“PASIÓN BAJO LA NIEBLA (Ruby Gentry)”, 1952 (Reseña / Review #1706).

Posted on 8 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1706 // Reseña Media nº: 59
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: KING VIDOR
Guión: SILVIA RICHARDS
Actores principales: JENNIFER JONES (Ruby Gentry), CHARLTON HESTON (Boake Tachman), KARL MALDEN (Jim Gentry), PHYLLIS AVERY (Tracy McAuliffe)
País: EE.UU Año: 1952 Productora: 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: REGASA FILMS Año: 2010
Formato: DVD edición coleccionista con libreto de 34 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

“Pasión bajo la Niebla” simboliza artísticamente a la magnética fuerza del cine en blanco y negro creado en Hollywood en la legendaria década de los cincuenta. Toda una garantía de fascinación cinematográfica en la gran pantalla, y que los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar gracias a esta lujosa edición coleccionista en formato DVD publicada por la compañía Regasa Films en el año 2010. En esta película quedarán cautivados con este deslumbrante talento mostrado por el experimentado director estadounidense King Vidor (1894-1982), capaz de sacar toda la agudeza interpretativa de este joven Charlton Heston (1923-2008) camino al Olimpo cinematográfico en el papel del acaudalado Boake Tachman, junto a la espectacular actriz Jennifer Jones (1919-2009) en el papel de Ruby Gentry que se transforma en la reina indiscutible de este largometraje. En “Pasión bajo la Niebla”, Jennifer Jones logra transmitir intensidad y radicalidad en el carácter de su personaje, dando esta fuerza y esta personalidad salvaje a Ruby Gentry casi cercana a los gestos y movimientos masculinos en su incontrolable esencia temperamental. Jennifer Jones y Charlton Heston, dos talentos interpretativos ante la cámara donde el contraste emocional irá tomando este apasionado crescendo, y cuyo sorprendente final les llevará a quedar definitivamente entregados al disfrure de esta época cinematográfica Hollywoodiense irrepetible. Además, en este largometraje, el contrapunto femenino queda centrado en el personaje de Tracy McAuliffe interpretado por la actriz Phyllis Avery, representando fielmente al estereotipo de la mujer estadounidense en aquella época con su pelo rubio, su sumisión al marido, y con su permanente docilidad en el trato hasta quedar perfectamente encorsetado en este degradante cliché femenino. La película “Pasión sobre la Niebla” es una historia de amor irremediablemente truncada por los roles, por los prejuicios, y por esas actitudes soberbias que el estatus económico elevado suele llevar consigo en la sociedad. Un choque entre clases sociales donde el amor suele salir malparado ante el egoísmo y las envidias que éste suele generar cuando aparece entre personas pertenecientes a diferentes estratos económicos.

Pasión y venganza son las claves principales de esta trama ambientada en la sociedad estadounidense reinante en el estado de Carolina del Norte. Ruby es una joven que es objeto de deseo de la mayor parte de los hombres del lugar, y con los cuales le gusta jugar pero dentro de unos límites por ella establecidos. Cuando conoce al desahogado joven Boake Tachman, entre ellos se establecerá un tenso idilio amoroso que terminará con Ruby despechada tras haberle prometido Boake Tachman cosas que no se ha planteado cumplir jamás. Las esperanzas de Ruby con Boake Tachman traerán consigo la desesperanza, sus ilusiones desembocarán en amargas desilusiones, y su corazón herido por el engaño clamará venganza. Para complicarlo aún más todo, Boake Tachman decidirá casarse con Tracy McAuliffe, una joven mujer rubia, coqueta, de finos y educados modales (al contrario que Ruby), y que pertenece a una clase social mucho más elevada que la suya. Con esta unión matrimonial, Boake Tachman desea satisfacer sus sueños de grandeza garantizando su posición social y su futuro económico. El matrimonio de Boake Tachman con Tracy McAuliffe se convierte en una boda por el interés económico, pero las cosas cambiarán en el destino de Ruby. Poco tiempo después de la muerte de la mujer del millonario Jim Gentry (interpretado por el magnífico actor Karl Malden), Ruby y Jim Gentry deciden casarse con el shock que ello supone en el círculo social de alto standing en el cual éste se mueve, siendo constantes las muestras de rechazo que Ruby recibe en ese ambiente tan elitista y hostil. Una difícil situación que se complicará con el fortuito accidente mortal que Jim Gentry sufrirá en el mar, y que será usado por sus amistades como excusa para acusar a Ruby de estar detrás de ello. Ante ese injustificado ataque contra ella, Ruby tomará la decisión de cambiar radicalmente de actitud hacia todas aquellas personas que le han herido en su vida y, a partir de ese momento, toda esa gente empezará a recibir lo que habían hecho contra ella. Pero Ruby sigue siendo una mujer apasionada, y su hermano, obsesionado con la moral y la ética religiosa, no hará más que complicar mucho más las cosas. Disfrutarán “Pasión bajo la Niebla” contemplando estas magníficas tomas exteriores filmadas bajo la atenta mirada del genial director King Vidor, además de espectaculares e inolvidables escenas como cuando Boake Tachman y Ruby se encuentran rodando por la playa, con la fascinante imagen de Ruby fumando en el interior de su coche mientras sierran los postes que marcaban la propiedad de Boake Tachman en los pantanos, con la escena del baile y los coqueteos nada disimulados de Ruby con Boake Tachman bajo la atenta mirada de su marido Jim Gentry, o la impactante imagen de Jim Gentry en la barra ante el espejo. Un extraordinario largometraje de intriga con un final inolvidable. “Pasión bajo la Niebla”, sublime película de cine negro basada en la insaciable e implacable fuerza de la venganza. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LAS DIABÓLICAS (Les diaboliques)”, 1955 (Reseña / Review #1705).

Posted on 7 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1705 // Reseña Media nº: 58
Reseña actualizada. Publicada el 17 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: HENRI-GEORGES CLOUZOT
Guión: HENRI-GEORGES CLOUZOT y JÉRÔME GÉRONIMI
Actores principales: SIMONE SIGNORET (Nicole Horner), VÉRA CLOUZOT (Christina Delassalle), PAUL MEURISSE (Michel Delassalle), CHARLES VANEL (comisario Alfred Fichet), JEAN BROCHARD (conserje Plantiveau), THÉRÈSE DORNY (Mme. Herboux), NOËL ROQUEVERT (M. Herboux), MICHEL SERRAULT (supervisor M. Raymond), GEORGE CHAMARAT (Dr. Loisy)
País: FRANCIA Año: 1955 Productora: FILMSONOR / VERA FILMS
Duración aprox.: 112 minutos
Publicado en España por: EL PAÍS Año: 2014
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Las Diabólicas” es mucho más que una película de culto. Es una obra maestra de la grandeur de la France llevada al universo del Séptimo Arte gracias al inigualable talento de uno de sus directores más ilustres y, por desgracia, más olvidados: Henri-Georges Clouzot (1907-1977). Con guión basado en la novela “Celle qui n’était plus” escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac, la trama de “Las Diabólicas” nos sumerge en esta espiral de suspense, tensión, e intriga como pocos largometrajes europeos han sido capaces de transmitir al espectador, creando una atmósfera opresiva, densa, y obscura tan difícil de reflejar en imágenes salvo en el caso de los grandes maestros en la dirección. Presentando esta extraordinaria banda sonora compuesta por Georges Van Parys para dar alma musical a esta joya cinematográfica, la magia visual del rodaje en blanco y negro resulta perfecta para crear esta comunión mental entre el espectador y esta terrible historia donde el dramatismo y la tragedia son tocadas sutilmente por la fantasmagórica apariencia sobrenatural. Pero, por encima de todo, los cinéfilos lectores quedarán impresionados durante la visualización del mítico largometraje “Las Diabólicas” al quedar resaltada su profunda amoralidad, adquiriendo este trasfondo conceptual posmoderno en esencia que se despliega sin ningún tipo de tapujos. Esa cruel hipocresía enmascarada de afabilidad social es representada por el personaje Michel Delassalle, director del colegio interpretado de forma excelsa e impecable por el actor Paul Meurisse con una actitud y una pose de cara al exterior que choca frontalmente con su vida de puertas a dentro. Ahí se muestra despiadado, egoísta, y despótico en el cruel comportamiento con su débil mujer Christina Delassalle (actriz Véra Clouzot, que fue la esposa del director Henri-Georges Clouzot en la vida real). Junto a la mítica actriz Simone Signoret en el papel de la profesora Nicole Horner, la actriz Véra Clouzot destaca en su interpretación de Christina Delassalle. En “Las Diabólicas” también encontrarán un absoluto contraste en la personalidad, en la animosidad, y en la fuerza de voluntad femenina ante la vida que oscila entre la sumisión, la delicadeza, y la fragilidad de Christina frente a la independencia, la fortaleza, la frialdad, y la firmeza en sus decisiones que presenta Nicole. Su unión en pro de un interés común será el origen del plan de asesinato de Michel Delassalle para poder liberarse del infierno en cual ha transformado sus vidas. Una obscura y seductora trama de suspense que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar adquiriendo esta magnífica edición en formato DVD, publicada por el periódico El País en este año 2014.

Nada en el largometraje “Las Diabólicas” es previsible, y una vez muerto Michel Delassalle, su cadáver de repente desaparecerá, presentándose a partir de ese momento en el internado como si fuera una aparición espectral y sin que Christina y Nicole puedan dar explicación alguna a ese misterio. Con la entrada en escena del comisario Alfred Fichet ya retirado (interpretado por el actor Charles Vanel), la trama se complicará aún más al iniciar la investigación para resolver este complicado caso, elevando el tono de tensión y de suspense en esta intrigante historia que solamente se desvelará en los minutos finales. El genial talento artístico del maestro Henri-Georges Clouzot es único dentro del cine europeo más selecto, perfilando esta inteligente trama en imágenes como un brutal conflicto moral en la mente del espectador al encontrarse frente a frente con el asesinato como método violento y radical urdido por estas dos mujeres para librarse definitivamente del mortificante trato que reciben por parte de Michel Delassalle. En esta excelsa película, lo mejor de todo es que a la sutil mano creativa de Henri-Georges Clouzot no le hizo falta el uso de la violencia extrema en escena para crear este entorno opresivo, manejando incluso el silencio como potenciador de esta tensión. Si a ello le unimos las enigmáticas apariciones de Michel Delassalle en el internado después de haber sido asesinado, no se puede pedir más intensidad y misterio a esta trama. Retornando al plano moral donde tan cómodo y seguro se encuentra el director de cine Henri-Georges Clouzot, a pesar de que son Christina y Nicole quienes urden el plan, durante el visionado de esta obra será inevitable que surgan algunas preguntas en el cinéfilo lector de Lux Atenea. ¿Se las puede juzgar moralmente con el mismo baremo? ¿Es Christina manejada hábilmente por Nicole en pro de sus intereses? ¿Busca Christina librarse de Michel o tiene otra intención oculta? Preguntas y más preguntas que aparecerán mientras nos adentramos en este ambiente tan asépticamente sentimental, tan emocionalmente frío, y tan humanamente inestable.

Para los amantes del cine obscuro y siniestro en su plano psicológico, en las ilustres obras cinematográficas de Henri-Georges Clouzot encontrarán el tenebroso pozo de las manifestaciones humanas más terroríficas y crueles donde los siete pecados capitales son sus omnipresentes regentes. Un lúgubre y tenebroso plano humano cargado de egoísmo, de dominio, de sometimiento a través de la manipulación y de la violencia, de venganzas y engaños… con los cuales seguir alimentando la espiral demoníaca donde todos pierden en este infernal plano existencial al que llamamos vida humana. La película “Las Diabólicas” es una muestra clara de las inquietudes existenciales de Henri-Georges Clouzot en relación al lado más oscuro del ser humano, y en ella encontrarán escenas e imágenes imborrables como el barco de papel flotando en el charco a la entrada del Internado Delassalle, la extraña complicidad existente entre la mujer y la amante del director cuando ésta última se quita las gafas de sol para mostrar la violencia de Michel Delassalle desatada contra ella la noche pasada, o con la escena en el aula donde Michel les pide un beso tanto a Nicole como a Christina. Quedarán emocionalmente alterados cuando vean la escena de la cena en el comedor donde se muestra claramente el despótico trato que Michel da a su mujer delante de todos y donde destaca hasta el desprecio con el que le sirve la comida a Christina y cómo la obliga a tragarlo, con la actitud dominante de Nicole con Christina en la escena de la llamada telefónica con Michel comunicándole que quiere el divorcio, con los gestos de Michel en el vagón de tren mostrando claramente al espectador que tiene todo bajo control, con la imagen de Christina y Nicole mientras ésta echa las gotas de somnífero en la botella de whisky, o con la inquietante belleza de la imagen de Christina reflejada en el espejo grande ovalado cuando Michel se quita el abrigo mientras habla con ella. Impresiona la siniestra visión de Nicole al lado de Christina mientras ésta reza de rodillas, configurando una imagen cargada de misterio al entremezclarse lo religioso con el encubrimiento de un asesinato, y, de nuevo, la presencia del espejo reflejando a Christina cuando visita la habitación de Michel Delassalle en el hotel Eden. Cautiva observar la gélida mirada de Nicole cuando corta la llamada telefónica de Christina, la simbólica imagen del montacargas subiendo el ataúd como si fuera un retorno al mundo terrenal desde el inframundo, la inquisitiva mirada de Nicole cuando Christina y el comisario Alfred Fichet llegan al Internado Delassalle, la fantasmagórica imagen de Michel apareciendo inexplicablemente en la fotografía, con la firmeza reflejada en los pasos y en los gestos de Nicole andando por el pasillo del internado, o con la tenebrosa visión de la puerta abriéndose al final del oscuro pasillo y la amenazante aparición de la mano enguantada como inicio de la impresionante escena final en esta colosal e inesperada apoteosis. Como apunte final, quisiera destacar la mención especial realizada al maestro de la literatura francesa decimonónica Jules Barbey D’Aurevilly (1808-1889) al comienzo de la película, autor del excelso libro homónimo ya reseñado en Lux Atenea. “Las Diabólicas”, la irresistible obscuridad cinematográfica del suspense inmortalizada en esta virtuosa perspectiva artística francesa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL DESTRIPADOR DE NUEVA YORK (Lo squartatore di New York)”, 1982 (Reseña / Review #1704).

Posted on 7 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1704 // Reseña Media nº: 57
Reseña actualizada. Publicada el 22 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: LUCIO FULCI
Guión: LUCIO FULCI, GIANFRANCO CLERICI, VINCENZO MANNINO, DARDANO SACCHETTI
Actores principales: JACK HEDLEY (teniente Fred Williams), ALMANTA SUSKA (Fay Majors), HOWARD ROSS (Mickey Scellenda), PAOLO MALCO (Dr. Paul Davis), ALEXANDRA DELLI COLLI (Jane Forrester), COSIMO CINIERI (Dr. Lodge), ANDREA OCCHIPINTI (Peter Bunch), CINZIA DE PONTI (Rosie)
País: ITALIA Año: 1982 Productora: FULVIA FILM
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: FILMAX / EL TERROR TIENE FORMA Año: 2013
Formato: DVD + libreto “Lucio Fulci: Saboreando el Horror”(EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Destripador De Nueva York”
EXTRAS: Trailer

Hacía tiempo que no veía un buen libreto incluido en una edición cinematográfica en formato DVD. Esta magnífica publicación de la película “El Destripador De Nueva York” presentada el año pasado por la prestigiosa compañía Filmax, no solamente guardaba en su interior el magnífico libreto de dieciséis páginas titulado “Lucio Fulci: Saboreando el Horror”, y escrito por Jesús Martí, sino que también viene engalanada con esta impactante carátula reversible que tiene en una cara el cartel original del largometraje y, en la otra, el poster diseñado por el ilustrador Juan Alonso Gutiérrez para esta edición. Uno de esos detalles que marcan diferencias en las ediciones físicas. A nivel artístico, a la hora de clasificar este impactante largometraje nos metemos en un terreno muy resbaladizo y difuso porque… ¿podemos incluir a “El Destripador De Nueva York” dentro del cine giallo? Esta película no presenta del todo a los elementos que caracterizan al cine giallo, y pueden comprobar esa diferencia muy claramente comparándola con otra extraordinaria obra cinematográfica rodada por este emblemático director italiano como es “Siete Notas En Negro” (ya reseñada en Lux Atenea). Entonces, ¿puede ser cine gore, slasher…? Aunque incluye escenas que presentan esas características, finalmente quedan diluidas en la amalgama conceptual mostrada en esta película de forma global. En “El Destripador De Nueva York”, Lucio Fulci (1927-1996) ha fusionado de forma ecléctica diferentes corrientes cinematográficas y, tal vez, esta indefinición en un estilo concreto es lo que hace resaltar a esta película como una de sus obras más impresionantes. El realismo de los asesinatos aquí mostrados, su violencia despiadada, y esta crueldad tan visceral unidas a elementos eróticos, también han quedado resaltados con maestría a nivel sonoro gracias a su banda sonora compuesta por Francesco De Masi, perfilando un escenario cinematográfico de indiscutible plasticidad artística por parte de Lucio Fulci. Puro talento. Además, elevando aún más la tensión en escena para que el espectador al visualizarlo se sumerja en esta vorágine de crímenes psicóticos, en su siniestro torbellino la intriga y el suspense fluyen en un crescendo de impredecible final. Deseo carnal, erotismo, y ataques brutales llevados a cabo por la mente perturbada de un asesino en serie que, por sus salvajes asesinatos, impresionará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea mientras su característica voz (que imita a un pato) nos ofrece ese tono un tanto burlesco y grotesco a su retorcida personalidad. Pura extravagancia en este thriller policíaco donde su densa trama proyecta una gran carga psicológica.

Esta sangrienta historia de suspense dará comienzo en la ciudad de Nueva York con la inolvidable escena del hombre jugando con su perro que, tras tirarle un palo para que se lo traiga, lo que acaba recibiendo es una mano en degradado estado perteneciente a una mujer llamada Anne Lin. Cuando el caso llega a manos de la policía, será el teniente Fred Williams (interpretado por el actor Jack Hedley) el encargado de esclarecerlo, iniciando una investigación. Poco tiempo después, en un ferry rumbo a Staten Island, otra joven llamada Rosie (actriz Cinzia de Ponti) es brutalmente asesinada por el mismo psicópata con voz de pato. Tras hablar Fred Williams con el forense, éste le comenta que no es la primera vez que le traen a una joven asesinada con ese método tan característico de matar, por lo que sospecha que un asesino en serie anda suelto por las calles de Nueva York. Debido a la falta de pruebas, el teniente Fred decide consultar al doctor Paul Davis (interpretado por el actor Paolo Malco) para que le ayude a hacer un perfil psicológico del asesino. La muerte de otra joven en un espectáculo X (la siniestra escena de su asesinato rodada en tonos verdes y negros es muy retorcida y depravada) y con la burlesca llamada telefónica del psicópata que recibe Fred en el apartamento de una profesional, esta trama empezará su intrigante crescendo en una sucesión de escenas a cual más explícita, brutal, y sangrienta como la tensa secuencia del vagón de metro y la huida por los solitarios pasillos de la estación. Imágenes y secuencias que les impactarán como el detalle en la imagen del cartel luminoso de la sala de cine donde se anuncia la película “Un hombre-lobo americano en Londres”, la angustiosa y salvaje escena del ataque a la joven Fay Majors (interpretada por la actriz Almanta Suska) en esa onírica sala de cine, la repugnancia que provoca ver la mano sin dos dedos de Mickey Scellenda (actor Howard Ross) cuando toca el cuerpo de Jane Forrester (actriz Alexandra Delli Colli) en la cama de la habitación del hotel hasta presentar un contraste visual absoluto entre lo bello y lo horrible unidos en una sola imagen. También les impactara el desagradable chirrido de la puerta roja y la tenebrosa impresión que provocan esos pasillos con los colores blanco, rojo, y negro como protagonistas cromáticos; los analíticos, inquisitivos y desesperados ojos del doctor Lodge (interpretado por el actor Cosimo Cinieri), el primer plano de los ojos felinos de Fay Majors, la presencia de una puerta roja en la casa donde guarda reposo Fay, cómo el psicópata juega con el teniente Fred en la escena de la cabina telefónica, la dramática y fantasmagórica imagen de la niña en la cama del hospital, o la sorprendente escena final donde todo este misterio queda desvelado. Sin duda alguna, una película que no dejará indiferentes a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. “El Destripador De Nueva York”, este psychothriller un tanto bizarro del director italiano Lucio Fulci dejó fascinado a Quentin Tarantino cuando lo vio. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL SÉPTIMO SELLO (det sjunde inseglet – the seventh seal)”, 1957 (Reseña / Review #1702).

Posted on 5 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1702 // Reseña Media nº: 55
Reseña actualizada. Publicada el 15 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: INGMAR BERGMAN
Guión: INGMAR BERGMAN
Actores principales: MAX von SYDOW (el caballero cruzado Antonius Block), GUNNAR BJÖRNSTRAND (el escudero Juan / Jöns), BENGT EKEROT (la Muerte), NILS POPPE (José / Jof), BIBI ANDERSSON (María / Mia)
País: SUECIA Año: 1957 Productora: SVENSK FILMINDUSTRI
Duración aprox.: 95 minutos
Publicado en España por: MANGA FILMS, S.L. Año: 2003
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Séptimo Sello”
EXTRAS: Ficha artística // Ficha técnica // Filmografías selectas

De todos los largometrajes que he visto hasta hoy día, ya desde la primera vez que visualicé esta película no tuve ninguna duda que por su excelencia artística estaría incluida entre mis diez obras cinematográficas preferidas. Una privilegiada posición que no ha cambiado, a pesar de las décadas que han pasado desde mi primera fascinación al contemplar esta magia audiovisual concebida por el virtuoso director de cine sueco Ingmar Bergman (1918-2007), y que aún perdura con pasión cada vez que vuelvo a disfrutarla. Esta es la esencia trascendente del placer cultural, buscando repetir esa experiencia porque siempre encuentras ese nuevo detalle, esa nueva perspectiva, o ese nuevo mensaje simbólico. “El Séptimo Sello” es una obra maestra del Séptimo Arte cuyo guión y dirección están firmados por este talentoso artista sueco, siendo este largometraje una de sus obras más sobresalientes que le encumbrarían hasta alcanzar el exquisito y selecto Templo del Cine Universal. La aurea firma de Ingmar Bergman que sigue estando presente en el altar principal de este venerado Templo del Arte, porque sus películas van mucho más allá de la mera recreación de una historia en imágenes. Películas de culto como “El Séptimo Sello” invitan al espectador a la reflexión y al análisis, como podrán comprobarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta preciosa edición en DVD publicada por Manga Films en el año 2003. Una lujosa edición que ha de tener obligada presencia en toda colección cinematográfica que desee destacar por la excelencia artística en su selección.

El Medievo tiene algo especial, y en aquella obscura etapa de la Historia europea está situada la trama de esta película con todos los elementos que caracterizaban a aquella época aquí presentes: la fanática religiosidad, los cruzados, la amenazante inquisición, la mortífera peste, el miedo de la población a la llegada del Apocalipsis… En “El Séptimo Sello”, todo comienza en tierras suecas con la llegada del caballero Antonius Block (actor Max von Sydow) y del escudero Juan (actor Gunnar Björnstrand) a su pueblo después de haber estado diez años participando en las Cruzadas, pero el panorama que encuentran es desolador debido a la incontenible expansión de la peste en la comarca. Además, la Muerte (actor Bengt Ekerot) se presentará ante Antonius Block porque quiere su vida, y este caballero logra que se la jueguen en una siniestra partida de ajedrez con su vida como apuesta. Entrarán también en escena José y María (el actor Nils Poppe y la actriz Bibi Andersson), un matrimonio de cómicos itinerantes que deambulan de un lugar a otro ofreciendo su espectáculo y que llegan a la población natal de Antonius Block. A partir de este momento, todo se empezará a envolver en una tensa atmósfera de caos, religiosidad, y temor. José tiene visiones místicas pero su mujer no le cree, Antonius se cuestiona el sentido de la propia existencia pese a sus profundas creencias religiosas, una mujer que ha sido condenada a la hoguera por bruja entrará en escena, Juan salvará a una joven mientras se dirigen al castillo de Antonius, los conflictos conyugales del herrero y su esposa aparecen en escena con cierto aire de humor, y tétricos penitentes se presentarán en estas tierras marcadas por la tragedia, flagelándose y mortificándose como vía de salvación de la peste al ser vista como un castigo divino enviado por Dios por los pecados de los hombres. Poco a poco se irá uniendo un amplio abanico de personajes a la magnífica trama desarrollada con maestría por el maestro Bergman, vertebrando esta dramática historia. Una película de culto que no les dejará indiferentes.

El título original de este guión fue inicialmente “Pintura sobre tabla”, ya que Ingmar Bergman se había inspirado en su creación en obras pictóricas medievales entre las cuales destacaba la obra “La Muerte Jugando Al Ajedrez”, creada por el pintor Albertus Pictor (1440-1507) que incluiría como personaje en esta película mientras pinta la danza de la muerte. Posteriormente, cambiaría su título por “El Séptimo Sello” que sería definitivo, reescribiéndolo varias veces debido a los problemas de tiempo y de financiación que tuvo para poder rodarla, y todo ello a pesar de haber dirigido catorce películas anteriormente. Al apasionado cinéfilo lector de Lux Atenea puede parecerle increíble que al guión de esta obra maestra y a un director de este nivel artístico le pusieran tantos problemas para el rodaje de su película pero, por desgracia, no ha sido ni será la primera o la última vez que un genio artístico y su magna obra se han encontrado con la incomprensión del mundo empresarial que mueve realmente el cine. En películas de la calidad artística de “El Séptimo Sello”, pocos directores han logrado reflejar de forma tan clara en imágenes dos planos en una misma historia, uno real y otro alegórico, y sin que su evolución interfiriera en la compresión de su desarrollo por parte del espectador. Como podrán comprobar visualizando esta película, Ingmar Bergman es todo un maestro a la hora de transmitir detalles simbólicos y perspectivas existenciales de trasfondo espiritual tan humanas. Su talento para mover y situar las cámaras, junto a la concepción de secuencias e imágenes de belleza tan cautivadora, convierten a Ingmar Bergman en uno de los directores imprescindibles para los amantes del cine reflexivo, intimista, y trascendente. La elección de decorados en estudio y de escenarios en exteriores, y la magnífica banda sonora compuesta por Erik Nordgren, configuran esta dramática historia medieval cubierta por las siniestras nubes del Apocalipsis. Un temor existencial que está empezando a tener una nueva época de expansión social debido a los crecientes vientos posmodernos relativistas del siglo XXI, pero no de forma fanáticamente religiosa, sino más bien relacionada con las incertidumbres y con los miedos que genera la Razón ante lo que no puede ni explicar ni controlar.

Obras cinematográficas de la sublime calidad de “El Séptimo Sello” son las que han engrandecido el valor y el prestigio artístico del cine europeo a nivel internacional, convirtiendo en mito a algunos de sus directores y actores ante su deslumbrante labor desarrollada en películas de tan alto nivel conceptual, estético, e intelectual. Un hipnótico largometraje donde la Belleza siniestra está siempre sobrevolando cada una de las escenas, y con un trasfondo metafísico y existencial incomparablemente tétrico en vista a la temática en torno a la cual gira su trama, la Muerte, potenciada a su vez por esta acertada ambientación medieval cargada de supersticiones, de religiosidad, y de miedo a la muerte. Precisamente la presencia de la Muerte como uno de los personajes principales de esta película, y que queda unida a las terribles pandemias sufridas en aquella época, perfilan una sublime ambientación apocalíptica que provoca que el espectador tenga la sensación que estos personajes están completamente subordinados a los vaivenes del destino. Una condición vital irrenunciable que les genera este temor profundo y esta inseguridad constante, llevándoles a tener creencias y visiones existenciales del sentido de la vida definidas de forma ciega e irracional. Muerte y fanatismo religioso mezclados con maestría por Ingmar Bergman en este extraordinario guión, y que ve reforzado su impacto en el espectador al ser integrado con absoluto virtuosismo visual a través de imágenes que se han convertido en legendarias por su capacidad para quedar indeleblemente grabadas en la mente de los espectadores.

“El Séptimo Sello” es una película que disfrutas viéndola de principio a fin, y estoy seguro que los cinéfilos lectores quedarán fascinados al contemplar estas escenas inolvidables como, por ejemplo, el reflejo sagrado de la primera imagen simbólica y metafórica que vemos en la película donde aparentemente se representa una visión del Espíritu Santo (paloma con un luminoso fondo celestial), cuando en realidad es un ave rapaz manteniéndose parada en el aire en busca de una presa, o el mítico e inolvidable encuentro de la Muerte con el caballero cruzado Antonius Block en la playa donde inician su partida de ajedrez (echan a suertes con qué piezas comienzan la partida y a la Muerte le tocan las negras, como no podía ser de otra forma). Impresiona la tétrica imagen de la careta colgando de una rama como si estuviera reclamando esos dominios, la tenebrosa y reflexiva escena del pintor y el escudero Juan, la secuencia con las divagaciones de Antonius Block en la iglesia, la fuerza visual de la Muerte detrás del enrejado como si fuera un siniestro párroco confesor, la apocalíptica atmósfera religiosa de los penitentes en su paso por el pueblo, la degenerada y decadente escena de la taberna, la humorística escena de la Muerte serrando el árbol, la dramática secuencia de la quema de la joven en la hoguera, cuando José ve con sorpresa y estupor que Antonius está jugando al ajedrez con la Muerte… y, sobre todo, nunca olvidarán en su vida la extraordinaria interpretación de la Muerte realizada por el genial actor Bengt Ekerot. ¡¡¡Siniestramente perfecta!!! “El Séptimo Sello”, película de culto y obra maestra por excelencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“- He gastado mi vida en diversiones, viajes, charlas sin sentido… mi vida ha sido un continuo absurdo. Creo que me arrepiento. Fui un necio. En esta hora siento amargura por el tiempo perdido aunque sé que la vida de casi todos los hombres corre por los mismos cauces. Por eso quiero emplear esta prórroga en una acción única que me dé la paz.
– Por eso juegas al ajedrez con la Muerte.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TETSUO I, EL HOMBRE DE HIERRO (鉄男, Tetsuo: the iron man)”, 1989 (Reseña / Review #1701).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1701 // Reseña Media nº: 54
Reseña actualizada. Publicada el 23 de marzo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: SHINYA TSUKAMOTO
Guión: SHINYA TSUKAMOTO / KEI FUJIWARA
Actores principales: TOMOROH TUGUCHI (hombre), KEI FUJIWARA (mujer), NOBU NAKAOKA (mujer de gafas), RENJI ISHIBASHI (vagabundo), NAOMASA MUSAKA (doctor), SHINYA TSUKAMOTO (hombre fetichista)
País: JAPÓN Año: 1988 Productora: KAUJU THEATER
Duración aprox.: 67 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VÍDEO
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “TETSUO”
EXTRAS: Trailer // Filmografía // Notas de producción

Rodada en el año 1988 y estrenada oficialmente el día 1 de julio de 1989, con esta reseña quiero rendir el merecido homenaje artístico a esta película de culto convertida ya en referencia obligada dentro del cine cyberpunk japonés. Dirigida por el virtuoso maestro cinematográfico Shinya Tsukamoto y rodada en blanco y negro, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” destaca visualmente con esta brillantez artística por su fotografía hasta presentarse excelsa en cuanto a innovación conceptual. Una película de vanguardia nacida a finales de la decada de los ochenta y que despuntó musicalmente por su contundente banda sonora, realzando aún más este impacto visual tan brutal en cada uno de sus escenarios. Un largometraje pionero por su base conceptual, y que será capaz de hipnotizar y seducir a los cinéfilos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute del cine japonés de culto. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también puede ser incluido de forma un tanto global en el cine experimental, además de encajar perfectamente dentro del cine de ciencia-ficción y de terror un tanto extremo y bizarro que provoca que algunas de sus secuencias se adentren en el cine gore. Ver “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es una experiencia cinematográfica única, y en su trama de corte surrealista se aprecia ese perfil kafkiano a lo largo de su siniestro desarrollo. Llevada al terreno conceptual de vanguardia, indiscutiblemente hay que valorarla artísticamente como película de culto por su sugerente perspectiva y por este trasfondo donde la carne y el metal terminan fusionándose para crear una nueva materia inteligente. En este sentido, tan contundente largometraje proyecta todo el talento cinematográfico de su director hasta en sus efectos especiales, haciendo un magnífico uso de la técnica de rodaje stop motion en sus secuencias más aceleradas. Hay que pensar que estamos hablando de una película de finales de la década de los ochenta, con todas las limitaciones técnicas que existían en aquella época a la hora de rodar un largometraje de estas características. Proyectando también una visión apocalíptica como destino final para esta nueva mutación de lo humano con lo metálico, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” se une conceptualmente a la corriente cyberpunk donde los avances tecnológicos son vistos como una seria amenaza y como un factor de decadencia para los seres humanos.

La trama que da personalidad artística a “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es compleja, quedando fundamentada en la brillante idea de Shinya Tsukamoto que fusiona la carne y el metal, y que es personificado en esta historia en el hombre fetichista interpretado por el propio director. Un hombre obsesionado con la idea de mutar la carne y el metal en su propio cuerpo para lograr ser un híbrido. De ahí que le veamos en las primeras secuencias de la película introduciéndose trozos de metal dentro de su cuerpo, y con resultados un tanto desagradables para los espectadores más sensibles. Según la perspectiva existencial del hombre fetichista, una vez haya logrado esa mutación, viviendo en una sociedad dominada física y tecnológicamente por el metal no se hará esperar la expansión de su álter ego híbrido, iniciando una progresiva evolución y crecimiento que se hará colosal y gigantesco hasta devorar todo a su paso, y luego reducirlo a polvo de óxido de forma implacable. Sueños de grandeza que se disolverán bruscamente tras comprobar las funestas consecuencias de sus desvaríos mentales en su propia carne (escena de los gusanos), siendo poseído por el miedo y el horror. Presa del pánico, en su alocada huida saldrá a la calle donde es atropellado por una joven pareja e, inexplicablemente, el conductor del coche será poseído por una mutación genético-metálica que también irá apoderándose de él hasta cambiar inexorablemente su vida, sus sentidos, y su percepción del mundo.

Con un final cinematográfico de corte apocalíptico made in Japan definido con maestría en los últimos quince minutos de esta película, la vertebración de esta increíble historia en secuencias de fuerte impacto audiovisual quedarán indeleblemente grabadas en su mente tras contemplarlas. Por ejemplo, les impresionará el inquietante ambiente cubierto con imágenes de deportistas y trozos de metal entremezclados donde el hombre fetichista realiza sus rituales en el cuerpo con el metal, cuando introduce una barra de acero roscada en su muslo tras haber realizado previamente un gran corte, cuando escuchen el escalofriante sonido del roscado de la barra de acero al pasar por sus dientes, o con el horror, la angustia, y la locura que se respiran en la escena protagonizada por la mujer de gafas. Una mujer de gafas que presentará su más siniestra imagen en la secuencia un tanto gore que sucede en el garaje, y con esta música de fondo espectacular que aumentará la intensidad y el dramatismo sentido por el espectador. Quedarán impactados al ver la crudeza visual que se presenta con la progresiva mutación que va sufriendo el protagonista de esta historia, o con las infernales imágenes de su nuevo Yo directamente relacionado con los desvaríos mentales del hombre fetichista. En definitiva, un despliegue artístico transgresor donde el talento audiovisual adquiere esta esencia conceptual innovadora que continuará atrayendo la mirada del cinéfilo en el siglo XXI.

Dentro de este cine underground hay dos apartados artísticos desarrollados en esta película de culto que quisiera destacar por su maestría y por su excelsa definición. La primera y más evidente es la extraordinaria interpretación realizada por estos geniales actores, y en los cuales se aprecia muy claramente su pertenencia al grupo de teatro Kauju Theater. Su expresividad, sus estudiados gestos que dan mayor credibilidad a sus personajes, y su experiencia a la hora de moverse y de desenvolverse ante la cámara, consiguen transmitir esta tensión y esta psicodélica dinámica mental en la cual se sumergirán en esta impactante trama. Si pudiéramos trasladar en el tiempo el innovador espíritu creativo y el talento vanguardista de los maestros cinematográficos que destacaron en el Expresionismo alemán, y le añadiéramos el factor tecnológico, sin duda alguna esta película sería mitificada y tomada como referencia cinematográfica por aquellos grandes genios. La grandeza artística mostrada por Shinya Tsukamoto en “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” hace que se pueda unir esta obra maestra a otras míticas obras del Séptimo Arte firmadas por grandes maestros conceptuales como David Cronenberg y su Nueva Carne, o David Lynch y su siniestra oscuridad cotidiana. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también deslumbra por su impresionante y ecléctica banda sonora creada por Chu Ishikawa, cuyo talento musical me impresionó profundamente desde el momento en que vi por primera vez esta película tras haber comprado la primera edición publicada en España en formato VHS. Un eclecticismo conceptual radiante donde se integran estilos musicales como el noir jazz, darkwave, industrial, electrónica experimental… hasta ser armonizados magistralmente en escenas sublimes. Entre todas ellas, sobre todo destacaría las grandiosas composiciones musicales industriales presentes en algunas secuencias, por ejemplo, cuando tras atropellar al hombre fetichista, el conductor del coche es infectado por esa extraña mutación, o en la escena donde contemplamos la visión del hombre con traje y corbata moviéndose frenéticamente, convirtiéndose en una de las mejores secuencias de esta obra maestra. Una excelencia cinematográfica más propia del arte audiovisual experimental presente en el dinámico universo musical del videoclip. Todo ello unido a la utilización de la estática y del ruido en muchas de estas innovadoras composiciones, harán que la audición de esta espectacular banda sonora sea una delicatessen para los melómanos lectores de Lux Atenea identificados con la vanguardia. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro”, la imprescindible visualización del cine japonés de culto en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Filmax. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1700 // Reseña Media nº: 53
Reseña actualizada. Publicada el 13 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Director: JEAN RENOIR
Guión: JEAN RENOIR
Actores principales: JEAN-LOUIS BARRAULT (Dr. Cordelier / Sr. Opale), TEDDY BILIS (señor Joly, notario), SYLVIANE MARGOLLÉ (Jeune fille), JEAN TOPART (el mayordomo Désiré), MICHEL VITOLD (Dr. Séverin), MICHELINE GARY (Marguerite), JACQUES DANOVILLE (comisario Lardaut)
País: FRANCIA Año: 1959 Productora: PATHÉ Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: CINECOM Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

CONTENIDO: Película “El Testamento del Doctor Cordelier”

Hablar de Jean Renoir (1894-1979) es hablar de uno de los mayores genios artísticos que ha dado el cine francés más prestigioso e innovador. Una labor creativa en la cual destacaría tanto como actor, como director y guionista a través de una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo y que serviría posteriormente a otros grandes directores europeos y estadounidenses como referencia a la hora de rodar sus obras. Sus películas se reverencian y admiran por su innovación artística y por su capacidad para transmitir emociones al espectador, motivo por el cual Jean Renoir ha visto grabado su nombre con letras de oro en el altar del Templo del Cine por méritos propios, habiendo realizado una gran parte de sus obras en una época difícil y complicada para un director cinematográfico a la hora de rodar largometrajes con esta intensidad y con este trasfondo humano. Un periodo histórico convulso y trágico en Europa que no impidió que Jean Renoir pudiera ver realizados sus sueños artísticos a pesar de las grandes dificultades que tuvo que enfrentarse, y con una crítica cinematográfica de la época incapaz de apreciar y de valorar sus obras con criterio y con sensibilidad artística. Como los cultos lectores de Lux Atenea ya saben, el tiempo siempre pone a cada uno en su lugar dentro del mundo cultural. Tras una larga y fructífera carrera cinematográfica en su haber, “El Testamento del Doctor Cordelier” fue una de las últimas películas que rodaría, y cuyo guión fue escrito por el propio director basándose en la famosa novela de Robert Louis Stevenson “El extraño caso del Doctor Jekyll y Mister Hide”, pero ambientada en Francia en la edad contemporánea. Una temática de lo más atrayente para un largometraje marcado por la intriga y por el suspense, y que fue originalmente rodado en blanco y negro para la televisión en 1959, siendo posteriormente presentado en las salas de cine en el año 1961. En “El Testamento del Doctor Cordelier”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea encontrarán a este magistral director en esa fase final de su etapa artística donde la experiencia le permite abrir la obra al campo de la experimentación cinematográfica. Maestría en el rodaje, talento interpretativo en la narración, y genialidad en las secuencias, dan alma a este excelso largometraje. Cine fantástico con esa magia visual en pantalla tan especial que solamente puede ofrecer el rodaje en blanco y negro, y en una ambientación de horror más propia de una pesadilla.

Este atrayente largometraje comienza con la llegada de Jean Renoir al estudio de televisión donde ofrecerá una emisión protagonizada por el propio director, y que servirá de entrada a esta dramática historia. Situándonos en una barriada a las afueras de París, tras enseñarnos la casa del doctor Cordelier, la cámara se centrará en la visita del doctor a su amigo, el notario Joly (interpretado por el actor Teddy Bilis), ya que éste se sorprendió que dejara en su testamento como heredero a un misterioso señor llamado Opale. Al llegar la noche, el notario Joly ve a un hombre atacando a una niña (el señor Opale, personaje interpretado con maestría por el actor Jean-Louis Barrault), refugiándose luego en la casa del doctor Cordelier. Cuando Joly entra para informar al doctor que ese peligroso individuo se ha adentrado en su casa, el mayordomo Désiré (interpretado por el actor Jean Topart) trata de tapar el asunto, causándole un gran asombro este ocultamiento de un hecho tan grave y violento provocado por Opale. Tras hablar con el doctor Cordelier, Joly consulta al doctor Séverin (interpretado por el actor Michel Vitold) sobre este peligroso asunto pero a Séverin no le gustan nada ni la actitud ni las investigaciones y experimentos que realiza Cordelier. Opale empezará a convertir sus paseos por la ciudad en una sucesión de actos violentos de los cuales tendrá conocimiento la policía, procediendo a su investigación a través del comisario Lardaut (interpretado por el actor Jacques Danoville), y Joly también acudirá a la policía a denunciar a Opale porque este peligroso ser se está paseando por las calles de París. El cerco policial comenzará a estrecharse, aumentando la intriga de esta trama que no ha hecho más que empezar en su intenso crescendo.

A nivel musical, esta película presenta una banda sonora de estilo clásico compuesta por Joseph Kosma, y que resulta perfecta para disfrutar este largometraje contemplando escenas tan impactantes como la tensa y amenazante secuencia del señor Opale y la niña, observando los andares chulescos que siempre tiene Opale al andar por la calle mientras mueve su bastón con la mano, o viendo los sádicos instrumentos que la policía descubre en la caótica habitación de Opale. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo escenas como la entrada de Opale en la consulta del doctor Séverin, las tomas de cerca realizadas al monstruoso aspecto de Opale, con la magnífica toma cinematográfica de la cornisa indicando la posible vía de escape de Opale, con el desvelo del obscuro pasado del doctor Cordelier donde se aprovechaba de su profesión y de su prestigio, o con el terrible experimento que el doctor Cordelier hace teniéndose a sí mismo como cobaya, dando como fruto el nacimiento de Opale. Impresiona observar la gran sorpresa que aparece en pantalla cuando la habitación de Cordelier es iluminada con la luz de la mañana, o el impresionante acto final con el doctor Cordelier y Joly como protagonistas principales. Secuencias trágicas que terminan marcando esta historia a través de imágenes dramáticas, horribles, y violentas.

La grandeza artística y conceptual que presenta la película “El Testamento del Doctor Cordelier” está basada principalmente en su temática, en el insondable y obscuro interior del ser humano, y en la perspectiva analítica con la cual Jean Renoir enfoca este delicado e interesante asunto. Dos caras de una misma moneda protagonizadas por el doctor Cordelier y el señor Opale como fiel reflejo de esos dos lados opuestos que muestra el ser humano en sus acciones. Uno racional, creativo, condicionado, delimitado, y controlado, y otro mucho más salvaje, inmisericorde, incontenible, violento, y absolutamente irracional dentro del más puro instinto animal o, mejor dicho, dentro de su insaciable instinto depredador. El doctor Cordelier representa al hombre encumbrado por el éxito y el prestigio profesional gracias a su labor científica como psiquiatra, aparentando mantener siempre las formas y respetando siempre las normas tanto a nivel personal, familiar, profesional, y social. En definitiva, una persona que ha hecho en la vida lo que socialmente es considerado como correcto, y un modelo a seguir aparentemente. Pero en el estudio que viene realizando sobre la mente y la psicología humana, mediante el uso de la ciencia logra crear una pócima que le permite sacar al exterior su otro yo interior, mostrándose sin ningún tipo de límite racional. Opale será el sádico y siniestro ser interior que acabará saliendo a la luz.

Cuando el doctor Cordelier bebe su propia pócima, surje de su interior el monstruoso Opale, un ser capaz de hacer realidad todos aquellos pensamientos y deseos que Cordelier ha intentado controlar a lo largo de su vida, mostrándose de forma cruel, violenta, egoísta, y sin sentimiento de culpa alguna en sus acciones. Un ser caprichoso que toma aquello que quiere, que hace lo que le place sin tener en cuenta la vida de los demás, y sin pensar en ningún momento en las consecuencias de sus trágicas acciones. Una magistral representación simbólica de ese Bien y Mal que vive en el interior del ser humano, y que, ya sea por la acción de uno u otro, en este siglo XXI aún seguimos viendo la trascendencia o el dramatismo de la acción humana según sea el lado que haya actuado. “El Testamento del Doctor Cordelier” puede parecer una película pesimista, pero la verdad no puede ser valorada como pesimista cuando refleja una realidad interior del ser humano aún latente en la actualidad. A lo largo de los últimos miles de años, el progreso tecnológico y científico desarrollado por el ser humano ha sido vertiginoso pero, ¿y los cambios en su interior? ¿También han sido tan rápidos y vertiginosos a la hora de aplacar sus instintos, emociones, deseos, y sentimientos más salvajes y destructivos? Si el ser humano da rienda suelta a sus instintos y apetencias, y termina comportándose como Opale, ¿verdaderamente es el Bien la auténtica realidad latente en su interior? He aquí la esencia intelectual y reflexiva que transmite esta película al ser visualizada, y gracias al talento de este experto maestro del Séptimo Arte a la hora de definir los mensajes profundos que fundamentan sus obras. “El Testamento del Doctor Cordelier”, el inconfundible sello artístico europeo de Jean Renoir en este merecido homenaje a un director de culto dentro del cine más excelso. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“FRANKENSTEIN”, 1910 (Reseña / Review #1699).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1699 // Reseña Media nº: 52
Reseña actualizada. Publicada el 9 de enero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: James Searle Dawley
Guión: James Searle Dawley (basado en la mítica novela “Frankenstein o el moderno Prometeo” de Mary Shelley)
Actores principales: AUGUSTUS PHILLIPS (DOCTOR FRANKENSTEIN), CHARLES OGLE (FRANKENSTEIN), MARY FULLER (ELIZABETH)
País: EE.UU Año: 1910 Productora: EDISON MANUFACTURING COMPANY
Duración aprox.: 13 minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES, S.L. Año: 2009
Formato: Digipack 2DVD de 6 paneles (EDICIÓN COMPRADA)
Película incluida en “THE SILENT HORROR COLLECTION” editado en formato DVD.

Una de las sorpresas cinematográficas que más he disfrutado visualizando la impresionante edición en digipack 2DVD “The Silent Horror Collection” publicada por la empresa Tema Distribuciones, ha sido la película “Frankenstein” del año 1910. Actualmente está considerada como la primera película de terror en la Historia del Séptimo Arte., y es una joya artística incomparable que fue rodada por el director estadounidense James Searle Dawley utilizando el quinetoscopio como sistema de grabación. El quinetoscopio fue un aparato cinematográfico desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson (1860-1935) por encargo de Thomas Edison (1847-1931), pudiendo ver imágenes en movimiento gracias a la visualización de una banda de película de 19 milímetros que se reproducía a 40 fotogramas por segundo. Como podrán comprobar los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta preciosa edición, el director de cine James Searle Dawley realizó una adaptación bastante libre de la mítica obra “Frankenstein o el moderno Prometeo” escrita por la genial escritora británica Mary Shelley (1797-1851). Tras crear el guión de esta película de terror, gracias a su gran talento, a su fructífera imaginación, y a sus revolucionarias ideas cinematográficas, esta magna obra ha terminado convirtiéndose en una ineludible referencia artística dentro del cine mudo surgido a principios del siglo XX.

De forma magistral, tanto James Searle Dawley como este gótico monstruo creado por Mary Shelley en su novela han dejado sus nombres grabados con letras de oro en la Historia del Séptimo Arte como protagonistas de la película de terror más antigua jamás rodada. En esta película no se ajustó mucho a la trama original de la obra literaria ya que, por ejemplo, verán al doctor Frankenstein dando vida a su criatura usando un siniestro crisol. Pero también es verdad que los medios técnicos disponibles en los primeros proyectos que dieron inicio a la industria del cine en aquella época, limitaban mucho la capacidad de los directores a la hora de reflejar sus ideas en escenas e imágenes, siendo rodada toda esta película en un plano fijo y con una duración de poco más de doce minutos. Unas limitaciones técnicas que la maestría y la creatividad de este genial director suplen con sumo talento en vista al brillante e impactante resultado final obtenido. Así podrán sentir y disfrutar la magia que estas imágenes cinematográficas nos transmiten durante su visualización.

A pesar del evidente e inevitable deterioro que esta película ha sufrido tras el inexorable paso de los años, no me cabe la menor duda que quedarán profundamente fascinados con estas imágenes y con estas inolvidables escenas. Es apasionante ver cómo se produce el siniestro nacimiento del monstruo de Frankenstein dentro del crisol, observar su terrorífica mano saliendo desde detrás de la puerta tras ser creado, visualizar su horrible imagen en la escena de esta película en tonos rojizos y anaranjados, y que destaca de forma sobresaliente en los apartados de escenografía, vestuario, y fotografía. Es hipnótico observar los pesados y torpes andares del monstruo, o la fantasmagórica escena en tonos azulados con el monstruo, el doctor, y su mujer Elizabeth como protagonistas. Atrae la mirada del espectador el asombro y el terror que el monstruo de Frankenstein siente cuando se ve ante el espejo, y que tiene su impactante apoteosis en la escena final. Más de cien años han transcurrido desde su presentación oficial, y esa aura tan especial que solo el tiempo pasado otorga a las grandes obras de Arte parece que ha incrementado el indudable atractivo de esta película para los especialistas cinematográficos y para el público en general. La atenta visualización de esta primera adaptación al cine de la mítica obra literaria “Frankenstein” lo convierte en algo más que en una obra maestra del cine de terror. En definitiva, admirar y apasionarnos al ver la película “Frankenstein” de James Searle Dawley con suma atención es rendir tributo al Arte expresado en imágenes. “Frankenstein”, película pionera en la Historia del Cine de Terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1698 // Reseña Media nº: 51
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: JOHN CARPENTER
Guión: JOHN CARPENTER y DEBRA HILL
Actores principales: ADRIENNE BARBEAU (Stevie Wayne), JANET LEIGH (Kathy Williams), JAMIE LEE CURTIS (Elizabeth Solley), JOHN HOUSEMAN (Mr. Machen), TOM ATKINS (Nick Castle), HAL HOLBROOK (Padre Malone)
País: EE.UU Año: 1980 Productora: AVCO EMBASSY PICTURES Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBÉRICA Año: 2005
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Poco a poco, el invierno está empezando a reclamar una vez más su reino y, en estas noches de frío y lluvia, películas de culto como “La Niebla” del mítico director de cine estadounidense John Carpenter logran transformar esta oscuridad nocturna en el ambiente perfecto para sentir este largometraje en su más absoluta pureza artística. Estrenada oficialmente en el año 1980, tuve oportunidad de ver esta película en una sala de cine madrileña pocos días después de su estreno, pero incomprensiblemente “La Niebla” no fue precisamente un éxito en taquilla. Solamente tras el largo paso del tiempo, este largometraje finalmente ha logrado ser valorado en la justa medida de su extraordinaria calidad artística hasta haberse convertido en una película de culto, y con fieles seguidores en todo el mundo en la actualidad. Un atractivo guión de terror y ficción cuya trama está basada en la historia de la pequeña localidad de Antonio Bay durante la celebración de su centenario. La aparición repentina de una densa niebla procedente del mar será el inicio de una gran tragedia que caerá sobre algunos de sus habitantes, los cuales están marcados al ser la descendencia de aquellos antiguos fundadores de la ciudad que, hace cien años, mediante el engaño en una noche de tormenta, usando una falsa hoguera de señalización llevaron a un barco contra los acantilados aprovechando una noche de espesa niebla para así poder robar su oro. Tras el naufragio, la niebla desapareció y nunca más volvió a ese lugar, pero los lugareños cuentan que cuando la niebla vuelva a llegar al pueblo, los marineros muertos resucitarán y nadie en el pueblo estará a salvo de sus ansias de venganza.

Protagonizado por actrices ya consagradas como Janet Leigh (protagonista en famosas películas como “Mujercitas”, “Scaramouche”, “Principe Valiente”, “Los Vikingos”, “Sed de Mal”… o la mítica “Psicosis”) en el personaje de Kathy Williams, o Jamie Lee Curtis (que luego se acabaría convirtiendo en una de las actrices ligadas al cine de terror de las últimas décadas) en el papel de Elizabeth Solley, en “La Niebla”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo el talento del director John Carpenter logra convertir la apacible vida cotidiana de este pueblo costero en el contrapunto perfecto para una sucesión de horribles crímenes que dejarán huella en sus habitantes. Esta siniestra inquietud se empieza a sentir prácticamente desde los primeros minutos de película ante la aparente calma reinante en este idílico lugar. La sucesión de muertes empezarán a ocurrir con la llegada de esta terrorífica niebla que inexorablemente se apoderará del pueblo, ofreciéndonos este tenebroso espectáculo cinematográfico de horror y misterio de la mano de uno de sus directores más aclamados dentro del cine B, y no siempre valorado por la crítica oficial a pesar del rodaje de destacados largometrajes de calidad como el aquí analizado. Una infravaloración realizada por una parte de la crítica en los medios de información mainstream, y que no suele usar los mismos baremos en su criterio cuando ha de comentar otros largometrajes mucho más costosos financiados por míticas productoras, y que cuentan con actores de prestigio que en ocasiones han dejado mucho que desear en su calidad interpretativa. Como suelo decir, menos mal que el tiempo suele dejar a cada uno en su lugar y, en el caso de la película “La Niebla”, el tiempo ha hecho justicia respecto al talento artístico mostrado por John Carpenter en estas hipnóticas escenas e imágenes de horror. Observar cómo la densa y luminiscente niebla va dirigiéndose poco a poco hacia el pueblo se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película que guardarán en su memoria cinematográfica, junto a otras impactantes escenas como el fantasmagórico paso del antiguo barco hundido mientras cruza al lado de la cubierta del pesquero en plena noche, la lectura del obscuro contenido del diario del padre Patrick Malone escrito en el año 1880, ver al padre Patrick Malone con la cruz de oro en la iglesia, o la escena del faro cuando los marineros muertos tratan de matar a Stevie Wayne. Si desean sentir a flor de piel la pasión que provoca el cine de culto en las frías noches invernales, esta magnífica película es toda una garantía para poder pasar una inolvidable velada contemplando el misterio y el horror en estado puro en la pantalla. “La Niebla”, obra maestra del cine B de terror de la mano de uno de sus directores más emblemáticos: John Carpenter. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA MONTAÑA SAGRADA (the holy mountain)”, 1973 (Reseña / Review #1697).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1697 // Reseña Media nº: 50
Reseña actualizada. Publicada el 25 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ALEJANDRO JODOROWSKY
Guión: ALEJANDRO JODOROWSKY
Actores principales: ALEJANDRO JODOROWSKY, JUAN FERRARA, HORACIO SALINAS
País: MÉXICO-EE.UU Año: 1973 Productora: ABKCO
Duración aprox.: 108 minutos
Publicado en España por: CAMEO Año: 2007
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“La Montaña Sagrada” es una de las películas más innovadoras y vanguardistas que se hayan rodado dentro del cine underground. De trasfondo existencial y esotérico, también es considerada como película de culto por muchos cinéfilos debido a sus avanzados conceptos inmortalizados en inolvidables imágenes simbólicas. “La Montaña Sagrada” es una de las mejores películas de cine de autor rodadas en la rebelde y transgresora década de los setenta, y cuya esencia artística y conceptual pasó a ser inmediatamente etiquetada como escandalosa e inmoral en aquella época. En esta obra, el polifacético y transgresor artista chileno Alejandro Jodorowsky perfila cinematográficamente esta clara denuncia sobre la hipocresía existente en los seres humanos, en su cultura, y en su sociedad a lo largo de los siglos. Visualizando “La Montaña Sagrada”, los cultos lectores de Lux Atenea contemplarán metafóricamente la danza existencial que todo individuo ha de realizar con su destino desde el nacimiento, y que ineludiblemente le obligará a ir aprendiendo sobre la marcha mientras es empujado por las consecuencias que traen cada uno de sus actos. Si no quiere que los errores cometidos malgasten su preciado tiempo de vida, habrá de encaminarse a un difícil proceso trascendente donde el conflicto con su Ego, con sus condicionantes familiares y culturales, y con sus aspiraciones terrenales y materiales serán inevitables en su evolución espiritual hacia lo eterno. La talentosa mente del artista Alejandro Jodorowsky llegó a idear esta película de corte místico desde una perspectiva puramente simbólica donde los elementos surrealistas con pinceladas siniestras nos ofrecen este viaje por la mente humana, por sus deseos, y por sus debilidades. Mostradas con suma crudeza visual, algunos las consideran tan provocadoras que el mero hecho de etiquetar a estas obras cinematográficas de Alejandro Jodorowsky como geniales películas de culto les parece absolutamente rechazable. De todos es sabido que las verdades y la realidad ofenden al ser humano más denso y obscuro.

Como analista cultural valoro a Alejandro Jodorowsky como una de las mentes renacentistas más brillantes y lúcidas, siendo una de las claves del siglo XX dentro del Pensamiento, del Arte, y del Misticismo. Tuve el placer de hablar con él en un evento celebrado en Madrid hace ya algunos años, y su mirada y su perspectiva al mundo creo que como mínimo requiere una atenta reflexión sobre el trasfondo de sus avanzados conocimientos en relación al ser humano. No solamente han destacado sus creaciones artísticas dentro del mundo del teatro y del cine por su brillantez, sino también por el estudio serio y riguroso que viene realizando sobre la mente humana. Su reflejo en la personalidad y en el cuerpo de las personas ha quedado fijado a través de dos conceptos a los cuales ha denominado como psicogenealogía y psicomagia. Sus beneficiosos efectos han ayudado a muchas personas a resolver problemas que consideraban imposibles de solucionar, y menciono estos datos porque quiero que los cultos lectores de Lux Atenea tengan una visión amplia y global sobre este maestro de la vida en clave mística, y sobre cómo pudo originarse la idea de rodar una película tan impactante como “La Montaña Sagrada” en su mente.

No he dejado de estudiar y de profundizar en la esencia de “La Divina Comedia” a lo largo de más de dos décadas, y el estudio de los significados simbólicos utilizados en la creación de la trama de esta película irremediablemente me ha llevado a establecer paralelismos con la estructura astrológica de la mítica obra de Dante. Un proceso de purificación a través de las características espirituales propias de cada planeta dentro del mundo de la astrología, y cuyo objetivo final es poder aligerar al alma de todas las inmundicias energéticas que conllevan los enganches carnales y materiales, y la opacidad espiritual. Desde una perspectiva puramente mística, es ese ansiado retorno a lo primigenio, a ese lugar en donde se originó nuestra alma, puede ser alcanzado tras pasar por un largo periodo de tiempo de perfeccionamiento y purificación dentro de este plano existencial, y donde el sufrimiento y la irresistible atracción hacia todo lo que nos tienta mentalmente y nos ata emocionalmente a lo material, ha de ser comprendido y eliminado interiormente para lograr superar con absoluta eficacia esos poderosos obstáculos y condicionantes. La grandeza mística mostrada conceptualmente por Alejandro Jodorowsky en esta película, nos lleva a observar cómo ese sufrimiento y esas atracciones materiales no han de ser rechazadas por sistema, sino que han de ser superadas a través del inconsciente desvelado, ya que si los rechazáramos por sistema o dogma, más que evitar su fatal influjo lo que haríamos es potenciar su influencia en nuestro inconsciente más obscuro. Una perspectiva espiritual que considero acertada en sus planteamientos prácticos. Además, dentro del arte cinematográfico, nadie duda de la fuerza de las imágenes a la hora de transmitir una idea, una visión, un mensaje… por complicados y difíciles que sean. En el caso en particular de una película tan bien rodada como “La Montaña Sagrada”, si unimos el tremendo poder de las palabras a lo visual con trasfondo simbólico, la eficacia de este sistema audiovisual es más que evidente. Como apunte a destacar en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Cameo en el año 2007, se han incluido como extras las escenas eliminadas en la cinta original y cómo fue el proceso de restauración de la película, ofreciendo una visión global de esta obra. “La Montaña Sagrada”, película de culto y obra maestra concebida para despertar consciencias más que para el entretenimiento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1696 // Reseña Media nº: 49
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: BYRON HASKIN
Guión: BARRÉ LYNDON
Actores principales: GENE BARRY (Dr. Clayton Forrester), ANN ROBINSON (Sylvia Van Buren)
País: EE.UU Año: 1953 Productora: PARAMOUNT PICTURES Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: PARAMOUNT HOME ENTERTAINMENT (SPAIN), S.L.
Año: 2000 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Estrenada oficialmente en el año 1953, la película “La Guerra de los Mundos” se convirtió en la primera adaptación cinematográfica de la famosa obra homónima escrita por el ilustre maestro de la literatura británica Herbert George Wells (1866-1946). Incluida dentro del cine B, caracterizado por sus producciones de bajo coste que por desgracia no suelen ser valoradas artísticamente en su justa medida, “La Guerra de los Mundos” es una extraordinaria película de ciencia-ficción rodada en color utilizando el sistema technicolor, y que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su atrayente trama. Desde el planeta Marte ha sido organizada la invasión de la Tierra, lanzando sus naves aprovechando el momento del periodo orbital marciano de mayor cercanía a nuestro planeta. Una de estas naves invasoras acaba cayendo cerca de una pequeña población californiana durante el periodo estival, siendo confundida con un meteoro. En muy poco tiempo, los ciudadanos pasarán de la expectación y la sorpresa ante la contemplación de tan extraño suceso, al terror y a la huida desesperada intentando salvar sus vidas. En pocos días, la sensación de vulnerabilidad y de indefensión ante este ataque extraterrestre destinado a exterminar la raza humana se extenderá por todo el planeta, provocando el caos, el pánico social, los desórdenes, los robos y asaltos, la incomunicación entre las ciudades, la crisis de los gobiernos… mientras va llegando un inminente final casi apocalíptico en el cual no se ve la salida. La película “La Guerra de los Mundos” tiene escenas inolvidables que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente de los espectadores como la escena del sacerdote tratando de acercarse a los invasores para poder comunicarse con ellos, la descripción militar de las tácticas marcianas para atacar objetivos, la prueba en el laboratorio científico del ojo artificial creado por los marcianos, el ataque sistemático de las naves marcianas a la gran ciudad… en definitiva, este admirable talento artístico e ingenio creativo tuvo su recompensa al ser esta película galardonada con un Oscar a los Mejores Efectos Especiales en 1953.

Muchas de sus imágenes ya forman parte de la iconografía del cine B de ciencia-ficción más selecto, y algunas de sus escenas siguen siendo aún hoy día objeto de culto para muchos amantes del Séptimo Arte. El diseño de las aeronaves marcianas, el estilo descriptivo y visual tan particular con el cual se va desarrollando la trama, los colores intensos elegidos para señalar la avanzada tecnología creada por estos implacables invasores extraterrestres, la ambientación de los diferentes escenarios, las huellas que dejan en el suelo los hombres desintegrados, el sonido tan característico de los rayos marcianos cuando son lanzados, el aspecto físico de los invasores, la clave numérica de tres que marca todo lo relacionado con lo marciano, los lanzadores flexibles de rayos desintegradores (como si fueran amenazantes serpientes atacando simbólica y metafóricamente a nuestro inconsciente)… logran crear este ambiente dramático y esta tensa atmósfera de desconocimiento, incertidumbre, decadencia, y desesperación en cada uno de los diferentes escenarios donde se desarrolla la acción. Estas características estéticas y visuales tan bien llevadas a la gran pantalla se han convertido en las inconfundibles señas de identidad de esta película, como así podrán disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la magnífica compañía Paramount Home Entertainment. Recientemente, el talentoso director de cine estadounidense Steven Spielberg también ha rodado una adaptación de esta obra literaria a través de un enfoque artístico mucho más espectacular, y con el actor Tom Cruise como protagonista principal. Esta película del año 1953 es visualmente mucho más sencilla y modesta en comparación con el presupuesto infinitamente superior manejado por Steven Spielberg, en cambio este largometraje sigue teniendo ese encanto artístico propio del cine B creado con alma y pasión, y que tanto me gusta contemplar y admirar en esos momentos únicos tan especiales que solamente el arte cinematográfico es capaz de ofrecerme. Prácticamente, lo único que une a estas dos versiones cinematográficas tan distantes en el tiempo y en su estilo, es la mítica imagen de la apertura de la trampilla de la nave invasora y de la cual acaba saliendo el brazo del marciano agonizante en su último aliento de vida. Salvo esta impactante escena, ambos largometrajes no se parecen en nada a pesar de tener como fundamento la misma obra de H. G. Wells. “La Guerra de los Mundos”, película de culto con la irresistible fascinación por el mejor cine de ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Cine

“PASIÓN BAJO LA NIEBLA (Ruby Gentry)”, 1952 (Reseña / Review #1706).

“LAS DIABÓLICAS (Les diaboliques)”, 1955 (Reseña / Review #1705).

“EL DESTRIPADOR DE NUEVA YORK (Lo squartatore di New York)”, 1982 (Reseña / Review #1704).

“EL SÉPTIMO SELLO (det sjunde inseglet – the seventh seal)”, 1957 (Reseña / Review #1702).

“TETSUO I, EL HOMBRE DE HIERRO (鉄男, Tetsuo: the iron man)”, 1989 (Reseña / Review #1701).

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

“FRANKENSTEIN”, 1910 (Reseña / Review #1699).

“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

“LA MONTAÑA SAGRADA (the holy mountain)”, 1973 (Reseña / Review #1697).

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).