de Serpiente” es un drama psicológicamente impactante donde queda reflejada con total claridad la terrible hipocresía dominante en la sociedad tradicional y, más concretamente, en las ciudades del sur de los Estados Unidos de América de la década de los cincuenta con su inflexible y anquilosado sistema, con sus ilógicas supersticiones cargadas de racismo y xenofobia, y con su sociedad de clases donde los prejuicios, los abusos de poder, y la corrupción dominan y condicionan la vida cotidiana. Rodada bajo la dirección de Sidney Lumet, “Piel de Serpiente” tiene el encanto de las películas en blanco y negro donde la magna calidad artística de sus imágenes no hacen más que ensalzar la impresionante interpretación de sus actores, sobre todo, de estas dos grandes estrellas cinematográficas como son Anna Magnani y el grandioso e incomparable Marlon Brando. Actores perfectos para encarnar a estos difíciles personajes que se caracterizan por la pérdida del sentido de sus vidas en este mundo, y por ese crítico descontrol interior en referencia a su destino vital. La fuerza irresistible de lo pasional (que suele traer consigo falsas esperanzas) y la desilusión (que transforma el amor en odio con instintos de venganza) llevarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea a disfrutar esta extraordinaria película donde su mayor grandeza artística se llama guión+interpretación, y sin que sea necesaria la presencia de los efectos especiales tan en boga actualmente para garantizar el éxito de un largometraje. “Piel de Serpiente” es la historia de tres personajes, Valentine (Marlon Brando), Carol (Joanne Woodward), y la señora Torrance (Anna Magnani), donde Carol representa el pasado de frivolidad, juerga, desenfreno, y aparente sensación de libertad en el cual ha vivido Valentine mientras vivió en la ciudad de Nueva Orleans, y la señora Torrance se presenta casi como el futuro de seguridad económica y de cambio radical en su vida que Valentine desea alcanzar. Pero Valentine también es visto como la última tabla de salvación de esas dos mujeres en este mundo, y en esa complicada situación, qué forma de vida creen que será la que termine condicionando el destino de Valentine. Todo ello unido a la importancia del suceso que provocó el incendio del merendero regentado por el padre de la señora Torrance, no hará más que aumentar la intriga de este extraordinario y atrayente drama con un final en su horizonte que difícilmente es percibido hasta la última escena.

En este magnífico y reflexivo guión donde la maestría lírica de Tennessee Williams se respira en cada frase, desde la primera escena quedarán cautivados por la magnética imagen de Valentine Xavier, alias “piel de serpiente (snakeskin)”, interpretado por el colosal actor Marlon Brando. Presentado ante un tribunal para ser juzgado por haber causado daños en un local de Nueva Orleans llamado Club Rendezvous, Valentine es músico, animador de locales nocturnos, y está fuertemente unido a su inseparable guitarra, instrumento que le fue regalado por el músico de jazz Leadbelly al que venera. Y tal es su pasión por la música que poco a poco ha ido cubriéndola con las firmas de grandes músicos de jazz como si fuera su Templo de Euterpe personal. Tras ser puesto en libertad por el juez con la promesa de no volver a cometer los mismos actos nunca más, Valentine abandona la ciudad en su automóvil pero, en una noche tormentosa bajo la lluvia torrencial, se acercará a una casa de la pequeña localidad sureña de Two Rivers para que le permitan dormir en un lugar seco durante esa noche. Pero la casa a la que acude resulta ser el hogar del sheriff de la localidad. Admitido por la amable y compasiva mujer del sheriff, la señora Talbot, para darle un lecho donde poder descansar, terminará confesándole que trata de dar un cambio radical a su vida, motivo por el cual ella tratará de conseguirle un empleo en su localidad ya que en la tienda del señor Jabe Torrance andan buscando a un dependiente debido a la grave enfermedad que padece. Cuando acude a la tienda para poder conseguir el empleo conoce a la señora Torrance (Anna Magnani), y aunque ésta se muestra inicialmente muy fría con él, poco a poco irá tomando más y más confianza hasta confesarle algunas particularidades existentes en esa localidad aparentemente tranquila. Además, Valentine “piel de serpiente” (llamado así por la chaqueta de piel de serpiente que acostumbra a llevar siempre puesta) también conocerá a Carol Cutrere (Joanne Woodward), y los motivos que llevaron al sheriff de la localidad a echarla del pueblo tras acusarla de ser una degenerada. Carol es una mujer extravagante, frívola, de moral muy ligera (por lo que provoca conflictos y tensiones constantes en una comunidad tan conservadora), indiscreta, se toma la vida como si fuera una fiesta constante, piensa que puede hacer lo que le dé la gana en este mundo… en definitiva, una joven que es todo lo contrario a la señora Torrance. La actitud de Carol se ve agravada por su pasado religioso, y espiritualmente hablando acabó completamente defraudada con esa forma de vida aparentemente piadosa cuando descubrió cómo justificaba el racismo imperante en su localidad. El corazón de Carol cae rendido ante la presencia de Valentine, y cuando rompe voluntariamente con su exilio y retorna al pueblo, el choque de personalidades entre la señora Torrance y Carol será inevitable. Una incompatibilidad que no evitará que se establezca un peligroso e inestable triángulo de relaciones entre Valentine y la señora Torrance, y Valentine con Carol, que incrementará su intensidad emocional y sentimental según se vaya enredando más y más ante la imposibilidad real de su consolidación, y ante el frágil futuro que se les presenta.

En esta seductora trama, la tragedia, el drama, la ironía, y ciertos toques de sarcasmo en el humor, fascinarán al culto lector de Lux Atenea a través de este magnífico guión que irremediablemente atraerá su atención a la pantalla. Un detallado perfilamiento psicológico de los personajes que, en manos de estos excelentes actores, hacen destacar a la película “Piel de Serpiente” dentro de su género porque tener en esta película a un actor como Marlon Brando en uno de sus mejores momentos profesionales, es todo un lujo y se nota. Su firmeza, su expresividad, su convicción transformada en gestos faciales, su mirada propia de un ser que está por encima de todo a pesar de su precaria situación económica en la vida, su capacidad para transmitirnos esos sueños de inmortalidad que todo buen músico y artista posee, su fuerza en los ojos como pocos actores han tenido como don artístico en toda la Historia del Cine… en definitiva, Marlon Brando es uno de los pocos actores cuya sola presencia llena la gran pantalla con sólo verlo actuar. En el complicado papel de Carol Cutrere, también la actriz Joanne Woodward logra transmitirnos la difícil personalidad de esta joven rebelde cuya mentalidad no admite ni falsas creencias, ni esa forma de vivir cargada de hipocresía que define a la vida tradicional y cotidiana en su localidad. Una joven que le encanta provocar y que sabe cómo jugar con Valentine, porque en el fondo ella sabe que le importa. Pero, por encima de todo, la actriz que logra equilibrar la calidad interpretativa mostrada por Marlon Brando en esta película es, sin duda alguna, la genial Anna Magnani haciendo el papel de la señora Torrance. Una mujer atormentada en su interior que contrasta totalmente con su apariencia de carácter fuerte en el trato (casi siempre con los brazos cruzados), siendo un personaje perfecto para que Anna Magnani pueda lucirse junto al colosal Marlon Brando. La señora Torrance comentará sus sueños a Valentine ante su aparente sinceridad porque, en el fondo, necesita sentirse protegida y querida ya que se siente muy sola, y el origen de ese vacío existencial es la absoluta falta de entendimiento entre el señor y la señora Torrance que, muy claramente, se hará presente en la escena cuando el señor Torrance regresa a la tienda tras recibir el alta del hospital de Memphis donde fue ingresado. Tras su hospitalización, la señora Torrance ha de cuidar a su marido y llevar también la tienda, y a pesar de contar con la ayuda de Valentine, esa estresante situación le acabará desbordando porque el señor Torrance es un hombre despótico, egoísta, y arrogante con el cual no se puede razonar. La excelente interpretación que el actor Victor Jory hace del autoritario señor Torrance es sencillamente magistral. Los cinéfilos quedarán muy impresionados al contemplar al actor Victor Jory dando intensidad a su personaje con esa actitud con la cual mira a su mujer, y a la que constantemente está mandándole el mensaje de que puede hacer con su vida lo que le venga en gana. En el caso de Valentine, el señor Torrance también le deja muy claro que, a la primera oportunidad que tenga, no dudará un segundo en acabar con él, presentando actitudes agresivas que no hacen más que incrementar la tensión dramática de cada escena en la que participa. Una interpretación muy impactante, y en sintonía con el magnífico trabajo realizado por otros actores y actrices como Maureen Stapleton en el papel de la señora Talbot (personaje que vive en su propio mundo a espaldas de la realidad), o en la fuerza vital que despliega Madame Spivy en cada gesto al interpretar el papel de la dueña del local Ruby´s Bar.

La película “Piel de Serpiente” es, sobre todo, un largometraje vertebrado por escenas inolvidables como la imagen del particular cuadro que ha pintado la señora Talbot (la mujer del sheriff), en la tensión que se respira en la escena del tío Pleasant cuando entra en la tienda y donde quedan perfectamente reflejados los prejuicios dominantes en aquella sociedad tradicional, cuando Carol provoca con sus piernas a Valentine dentro del coche, cuando la dueña del Ruby´s Bar le dice discretamente a Valentine que se lleve a Carol a otro lado porque no la quiere allí, en la genial escena donde Carol explica a los clientes del Ruby´s Bar qué significa para ella “ir de antros” (sus caras y sus reacciones lo dicen todo), o en la impactante secuencia del cementerio donde Valentine descubre que Carol es una persona mucho más sensible y frágil, con miedos, inseguridades, y con un profundo vacío existencial. A los cinéfilos les atraerá la impresionante escena de Valentine con la señora Torrance en las escaleras de la tienda, la cruda escena de la confesión de la señora Torrance al hermano de Carol en la tienda, la fuerza visual y simbólica de la imagen donde aparece el pregonero informando sobre la inauguración de la confitería de la Sra. Torrance en el pueblo, y, sobre todo, es en la escena de la cerilla donde Valentine muestra su lado indomable, desplegando Marlon Brando todo su virtuosismo interpretativo a la hora de dar cuerpo y alma a la personalidad individualista en personajes cinematográficos tan indómitos. Papeles donde siempre se mostró colosal, superlativo, e insuperable a nivel artístico. Una escena que será clave en el desarrollo de esta inteligente y elaborada trama, y donde el talento lírico del escritor Tennessee Williams queda potenciado en cada gesto y mirada de Marlon Brando. Finalmente, un apoteósico crescendo emocional en los últimos quince minutos de película con constantes sorpresas, dan más empuje y energía emocional a la trama, y los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán ir descubriendo poco a poco todo lo que se oculta tras el férreo orden de la ley que parece imperar en este pueblo para salvaguardar la aparente vida tranquila y sosegada de sus ciudadanos. “Piel de Serpiente”, magnífica película en blanco y negro con Anna Magnani y Marlon Brando insuperables. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“WHITE NOISE: MÁS ALLÁ (white noise)”, 2005 (Reseña / Review #1711).

Posted on 10 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1711 // Reseña Media nº: 64
Reseña actualizada. Publicada el 30 de marzo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: GEOFFREY SAX
Guión: NIAL JOHNSON
Actores principales: Michael Keaton (Jonathan Rivers), Deborah Kara Unger (Sarah Tate), Chandra West (Anna Rivers), Ian McNeice (Raymond Price), Sarah Strange (Jane), Nicholas Elia (Mike Rivers), Mike Dopud (detective Smits)
País: CANADÁ – REINO UNIDO Año: 2005 Productora: UNIVERSAL PICTURES / GOLD CIRCLE FILMS / WHITE NOISE UK / BRIGHTLIGHT PICTURES / ENDGAME ENTERTAINMENT Duración aprox.: 101 minutos
Publicado en España por: DEAPLANETA Año: 2005
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “White Noise: Más Allá”
EXTRAS: Ficha técnica // Ficha Artística // Ficha del Doblaje // Trailer // Filmografía

A pesar de que haya habido críticos cinematográficos que hayan considerado a “White Noise: Más Allá” como cine de terror, personalmente creo que no es una película que cause miedo o que tenga escenas que puedan provocar sustos en el espectador, salvo en aquellas personas que el mero hecho de hablar de psicofonías ya les suponga un estado de inquietud mental o de miedo en sí. Como analista cultural, a “White Noise: Más Allá” preferiría etiquetarla como una película de misterio e intriga con un nivel equilibrado de suspense, y que resultará muy interesante a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que aún no conozcan este largometraje al tener como eje temático a los extraños fenómenos de voz electrónica (EVP, Electronic Voice Phenomenon) o psicofonías, los cuales se ha comprobado científicamente que a través del ruido blanco (white noise) se facilita su grabación con una mayor definición e intensidad. Es como si el ruido blanco se convirtiera en la vía más adecuada para que se establezca esta inquietante comunicación. En esta reseña no voy a entrar en el tema que si son originados por las almas de los muertos (temática principal de esta película), por emisiones inconscientes del propio cerebro, o que provienen de seres de otras dimensiones o universos paralelos. Lo que si es descartable es la posibilidad de que sean registros del pasado, o interferencias radioeléctricas, o su inaceptable e ilógico origen en seres de otro planeta, ya que se ha demostrado que hay una interactuación inteligente con esas voces. Además es muy interesante comprobar cómo este director ha sabido transmitir la inmersión un tanto obsesiva en la cual entran muchas de las personas amateur e investigadores que se adentran en este misterioso mundo paranormal según van descubriendo nuevas revelaciones a través de sus grabaciones, siendo un ejemplo claro de esa perturbadora e inquietante dinámica los personajes de Raymond Price y Jonathan Rivers viviendo completamente al margen de la vida social y cotidiana. Todo ello unido a sus particulares interpretaciones de esas experiencias paranormales, propias de quien enlaza hechos y actos sin tener un conocimiento profundo sobre el tema, se convierten en todo un acierto cuando se trata de dar mayor credibilidad cinematográfica a esta historia de ficción.

Estrenada oficialmente en los cines en el año 2005 como un thriller de trasfondo sobrenatural, “White Noise: Más Allá” es una película magníficamente rodada por el director británico Geoffrey Sax, y con este inconfundible estilo estadounidense a la hora de desarrollar una trama a través de imágenes con un realismo y una calidad que atrae irremediablemente nuestra atenta mirada a la pantalla. Unido a esta excelente banda sonora con música compuesta por Claude Foisy, “White Noise: Más Allá” es una película que te entretiene y te engancha hasta el final, y el cine, por encima de todo, es entretenimiento y placer a la hora de ver un buen largometraje. Una misteriosa historia donde la admirable interpretación realizada por estos actores en sus respectivos personajes, ofrece ese realismo y esa credibilidad tan esenciales cuando se aborda el rodaje de una película con esta difícil temática, y desde un punto de vista tan serio como en el caso de Michael Keaton en el papel del arquitecto Jonathan Rivers, personaje marcado por la Razón y la lógica científica. Destaca también la actriz Deborah Kara en el papel de Sarah Tate, la introvertida colaboradora de Raymond Price que ha acudido a él en busca de respuestas tras la muerte de su novio, o la extraordinaria labor de interpretación realizada por el actor Ian McNeice en el difícil papel del investigador Raymond Price, un personaje que transmite absoluta credibilidad a pesar de su dedicación y de sus estudios un tanto controvertidos.

Iniciamos esta interesante entrada en la película leyendo las palabras del genial inventor estadounidense Thomas Edison que, en el año 1928, ya daba su opinión sobre temas relacionados con el misterio y lo sobrenatural debido a las inquietudes y ansias de conocimiento que esos asuntos despertaban en su mente, y cuyas investigaciones en este campo no voy a describir en esta reseña, invitándoles a su búsqueda y estudio. Dentro del inexplicable mundo de los fenómenos paranormales relacionados con las psicofonías, el director de esta película ya nos informa sobre la orientación que este largometraje va a tomar en relación a la comunicación con las personas ya fallecidas a través de este método. La historia comienza con una luminosa y soleada mañana en el hogar de un reconocido arquitecto llamado Jonathan Rivers (Michael Keaton), el cual recibe la alegre noticia de su mujer, la escritora Anna Rivers (actriz Chandra West), de que está embarazada. Nunca más volverá a verla con vida, conociendo su desaparición a través de los medios de información tras una larga espera en su casa. Pero las autoridades solamente han encontrado el coche y no su cuerpo, por lo que se especula con un posible secuestro. A partir de aquí, todo se complicará en esta trama con la entrada en escena de Raymond Price (actor Ian McNeice), investigador de fenómenos paranormales, cuando le comenta que ha recibido mensajes de su mujer desde el más allá, pero Jonathan Rivers se niega a aceptarlo porque ello supondría que su mujer está muerta, acabando con su última esperanza de verla con vida. Poco tiempo después, las autoridades le informan que han encontrado su cadáver, cambiando totalmente su opinión e interés hacia todo aquello que Raymond Price trataba de decirle. El suspense en esta intrigante trama aparecerá cuando las autoridades cierren el caso dando una explicación puramente accidental a su muerte, él reciba una misteriosa llamada de su mujer al móvil, y a través de las psicofonías se revele que su muerte oculta un misterio, motivo por el cual Jonathan Rivers pasará de una actitud absolutamente escéptica en todo lo relativo al mundo de las psicofonías, a otra mucho más activa que le llevará a involucrarse de lleno ante las progresivas revelaciones donde se señala a un psicópata asesino.

Como analista cultural, quisiera destacar la impecable e inteligente labor desarrollada por el director de esta película desde sus primeras secuencias, ya que Geoffrey Sax va preparando muy sutilmente a la mente del espectador a través de la audición de ruidos y canales desintonizados cuando Jonathan Rivers espera a su mujer y tiene problemas al seleccionar una emisora de radio. Una acción que centra la atención en este radiocassette portátil que va a tener un especial protagonismo en el largometraje, sobre todo, tras activarse solo el equipo incomprensiblemente. Además es muy curioso el detalle del título del nuevo libro de su mujer, “The Eternal Wait” (la eterna espera), con un mensaje claro y directo cuando Jonathan Rivers ve la portada mientras espera su llegada. Otras misteriosas secuencias llegarán cuando él recibe una llamada de su mujer en su móvil mientras tiene en sus manos el móvil de ella apagado, cuando en una llamada al teléfono fijo queda grabada la voz de su mujer en el contestador, con la contemplación de las impactantes escenas que Jonathan Rivers va a ir viendo en las pantallas de televisión, en la maléfica presencia de tres siniestras sombras, en la funesta escena en la cual Sarah Tate se ve a sí misma en esas imágenes, o en la fantasmagórica escena del edificio cuando Jonathan Rivers ve a su mujer y… Otras simbólicas imágenes que también resaltan en este largometraje son la visión de Raymond Price y su pragmático coche que refleja una personalidad firme y segura, sorprende comprobar la falta de intimidad que tiene la nueva casa de Jonathan Rivers al no tener cortinas y quedar siempre expuesto a la mirada de la gente desde el exterior (como si se mandara un metafórico mensaje al espectador de que no tiene nada que ocultar), en la presencia del agua circulando y cayendo bajo su nuevo hogar, y que se repite también en el edificio del muelle con el trasfondo esotérico que ello conlleva en cuanto a la actividad paranormal, o en la obscuridad predominante en las escenas donde aparece Raymond Price en su sobrecargado despacho, y que aumenta la atención y la concentración del espectador en lo que está ocurriendo allí. “White Noise: Más Allá”, intrigante película cuya trama está basada en los fenómenos paranormales relacionados con las psicofonías. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“A MERCED DEL ODIO (the nanny)”, 1965 (Reseña / Review #1710).

Posted on 10 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1710 // Reseña Media nº: 63
Reseña actualizada. Publicada el 8 de febrero del año 2015 en Lux Atenea conmemorando el 50º aniversario de la mítica película “A MERCED DEL ODIO (the nanny)” (1965).

Director: SETH HOLT
Guión: JIMMY SANGSTER
Actores principales: BETTE DAVIS (niñera), WENDY CRAIG (Virginia ‘Virgie’ Fane), WILLIAM DIX (Joey Fane), PAMELA FRANKLIN (Bobbie Medman), JAMES VILLIERS (Bill Fane), JILL BENNETT (tía Pen)
País: REINO UNIDO Año: 1965 Productora: SEVEN ARTS / HAMMER FILM PRODUCTION
Duración aprox.: 89 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “A Merced Del Odio”
EXTRAS: Trailer

Cine en blanco y negro, suspense, la mítica productora británica Hammer… excelsa amalgama artística dentro del Séptimo Arte para hacer relucir a la legendaria actriz Bette Davis en esta película de culto. Un claro ejemplo de fusión creativa representada en la gran pantalla en “A Merced Del Odio”, una película rodada con maestría por el director británico Seth Holt para poder definir y estructurar este excelso thriller de gran impacto psicológico en el espectador. Comprobarán cómo en su trama late la duda permanente sobre si el joven Joey es la víctima, o es el inmisericorde verdugo causante de este horrible drama. Unas veces se presentará como un ángel, en otras ocasiones como un auténtico demonio, pero, durante su visualización, la tensión psicológica no dejará de aumentar hasta el final porque esta trama es muy turbia e inquietante, dándonos pistas poco a poco sobre quién posee esa diabólica alma en su interior. ¿Será en realidad la niñera, impecablemente interpretada por la actriz de culto Bette Davis? En este largometraje podrán disfrutar de su maestría en la interpretación realizada en la era dorada que viviría en la década de los sesenta dentro del cine de suspense, recomendando a los cinéfilos lectores interesados en aquella gloriosa etapa que visualicen también “¿Qué Fue De Baby Jane?” (1962), película de culto ya reseñada en Lux Atenea. Aunque Bette Davis empezaba a percibir en el horizonte el declive de su exitosa carrera profesional, gracias al magnífico guion basado en la novela homónima escrita por Evelyn Piper (1964), en “A Merced Del Odio” brilla solemnemente en la gran pantalla interpretando a este personaje obscuro y fascinante. Un escenario marcado profundamente por los sentimientos de culpa, por la verdad que no sale a la luz, y por la tensión existencial resultante tras el cínico enmascaramiento de la muerte. Como analista cultural me encantan las películas que protagonizó Bette Davis en aquella época, a la cual considero inigualable e incomparable en su prolongada y prestigiosa carrera debido a su augusta grandeza interpretativa reflejada en escena al dar vida a personajes profundamente siniestros que, personificados en el rostro y en los gestos de Bette Davis, adquieren esas características tan tenebrosas que los vuelven apasionadamente atrayentes, y repulsivos a su vez. Sus ojos penetrantes, su gélida mirada, sus expresiones situadas al límite de la cordura, su cínico servilismo, su insensibilidad ante el dolor y el sufrimiento… extreman aún más la personalidad y el protagonismo del personaje interpretado hasta convertirlo en un ser absolutamente creíble a pesar de los fuertes contrastes que aparecen en su comportamiento. En “A Merced Del Odio”, el Mal ha vuelto para trastornar la vida cotidiana de una familia acomodada tras haber vivido un sangriento suceso en el pasado, motivo por el cual su hijo Joey fue acusado de matar a su hermana Susy. Después de un largo periodo de tiempo ingresado en un centro psiquiátrico, su retorno al hogar no va a ser precisamente un camino de rosas al seguir la niñera de la familia al servicio de sus padres. Una niñera a la cual Joey señaló como la verdadera causante de la muerte de su hermana Susy. A partir de ese momento, las muertes volverán a presentarse en el terrible destino de esta familia acomodada y desestructurada.

Pero, en este largometraje, la extraordinaria interpretación de Bette Davis en el papel de la niñera no solamente lo convierte en mítico. Hay otros actores y actrices situados en otro gran nivel artístico cuyo valor cualitativo dentro de esta obra cinematográfica es el que permite acentuar aún más el glorioso despliegue interpretativo de Bette Davis, haciéndola absolutamente creíble de cara al público. En estas películas resulta crucial que la calidad en la interpretación mostrada por los actores de segundo nivel sea relevante para poder sostener toda la historia, y fascinar así al espectador a través de las emociones que despiertan durante su visualización. En este caso, emociones tensas, viscerales, al observar cómo el engaño y las falsas apariencias van tapando y distrayendo la atención sobre la persona causante de estas muertes. Un fascinante abanico de personajes donde resaltan magníficos actores como William Dix, dando vida al joven niño de diez años llamado Joey Fane que desprecia totalmente a la niñera, y en la que no confía. Con un perfil psicológico marcado por la retorcida intencionalidad de sus actos, el retorno de Joey a la casa será el renacer de la conflictividad en el seno del hogar. Sin duda alguna, las personalidades más fuertes en esta historia son la niñera y Joey, todo lo contrario respecto a la inestabilidad emocional que presentan otros personajes como su madre, Virginia Fane (actriz Wendy Craig), una persona mentalmente débil cuyas acciones y comportamientos terminan desesperándote por su falta de carácter, su padre Bill Fane (actor James Villiers), una persona amargada que elude sus responsabilidades en el hogar amparándose en las exigencias de su trabajo al servicio de la Casa Real inglesa, o haciendo excesivo uso de la autoridad para dominar las situaciones que no controla, la tía Pen (actriz Jill Bennett), una mujer de salud muy delicada por sus problemas de corazón y de estabilidad muy quebradiza que caracteriza a su personalidad, o la joven vecina Bobbie Medman (actriz Pamela Franklin), que se convierte en la persona de confianza de Joey, aunque presenta ciertas pérdidas de la noción de la realidad motivadas por una vida personal donde no se están cumpliendo sus sueños y los cambia por la fantasía. Como pueden comprobar, esta película lo tiene todo para dar cuerpo e intensidad a un buen drama dentro esta obscura atmósfera de suspense.

“A Merced Del Odio” es una película que marca, que impresiona, que fascina por la terrible crudeza con la cual se presentan en escena los actos más horribles. “A Merced Del Odio” atesora imágenes y escenas en su celuloide que quedarán indeleblemente grabadas en la mente del espectador como, por ejemplo, la estoica entrada de la niñera en la casa a pesar de las muestras de sufrimiento de Virginia Fane ante el retorno de su hijo Joey, el contraste emocional existente en la escena de la cocina donde la sonriente niñera saca la tarta que ha comprado para dar la bienvenida a Joey (mientras se escucha a los padres discutir en otra estancia), la cara de profunda tristeza y de terrible desamparo interior que transmite el rostro de Virginia Fane cuando sale del cuarto y cómo los recuerdos de su hija Susy y su muerte le siguen atormentando, la macabra broma que Joey le gasta a la señora Griggs (actriz Nora Gordon), la ausencia de cualquier muestra de cariño en Bill Fane en el hospital psiquiátrico cuando llega su hijo, los dibujos pintados por los niños expuestos en una de las paredes del hall del hospital, la mirada de rechazo y de desprecio que Joey muestra nada más ver a la niñera, o la impactante imagen de Virginia ante el espejo y el reflejo de la entrada sonriente de Joey en la habitación, una de las mejores escenas en esta película. Lo retorcidamente siniestro está presente cuando Joey guarda la soga debajo de la almohada, cuando Virginia y su hermana Pen charlan y sale a la luz el accidente tras el cual la niñera se hizo cargo de Virginia, la tensión que se respira cuando la niñera le advierte muy seriamente a Joey después de la peligrosa broma al lechero, cuando Joey le gasta a la niñera una broma muy cruel para impresionar a su vecina Bobbie utilizando su muñeca en la bañera, las serias amenazas de Joey a su madre, o la impactante escena en la cual la niñera trata a Virginia como si fuera una niña pequeña para que se coma la cena. ¡¡¡Unas imágenes que lo dicen todo!!! Impresiona observar la indiferencia emocional de Joey tras el envenenamiento de su madre, o tras haber acusado a la niñera de tratar de ahogarlo, o la escena en la cual Joey le cuenta la muerte de su hermana a Bobbie, u otras tan inolvidables como la inquietante imagen de tía Pen durmiendo con los latidos de su corazón como sonido de fondo, la siniestra secuencia cuando tía Pen sufre un ataque al corazón en la cocina y trata de llegar como puede a la habitación para tomar su medicina, la reacción que tiene la niñera en esta situación de emergencia y sus revelaciones a tía Pen, o la entrada de la niñera en la habitación de Joey y la posterior escena de la bañera. ¡¡¡Arte interpretativo por excelencia!!! En definitiva, esta película es una exquisita muestra del mejor cine de la década de los sesenta, y con la magia y la inquietud que provocan en el espectador las imágenes rodadas en blanco y negro. “A Merced Del Odio”, película de culto dentro del cine de horror y suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA TIENDA DE LOS HORRORES (the little shop of horrors)”, 1960 (Reseña / Review #1709).

Posted on 10 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1709 // Reseña Media nº: 62
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: ROGER CORMAN
Guión: CHARLES B. GRIFFITH
Actores principales: JOHATHAN HAZE (Seymour Krelboyne), JACKIE JOSEPH (Audrey Fulquard), MEL WELLES (Gravis Mushnick), JACK NICHOLSON (Wilbur Force)
País: EE.UU Año: 1960 Productora: THE FILMGROUP Inc.
Duración aprox.: 83 minutos
Publicado en España por: TEMA Año: 2007
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Cada vez que visualizo esta edición íntegra de la película “La Tienda de los Horrores”, como analista cultural disfruto de estos momentos cinematográficos absolutamente mágicos y obscuros. Rodada en blanco y negro por el genial director estadounidense Roger Corman en el año 1960, con el paso de los años, este largometraje se ha convertido en una de las películas de culto más aclamadas dentro de las producciones de serie B. En “La Tienda de los Horrores”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de una entrañable comedia donde el humor negro tiene como base, la mezcla de la inocencia con la intencionalidad y el interés que en algunas personas termina despertándose en cuanto aflora el dinero. Una trama basada en la historia narrada por el sargento Joe Fink sobre el caso investigado en la Floristería Mushnick´s situada en la ciudad de Los Ángeles, y cuyo abanico de personajes, a cual más surrealista e histriónico, dan ese toque irrealmente divertido y fantásticamente creíble. Personajes como el señor Gravis Mushnick (avaro e interesado dueño de la tienda), Seymour Krelboyne (empleado torpe de la tienda que se dedica a investigar dentro del mundo de la horticultura), Audrey Fulquard (empleada de la tienda y novia de Seymour que vive en su mundo maravilloso), Leonora Clayd (la prostituta), la señora Krelboyne (la hipocondríaca y alcohólica madre de Seymour), el doctor Phoebus Farb (dentista sádico), Burson Fouch (cliente de la tienda y comedor de flores), Wilbur Force (cliente masoquista que va a la consulta del dentista para sufrir con todo gusto, y que es interpretado por este jovencísimo Jack Nicholson)… Pero la verdadera protagonista en esta historia no es otra que la planta carnívora creada por Seymour Krelboyne tras haber realizado un siniestro injerto entre dos especies botánicas, llamando a su nueva planta con el nombre de Audrey junior.

Audrey junior es una monstruosa planta carnívora que puede hablar y que todas las tardes, al crepúsculo, pide ser alimentada. En un principio, Seymour Krelboyne llega incluso a alimentarla con su propia sangre, pero cuando la planta se convierte en la estrella de la tienda al atraer a más y más clientes, su gran crecimiento y su constante reclamación de más y más comida se acaba convirtiendo en un gran problema. “La Tienda de los Horrores” es una película que los cinéfilos lectores de Lux Atenea han de visualizar atentamente para poder descubrir sutiles detalles humorísticos como la revista “Pain” en la sala de espera de la consulta del dentista, el rostro de todas las personas devoradas grabadas en la planta, la imagen de la planta escupiendo la pistola del ladrón, la cabeza de Seymour saliendo de la tapa del wáter al abrirse… mientras la planta se va adueñando poco a poco de la voluntad de Seymour para que le traiga más comida. Todo ello, mientras contemplamos extraordinarias escenas rodadas por Roger Corman como la cena de Seymour con Audrey, la persecución en el vertedero sobre los neumáticos de grandes dimensiones, la escena donde Seymour lleva un saco con los restos del hombre arrollado por el tren para ofrecérselo como alimento a la planta… o momentos muy divertidos como la conversación de Seymour con Leonora Clayd, mientras la película “La Tienda de los Horrores” empieza a cobrar cuerpo artístico como tributo a los ingeniosos gags heredados del legendario cine mudo como, por ejemplo, en la escena del semáforo y los ojos de Seymour. “La Tienda de los Horrores”, estas películas dentro del cine B hacen brillar al Séptimo Arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la categoría: .

“LA MÁSCARA DEL DEMONIO (la maschera del demonio)”, 1960 (Reseña / Review #1718).

“EL ÚLTIMO SAMURÁI (the last samurai)”, 2003 (Reseña / Review #1717).

“SEIS MUJERES PARA EL ASESINO (Sei donne per l’assassino)”, 1964 (Reseña / Review #1716).

“KAI DOH MARU (怪童丸」、)”, 2001 (Reseña / Review #1715).

“HÄXAN, LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS”, 1922 (Reseña / Review #1714).

“LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (invasion of the body snatchers)”, 1956 (Reseña / Review #1713).

“PIEL DE SERPIENTE (the fugitive kind)”, 1960 (Reseña / Review #1712).

“WHITE NOISE: MÁS ALLÁ (white noise)”, 2005 (Reseña / Review #1711).

“A MERCED DEL ODIO (the nanny)”, 1965 (Reseña / Review #1710).

“LA TIENDA DE LOS HORRORES (the little shop of horrors)”, 1960 (Reseña / Review #1709).