“EL PACTO (the pact)”, 2012 (Reseña / Review #1707).

Posted on 8 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1707 // Reseña Media nº: 60
Reseña actualizada. Publicada el 11 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: NICHOLAS McCARTHY
Guión: NICHOLAS McCARTHY
Actores principales: CAITY LOTZ (Annie), CASPER van DIEN (agente Bill Creek), AGNES BRUCKNER (Nichole), HALEY HUDSON (Stevie), KATHLEEN ROSE PERKINS (Liz), SAM BALL (Giles), MARK STEGER (Charles Barlow “Judas”)
País: EE.UU Año: 2012 Productora: PREFERRED CONTENT
Duración aprox.: 95 minutos
Publicado en España por: BETTA PICTURES Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Pacto” // Trailer // Ficha Técnica // Ficha Artística

Me encantan los guiones cinematográficos escritos con inteligencia y rodados con la maestría propia de un buen director. Una combinación artística que se manifiesta en la excelencia mostrada en el Séptimo Arte del siglo XXI, completamente alejada de la sumisión y de la dependencia a los efectos especiales como camino hacia el éxito entre el público. Por este motivo, el extraordinario largometraje “El Pacto” lo tiene todo para convertirse en película de culto dentro del cine de terror sobrenatural y de suspense. Con guión y dirección a cargo de Nicholas McCarthy, en esta película destaca por encima de todo la brillantez de su guión reflejado en impactantes escenas donde se ha sabido jugar con la mente del espectador hasta el último momento, haciéndole ver finalmente una realidad mucho más racional y real de lo que pensaba. Todo ello engrandece el aura artística de este largometraje. Además, al contrario que sucede con otras películas dentro de este género cinematográfico donde los finales suelen ser muy precipitados, o dejando muchos cabos sueltos, o llevados a un extremo demasiado fantasioso para ser admitido incluso en una obra de ficción, los últimos minutos de “El Pacto” presentan un final muy bien cerrado y que nos muestra la auténtica realidad de esta intrigante historia. Esta cualidad artística de su trama marca diferencias, y aunque “El Pacto” es una película estadounidense, parece más un largometraje inglés debido a su estilo de rodaje y por la forma en la cual se va desarrollando esta tenebrosa historia a través de un tempo perfecto para poder sumergir a la mente del espectador en tan siniestro entorno. Por este motivo, como analista cultural entiendo perfectamente el gran éxito en taquilla que tuvo esta obra cinematográfica en el Reino Unido. Que Nicholas McCarthy convirtiera el cortometraje homónimo presentado oficialmente en 2011 en este largometraje ha sido todo un acierto, como así podrán disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por Betta Pictures el pasado año 2013.

Esta siniestra e inquietante historia comienza en época navideña con la joven Nichole (actriz Kathleen Rose Perkins) en el hogar que la vio crecer, y llamando a su hermana Annie (actriz Caity Lotz) para que vaya a ayudarla tras el fallecimiento de su madre. Cuando Annie llega a la casa, su hermana Nichole no está allí, habiendo desaparecido inexplicablemente sin dejar rastro ni comunicación alguna. El ambiente extraño y un tanto lúgubre en el que ha quedado la casa verá aumentada su atmósfera de terror cuando, al llegar la noche, Annie empiece a escuchar ruidos inexplicables, objetos de la casa cambian de lugar y se mueven… En el funeral, aparecerá su prima Liz (actriz Kathleen Rose Perkins) con la hija de Nichole, y también su prima Liz terminará desapareciendo misteriosamente en el interior de la casa. Tras ser atacada Annie, finalmente acude a la policía en busca de ayuda, encargándose del caso el agente Bill Creek (actor Casper Van Dien). Todo esto unido a los sueños que Annie viene teniendo noche tras noche donde poco a poco va avanzando en el desvelo de su significado y mensaje, descubrirá que existe un secreto de familia protagonizado por su madre y que se oculta en el obscuro pasado de este fantasmagórico lugar, creando un creciente clima de tensión en esta espeluznante historia donde se entremezclan con maestría lo sobrenatural con el terror y el suspense. Nicholas McCarthy es un auténtico maestro a la hora de condicionar nuestra lógica con escenas y actos donde los hechos paranormales influyen en los pensamientos del espectador sobre el origen de este misterio, desvelándonos solamente al final la auténtica realidad como tenebrosa apoteosis de esta extraordinaria película. Además, las magníficas interpretaciones realizadas por los actores y actrices que protagonizan esta obscura trama, se convierten en el factor esencial para que el espectador se adentre mentalmente en esta espeluznante historia de ficción con cierto regusto a posible realidad. Uno de los grandes aciertos del director y guionista Nicholas McCarthy a la hora de ofrecer una realidad cercana a nuestro presente en este siglo XXI, ha sido incluir escenas donde Annie hace uso de Internet para conseguir información, creando ese fuerte nexo de unión emocional entre esta historia de ficción y nuestra vida cotidiana, aumentando con ello la empatía del espectador con sus personajes y con las misteriosas situaciones que viven. Y si analizamos sus admirables decorados y la impecable labor de fotografía e iluminación, junto a su banda sonora tan amenazadora compuesta por Ronen Landa, tan magna configuración artística ha dado como fruto final esta inolvidable obra cinematográfica.

El Séptimo Arte ha logrado convertir el atrayente mundo de la imagen en movimiento en belleza, transformando las escenas rodadas en esas secuencias que indeleblemente se quedan grabadas en nuestro cerebro por su impactante fuerza visual. “El Pacto” es una película cuya grandeza artística viene avalada por inolvidables escenas como la terrorífica secuencia en la cual Annie en el cuarto de baño ve una sombra cruzar el pasillo, piensa que es su prima Liz, y luego es atacada por un ente invisible; o con la fantasmagórica imagen que Annie recibe en el móvil con la localización exacta del lugar donde se ha realizado. La visualización de “El Pacto” te garantiza esta inmersión en el mejor cine de terror como, por ejemplo, a través de la horrible imagen de la mujer decapitada que Annie ve en el sueño mientras duerme en la habitación del motel, cuando detrás de la pared Annie en compañía del agente Bill Creek descubre una habitación oculta de la casa que jamás había visto durante todos los años que estuvo allí viviendo, o el turbio ambiente en el cual vive Giles (actor Sam Ball) donde Annie logra contactar con Stevie (actriz Haley Hudson), una siniestra joven con poderes sensitivos. “El Pacto” es una película que presenta esta espectacular sucesión de imágenes como la escalofriante escena de la visita de Stevie a la casa, las terroríficas imágenes espectrales que aparecen en la misteriosa habitación, la fantasmagórica imagen que aparece en la pantalla de la cámara digital de Bill Creek, la inolvidable secuencia donde Annie hace la ouija en la casa, y, sobre todo, la excelsa escena final con la incertidumbre y la tensión llevadas a límites extremos. En definitiva, vida cotidiana y suspense desarrollándose bajo la amenazadora sombra del horror. “El Pacto”, por su calidad artística, a lo largo de las próximas décadas esta película seguirá siendo una siniestra delicatessen para los cinéfilos amantes del cine de suspense y de terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LAS DIABÓLICAS (Les diaboliques)”, 1955 (Reseña / Review #1705).

Posted on 7 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1705 // Reseña Media nº: 58
Reseña actualizada. Publicada el 17 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: HENRI-GEORGES CLOUZOT
Guión: HENRI-GEORGES CLOUZOT y JÉRÔME GÉRONIMI
Actores principales: SIMONE SIGNORET (Nicole Horner), VÉRA CLOUZOT (Christina Delassalle), PAUL MEURISSE (Michel Delassalle), CHARLES VANEL (comisario Alfred Fichet), JEAN BROCHARD (conserje Plantiveau), THÉRÈSE DORNY (Mme. Herboux), NOËL ROQUEVERT (M. Herboux), MICHEL SERRAULT (supervisor M. Raymond), GEORGE CHAMARAT (Dr. Loisy)
País: FRANCIA Año: 1955 Productora: FILMSONOR / VERA FILMS
Duración aprox.: 112 minutos
Publicado en España por: EL PAÍS Año: 2014
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Las Diabólicas” es mucho más que una película de culto. Es una obra maestra de la grandeur de la France llevada al universo del Séptimo Arte gracias al inigualable talento de uno de sus directores más ilustres y, por desgracia, más olvidados: Henri-Georges Clouzot (1907-1977). Con guión basado en la novela “Celle qui n’était plus” escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac, la trama de “Las Diabólicas” nos sumerge en esta espiral de suspense, tensión, e intriga como pocos largometrajes europeos han sido capaces de transmitir al espectador, creando una atmósfera opresiva, densa, y obscura tan difícil de reflejar en imágenes salvo en el caso de los grandes maestros en la dirección. Presentando esta extraordinaria banda sonora compuesta por Georges Van Parys para dar alma musical a esta joya cinematográfica, la magia visual del rodaje en blanco y negro resulta perfecta para crear esta comunión mental entre el espectador y esta terrible historia donde el dramatismo y la tragedia son tocadas sutilmente por la fantasmagórica apariencia sobrenatural. Pero, por encima de todo, los cinéfilos lectores quedarán impresionados durante la visualización del mítico largometraje “Las Diabólicas” al quedar resaltada su profunda amoralidad, adquiriendo este trasfondo conceptual posmoderno en esencia que se despliega sin ningún tipo de tapujos. Esa cruel hipocresía enmascarada de afabilidad social es representada por el personaje Michel Delassalle, director del colegio interpretado de forma excelsa e impecable por el actor Paul Meurisse con una actitud y una pose de cara al exterior que choca frontalmente con su vida de puertas a dentro. Ahí se muestra despiadado, egoísta, y despótico en el cruel comportamiento con su débil mujer Christina Delassalle (actriz Véra Clouzot, que fue la esposa del director Henri-Georges Clouzot en la vida real). Junto a la mítica actriz Simone Signoret en el papel de la profesora Nicole Horner, la actriz Véra Clouzot destaca en su interpretación de Christina Delassalle. En “Las Diabólicas” también encontrarán un absoluto contraste en la personalidad, en la animosidad, y en la fuerza de voluntad femenina ante la vida que oscila entre la sumisión, la delicadeza, y la fragilidad de Christina frente a la independencia, la fortaleza, la frialdad, y la firmeza en sus decisiones que presenta Nicole. Su unión en pro de un interés común será el origen del plan de asesinato de Michel Delassalle para poder liberarse del infierno en cual ha transformado sus vidas. Una obscura y seductora trama de suspense que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar adquiriendo esta magnífica edición en formato DVD, publicada por el periódico El País en este año 2014.

Nada en el largometraje “Las Diabólicas” es previsible, y una vez muerto Michel Delassalle, su cadáver de repente desaparecerá, presentándose a partir de ese momento en el internado como si fuera una aparición espectral y sin que Christina y Nicole puedan dar explicación alguna a ese misterio. Con la entrada en escena del comisario Alfred Fichet ya retirado (interpretado por el actor Charles Vanel), la trama se complicará aún más al iniciar la investigación para resolver este complicado caso, elevando el tono de tensión y de suspense en esta intrigante historia que solamente se desvelará en los minutos finales. El genial talento artístico del maestro Henri-Georges Clouzot es único dentro del cine europeo más selecto, perfilando esta inteligente trama en imágenes como un brutal conflicto moral en la mente del espectador al encontrarse frente a frente con el asesinato como método violento y radical urdido por estas dos mujeres para librarse definitivamente del mortificante trato que reciben por parte de Michel Delassalle. En esta excelsa película, lo mejor de todo es que a la sutil mano creativa de Henri-Georges Clouzot no le hizo falta el uso de la violencia extrema en escena para crear este entorno opresivo, manejando incluso el silencio como potenciador de esta tensión. Si a ello le unimos las enigmáticas apariciones de Michel Delassalle en el internado después de haber sido asesinado, no se puede pedir más intensidad y misterio a esta trama. Retornando al plano moral donde tan cómodo y seguro se encuentra el director de cine Henri-Georges Clouzot, a pesar de que son Christina y Nicole quienes urden el plan, durante el visionado de esta obra será inevitable que surgan algunas preguntas en el cinéfilo lector de Lux Atenea. ¿Se las puede juzgar moralmente con el mismo baremo? ¿Es Christina manejada hábilmente por Nicole en pro de sus intereses? ¿Busca Christina librarse de Michel o tiene otra intención oculta? Preguntas y más preguntas que aparecerán mientras nos adentramos en este ambiente tan asépticamente sentimental, tan emocionalmente frío, y tan humanamente inestable.

Para los amantes del cine obscuro y siniestro en su plano psicológico, en las ilustres obras cinematográficas de Henri-Georges Clouzot encontrarán el tenebroso pozo de las manifestaciones humanas más terroríficas y crueles donde los siete pecados capitales son sus omnipresentes regentes. Un lúgubre y tenebroso plano humano cargado de egoísmo, de dominio, de sometimiento a través de la manipulación y de la violencia, de venganzas y engaños… con los cuales seguir alimentando la espiral demoníaca donde todos pierden en este infernal plano existencial al que llamamos vida humana. La película “Las Diabólicas” es una muestra clara de las inquietudes existenciales de Henri-Georges Clouzot en relación al lado más oscuro del ser humano, y en ella encontrarán escenas e imágenes imborrables como el barco de papel flotando en el charco a la entrada del Internado Delassalle, la extraña complicidad existente entre la mujer y la amante del director cuando ésta última se quita las gafas de sol para mostrar la violencia de Michel Delassalle desatada contra ella la noche pasada, o con la escena en el aula donde Michel les pide un beso tanto a Nicole como a Christina. Quedarán emocionalmente alterados cuando vean la escena de la cena en el comedor donde se muestra claramente el despótico trato que Michel da a su mujer delante de todos y donde destaca hasta el desprecio con el que le sirve la comida a Christina y cómo la obliga a tragarlo, con la actitud dominante de Nicole con Christina en la escena de la llamada telefónica con Michel comunicándole que quiere el divorcio, con los gestos de Michel en el vagón de tren mostrando claramente al espectador que tiene todo bajo control, con la imagen de Christina y Nicole mientras ésta echa las gotas de somnífero en la botella de whisky, o con la inquietante belleza de la imagen de Christina reflejada en el espejo grande ovalado cuando Michel se quita el abrigo mientras habla con ella. Impresiona la siniestra visión de Nicole al lado de Christina mientras ésta reza de rodillas, configurando una imagen cargada de misterio al entremezclarse lo religioso con el encubrimiento de un asesinato, y, de nuevo, la presencia del espejo reflejando a Christina cuando visita la habitación de Michel Delassalle en el hotel Eden. Cautiva observar la gélida mirada de Nicole cuando corta la llamada telefónica de Christina, la simbólica imagen del montacargas subiendo el ataúd como si fuera un retorno al mundo terrenal desde el inframundo, la inquisitiva mirada de Nicole cuando Christina y el comisario Alfred Fichet llegan al Internado Delassalle, la fantasmagórica imagen de Michel apareciendo inexplicablemente en la fotografía, con la firmeza reflejada en los pasos y en los gestos de Nicole andando por el pasillo del internado, o con la tenebrosa visión de la puerta abriéndose al final del oscuro pasillo y la amenazante aparición de la mano enguantada como inicio de la impresionante escena final en esta colosal e inesperada apoteosis. Como apunte final, quisiera destacar la mención especial realizada al maestro de la literatura francesa decimonónica Jules Barbey D’Aurevilly (1808-1889) al comienzo de la película, autor del excelso libro homónimo ya reseñado en Lux Atenea. “Las Diabólicas”, la irresistible obscuridad cinematográfica del suspense inmortalizada en esta virtuosa perspectiva artística francesa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL DESTRIPADOR DE NUEVA YORK (Lo squartatore di New York)”, 1982 (Reseña / Review #1704).

Posted on 7 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1704 // Reseña Media nº: 57
Reseña actualizada. Publicada el 22 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: LUCIO FULCI
Guión: LUCIO FULCI, GIANFRANCO CLERICI, VINCENZO MANNINO, DARDANO SACCHETTI
Actores principales: JACK HEDLEY (teniente Fred Williams), ALMANTA SUSKA (Fay Majors), HOWARD ROSS (Mickey Scellenda), PAOLO MALCO (Dr. Paul Davis), ALEXANDRA DELLI COLLI (Jane Forrester), COSIMO CINIERI (Dr. Lodge), ANDREA OCCHIPINTI (Peter Bunch), CINZIA DE PONTI (Rosie)
País: ITALIA Año: 1982 Productora: FULVIA FILM
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: FILMAX / EL TERROR TIENE FORMA Año: 2013
Formato: DVD + libreto “Lucio Fulci: Saboreando el Horror”(EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Destripador De Nueva York”
EXTRAS: Trailer

Hacía tiempo que no veía un buen libreto incluido en una edición cinematográfica en formato DVD. Esta magnífica publicación de la película “El Destripador De Nueva York” presentada el año pasado por la prestigiosa compañía Filmax, no solamente guardaba en su interior el magnífico libreto de dieciséis páginas titulado “Lucio Fulci: Saboreando el Horror”, y escrito por Jesús Martí, sino que también viene engalanada con esta impactante carátula reversible que tiene en una cara el cartel original del largometraje y, en la otra, el poster diseñado por el ilustrador Juan Alonso Gutiérrez para esta edición. Uno de esos detalles que marcan diferencias en las ediciones físicas. A nivel artístico, a la hora de clasificar este impactante largometraje nos metemos en un terreno muy resbaladizo y difuso porque… ¿podemos incluir a “El Destripador De Nueva York” dentro del cine giallo? Esta película no presenta del todo a los elementos que caracterizan al cine giallo, y pueden comprobar esa diferencia muy claramente comparándola con otra extraordinaria obra cinematográfica rodada por este emblemático director italiano como es “Siete Notas En Negro” (ya reseñada en Lux Atenea). Entonces, ¿puede ser cine gore, slasher…? Aunque incluye escenas que presentan esas características, finalmente quedan diluidas en la amalgama conceptual mostrada en esta película de forma global. En “El Destripador De Nueva York”, Lucio Fulci (1927-1996) ha fusionado de forma ecléctica diferentes corrientes cinematográficas y, tal vez, esta indefinición en un estilo concreto es lo que hace resaltar a esta película como una de sus obras más impresionantes. El realismo de los asesinatos aquí mostrados, su violencia despiadada, y esta crueldad tan visceral unidas a elementos eróticos, también han quedado resaltados con maestría a nivel sonoro gracias a su banda sonora compuesta por Francesco De Masi, perfilando un escenario cinematográfico de indiscutible plasticidad artística por parte de Lucio Fulci. Puro talento. Además, elevando aún más la tensión en escena para que el espectador al visualizarlo se sumerja en esta vorágine de crímenes psicóticos, en su siniestro torbellino la intriga y el suspense fluyen en un crescendo de impredecible final. Deseo carnal, erotismo, y ataques brutales llevados a cabo por la mente perturbada de un asesino en serie que, por sus salvajes asesinatos, impresionará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea mientras su característica voz (que imita a un pato) nos ofrece ese tono un tanto burlesco y grotesco a su retorcida personalidad. Pura extravagancia en este thriller policíaco donde su densa trama proyecta una gran carga psicológica.

Esta sangrienta historia de suspense dará comienzo en la ciudad de Nueva York con la inolvidable escena del hombre jugando con su perro que, tras tirarle un palo para que se lo traiga, lo que acaba recibiendo es una mano en degradado estado perteneciente a una mujer llamada Anne Lin. Cuando el caso llega a manos de la policía, será el teniente Fred Williams (interpretado por el actor Jack Hedley) el encargado de esclarecerlo, iniciando una investigación. Poco tiempo después, en un ferry rumbo a Staten Island, otra joven llamada Rosie (actriz Cinzia de Ponti) es brutalmente asesinada por el mismo psicópata con voz de pato. Tras hablar Fred Williams con el forense, éste le comenta que no es la primera vez que le traen a una joven asesinada con ese método tan característico de matar, por lo que sospecha que un asesino en serie anda suelto por las calles de Nueva York. Debido a la falta de pruebas, el teniente Fred decide consultar al doctor Paul Davis (interpretado por el actor Paolo Malco) para que le ayude a hacer un perfil psicológico del asesino. La muerte de otra joven en un espectáculo X (la siniestra escena de su asesinato rodada en tonos verdes y negros es muy retorcida y depravada) y con la burlesca llamada telefónica del psicópata que recibe Fred en el apartamento de una profesional, esta trama empezará su intrigante crescendo en una sucesión de escenas a cual más explícita, brutal, y sangrienta como la tensa secuencia del vagón de metro y la huida por los solitarios pasillos de la estación. Imágenes y secuencias que les impactarán como el detalle en la imagen del cartel luminoso de la sala de cine donde se anuncia la película “Un hombre-lobo americano en Londres”, la angustiosa y salvaje escena del ataque a la joven Fay Majors (interpretada por la actriz Almanta Suska) en esa onírica sala de cine, la repugnancia que provoca ver la mano sin dos dedos de Mickey Scellenda (actor Howard Ross) cuando toca el cuerpo de Jane Forrester (actriz Alexandra Delli Colli) en la cama de la habitación del hotel hasta presentar un contraste visual absoluto entre lo bello y lo horrible unidos en una sola imagen. También les impactara el desagradable chirrido de la puerta roja y la tenebrosa impresión que provocan esos pasillos con los colores blanco, rojo, y negro como protagonistas cromáticos; los analíticos, inquisitivos y desesperados ojos del doctor Lodge (interpretado por el actor Cosimo Cinieri), el primer plano de los ojos felinos de Fay Majors, la presencia de una puerta roja en la casa donde guarda reposo Fay, cómo el psicópata juega con el teniente Fred en la escena de la cabina telefónica, la dramática y fantasmagórica imagen de la niña en la cama del hospital, o la sorprendente escena final donde todo este misterio queda desvelado. Sin duda alguna, una película que no dejará indiferentes a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. “El Destripador De Nueva York”, este psychothriller un tanto bizarro del director italiano Lucio Fulci dejó fascinado a Quentin Tarantino cuando lo vio. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TETSUO I, EL HOMBRE DE HIERRO (鉄男, Tetsuo: the iron man)”, 1989 (Reseña / Review #1701).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1701 // Reseña Media nº: 54
Reseña actualizada. Publicada el 23 de marzo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: SHINYA TSUKAMOTO
Guión: SHINYA TSUKAMOTO / KEI FUJIWARA
Actores principales: TOMOROH TUGUCHI (hombre), KEI FUJIWARA (mujer), NOBU NAKAOKA (mujer de gafas), RENJI ISHIBASHI (vagabundo), NAOMASA MUSAKA (doctor), SHINYA TSUKAMOTO (hombre fetichista)
País: JAPÓN Año: 1988 Productora: KAUJU THEATER
Duración aprox.: 67 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VÍDEO
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “TETSUO”
EXTRAS: Trailer // Filmografía // Notas de producción

Rodada en el año 1988 y estrenada oficialmente el día 1 de julio de 1989, con esta reseña quiero rendir el merecido homenaje artístico a esta película de culto convertida ya en referencia obligada dentro del cine cyberpunk japonés. Dirigida por el virtuoso maestro cinematográfico Shinya Tsukamoto y rodada en blanco y negro, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” destaca visualmente con esta brillantez artística por su fotografía hasta presentarse excelsa en cuanto a innovación conceptual. Una película de vanguardia nacida a finales de la decada de los ochenta y que despuntó musicalmente por su contundente banda sonora, realzando aún más este impacto visual tan brutal en cada uno de sus escenarios. Un largometraje pionero por su base conceptual, y que será capaz de hipnotizar y seducir a los cinéfilos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute del cine japonés de culto. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también puede ser incluido de forma un tanto global en el cine experimental, además de encajar perfectamente dentro del cine de ciencia-ficción y de terror un tanto extremo y bizarro que provoca que algunas de sus secuencias se adentren en el cine gore. Ver “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es una experiencia cinematográfica única, y en su trama de corte surrealista se aprecia ese perfil kafkiano a lo largo de su siniestro desarrollo. Llevada al terreno conceptual de vanguardia, indiscutiblemente hay que valorarla artísticamente como película de culto por su sugerente perspectiva y por este trasfondo donde la carne y el metal terminan fusionándose para crear una nueva materia inteligente. En este sentido, tan contundente largometraje proyecta todo el talento cinematográfico de su director hasta en sus efectos especiales, haciendo un magnífico uso de la técnica de rodaje stop motion en sus secuencias más aceleradas. Hay que pensar que estamos hablando de una película de finales de la década de los ochenta, con todas las limitaciones técnicas que existían en aquella época a la hora de rodar un largometraje de estas características. Proyectando también una visión apocalíptica como destino final para esta nueva mutación de lo humano con lo metálico, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” se une conceptualmente a la corriente cyberpunk donde los avances tecnológicos son vistos como una seria amenaza y como un factor de decadencia para los seres humanos.

La trama que da personalidad artística a “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es compleja, quedando fundamentada en la brillante idea de Shinya Tsukamoto que fusiona la carne y el metal, y que es personificado en esta historia en el hombre fetichista interpretado por el propio director. Un hombre obsesionado con la idea de mutar la carne y el metal en su propio cuerpo para lograr ser un híbrido. De ahí que le veamos en las primeras secuencias de la película introduciéndose trozos de metal dentro de su cuerpo, y con resultados un tanto desagradables para los espectadores más sensibles. Según la perspectiva existencial del hombre fetichista, una vez haya logrado esa mutación, viviendo en una sociedad dominada física y tecnológicamente por el metal no se hará esperar la expansión de su álter ego híbrido, iniciando una progresiva evolución y crecimiento que se hará colosal y gigantesco hasta devorar todo a su paso, y luego reducirlo a polvo de óxido de forma implacable. Sueños de grandeza que se disolverán bruscamente tras comprobar las funestas consecuencias de sus desvaríos mentales en su propia carne (escena de los gusanos), siendo poseído por el miedo y el horror. Presa del pánico, en su alocada huida saldrá a la calle donde es atropellado por una joven pareja e, inexplicablemente, el conductor del coche será poseído por una mutación genético-metálica que también irá apoderándose de él hasta cambiar inexorablemente su vida, sus sentidos, y su percepción del mundo.

Con un final cinematográfico de corte apocalíptico made in Japan definido con maestría en los últimos quince minutos de esta película, la vertebración de esta increíble historia en secuencias de fuerte impacto audiovisual quedarán indeleblemente grabadas en su mente tras contemplarlas. Por ejemplo, les impresionará el inquietante ambiente cubierto con imágenes de deportistas y trozos de metal entremezclados donde el hombre fetichista realiza sus rituales en el cuerpo con el metal, cuando introduce una barra de acero roscada en su muslo tras haber realizado previamente un gran corte, cuando escuchen el escalofriante sonido del roscado de la barra de acero al pasar por sus dientes, o con el horror, la angustia, y la locura que se respiran en la escena protagonizada por la mujer de gafas. Una mujer de gafas que presentará su más siniestra imagen en la secuencia un tanto gore que sucede en el garaje, y con esta música de fondo espectacular que aumentará la intensidad y el dramatismo sentido por el espectador. Quedarán impactados al ver la crudeza visual que se presenta con la progresiva mutación que va sufriendo el protagonista de esta historia, o con las infernales imágenes de su nuevo Yo directamente relacionado con los desvaríos mentales del hombre fetichista. En definitiva, un despliegue artístico transgresor donde el talento audiovisual adquiere esta esencia conceptual innovadora que continuará atrayendo la mirada del cinéfilo en el siglo XXI.

Dentro de este cine underground hay dos apartados artísticos desarrollados en esta película de culto que quisiera destacar por su maestría y por su excelsa definición. La primera y más evidente es la extraordinaria interpretación realizada por estos geniales actores, y en los cuales se aprecia muy claramente su pertenencia al grupo de teatro Kauju Theater. Su expresividad, sus estudiados gestos que dan mayor credibilidad a sus personajes, y su experiencia a la hora de moverse y de desenvolverse ante la cámara, consiguen transmitir esta tensión y esta psicodélica dinámica mental en la cual se sumergirán en esta impactante trama. Si pudiéramos trasladar en el tiempo el innovador espíritu creativo y el talento vanguardista de los maestros cinematográficos que destacaron en el Expresionismo alemán, y le añadiéramos el factor tecnológico, sin duda alguna esta película sería mitificada y tomada como referencia cinematográfica por aquellos grandes genios. La grandeza artística mostrada por Shinya Tsukamoto en “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” hace que se pueda unir esta obra maestra a otras míticas obras del Séptimo Arte firmadas por grandes maestros conceptuales como David Cronenberg y su Nueva Carne, o David Lynch y su siniestra oscuridad cotidiana. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también deslumbra por su impresionante y ecléctica banda sonora creada por Chu Ishikawa, cuyo talento musical me impresionó profundamente desde el momento en que vi por primera vez esta película tras haber comprado la primera edición publicada en España en formato VHS. Un eclecticismo conceptual radiante donde se integran estilos musicales como el noir jazz, darkwave, industrial, electrónica experimental… hasta ser armonizados magistralmente en escenas sublimes. Entre todas ellas, sobre todo destacaría las grandiosas composiciones musicales industriales presentes en algunas secuencias, por ejemplo, cuando tras atropellar al hombre fetichista, el conductor del coche es infectado por esa extraña mutación, o en la escena donde contemplamos la visión del hombre con traje y corbata moviéndose frenéticamente, convirtiéndose en una de las mejores secuencias de esta obra maestra. Una excelencia cinematográfica más propia del arte audiovisual experimental presente en el dinámico universo musical del videoclip. Todo ello unido a la utilización de la estática y del ruido en muchas de estas innovadoras composiciones, harán que la audición de esta espectacular banda sonora sea una delicatessen para los melómanos lectores de Lux Atenea identificados con la vanguardia. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro”, la imprescindible visualización del cine japonés de culto en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Filmax. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1700 // Reseña Media nº: 53
Reseña actualizada. Publicada el 13 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Director: JEAN RENOIR
Guión: JEAN RENOIR
Actores principales: JEAN-LOUIS BARRAULT (Dr. Cordelier / Sr. Opale), TEDDY BILIS (señor Joly, notario), SYLVIANE MARGOLLÉ (Jeune fille), JEAN TOPART (el mayordomo Désiré), MICHEL VITOLD (Dr. Séverin), MICHELINE GARY (Marguerite), JACQUES DANOVILLE (comisario Lardaut)
País: FRANCIA Año: 1959 Productora: PATHÉ Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: CINECOM Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

CONTENIDO: Película “El Testamento del Doctor Cordelier”

Hablar de Jean Renoir (1894-1979) es hablar de uno de los mayores genios artísticos que ha dado el cine francés más prestigioso e innovador. Una labor creativa en la cual destacaría tanto como actor, como director y guionista a través de una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo y que serviría posteriormente a otros grandes directores europeos y estadounidenses como referencia a la hora de rodar sus obras. Sus películas se reverencian y admiran por su innovación artística y por su capacidad para transmitir emociones al espectador, motivo por el cual Jean Renoir ha visto grabado su nombre con letras de oro en el altar del Templo del Cine por méritos propios, habiendo realizado una gran parte de sus obras en una época difícil y complicada para un director cinematográfico a la hora de rodar largometrajes con esta intensidad y con este trasfondo humano. Un periodo histórico convulso y trágico en Europa que no impidió que Jean Renoir pudiera ver realizados sus sueños artísticos a pesar de las grandes dificultades que tuvo que enfrentarse, y con una crítica cinematográfica de la época incapaz de apreciar y de valorar sus obras con criterio y con sensibilidad artística. Como los cultos lectores de Lux Atenea ya saben, el tiempo siempre pone a cada uno en su lugar dentro del mundo cultural. Tras una larga y fructífera carrera cinematográfica en su haber, “El Testamento del Doctor Cordelier” fue una de las últimas películas que rodaría, y cuyo guión fue escrito por el propio director basándose en la famosa novela de Robert Louis Stevenson “El extraño caso del Doctor Jekyll y Mister Hide”, pero ambientada en Francia en la edad contemporánea. Una temática de lo más atrayente para un largometraje marcado por la intriga y por el suspense, y que fue originalmente rodado en blanco y negro para la televisión en 1959, siendo posteriormente presentado en las salas de cine en el año 1961. En “El Testamento del Doctor Cordelier”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea encontrarán a este magistral director en esa fase final de su etapa artística donde la experiencia le permite abrir la obra al campo de la experimentación cinematográfica. Maestría en el rodaje, talento interpretativo en la narración, y genialidad en las secuencias, dan alma a este excelso largometraje. Cine fantástico con esa magia visual en pantalla tan especial que solamente puede ofrecer el rodaje en blanco y negro, y en una ambientación de horror más propia de una pesadilla.

Este atrayente largometraje comienza con la llegada de Jean Renoir al estudio de televisión donde ofrecerá una emisión protagonizada por el propio director, y que servirá de entrada a esta dramática historia. Situándonos en una barriada a las afueras de París, tras enseñarnos la casa del doctor Cordelier, la cámara se centrará en la visita del doctor a su amigo, el notario Joly (interpretado por el actor Teddy Bilis), ya que éste se sorprendió que dejara en su testamento como heredero a un misterioso señor llamado Opale. Al llegar la noche, el notario Joly ve a un hombre atacando a una niña (el señor Opale, personaje interpretado con maestría por el actor Jean-Louis Barrault), refugiándose luego en la casa del doctor Cordelier. Cuando Joly entra para informar al doctor que ese peligroso individuo se ha adentrado en su casa, el mayordomo Désiré (interpretado por el actor Jean Topart) trata de tapar el asunto, causándole un gran asombro este ocultamiento de un hecho tan grave y violento provocado por Opale. Tras hablar con el doctor Cordelier, Joly consulta al doctor Séverin (interpretado por el actor Michel Vitold) sobre este peligroso asunto pero a Séverin no le gustan nada ni la actitud ni las investigaciones y experimentos que realiza Cordelier. Opale empezará a convertir sus paseos por la ciudad en una sucesión de actos violentos de los cuales tendrá conocimiento la policía, procediendo a su investigación a través del comisario Lardaut (interpretado por el actor Jacques Danoville), y Joly también acudirá a la policía a denunciar a Opale porque este peligroso ser se está paseando por las calles de París. El cerco policial comenzará a estrecharse, aumentando la intriga de esta trama que no ha hecho más que empezar en su intenso crescendo.

A nivel musical, esta película presenta una banda sonora de estilo clásico compuesta por Joseph Kosma, y que resulta perfecta para disfrutar este largometraje contemplando escenas tan impactantes como la tensa y amenazante secuencia del señor Opale y la niña, observando los andares chulescos que siempre tiene Opale al andar por la calle mientras mueve su bastón con la mano, o viendo los sádicos instrumentos que la policía descubre en la caótica habitación de Opale. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo escenas como la entrada de Opale en la consulta del doctor Séverin, las tomas de cerca realizadas al monstruoso aspecto de Opale, con la magnífica toma cinematográfica de la cornisa indicando la posible vía de escape de Opale, con el desvelo del obscuro pasado del doctor Cordelier donde se aprovechaba de su profesión y de su prestigio, o con el terrible experimento que el doctor Cordelier hace teniéndose a sí mismo como cobaya, dando como fruto el nacimiento de Opale. Impresiona observar la gran sorpresa que aparece en pantalla cuando la habitación de Cordelier es iluminada con la luz de la mañana, o el impresionante acto final con el doctor Cordelier y Joly como protagonistas principales. Secuencias trágicas que terminan marcando esta historia a través de imágenes dramáticas, horribles, y violentas.

La grandeza artística y conceptual que presenta la película “El Testamento del Doctor Cordelier” está basada principalmente en su temática, en el insondable y obscuro interior del ser humano, y en la perspectiva analítica con la cual Jean Renoir enfoca este delicado e interesante asunto. Dos caras de una misma moneda protagonizadas por el doctor Cordelier y el señor Opale como fiel reflejo de esos dos lados opuestos que muestra el ser humano en sus acciones. Uno racional, creativo, condicionado, delimitado, y controlado, y otro mucho más salvaje, inmisericorde, incontenible, violento, y absolutamente irracional dentro del más puro instinto animal o, mejor dicho, dentro de su insaciable instinto depredador. El doctor Cordelier representa al hombre encumbrado por el éxito y el prestigio profesional gracias a su labor científica como psiquiatra, aparentando mantener siempre las formas y respetando siempre las normas tanto a nivel personal, familiar, profesional, y social. En definitiva, una persona que ha hecho en la vida lo que socialmente es considerado como correcto, y un modelo a seguir aparentemente. Pero en el estudio que viene realizando sobre la mente y la psicología humana, mediante el uso de la ciencia logra crear una pócima que le permite sacar al exterior su otro yo interior, mostrándose sin ningún tipo de límite racional. Opale será el sádico y siniestro ser interior que acabará saliendo a la luz.

Cuando el doctor Cordelier bebe su propia pócima, surje de su interior el monstruoso Opale, un ser capaz de hacer realidad todos aquellos pensamientos y deseos que Cordelier ha intentado controlar a lo largo de su vida, mostrándose de forma cruel, violenta, egoísta, y sin sentimiento de culpa alguna en sus acciones. Un ser caprichoso que toma aquello que quiere, que hace lo que le place sin tener en cuenta la vida de los demás, y sin pensar en ningún momento en las consecuencias de sus trágicas acciones. Una magistral representación simbólica de ese Bien y Mal que vive en el interior del ser humano, y que, ya sea por la acción de uno u otro, en este siglo XXI aún seguimos viendo la trascendencia o el dramatismo de la acción humana según sea el lado que haya actuado. “El Testamento del Doctor Cordelier” puede parecer una película pesimista, pero la verdad no puede ser valorada como pesimista cuando refleja una realidad interior del ser humano aún latente en la actualidad. A lo largo de los últimos miles de años, el progreso tecnológico y científico desarrollado por el ser humano ha sido vertiginoso pero, ¿y los cambios en su interior? ¿También han sido tan rápidos y vertiginosos a la hora de aplacar sus instintos, emociones, deseos, y sentimientos más salvajes y destructivos? Si el ser humano da rienda suelta a sus instintos y apetencias, y termina comportándose como Opale, ¿verdaderamente es el Bien la auténtica realidad latente en su interior? He aquí la esencia intelectual y reflexiva que transmite esta película al ser visualizada, y gracias al talento de este experto maestro del Séptimo Arte a la hora de definir los mensajes profundos que fundamentan sus obras. “El Testamento del Doctor Cordelier”, el inconfundible sello artístico europeo de Jean Renoir en este merecido homenaje a un director de culto dentro del cine más excelso. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“FRANKENSTEIN”, 1910 (Reseña / Review #1699).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1699 // Reseña Media nº: 52
Reseña actualizada. Publicada el 9 de enero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: James Searle Dawley
Guión: James Searle Dawley (basado en la mítica novela “Frankenstein o el moderno Prometeo” de Mary Shelley)
Actores principales: AUGUSTUS PHILLIPS (DOCTOR FRANKENSTEIN), CHARLES OGLE (FRANKENSTEIN), MARY FULLER (ELIZABETH)
País: EE.UU Año: 1910 Productora: EDISON MANUFACTURING COMPANY
Duración aprox.: 13 minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES, S.L. Año: 2009
Formato: Digipack 2DVD de 6 paneles (EDICIÓN COMPRADA)
Película incluida en “THE SILENT HORROR COLLECTION” editado en formato DVD.

Una de las sorpresas cinematográficas que más he disfrutado visualizando la impresionante edición en digipack 2DVD “The Silent Horror Collection” publicada por la empresa Tema Distribuciones, ha sido la película “Frankenstein” del año 1910. Actualmente está considerada como la primera película de terror en la Historia del Séptimo Arte., y es una joya artística incomparable que fue rodada por el director estadounidense James Searle Dawley utilizando el quinetoscopio como sistema de grabación. El quinetoscopio fue un aparato cinematográfico desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson (1860-1935) por encargo de Thomas Edison (1847-1931), pudiendo ver imágenes en movimiento gracias a la visualización de una banda de película de 19 milímetros que se reproducía a 40 fotogramas por segundo. Como podrán comprobar los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta preciosa edición, el director de cine James Searle Dawley realizó una adaptación bastante libre de la mítica obra “Frankenstein o el moderno Prometeo” escrita por la genial escritora británica Mary Shelley (1797-1851). Tras crear el guión de esta película de terror, gracias a su gran talento, a su fructífera imaginación, y a sus revolucionarias ideas cinematográficas, esta magna obra ha terminado convirtiéndose en una ineludible referencia artística dentro del cine mudo surgido a principios del siglo XX.

De forma magistral, tanto James Searle Dawley como este gótico monstruo creado por Mary Shelley en su novela han dejado sus nombres grabados con letras de oro en la Historia del Séptimo Arte como protagonistas de la película de terror más antigua jamás rodada. En esta película no se ajustó mucho a la trama original de la obra literaria ya que, por ejemplo, verán al doctor Frankenstein dando vida a su criatura usando un siniestro crisol. Pero también es verdad que los medios técnicos disponibles en los primeros proyectos que dieron inicio a la industria del cine en aquella época, limitaban mucho la capacidad de los directores a la hora de reflejar sus ideas en escenas e imágenes, siendo rodada toda esta película en un plano fijo y con una duración de poco más de doce minutos. Unas limitaciones técnicas que la maestría y la creatividad de este genial director suplen con sumo talento en vista al brillante e impactante resultado final obtenido. Así podrán sentir y disfrutar la magia que estas imágenes cinematográficas nos transmiten durante su visualización.

A pesar del evidente e inevitable deterioro que esta película ha sufrido tras el inexorable paso de los años, no me cabe la menor duda que quedarán profundamente fascinados con estas imágenes y con estas inolvidables escenas. Es apasionante ver cómo se produce el siniestro nacimiento del monstruo de Frankenstein dentro del crisol, observar su terrorífica mano saliendo desde detrás de la puerta tras ser creado, visualizar su horrible imagen en la escena de esta película en tonos rojizos y anaranjados, y que destaca de forma sobresaliente en los apartados de escenografía, vestuario, y fotografía. Es hipnótico observar los pesados y torpes andares del monstruo, o la fantasmagórica escena en tonos azulados con el monstruo, el doctor, y su mujer Elizabeth como protagonistas. Atrae la mirada del espectador el asombro y el terror que el monstruo de Frankenstein siente cuando se ve ante el espejo, y que tiene su impactante apoteosis en la escena final. Más de cien años han transcurrido desde su presentación oficial, y esa aura tan especial que solo el tiempo pasado otorga a las grandes obras de Arte parece que ha incrementado el indudable atractivo de esta película para los especialistas cinematográficos y para el público en general. La atenta visualización de esta primera adaptación al cine de la mítica obra literaria “Frankenstein” lo convierte en algo más que en una obra maestra del cine de terror. En definitiva, admirar y apasionarnos al ver la película “Frankenstein” de James Searle Dawley con suma atención es rendir tributo al Arte expresado en imágenes. “Frankenstein”, película pionera en la Historia del Cine de Terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1698 // Reseña Media nº: 51
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: JOHN CARPENTER
Guión: JOHN CARPENTER y DEBRA HILL
Actores principales: ADRIENNE BARBEAU (Stevie Wayne), JANET LEIGH (Kathy Williams), JAMIE LEE CURTIS (Elizabeth Solley), JOHN HOUSEMAN (Mr. Machen), TOM ATKINS (Nick Castle), HAL HOLBROOK (Padre Malone)
País: EE.UU Año: 1980 Productora: AVCO EMBASSY PICTURES Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBÉRICA Año: 2005
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Poco a poco, el invierno está empezando a reclamar una vez más su reino y, en estas noches de frío y lluvia, películas de culto como “La Niebla” del mítico director de cine estadounidense John Carpenter logran transformar esta oscuridad nocturna en el ambiente perfecto para sentir este largometraje en su más absoluta pureza artística. Estrenada oficialmente en el año 1980, tuve oportunidad de ver esta película en una sala de cine madrileña pocos días después de su estreno, pero incomprensiblemente “La Niebla” no fue precisamente un éxito en taquilla. Solamente tras el largo paso del tiempo, este largometraje finalmente ha logrado ser valorado en la justa medida de su extraordinaria calidad artística hasta haberse convertido en una película de culto, y con fieles seguidores en todo el mundo en la actualidad. Un atractivo guión de terror y ficción cuya trama está basada en la historia de la pequeña localidad de Antonio Bay durante la celebración de su centenario. La aparición repentina de una densa niebla procedente del mar será el inicio de una gran tragedia que caerá sobre algunos de sus habitantes, los cuales están marcados al ser la descendencia de aquellos antiguos fundadores de la ciudad que, hace cien años, mediante el engaño en una noche de tormenta, usando una falsa hoguera de señalización llevaron a un barco contra los acantilados aprovechando una noche de espesa niebla para así poder robar su oro. Tras el naufragio, la niebla desapareció y nunca más volvió a ese lugar, pero los lugareños cuentan que cuando la niebla vuelva a llegar al pueblo, los marineros muertos resucitarán y nadie en el pueblo estará a salvo de sus ansias de venganza.

Protagonizado por actrices ya consagradas como Janet Leigh (protagonista en famosas películas como “Mujercitas”, “Scaramouche”, “Principe Valiente”, “Los Vikingos”, “Sed de Mal”… o la mítica “Psicosis”) en el personaje de Kathy Williams, o Jamie Lee Curtis (que luego se acabaría convirtiendo en una de las actrices ligadas al cine de terror de las últimas décadas) en el papel de Elizabeth Solley, en “La Niebla”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo el talento del director John Carpenter logra convertir la apacible vida cotidiana de este pueblo costero en el contrapunto perfecto para una sucesión de horribles crímenes que dejarán huella en sus habitantes. Esta siniestra inquietud se empieza a sentir prácticamente desde los primeros minutos de película ante la aparente calma reinante en este idílico lugar. La sucesión de muertes empezarán a ocurrir con la llegada de esta terrorífica niebla que inexorablemente se apoderará del pueblo, ofreciéndonos este tenebroso espectáculo cinematográfico de horror y misterio de la mano de uno de sus directores más aclamados dentro del cine B, y no siempre valorado por la crítica oficial a pesar del rodaje de destacados largometrajes de calidad como el aquí analizado. Una infravaloración realizada por una parte de la crítica en los medios de información mainstream, y que no suele usar los mismos baremos en su criterio cuando ha de comentar otros largometrajes mucho más costosos financiados por míticas productoras, y que cuentan con actores de prestigio que en ocasiones han dejado mucho que desear en su calidad interpretativa. Como suelo decir, menos mal que el tiempo suele dejar a cada uno en su lugar y, en el caso de la película “La Niebla”, el tiempo ha hecho justicia respecto al talento artístico mostrado por John Carpenter en estas hipnóticas escenas e imágenes de horror. Observar cómo la densa y luminiscente niebla va dirigiéndose poco a poco hacia el pueblo se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película que guardarán en su memoria cinematográfica, junto a otras impactantes escenas como el fantasmagórico paso del antiguo barco hundido mientras cruza al lado de la cubierta del pesquero en plena noche, la lectura del obscuro contenido del diario del padre Patrick Malone escrito en el año 1880, ver al padre Patrick Malone con la cruz de oro en la iglesia, o la escena del faro cuando los marineros muertos tratan de matar a Stevie Wayne. Si desean sentir a flor de piel la pasión que provoca el cine de culto en las frías noches invernales, esta magnífica película es toda una garantía para poder pasar una inolvidable velada contemplando el misterio y el horror en estado puro en la pantalla. “La Niebla”, obra maestra del cine B de terror de la mano de uno de sus directores más emblemáticos: John Carpenter. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1696 // Reseña Media nº: 49
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: BYRON HASKIN
Guión: BARRÉ LYNDON
Actores principales: GENE BARRY (Dr. Clayton Forrester), ANN ROBINSON (Sylvia Van Buren)
País: EE.UU Año: 1953 Productora: PARAMOUNT PICTURES Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: PARAMOUNT HOME ENTERTAINMENT (SPAIN), S.L.
Año: 2000 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Estrenada oficialmente en el año 1953, la película “La Guerra de los Mundos” se convirtió en la primera adaptación cinematográfica de la famosa obra homónima escrita por el ilustre maestro de la literatura británica Herbert George Wells (1866-1946). Incluida dentro del cine B, caracterizado por sus producciones de bajo coste que por desgracia no suelen ser valoradas artísticamente en su justa medida, “La Guerra de los Mundos” es una extraordinaria película de ciencia-ficción rodada en color utilizando el sistema technicolor, y que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su atrayente trama. Desde el planeta Marte ha sido organizada la invasión de la Tierra, lanzando sus naves aprovechando el momento del periodo orbital marciano de mayor cercanía a nuestro planeta. Una de estas naves invasoras acaba cayendo cerca de una pequeña población californiana durante el periodo estival, siendo confundida con un meteoro. En muy poco tiempo, los ciudadanos pasarán de la expectación y la sorpresa ante la contemplación de tan extraño suceso, al terror y a la huida desesperada intentando salvar sus vidas. En pocos días, la sensación de vulnerabilidad y de indefensión ante este ataque extraterrestre destinado a exterminar la raza humana se extenderá por todo el planeta, provocando el caos, el pánico social, los desórdenes, los robos y asaltos, la incomunicación entre las ciudades, la crisis de los gobiernos… mientras va llegando un inminente final casi apocalíptico en el cual no se ve la salida. La película “La Guerra de los Mundos” tiene escenas inolvidables que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente de los espectadores como la escena del sacerdote tratando de acercarse a los invasores para poder comunicarse con ellos, la descripción militar de las tácticas marcianas para atacar objetivos, la prueba en el laboratorio científico del ojo artificial creado por los marcianos, el ataque sistemático de las naves marcianas a la gran ciudad… en definitiva, este admirable talento artístico e ingenio creativo tuvo su recompensa al ser esta película galardonada con un Oscar a los Mejores Efectos Especiales en 1953.

Muchas de sus imágenes ya forman parte de la iconografía del cine B de ciencia-ficción más selecto, y algunas de sus escenas siguen siendo aún hoy día objeto de culto para muchos amantes del Séptimo Arte. El diseño de las aeronaves marcianas, el estilo descriptivo y visual tan particular con el cual se va desarrollando la trama, los colores intensos elegidos para señalar la avanzada tecnología creada por estos implacables invasores extraterrestres, la ambientación de los diferentes escenarios, las huellas que dejan en el suelo los hombres desintegrados, el sonido tan característico de los rayos marcianos cuando son lanzados, el aspecto físico de los invasores, la clave numérica de tres que marca todo lo relacionado con lo marciano, los lanzadores flexibles de rayos desintegradores (como si fueran amenazantes serpientes atacando simbólica y metafóricamente a nuestro inconsciente)… logran crear este ambiente dramático y esta tensa atmósfera de desconocimiento, incertidumbre, decadencia, y desesperación en cada uno de los diferentes escenarios donde se desarrolla la acción. Estas características estéticas y visuales tan bien llevadas a la gran pantalla se han convertido en las inconfundibles señas de identidad de esta película, como así podrán disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la magnífica compañía Paramount Home Entertainment. Recientemente, el talentoso director de cine estadounidense Steven Spielberg también ha rodado una adaptación de esta obra literaria a través de un enfoque artístico mucho más espectacular, y con el actor Tom Cruise como protagonista principal. Esta película del año 1953 es visualmente mucho más sencilla y modesta en comparación con el presupuesto infinitamente superior manejado por Steven Spielberg, en cambio este largometraje sigue teniendo ese encanto artístico propio del cine B creado con alma y pasión, y que tanto me gusta contemplar y admirar en esos momentos únicos tan especiales que solamente el arte cinematográfico es capaz de ofrecerme. Prácticamente, lo único que une a estas dos versiones cinematográficas tan distantes en el tiempo y en su estilo, es la mítica imagen de la apertura de la trampilla de la nave invasora y de la cual acaba saliendo el brazo del marciano agonizante en su último aliento de vida. Salvo esta impactante escena, ambos largometrajes no se parecen en nada a pesar de tener como fundamento la misma obra de H. G. Wells. “La Guerra de los Mundos”, película de culto con la irresistible fascinación por el mejor cine de ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1694 // Reseña Media nº: 47
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ROBERT ALDRICH
Guión: LUKAS HELLER
Actores principales: BETTE DAVIS, JOAN CRAWFORD, VICTOR BUONO
País: EE.UU Año: 1962 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 135 minutos
Publicado por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A. Año: 2006
Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

Por su excelencia, la película “¿Qué fue de Baby Jane?” es una auténtica obra maestra dentro del Séptimo Arte, y por este motivo ha de ser incluida en Lux Atenea como parte esencial de esta selección de largometrajes recomendados para los cinéfilos lectores de este blog cultural. Además, esta edición especial publicada por Warner Home Video España incluye un segundo DVD con extras donde destacan documentales cinematográficos de calidad como “Bette Davis: Un volcán benévolo” (BBC, 1983), “Perfil cinematográfico: Joan Crawford” (BBC, 1967), y “Bette y Joan: La ambición ciega”. Sorprendentemente, esta sobresaliente película solamente fue premiada con el Óscar al Mejor Diseño de Vestuario en el año 1962. Basada en la novela homónima del escritor estadounidense Henry Farrell, este largometraje nos ofrece un drama terrible y sobrecogedor protagonizado por dos hermanas artistas cuya fama en la juventud se desvaneció a raíz del trágico y fatal accidente de una de ellas. Su eco en el presente, condiciona y marca totalmente sus vidas, sus actitudes, y su convivencia en una misma casa. Reflejando en impactantes imágenes esta estética siniestra y tenebrosa que se mantiene constante a lo largo de toda la película, encuentra sus puntos álgidos en algunas secuencias de corte claramente macabro, “¿Qué fue de Baby Jane?” provoca al espectador con las crueles y despiadadas escenas que presencia, identificándose inconscientemente con unos personajes y rechazando visceralmente a otros de forma inmediata (este es el auténtico trasfondo de la belleza siniestra en su dualidad emocional), y donde la identificación definitiva sobre quién es el verdugo y quién la víctima en realidad queda convertido en ese enigma permanente a lo largo de toda la trama, quedando desvelado de forma magistral por el mítico director Robert Aldrich en los minutos finales de la película. Les fascinarán las impresionantes escenas protagonizadas por esta terrorífica Bette Davis en el impactante papel de Jane Hudson, junto a la desamparada Joan Crawford encarnando a su hermana Blanche Hudson. Observando estas escenas dramáticas sacarán de su interior esos irremediables pensamientos y enrabietados instintos ante la contemplación de actos tan sumamente sádicos y crueles, haciendo que la vida del personaje con el cual se identifiquen les resulte de lo más injusta y vergonzosa.

La película “¿Qué fue de Baby Jane?” presenta actos despóticos llevados al extremo en su sofisticación más destructiva, y que incluso son llevados al campo del sometimiento psicológico de quien lo sufre y padece, quedando todo amplificado con la respuesta absolutamente sumisa que quien lo recibe. Todo ello altera y condiciona el pensamiento del espectador ante un sufrimiento que ha de contemplar sin poder hacer nada mientras frases como “yo lo que haría en su lugar es…”, “yo no lo soportaría y allí la dejaría abandonada porque…”, “pero por qué no hace…”, inevitablemente surgirán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización. Emociones tan inequívocamente humanas en respuesta a los terribles padecimientos que otra persona está sufriendo. Indudablemente, solamente dos excelsas actrices como Bette Davis y Joan Crawford pudieron dar alma y realismo a esta historia tan dramática, protagonizando gloriosas interpretaciones en este largometraje que se presentan tan estratosféricas como inalcanzables para la gran mayoría de los actores de Hollywood en la actualidad. Precisamente su virtuoso arte interpretativo es lo que ha convertido y seguirá convirtiendo a la película “¿Qué fue de Baby Jane?” en una obra maestra inigualable e insuperable, pasen los años que pasen. Presenciarán impresionantes escenas como las melancólicas canciones interpretadas por Jane Hudson (Bette Davis) recordando su gloriosa época pasada (que vivió entre los suaves pero caducos algodones de la fama), contemplarán las visitas a esta casa convertidas en posibles ángeles salvadores para Blanche Hudson (Joan Crawford), y observarán cómo los hechos circunstanciales terminan por apagar cada gesto de auxilio. Identificarán la película “¿Qué fue de Baby Jane?” con este disco sonando, con esta siniestra e inquietante muñeca a tamaño real de Jane Hudson cuando era una niña famosa, con esta obscura habitación convertida en una Dama de Hierro de cuatro paredes, con estas escaleras vistas como una montaña inexpugnable, con este teléfono tan inalcanzable como una estrella en la noche, con estas notas pidiendo ayuda donde todo parece haberse conjurado en contra de quien las escribe… Un diabólico ambiente tan dramático como desesperado en escenas definitivamente imborrables.

Es todo un placer observar con atención los gestos, la mirada, los movimientos en escena de Bette Davis como si fuera una danza macabra bajo la influencia del horror, y es su vengativa esencia tan manifiestamente rebelde y maléfica lo que la convierte en una actriz única y tan atrayentemente carismática en esta película de culto. Lo mismo sucede con Joan Crawford y su virtuoso arte interpretativo en cuanto a su tremenda capacidad para trasmitir realidad y autenticidad absoluta a un personaje, por difícil y complejo que sea. Sólo con observar detenidamente su rostro ya nos habla de sufrimiento sin necesidad de abrir los labios, y en un cuerpo cuya energía vital vemos cómo se va perdiéndose poco a poco, asumiendo esta pérdida como si fuera su cruel e inevitable destino. “¿Qué fue de Baby Jane?” es observar lo aparentemente cotidiano como una danza siniestra donde una persona rota vive lo insufrible en esta casa convertida en una insoportable y tortuosa cárcel. Hasta el más mínimo detalle en la imagen, hasta el diseño de cada uno de los elementos de decoración se presenta con esta imagen funesta y desquiciada. Además, en esta película podrán disfrutar a Joan Crawford en lo más alto del Olimpo cinematográfico junto a la colosal actriz Bette Davis. Joan Crawford y Bette Davis, dos radiantes auras artísticas que brillan con fuerza en cada fotograma hasta convertir la mente del espectador en el registro imborrable de sus interpretaciones. Lo más increíble es que, en la época que se rodó está película, tanto Bette Davis como Joan Crawford decían que estaban pasando por una grave crisis en sus carreras como actrices. Después de ver esta película, ¿darán credibilidad a esa valoración que mostraron en público? Además, el absoluto rechazo y la perenne enemistad que estas dos actrices siempre se mostraron a lo largo de sus vidas estuvo bien presente durante el rodaje, dejando inmortalizado ese toque sarcástico y perverso en cada una de estas geniales escenas. Una perspectiva y una belleza gótica unida a lo moderno que hacen aún más atrayente a esta trágica historia. Y si analizamos este largometraje más profundamente, uno se pregunta sobre cuántas vidas ha roto el mundo del espectáculo en relación a artistas que, tras haber disfrutado de las mieles de la fama y del éxito, han acabado bebiendo las hieles del olvido y del desinterés público. “¿Qué fue de Baby Jane?”, una lujosa y respetable mansión en cuyo interior se encuentra viviendo la venganza en esta sala de torturas del mismísimo infierno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL HOMBRE QUE RIE (the man who laughs)”, 1928, PAUL LENI (Reseña / Review #1690).

Posted on 29 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1690 // Reseña Media nº: 43
Reseña actualizada. Publicada el 11 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: PAUL LENI
ACTORES PRINCIPALES: MARY PHILBIN, OLGA BACLANOVA, CONRAD VEIDT, CESARE GRAVINA, BRANDON HURST
AÑO: 1928 DURACIÓN APROX.: 110 minutos
PUBLICADO POR: TRIBANDA PICTURES, S.L.
AÑO: 2010 FORMATO: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Rodada en los Estados Unidos de América en el año 1927, “El Hombre que Ríe” es una película muda de culto del prestigioso director de cine germano Paul Leni (1885-1929), auténtico maestro del Expresionismo alemán más vanguardista e innovador en su época. Este mítico largometraje es una adaptación cinematográfica de la obra dramática homónima escrita por el genio decimonónico de la literatura francesa Victor Hugo (1802-1885). Años después de su estreno oficial ante el gran público (año 1928), muchos de los impactantes fotogramas que se aquí se filmaron pertenecientes a su personaje principal Gwynplaine, acabarían inspirando a los míticos dibujantes de cómic Jerry Robinson y Bob Kane para la creación del rostro del irreconciliable enemigo de Batman: el maléfico y sarcástico Joker. Un dato de sobra conocido por los fieles seguidores de esta exitosa saga de atmósfera gótica, y donde la imagen de Gwynplaine en la película “El Hombre que Ríe” se vincula directamente al personaje del Joker. Actualmente se ha vuelto a dar un renovado protagonismo a este siniestro largometraje en el siglo XXI con la publicación de esta lujosa edición en DVD. Una visualización que despertará su interés a la hora de conocer en mayor profundidad este universo cinematográfico siempre tan sorprendente como provocador. En “El Hombre que Ríe”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea apreciarán muy claramente su esplendorosa calidad artística nada corriente en muchas otras películas de éxito rodadas en aquella década, gracias a una generosa financiación que permitió ser incluida dentro de las míticas superproducciones de la compañía estadounidense Universal Studios, invirtiendo más de un millón de dólares en ella. Una obra cinematográfica que, tras el prematuro fallecimiento de su director al año siguiente de su estreno, acabaría convirtiéndose en su penúltima película.

“El Hombre que Ríe” es un drama de corte sentimental cuya trama se desarrolla en el siglo XVII en Inglaterra. Cuando el padre de Gwynplaine cae en desgracia durante el reinado de Jacobo II, es condenado a morir dentro de la terrorífica y macabra Dama de Hierro. Pero el rey Jacobo II también buscará aplacar su venganza en su hijo, ordenando que su rostro sea modificado físicamente para que la sonrisa quede permanentemente reflejada en su cara. Después de ser vendido y abandonado, Gwynplaine salvará a un bebé de morir congelado (la dulce Dea) y, tras ser recogidos por unos feriantes, su vida quedará inexorablemente unida al triste destino de un monstruo de feria cuyo éxito entre el público acabará llamando la atención de la realeza. Gwynplaine regresa a la Corte que provocó su desgracia y, a partir de entonces, el destino de su vida cambiará radicalmente. Por encima de todo, la película “El Hombre que Ríe” es un siniestro y dramático recorrido por la vida de un ser condicionado por su físico. Una visión de la vida de su protagonista que, de forma magistral, el director Paul Leni refleja visualmente a través de un inteligente juego de luces y sombras que darán sentido a estas atmósferas barrocas y obscuras muy bien logradas mediante el uso de tenebrosos e impactantes decorados. Una película que ofrece al espectador escenas imborrables de indiscutible belleza, y que gracias a la admirable labor interpretativa realizada por grandes actores como Mary Philbin (Dea), Olga Baclanova (Duquesa Josiana), Conrad Veidt (Gwynplaine), Cesare Gravina (Ursus), Brandon Hurst (Bakilphedro, el consejero real)… convierten esta obra de arte en una garantía absoluta del gran espectáculo que sólo el Séptimo Arte es capaz de ofrecernos.

Pero no hay que olvidar que la trágica grandeza visual de “El Hombre que ríe” hace que en el espectador fluyan emociones durante la contemplación de esta historia tan terrible. Se ha provocado la desfiguración del rostro de una persona para que quede condenada a sonreír permanentemente, incluso cuando esté pasando por momentos profundamente tristes en su vida. Es imposible no conmoverse al contemplar los terribles e irreparables efectos que provocan los diabólicos pensamientos concebidos en el lado más obscuro de la mente humana, teniendo como consecuencia en el cuerpo de otro ser humano que termine condenado a sufrir de por vida. Por este motivo, los actos protagonizados por Gwynplaine en esta historia solamente pueden ser juzgados desde la toma de consciencia previa del trágico pasado que ha padecido. Un poso trágico que siempre reaparece en su presente por culpa del desfigurado rostro. Desde un espejo hasta la reacción de sorpresa, diversión, o miedo que su cara provoca en aquellos que le ven, convierten su vida en un constante sufrimiento que no puede nunca evitar porque su destino ha quedado ya escrito y condicionado. Por este motivo, Gwynplaine nunca se sentirá libre y, en cambio, sí se sentirá encadenado a una imagen pública que no puede cambiar ni eliminar.

En el caso de Dea, que salvó de morir de frío cuando era muy pequeña, el amor que Gwynplaine siente por ella está también condicionado por la ceguera que ella padece, transmitiendo una imagen simbólica e idílica del Amor donde lo visual nunca es valorado por encima de la bondad interior. Conceptos absolutamente opuestos a lo socialmente entendido y apreciado como Amor porque, desde el punto de vista social, ese valor está irremediablemente invertido en lo que se entiende como normalidad y como símbolo de belleza. La ceguera de Dea también permite que no sufra constantemente al ver cómo las personas tratan a la persona amada sin tener en cuenta su bondad interior, amparándose en su imagen deforme como justificación de sus repudiables reacciones. Belleza interior e imagen siniestra, dos elementos que, en personas que sienten dentro de sí el espíritu nacido en el Romanticismo, son tomados como algo normal y bello si están unidos. Para el resto, en cambio, lo siniestro siempre se ha etiquetado directamente como reflejo claro de lo monstruoso y maléfico. ¿Quiénes poseen verdaderamente la pureza espiritual en su interior, el deformado Gwynplaine y la ciega Dea, o la supuesta normalidad social que caracteriza al resto de las personas que les rodean? ¿Está siendo justa la sociedad con las personas cuando no tienen una imagen que se considere ‘normal’? ¿Quiénes se comportan realmente en sus vidas como verdaderos adoradores del Mal por sus actos, los estigmatizados por su deformidad o por su imagen no convencional, o aquellos que están integrados dentro de la estética y de la normalidad social? “El Hombre que Ríe”, de nuevo, una película de culto vuelve a ser protagonista en Lux Atenea para formar parte de esta exquisita selección cinematográfica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

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Archivo de la etiqueta: Película Terror

“EL PACTO (the pact)”, 2012 (Reseña / Review #1707).

“LAS DIABÓLICAS (Les diaboliques)”, 1955 (Reseña / Review #1705).

“EL DESTRIPADOR DE NUEVA YORK (Lo squartatore di New York)”, 1982 (Reseña / Review #1704).

“TETSUO I, EL HOMBRE DE HIERRO (鉄男, Tetsuo: the iron man)”, 1989 (Reseña / Review #1701).

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

“FRANKENSTEIN”, 1910 (Reseña / Review #1699).

“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

“EL HOMBRE QUE RIE (the man who laughs)”, 1928, PAUL LENI (Reseña / Review #1690).