Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

Review #1703).

Posted on 6 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1703 // Reseña Media nº: 56
Reseña actualizada. Publicada el 19 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: BARNY REVILL
País: EE.UU Año: 2008 Productora: ATLANTIC PRODUCTIONS LTD.
Duración aprox.: 100 minutos
Publicado en España: TRACK MEDIA, S.L. Año: 2010
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Documentales “El Enigma de la Esfinge” y “El Código de la Pirámide”

Publicado en España por la compañía Track Media en el año 2010, este DVD pertenece a la magnífica colección “Los Misterios de Egipto” e incluye en su interior los documentales “El Enigma de la Esfinge” y “El Código de la Pirámide”, que fascinarán a los cultos lectores de Lux Atenea apasionados en cuerpo y alma con el mundo de la Arqueología y de la Egiptología. Comenzando con la visualización del primer documental “El Enigma de la Esfinge” donde tratan de avanzar en el desvelo del ancestral misterio que oculta esta simbólica construcción arquitectónica ya universal, esta información viene avalada por los nuevos datos y descubrimientos científicos conseguidos a lo largo de los últimos años con el objetivo de saber qué significado tiene la Esfinge, y cuál fue el motivo de su construcción en ese emplazamiento en la meseta de Giza, justo al lado de la Gran Pirámide. Con cuatro mil quinientos años de antigüedad, el origen y el sentido de su construcción aún permanece sin desvelar tras esa aura opaca que la rodea, y que los científicos tratan de traspasar apoyándose en la información que ofrecen los más recientes estudios de campo realizados en la propia Esfinge, además del uso de métodos técnicos e informáticos que están permitiendo acercarse poco a poco a la resolución de su misterio. De entrada, se sigue desconociendo quién mandó construir esta obra, aunque algunos datos que se exponen en este documental apuntan al faraón Kafra (o Kefrén). La increíble losa conocida como “la estela del sueño” de Tutmosis IV, esculpida mil años más tarde que la Esfinge y situada entre las patas delanteras de la Esfinge, nos ofrece una perspectiva atrayente y un tanto mítica sobre cómo pudo ser aquella época en la historia de Egipto con el faraón Tutmosis IV durmiendo a su sombra, y su relación directa con el hecho de que ordenara que se desenterrara este colosal monumento. Una estela donde también aparece el nombre del faraón Kafra, pero otras teorías y otros expertos en Egiptología apuntan en otra dirección apoyándose también en datos científicos. Otra losa encontrada cerca de “la estela del sueño” menciona el nombre de los faraones Kafra y Khufu (Keops), su padre, y algunos investigadores piensan que fue él precisamente quien mandó construir la Esfinge. Estudios y teorías que abren el abanico de posibilidades para poder resolver este enigma histórico al haber otros expertos que piensan que su hijo Dyedefra fue quien verdaderamente lo ordenó una vez accedió al trono. Además, la explicación sobre cómo construyeron esta grandiosa obra, da mayor relevancia aún al valor histórico, técnico, y científico de este documental junto al estudio de sus extrañas y sorprendentes proporciones.

En el extraordinario documental “El Código de la Pirámide” se aborda la investigación sobre quiénes y por qué construyeron pirámides en la meseta de Giza. Ya de entrada, los cultos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados al contemplar la gigantesca y pesada tumba de alabastro del faraón Khufu situado en el interior de la Gran Pirámide. A partir de aquí comenzarán las explicaciones sobre cómo eran las tumbas egipcias desde el inicio de esta civilización, con sus enterramientos a poca profundidad y haciendo montículos sobre ellas. En aquella época, estos montículos eran vistos como un símbolo de la vida del alma del difunto en su viaje hacia el otro mundo, y están directamente unidos a su visión religiosa de la resurrección y del más allá. Con el tiempo, los montículos se transformaron en edificaciones, las mastabas, construidas con ladrillos de adobe y su techo plano tan característico. Posteriormente, en el año 2.630 a.C. se produjo un cambio radical en la construcción de tumbas en Egipto durante el reinado del faraón Zoser al crearse la mastaba de varios niveles, o pirámide escalonada, alcanzando alguna de ellas casi sesenta metros de altura con el cambio del ladrillo de adobe por la piedra caliza. La piedra duraba más que el adobe, por lo que estaba mucho más unida a la eternidad según los egipcios, y querían que estas edificaciones perduraran en el tiempo. En este documental, las imágenes del interior de la pirámide de Zoser son impresionantes, y dan ganas de estar allí presente para poder recorrerlo y contemplarlo todo. Luego, el faraón Snefru se encargaría de revolucionar los cambios arquitectónicos en el diseño de pirámides, sobre todo con la incorporación de paredes lisas, alcanzando algunas de estas construcciones los noventa metros de altura. Tras la experiencia que proporcionó la pirámide acodada, el diseño definitivo de la pirámide con la forma comúnmente conocida en la actualidad, hizo que Snefru encontrase la solución perfecta para este tipo de construcciones.

Poco tiempo después, la pirámide se convertirá en un monumento colosal de gran majestuosidad y precisión en su construcción, como fue la Gran Pirámide de Khufu (Keops), el hijo de Snefru. Una perfección arquitectónica que aún hoy día sigue causando asombro por su exactitud, provocando gran controversia dentro del mundo científico y arqueológico respecto a cómo los egipcios de aquella época fueron capaces de crear tan extraordinaria e inigualable obra con su tecnología y con sus medios disponibles. Una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo y la única que se ha conservado hasta nuestros días. Su construcción en granito (moviendo y colocando grandes bloques de varias decenas de toneladas), su incomprensible capacidad técnica que hizo posible que encajaran a la perfección un bloque con otro con una separación entre ellos difícil de comprender hoy día, y, sobre todo, la inmensa labor logística y humana desarrollada en esta construcción (ya que las canteras de donde se extraían estos bloques de granito estaban situadas a centenares de kilómetros de la meseta de Giza), convierte su construcción en todo un misterio. Pero, debido al elevado coste en recursos que suponía este tipo de construcciones para Egipto, a partir del reinado del faraón Dyedefra, las pirámides fueron haciéndose más pequeñas hasta llegar a su completa desaparición en generaciones posteriores debido a la acción de los saqueadores. La era de la construcción de pirámides llegaba a su fin y las tumbas reales empezarán a ser excavadas en la tierra para esconderlas, tratando de que pasaran lo más inadvertidas posible para esos saqueadores. “El Enigma de la Esfinge / El Código de la Pirámide”, pasión cultural por las investigaciones arqueológicas sobre el Antiguo Egipto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL SÉPTIMO SELLO (det sjunde inseglet – the seventh seal)”, 1957 (Reseña / Review #1702).

Posted on 5 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1702 // Reseña Media nº: 55
Reseña actualizada. Publicada el 15 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: INGMAR BERGMAN
Guión: INGMAR BERGMAN
Actores principales: MAX von SYDOW (el caballero cruzado Antonius Block), GUNNAR BJÖRNSTRAND (el escudero Juan / Jöns), BENGT EKEROT (la Muerte), NILS POPPE (José / Jof), BIBI ANDERSSON (María / Mia)
País: SUECIA Año: 1957 Productora: SVENSK FILMINDUSTRI
Duración aprox.: 95 minutos
Publicado en España por: MANGA FILMS, S.L. Año: 2003
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Séptimo Sello”
EXTRAS: Ficha artística // Ficha técnica // Filmografías selectas

De todos los largometrajes que he visto hasta hoy día, ya desde la primera vez que visualicé esta película no tuve ninguna duda que por su excelencia artística estaría incluida entre mis diez obras cinematográficas preferidas. Una privilegiada posición que no ha cambiado, a pesar de las décadas que han pasado desde mi primera fascinación al contemplar esta magia audiovisual concebida por el virtuoso director de cine sueco Ingmar Bergman (1918-2007), y que aún perdura con pasión cada vez que vuelvo a disfrutarla. Esta es la esencia trascendente del placer cultural, buscando repetir esa experiencia porque siempre encuentras ese nuevo detalle, esa nueva perspectiva, o ese nuevo mensaje simbólico. “El Séptimo Sello” es una obra maestra del Séptimo Arte cuyo guión y dirección están firmados por este talentoso artista sueco, siendo este largometraje una de sus obras más sobresalientes que le encumbrarían hasta alcanzar el exquisito y selecto Templo del Cine Universal. La aurea firma de Ingmar Bergman que sigue estando presente en el altar principal de este venerado Templo del Arte, porque sus películas van mucho más allá de la mera recreación de una historia en imágenes. Películas de culto como “El Séptimo Sello” invitan al espectador a la reflexión y al análisis, como podrán comprobarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta preciosa edición en DVD publicada por Manga Films en el año 2003. Una lujosa edición que ha de tener obligada presencia en toda colección cinematográfica que desee destacar por la excelencia artística en su selección.

El Medievo tiene algo especial, y en aquella obscura etapa de la Historia europea está situada la trama de esta película con todos los elementos que caracterizaban a aquella época aquí presentes: la fanática religiosidad, los cruzados, la amenazante inquisición, la mortífera peste, el miedo de la población a la llegada del Apocalipsis… En “El Séptimo Sello”, todo comienza en tierras suecas con la llegada del caballero Antonius Block (actor Max von Sydow) y del escudero Juan (actor Gunnar Björnstrand) a su pueblo después de haber estado diez años participando en las Cruzadas, pero el panorama que encuentran es desolador debido a la incontenible expansión de la peste en la comarca. Además, la Muerte (actor Bengt Ekerot) se presentará ante Antonius Block porque quiere su vida, y este caballero logra que se la jueguen en una siniestra partida de ajedrez con su vida como apuesta. Entrarán también en escena José y María (el actor Nils Poppe y la actriz Bibi Andersson), un matrimonio de cómicos itinerantes que deambulan de un lugar a otro ofreciendo su espectáculo y que llegan a la población natal de Antonius Block. A partir de este momento, todo se empezará a envolver en una tensa atmósfera de caos, religiosidad, y temor. José tiene visiones místicas pero su mujer no le cree, Antonius se cuestiona el sentido de la propia existencia pese a sus profundas creencias religiosas, una mujer que ha sido condenada a la hoguera por bruja entrará en escena, Juan salvará a una joven mientras se dirigen al castillo de Antonius, los conflictos conyugales del herrero y su esposa aparecen en escena con cierto aire de humor, y tétricos penitentes se presentarán en estas tierras marcadas por la tragedia, flagelándose y mortificándose como vía de salvación de la peste al ser vista como un castigo divino enviado por Dios por los pecados de los hombres. Poco a poco se irá uniendo un amplio abanico de personajes a la magnífica trama desarrollada con maestría por el maestro Bergman, vertebrando esta dramática historia. Una película de culto que no les dejará indiferentes.

El título original de este guión fue inicialmente “Pintura sobre tabla”, ya que Ingmar Bergman se había inspirado en su creación en obras pictóricas medievales entre las cuales destacaba la obra “La Muerte Jugando Al Ajedrez”, creada por el pintor Albertus Pictor (1440-1507) que incluiría como personaje en esta película mientras pinta la danza de la muerte. Posteriormente, cambiaría su título por “El Séptimo Sello” que sería definitivo, reescribiéndolo varias veces debido a los problemas de tiempo y de financiación que tuvo para poder rodarla, y todo ello a pesar de haber dirigido catorce películas anteriormente. Al apasionado cinéfilo lector de Lux Atenea puede parecerle increíble que al guión de esta obra maestra y a un director de este nivel artístico le pusieran tantos problemas para el rodaje de su película pero, por desgracia, no ha sido ni será la primera o la última vez que un genio artístico y su magna obra se han encontrado con la incomprensión del mundo empresarial que mueve realmente el cine. En películas de la calidad artística de “El Séptimo Sello”, pocos directores han logrado reflejar de forma tan clara en imágenes dos planos en una misma historia, uno real y otro alegórico, y sin que su evolución interfiriera en la compresión de su desarrollo por parte del espectador. Como podrán comprobar visualizando esta película, Ingmar Bergman es todo un maestro a la hora de transmitir detalles simbólicos y perspectivas existenciales de trasfondo espiritual tan humanas. Su talento para mover y situar las cámaras, junto a la concepción de secuencias e imágenes de belleza tan cautivadora, convierten a Ingmar Bergman en uno de los directores imprescindibles para los amantes del cine reflexivo, intimista, y trascendente. La elección de decorados en estudio y de escenarios en exteriores, y la magnífica banda sonora compuesta por Erik Nordgren, configuran esta dramática historia medieval cubierta por las siniestras nubes del Apocalipsis. Un temor existencial que está empezando a tener una nueva época de expansión social debido a los crecientes vientos posmodernos relativistas del siglo XXI, pero no de forma fanáticamente religiosa, sino más bien relacionada con las incertidumbres y con los miedos que genera la Razón ante lo que no puede ni explicar ni controlar.

Obras cinematográficas de la sublime calidad de “El Séptimo Sello” son las que han engrandecido el valor y el prestigio artístico del cine europeo a nivel internacional, convirtiendo en mito a algunos de sus directores y actores ante su deslumbrante labor desarrollada en películas de tan alto nivel conceptual, estético, e intelectual. Un hipnótico largometraje donde la Belleza siniestra está siempre sobrevolando cada una de las escenas, y con un trasfondo metafísico y existencial incomparablemente tétrico en vista a la temática en torno a la cual gira su trama, la Muerte, potenciada a su vez por esta acertada ambientación medieval cargada de supersticiones, de religiosidad, y de miedo a la muerte. Precisamente la presencia de la Muerte como uno de los personajes principales de esta película, y que queda unida a las terribles pandemias sufridas en aquella época, perfilan una sublime ambientación apocalíptica que provoca que el espectador tenga la sensación que estos personajes están completamente subordinados a los vaivenes del destino. Una condición vital irrenunciable que les genera este temor profundo y esta inseguridad constante, llevándoles a tener creencias y visiones existenciales del sentido de la vida definidas de forma ciega e irracional. Muerte y fanatismo religioso mezclados con maestría por Ingmar Bergman en este extraordinario guión, y que ve reforzado su impacto en el espectador al ser integrado con absoluto virtuosismo visual a través de imágenes que se han convertido en legendarias por su capacidad para quedar indeleblemente grabadas en la mente de los espectadores.

“El Séptimo Sello” es una película que disfrutas viéndola de principio a fin, y estoy seguro que los cinéfilos lectores quedarán fascinados al contemplar estas escenas inolvidables como, por ejemplo, el reflejo sagrado de la primera imagen simbólica y metafórica que vemos en la película donde aparentemente se representa una visión del Espíritu Santo (paloma con un luminoso fondo celestial), cuando en realidad es un ave rapaz manteniéndose parada en el aire en busca de una presa, o el mítico e inolvidable encuentro de la Muerte con el caballero cruzado Antonius Block en la playa donde inician su partida de ajedrez (echan a suertes con qué piezas comienzan la partida y a la Muerte le tocan las negras, como no podía ser de otra forma). Impresiona la tétrica imagen de la careta colgando de una rama como si estuviera reclamando esos dominios, la tenebrosa y reflexiva escena del pintor y el escudero Juan, la secuencia con las divagaciones de Antonius Block en la iglesia, la fuerza visual de la Muerte detrás del enrejado como si fuera un siniestro párroco confesor, la apocalíptica atmósfera religiosa de los penitentes en su paso por el pueblo, la degenerada y decadente escena de la taberna, la humorística escena de la Muerte serrando el árbol, la dramática secuencia de la quema de la joven en la hoguera, cuando José ve con sorpresa y estupor que Antonius está jugando al ajedrez con la Muerte… y, sobre todo, nunca olvidarán en su vida la extraordinaria interpretación de la Muerte realizada por el genial actor Bengt Ekerot. ¡¡¡Siniestramente perfecta!!! “El Séptimo Sello”, película de culto y obra maestra por excelencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“- He gastado mi vida en diversiones, viajes, charlas sin sentido… mi vida ha sido un continuo absurdo. Creo que me arrepiento. Fui un necio. En esta hora siento amargura por el tiempo perdido aunque sé que la vida de casi todos los hombres corre por los mismos cauces. Por eso quiero emplear esta prórroga en una acción única que me dé la paz.
– Por eso juegas al ajedrez con la Muerte.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TETSUO I, EL HOMBRE DE HIERRO (鉄男, Tetsuo: the iron man)”, 1989 (Reseña / Review #1701).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1701 // Reseña Media nº: 54
Reseña actualizada. Publicada el 23 de marzo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: SHINYA TSUKAMOTO
Guión: SHINYA TSUKAMOTO / KEI FUJIWARA
Actores principales: TOMOROH TUGUCHI (hombre), KEI FUJIWARA (mujer), NOBU NAKAOKA (mujer de gafas), RENJI ISHIBASHI (vagabundo), NAOMASA MUSAKA (doctor), SHINYA TSUKAMOTO (hombre fetichista)
País: JAPÓN Año: 1988 Productora: KAUJU THEATER
Duración aprox.: 67 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VÍDEO
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “TETSUO”
EXTRAS: Trailer // Filmografía // Notas de producción

Rodada en el año 1988 y estrenada oficialmente el día 1 de julio de 1989, con esta reseña quiero rendir el merecido homenaje artístico a esta película de culto convertida ya en referencia obligada dentro del cine cyberpunk japonés. Dirigida por el virtuoso maestro cinematográfico Shinya Tsukamoto y rodada en blanco y negro, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” destaca visualmente con esta brillantez artística por su fotografía hasta presentarse excelsa en cuanto a innovación conceptual. Una película de vanguardia nacida a finales de la decada de los ochenta y que despuntó musicalmente por su contundente banda sonora, realzando aún más este impacto visual tan brutal en cada uno de sus escenarios. Un largometraje pionero por su base conceptual, y que será capaz de hipnotizar y seducir a los cinéfilos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute del cine japonés de culto. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también puede ser incluido de forma un tanto global en el cine experimental, además de encajar perfectamente dentro del cine de ciencia-ficción y de terror un tanto extremo y bizarro que provoca que algunas de sus secuencias se adentren en el cine gore. Ver “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es una experiencia cinematográfica única, y en su trama de corte surrealista se aprecia ese perfil kafkiano a lo largo de su siniestro desarrollo. Llevada al terreno conceptual de vanguardia, indiscutiblemente hay que valorarla artísticamente como película de culto por su sugerente perspectiva y por este trasfondo donde la carne y el metal terminan fusionándose para crear una nueva materia inteligente. En este sentido, tan contundente largometraje proyecta todo el talento cinematográfico de su director hasta en sus efectos especiales, haciendo un magnífico uso de la técnica de rodaje stop motion en sus secuencias más aceleradas. Hay que pensar que estamos hablando de una película de finales de la década de los ochenta, con todas las limitaciones técnicas que existían en aquella época a la hora de rodar un largometraje de estas características. Proyectando también una visión apocalíptica como destino final para esta nueva mutación de lo humano con lo metálico, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” se une conceptualmente a la corriente cyberpunk donde los avances tecnológicos son vistos como una seria amenaza y como un factor de decadencia para los seres humanos.

La trama que da personalidad artística a “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es compleja, quedando fundamentada en la brillante idea de Shinya Tsukamoto que fusiona la carne y el metal, y que es personificado en esta historia en el hombre fetichista interpretado por el propio director. Un hombre obsesionado con la idea de mutar la carne y el metal en su propio cuerpo para lograr ser un híbrido. De ahí que le veamos en las primeras secuencias de la película introduciéndose trozos de metal dentro de su cuerpo, y con resultados un tanto desagradables para los espectadores más sensibles. Según la perspectiva existencial del hombre fetichista, una vez haya logrado esa mutación, viviendo en una sociedad dominada física y tecnológicamente por el metal no se hará esperar la expansión de su álter ego híbrido, iniciando una progresiva evolución y crecimiento que se hará colosal y gigantesco hasta devorar todo a su paso, y luego reducirlo a polvo de óxido de forma implacable. Sueños de grandeza que se disolverán bruscamente tras comprobar las funestas consecuencias de sus desvaríos mentales en su propia carne (escena de los gusanos), siendo poseído por el miedo y el horror. Presa del pánico, en su alocada huida saldrá a la calle donde es atropellado por una joven pareja e, inexplicablemente, el conductor del coche será poseído por una mutación genético-metálica que también irá apoderándose de él hasta cambiar inexorablemente su vida, sus sentidos, y su percepción del mundo.

Con un final cinematográfico de corte apocalíptico made in Japan definido con maestría en los últimos quince minutos de esta película, la vertebración de esta increíble historia en secuencias de fuerte impacto audiovisual quedarán indeleblemente grabadas en su mente tras contemplarlas. Por ejemplo, les impresionará el inquietante ambiente cubierto con imágenes de deportistas y trozos de metal entremezclados donde el hombre fetichista realiza sus rituales en el cuerpo con el metal, cuando introduce una barra de acero roscada en su muslo tras haber realizado previamente un gran corte, cuando escuchen el escalofriante sonido del roscado de la barra de acero al pasar por sus dientes, o con el horror, la angustia, y la locura que se respiran en la escena protagonizada por la mujer de gafas. Una mujer de gafas que presentará su más siniestra imagen en la secuencia un tanto gore que sucede en el garaje, y con esta música de fondo espectacular que aumentará la intensidad y el dramatismo sentido por el espectador. Quedarán impactados al ver la crudeza visual que se presenta con la progresiva mutación que va sufriendo el protagonista de esta historia, o con las infernales imágenes de su nuevo Yo directamente relacionado con los desvaríos mentales del hombre fetichista. En definitiva, un despliegue artístico transgresor donde el talento audiovisual adquiere esta esencia conceptual innovadora que continuará atrayendo la mirada del cinéfilo en el siglo XXI.

Dentro de este cine underground hay dos apartados artísticos desarrollados en esta película de culto que quisiera destacar por su maestría y por su excelsa definición. La primera y más evidente es la extraordinaria interpretación realizada por estos geniales actores, y en los cuales se aprecia muy claramente su pertenencia al grupo de teatro Kauju Theater. Su expresividad, sus estudiados gestos que dan mayor credibilidad a sus personajes, y su experiencia a la hora de moverse y de desenvolverse ante la cámara, consiguen transmitir esta tensión y esta psicodélica dinámica mental en la cual se sumergirán en esta impactante trama. Si pudiéramos trasladar en el tiempo el innovador espíritu creativo y el talento vanguardista de los maestros cinematográficos que destacaron en el Expresionismo alemán, y le añadiéramos el factor tecnológico, sin duda alguna esta película sería mitificada y tomada como referencia cinematográfica por aquellos grandes genios. La grandeza artística mostrada por Shinya Tsukamoto en “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” hace que se pueda unir esta obra maestra a otras míticas obras del Séptimo Arte firmadas por grandes maestros conceptuales como David Cronenberg y su Nueva Carne, o David Lynch y su siniestra oscuridad cotidiana. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también deslumbra por su impresionante y ecléctica banda sonora creada por Chu Ishikawa, cuyo talento musical me impresionó profundamente desde el momento en que vi por primera vez esta película tras haber comprado la primera edición publicada en España en formato VHS. Un eclecticismo conceptual radiante donde se integran estilos musicales como el noir jazz, darkwave, industrial, electrónica experimental… hasta ser armonizados magistralmente en escenas sublimes. Entre todas ellas, sobre todo destacaría las grandiosas composiciones musicales industriales presentes en algunas secuencias, por ejemplo, cuando tras atropellar al hombre fetichista, el conductor del coche es infectado por esa extraña mutación, o en la escena donde contemplamos la visión del hombre con traje y corbata moviéndose frenéticamente, convirtiéndose en una de las mejores secuencias de esta obra maestra. Una excelencia cinematográfica más propia del arte audiovisual experimental presente en el dinámico universo musical del videoclip. Todo ello unido a la utilización de la estática y del ruido en muchas de estas innovadoras composiciones, harán que la audición de esta espectacular banda sonora sea una delicatessen para los melómanos lectores de Lux Atenea identificados con la vanguardia. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro”, la imprescindible visualización del cine japonés de culto en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Filmax. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1700 // Reseña Media nº: 53
Reseña actualizada. Publicada el 13 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Director: JEAN RENOIR
Guión: JEAN RENOIR
Actores principales: JEAN-LOUIS BARRAULT (Dr. Cordelier / Sr. Opale), TEDDY BILIS (señor Joly, notario), SYLVIANE MARGOLLÉ (Jeune fille), JEAN TOPART (el mayordomo Désiré), MICHEL VITOLD (Dr. Séverin), MICHELINE GARY (Marguerite), JACQUES DANOVILLE (comisario Lardaut)
País: FRANCIA Año: 1959 Productora: PATHÉ Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: CINECOM Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

CONTENIDO: Película “El Testamento del Doctor Cordelier”

Hablar de Jean Renoir (1894-1979) es hablar de uno de los mayores genios artísticos que ha dado el cine francés más prestigioso e innovador. Una labor creativa en la cual destacaría tanto como actor, como director y guionista a través de una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo y que serviría posteriormente a otros grandes directores europeos y estadounidenses como referencia a la hora de rodar sus obras. Sus películas se reverencian y admiran por su innovación artística y por su capacidad para transmitir emociones al espectador, motivo por el cual Jean Renoir ha visto grabado su nombre con letras de oro en el altar del Templo del Cine por méritos propios, habiendo realizado una gran parte de sus obras en una época difícil y complicada para un director cinematográfico a la hora de rodar largometrajes con esta intensidad y con este trasfondo humano. Un periodo histórico convulso y trágico en Europa que no impidió que Jean Renoir pudiera ver realizados sus sueños artísticos a pesar de las grandes dificultades que tuvo que enfrentarse, y con una crítica cinematográfica de la época incapaz de apreciar y de valorar sus obras con criterio y con sensibilidad artística. Como los cultos lectores de Lux Atenea ya saben, el tiempo siempre pone a cada uno en su lugar dentro del mundo cultural. Tras una larga y fructífera carrera cinematográfica en su haber, “El Testamento del Doctor Cordelier” fue una de las últimas películas que rodaría, y cuyo guión fue escrito por el propio director basándose en la famosa novela de Robert Louis Stevenson “El extraño caso del Doctor Jekyll y Mister Hide”, pero ambientada en Francia en la edad contemporánea. Una temática de lo más atrayente para un largometraje marcado por la intriga y por el suspense, y que fue originalmente rodado en blanco y negro para la televisión en 1959, siendo posteriormente presentado en las salas de cine en el año 1961. En “El Testamento del Doctor Cordelier”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea encontrarán a este magistral director en esa fase final de su etapa artística donde la experiencia le permite abrir la obra al campo de la experimentación cinematográfica. Maestría en el rodaje, talento interpretativo en la narración, y genialidad en las secuencias, dan alma a este excelso largometraje. Cine fantástico con esa magia visual en pantalla tan especial que solamente puede ofrecer el rodaje en blanco y negro, y en una ambientación de horror más propia de una pesadilla.

Este atrayente largometraje comienza con la llegada de Jean Renoir al estudio de televisión donde ofrecerá una emisión protagonizada por el propio director, y que servirá de entrada a esta dramática historia. Situándonos en una barriada a las afueras de París, tras enseñarnos la casa del doctor Cordelier, la cámara se centrará en la visita del doctor a su amigo, el notario Joly (interpretado por el actor Teddy Bilis), ya que éste se sorprendió que dejara en su testamento como heredero a un misterioso señor llamado Opale. Al llegar la noche, el notario Joly ve a un hombre atacando a una niña (el señor Opale, personaje interpretado con maestría por el actor Jean-Louis Barrault), refugiándose luego en la casa del doctor Cordelier. Cuando Joly entra para informar al doctor que ese peligroso individuo se ha adentrado en su casa, el mayordomo Désiré (interpretado por el actor Jean Topart) trata de tapar el asunto, causándole un gran asombro este ocultamiento de un hecho tan grave y violento provocado por Opale. Tras hablar con el doctor Cordelier, Joly consulta al doctor Séverin (interpretado por el actor Michel Vitold) sobre este peligroso asunto pero a Séverin no le gustan nada ni la actitud ni las investigaciones y experimentos que realiza Cordelier. Opale empezará a convertir sus paseos por la ciudad en una sucesión de actos violentos de los cuales tendrá conocimiento la policía, procediendo a su investigación a través del comisario Lardaut (interpretado por el actor Jacques Danoville), y Joly también acudirá a la policía a denunciar a Opale porque este peligroso ser se está paseando por las calles de París. El cerco policial comenzará a estrecharse, aumentando la intriga de esta trama que no ha hecho más que empezar en su intenso crescendo.

A nivel musical, esta película presenta una banda sonora de estilo clásico compuesta por Joseph Kosma, y que resulta perfecta para disfrutar este largometraje contemplando escenas tan impactantes como la tensa y amenazante secuencia del señor Opale y la niña, observando los andares chulescos que siempre tiene Opale al andar por la calle mientras mueve su bastón con la mano, o viendo los sádicos instrumentos que la policía descubre en la caótica habitación de Opale. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo escenas como la entrada de Opale en la consulta del doctor Séverin, las tomas de cerca realizadas al monstruoso aspecto de Opale, con la magnífica toma cinematográfica de la cornisa indicando la posible vía de escape de Opale, con el desvelo del obscuro pasado del doctor Cordelier donde se aprovechaba de su profesión y de su prestigio, o con el terrible experimento que el doctor Cordelier hace teniéndose a sí mismo como cobaya, dando como fruto el nacimiento de Opale. Impresiona observar la gran sorpresa que aparece en pantalla cuando la habitación de Cordelier es iluminada con la luz de la mañana, o el impresionante acto final con el doctor Cordelier y Joly como protagonistas principales. Secuencias trágicas que terminan marcando esta historia a través de imágenes dramáticas, horribles, y violentas.

La grandeza artística y conceptual que presenta la película “El Testamento del Doctor Cordelier” está basada principalmente en su temática, en el insondable y obscuro interior del ser humano, y en la perspectiva analítica con la cual Jean Renoir enfoca este delicado e interesante asunto. Dos caras de una misma moneda protagonizadas por el doctor Cordelier y el señor Opale como fiel reflejo de esos dos lados opuestos que muestra el ser humano en sus acciones. Uno racional, creativo, condicionado, delimitado, y controlado, y otro mucho más salvaje, inmisericorde, incontenible, violento, y absolutamente irracional dentro del más puro instinto animal o, mejor dicho, dentro de su insaciable instinto depredador. El doctor Cordelier representa al hombre encumbrado por el éxito y el prestigio profesional gracias a su labor científica como psiquiatra, aparentando mantener siempre las formas y respetando siempre las normas tanto a nivel personal, familiar, profesional, y social. En definitiva, una persona que ha hecho en la vida lo que socialmente es considerado como correcto, y un modelo a seguir aparentemente. Pero en el estudio que viene realizando sobre la mente y la psicología humana, mediante el uso de la ciencia logra crear una pócima que le permite sacar al exterior su otro yo interior, mostrándose sin ningún tipo de límite racional. Opale será el sádico y siniestro ser interior que acabará saliendo a la luz.

Cuando el doctor Cordelier bebe su propia pócima, surje de su interior el monstruoso Opale, un ser capaz de hacer realidad todos aquellos pensamientos y deseos que Cordelier ha intentado controlar a lo largo de su vida, mostrándose de forma cruel, violenta, egoísta, y sin sentimiento de culpa alguna en sus acciones. Un ser caprichoso que toma aquello que quiere, que hace lo que le place sin tener en cuenta la vida de los demás, y sin pensar en ningún momento en las consecuencias de sus trágicas acciones. Una magistral representación simbólica de ese Bien y Mal que vive en el interior del ser humano, y que, ya sea por la acción de uno u otro, en este siglo XXI aún seguimos viendo la trascendencia o el dramatismo de la acción humana según sea el lado que haya actuado. “El Testamento del Doctor Cordelier” puede parecer una película pesimista, pero la verdad no puede ser valorada como pesimista cuando refleja una realidad interior del ser humano aún latente en la actualidad. A lo largo de los últimos miles de años, el progreso tecnológico y científico desarrollado por el ser humano ha sido vertiginoso pero, ¿y los cambios en su interior? ¿También han sido tan rápidos y vertiginosos a la hora de aplacar sus instintos, emociones, deseos, y sentimientos más salvajes y destructivos? Si el ser humano da rienda suelta a sus instintos y apetencias, y termina comportándose como Opale, ¿verdaderamente es el Bien la auténtica realidad latente en su interior? He aquí la esencia intelectual y reflexiva que transmite esta película al ser visualizada, y gracias al talento de este experto maestro del Séptimo Arte a la hora de definir los mensajes profundos que fundamentan sus obras. “El Testamento del Doctor Cordelier”, el inconfundible sello artístico europeo de Jean Renoir en este merecido homenaje a un director de culto dentro del cine más excelso. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“FRANKENSTEIN”, 1910 (Reseña / Review #1699).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1699 // Reseña Media nº: 52
Reseña actualizada. Publicada el 9 de enero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: James Searle Dawley
Guión: James Searle Dawley (basado en la mítica novela “Frankenstein o el moderno Prometeo” de Mary Shelley)
Actores principales: AUGUSTUS PHILLIPS (DOCTOR FRANKENSTEIN), CHARLES OGLE (FRANKENSTEIN), MARY FULLER (ELIZABETH)
País: EE.UU Año: 1910 Productora: EDISON MANUFACTURING COMPANY
Duración aprox.: 13 minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES, S.L. Año: 2009
Formato: Digipack 2DVD de 6 paneles (EDICIÓN COMPRADA)
Película incluida en “THE SILENT HORROR COLLECTION” editado en formato DVD.

Una de las sorpresas cinematográficas que más he disfrutado visualizando la impresionante edición en digipack 2DVD “The Silent Horror Collection” publicada por la empresa Tema Distribuciones, ha sido la película “Frankenstein” del año 1910. Actualmente está considerada como la primera película de terror en la Historia del Séptimo Arte., y es una joya artística incomparable que fue rodada por el director estadounidense James Searle Dawley utilizando el quinetoscopio como sistema de grabación. El quinetoscopio fue un aparato cinematográfico desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson (1860-1935) por encargo de Thomas Edison (1847-1931), pudiendo ver imágenes en movimiento gracias a la visualización de una banda de película de 19 milímetros que se reproducía a 40 fotogramas por segundo. Como podrán comprobar los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta preciosa edición, el director de cine James Searle Dawley realizó una adaptación bastante libre de la mítica obra “Frankenstein o el moderno Prometeo” escrita por la genial escritora británica Mary Shelley (1797-1851). Tras crear el guión de esta película de terror, gracias a su gran talento, a su fructífera imaginación, y a sus revolucionarias ideas cinematográficas, esta magna obra ha terminado convirtiéndose en una ineludible referencia artística dentro del cine mudo surgido a principios del siglo XX.

De forma magistral, tanto James Searle Dawley como este gótico monstruo creado por Mary Shelley en su novela han dejado sus nombres grabados con letras de oro en la Historia del Séptimo Arte como protagonistas de la película de terror más antigua jamás rodada. En esta película no se ajustó mucho a la trama original de la obra literaria ya que, por ejemplo, verán al doctor Frankenstein dando vida a su criatura usando un siniestro crisol. Pero también es verdad que los medios técnicos disponibles en los primeros proyectos que dieron inicio a la industria del cine en aquella época, limitaban mucho la capacidad de los directores a la hora de reflejar sus ideas en escenas e imágenes, siendo rodada toda esta película en un plano fijo y con una duración de poco más de doce minutos. Unas limitaciones técnicas que la maestría y la creatividad de este genial director suplen con sumo talento en vista al brillante e impactante resultado final obtenido. Así podrán sentir y disfrutar la magia que estas imágenes cinematográficas nos transmiten durante su visualización.

A pesar del evidente e inevitable deterioro que esta película ha sufrido tras el inexorable paso de los años, no me cabe la menor duda que quedarán profundamente fascinados con estas imágenes y con estas inolvidables escenas. Es apasionante ver cómo se produce el siniestro nacimiento del monstruo de Frankenstein dentro del crisol, observar su terrorífica mano saliendo desde detrás de la puerta tras ser creado, visualizar su horrible imagen en la escena de esta película en tonos rojizos y anaranjados, y que destaca de forma sobresaliente en los apartados de escenografía, vestuario, y fotografía. Es hipnótico observar los pesados y torpes andares del monstruo, o la fantasmagórica escena en tonos azulados con el monstruo, el doctor, y su mujer Elizabeth como protagonistas. Atrae la mirada del espectador el asombro y el terror que el monstruo de Frankenstein siente cuando se ve ante el espejo, y que tiene su impactante apoteosis en la escena final. Más de cien años han transcurrido desde su presentación oficial, y esa aura tan especial que solo el tiempo pasado otorga a las grandes obras de Arte parece que ha incrementado el indudable atractivo de esta película para los especialistas cinematográficos y para el público en general. La atenta visualización de esta primera adaptación al cine de la mítica obra literaria “Frankenstein” lo convierte en algo más que en una obra maestra del cine de terror. En definitiva, admirar y apasionarnos al ver la película “Frankenstein” de James Searle Dawley con suma atención es rendir tributo al Arte expresado en imágenes. “Frankenstein”, película pionera en la Historia del Cine de Terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1698 // Reseña Media nº: 51
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: JOHN CARPENTER
Guión: JOHN CARPENTER y DEBRA HILL
Actores principales: ADRIENNE BARBEAU (Stevie Wayne), JANET LEIGH (Kathy Williams), JAMIE LEE CURTIS (Elizabeth Solley), JOHN HOUSEMAN (Mr. Machen), TOM ATKINS (Nick Castle), HAL HOLBROOK (Padre Malone)
País: EE.UU Año: 1980 Productora: AVCO EMBASSY PICTURES Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBÉRICA Año: 2005
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Poco a poco, el invierno está empezando a reclamar una vez más su reino y, en estas noches de frío y lluvia, películas de culto como “La Niebla” del mítico director de cine estadounidense John Carpenter logran transformar esta oscuridad nocturna en el ambiente perfecto para sentir este largometraje en su más absoluta pureza artística. Estrenada oficialmente en el año 1980, tuve oportunidad de ver esta película en una sala de cine madrileña pocos días después de su estreno, pero incomprensiblemente “La Niebla” no fue precisamente un éxito en taquilla. Solamente tras el largo paso del tiempo, este largometraje finalmente ha logrado ser valorado en la justa medida de su extraordinaria calidad artística hasta haberse convertido en una película de culto, y con fieles seguidores en todo el mundo en la actualidad. Un atractivo guión de terror y ficción cuya trama está basada en la historia de la pequeña localidad de Antonio Bay durante la celebración de su centenario. La aparición repentina de una densa niebla procedente del mar será el inicio de una gran tragedia que caerá sobre algunos de sus habitantes, los cuales están marcados al ser la descendencia de aquellos antiguos fundadores de la ciudad que, hace cien años, mediante el engaño en una noche de tormenta, usando una falsa hoguera de señalización llevaron a un barco contra los acantilados aprovechando una noche de espesa niebla para así poder robar su oro. Tras el naufragio, la niebla desapareció y nunca más volvió a ese lugar, pero los lugareños cuentan que cuando la niebla vuelva a llegar al pueblo, los marineros muertos resucitarán y nadie en el pueblo estará a salvo de sus ansias de venganza.

Protagonizado por actrices ya consagradas como Janet Leigh (protagonista en famosas películas como “Mujercitas”, “Scaramouche”, “Principe Valiente”, “Los Vikingos”, “Sed de Mal”… o la mítica “Psicosis”) en el personaje de Kathy Williams, o Jamie Lee Curtis (que luego se acabaría convirtiendo en una de las actrices ligadas al cine de terror de las últimas décadas) en el papel de Elizabeth Solley, en “La Niebla”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo el talento del director John Carpenter logra convertir la apacible vida cotidiana de este pueblo costero en el contrapunto perfecto para una sucesión de horribles crímenes que dejarán huella en sus habitantes. Esta siniestra inquietud se empieza a sentir prácticamente desde los primeros minutos de película ante la aparente calma reinante en este idílico lugar. La sucesión de muertes empezarán a ocurrir con la llegada de esta terrorífica niebla que inexorablemente se apoderará del pueblo, ofreciéndonos este tenebroso espectáculo cinematográfico de horror y misterio de la mano de uno de sus directores más aclamados dentro del cine B, y no siempre valorado por la crítica oficial a pesar del rodaje de destacados largometrajes de calidad como el aquí analizado. Una infravaloración realizada por una parte de la crítica en los medios de información mainstream, y que no suele usar los mismos baremos en su criterio cuando ha de comentar otros largometrajes mucho más costosos financiados por míticas productoras, y que cuentan con actores de prestigio que en ocasiones han dejado mucho que desear en su calidad interpretativa. Como suelo decir, menos mal que el tiempo suele dejar a cada uno en su lugar y, en el caso de la película “La Niebla”, el tiempo ha hecho justicia respecto al talento artístico mostrado por John Carpenter en estas hipnóticas escenas e imágenes de horror. Observar cómo la densa y luminiscente niebla va dirigiéndose poco a poco hacia el pueblo se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película que guardarán en su memoria cinematográfica, junto a otras impactantes escenas como el fantasmagórico paso del antiguo barco hundido mientras cruza al lado de la cubierta del pesquero en plena noche, la lectura del obscuro contenido del diario del padre Patrick Malone escrito en el año 1880, ver al padre Patrick Malone con la cruz de oro en la iglesia, o la escena del faro cuando los marineros muertos tratan de matar a Stevie Wayne. Si desean sentir a flor de piel la pasión que provoca el cine de culto en las frías noches invernales, esta magnífica película es toda una garantía para poder pasar una inolvidable velada contemplando el misterio y el horror en estado puro en la pantalla. “La Niebla”, obra maestra del cine B de terror de la mano de uno de sus directores más emblemáticos: John Carpenter. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA MONTAÑA SAGRADA (the holy mountain)”, 1973 (Reseña / Review #1697).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1697 // Reseña Media nº: 50
Reseña actualizada. Publicada el 25 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ALEJANDRO JODOROWSKY
Guión: ALEJANDRO JODOROWSKY
Actores principales: ALEJANDRO JODOROWSKY, JUAN FERRARA, HORACIO SALINAS
País: MÉXICO-EE.UU Año: 1973 Productora: ABKCO
Duración aprox.: 108 minutos
Publicado en España por: CAMEO Año: 2007
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“La Montaña Sagrada” es una de las películas más innovadoras y vanguardistas que se hayan rodado dentro del cine underground. De trasfondo existencial y esotérico, también es considerada como película de culto por muchos cinéfilos debido a sus avanzados conceptos inmortalizados en inolvidables imágenes simbólicas. “La Montaña Sagrada” es una de las mejores películas de cine de autor rodadas en la rebelde y transgresora década de los setenta, y cuya esencia artística y conceptual pasó a ser inmediatamente etiquetada como escandalosa e inmoral en aquella época. En esta obra, el polifacético y transgresor artista chileno Alejandro Jodorowsky perfila cinematográficamente esta clara denuncia sobre la hipocresía existente en los seres humanos, en su cultura, y en su sociedad a lo largo de los siglos. Visualizando “La Montaña Sagrada”, los cultos lectores de Lux Atenea contemplarán metafóricamente la danza existencial que todo individuo ha de realizar con su destino desde el nacimiento, y que ineludiblemente le obligará a ir aprendiendo sobre la marcha mientras es empujado por las consecuencias que traen cada uno de sus actos. Si no quiere que los errores cometidos malgasten su preciado tiempo de vida, habrá de encaminarse a un difícil proceso trascendente donde el conflicto con su Ego, con sus condicionantes familiares y culturales, y con sus aspiraciones terrenales y materiales serán inevitables en su evolución espiritual hacia lo eterno. La talentosa mente del artista Alejandro Jodorowsky llegó a idear esta película de corte místico desde una perspectiva puramente simbólica donde los elementos surrealistas con pinceladas siniestras nos ofrecen este viaje por la mente humana, por sus deseos, y por sus debilidades. Mostradas con suma crudeza visual, algunos las consideran tan provocadoras que el mero hecho de etiquetar a estas obras cinematográficas de Alejandro Jodorowsky como geniales películas de culto les parece absolutamente rechazable. De todos es sabido que las verdades y la realidad ofenden al ser humano más denso y obscuro.

Como analista cultural valoro a Alejandro Jodorowsky como una de las mentes renacentistas más brillantes y lúcidas, siendo una de las claves del siglo XX dentro del Pensamiento, del Arte, y del Misticismo. Tuve el placer de hablar con él en un evento celebrado en Madrid hace ya algunos años, y su mirada y su perspectiva al mundo creo que como mínimo requiere una atenta reflexión sobre el trasfondo de sus avanzados conocimientos en relación al ser humano. No solamente han destacado sus creaciones artísticas dentro del mundo del teatro y del cine por su brillantez, sino también por el estudio serio y riguroso que viene realizando sobre la mente humana. Su reflejo en la personalidad y en el cuerpo de las personas ha quedado fijado a través de dos conceptos a los cuales ha denominado como psicogenealogía y psicomagia. Sus beneficiosos efectos han ayudado a muchas personas a resolver problemas que consideraban imposibles de solucionar, y menciono estos datos porque quiero que los cultos lectores de Lux Atenea tengan una visión amplia y global sobre este maestro de la vida en clave mística, y sobre cómo pudo originarse la idea de rodar una película tan impactante como “La Montaña Sagrada” en su mente.

No he dejado de estudiar y de profundizar en la esencia de “La Divina Comedia” a lo largo de más de dos décadas, y el estudio de los significados simbólicos utilizados en la creación de la trama de esta película irremediablemente me ha llevado a establecer paralelismos con la estructura astrológica de la mítica obra de Dante. Un proceso de purificación a través de las características espirituales propias de cada planeta dentro del mundo de la astrología, y cuyo objetivo final es poder aligerar al alma de todas las inmundicias energéticas que conllevan los enganches carnales y materiales, y la opacidad espiritual. Desde una perspectiva puramente mística, es ese ansiado retorno a lo primigenio, a ese lugar en donde se originó nuestra alma, puede ser alcanzado tras pasar por un largo periodo de tiempo de perfeccionamiento y purificación dentro de este plano existencial, y donde el sufrimiento y la irresistible atracción hacia todo lo que nos tienta mentalmente y nos ata emocionalmente a lo material, ha de ser comprendido y eliminado interiormente para lograr superar con absoluta eficacia esos poderosos obstáculos y condicionantes. La grandeza mística mostrada conceptualmente por Alejandro Jodorowsky en esta película, nos lleva a observar cómo ese sufrimiento y esas atracciones materiales no han de ser rechazadas por sistema, sino que han de ser superadas a través del inconsciente desvelado, ya que si los rechazáramos por sistema o dogma, más que evitar su fatal influjo lo que haríamos es potenciar su influencia en nuestro inconsciente más obscuro. Una perspectiva espiritual que considero acertada en sus planteamientos prácticos. Además, dentro del arte cinematográfico, nadie duda de la fuerza de las imágenes a la hora de transmitir una idea, una visión, un mensaje… por complicados y difíciles que sean. En el caso en particular de una película tan bien rodada como “La Montaña Sagrada”, si unimos el tremendo poder de las palabras a lo visual con trasfondo simbólico, la eficacia de este sistema audiovisual es más que evidente. Como apunte a destacar en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Cameo en el año 2007, se han incluido como extras las escenas eliminadas en la cinta original y cómo fue el proceso de restauración de la película, ofreciendo una visión global de esta obra. “La Montaña Sagrada”, película de culto y obra maestra concebida para despertar consciencias más que para el entretenimiento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1696 // Reseña Media nº: 49
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: BYRON HASKIN
Guión: BARRÉ LYNDON
Actores principales: GENE BARRY (Dr. Clayton Forrester), ANN ROBINSON (Sylvia Van Buren)
País: EE.UU Año: 1953 Productora: PARAMOUNT PICTURES Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: PARAMOUNT HOME ENTERTAINMENT (SPAIN), S.L.
Año: 2000 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Estrenada oficialmente en el año 1953, la película “La Guerra de los Mundos” se convirtió en la primera adaptación cinematográfica de la famosa obra homónima escrita por el ilustre maestro de la literatura británica Herbert George Wells (1866-1946). Incluida dentro del cine B, caracterizado por sus producciones de bajo coste que por desgracia no suelen ser valoradas artísticamente en su justa medida, “La Guerra de los Mundos” es una extraordinaria película de ciencia-ficción rodada en color utilizando el sistema technicolor, y que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su atrayente trama. Desde el planeta Marte ha sido organizada la invasión de la Tierra, lanzando sus naves aprovechando el momento del periodo orbital marciano de mayor cercanía a nuestro planeta. Una de estas naves invasoras acaba cayendo cerca de una pequeña población californiana durante el periodo estival, siendo confundida con un meteoro. En muy poco tiempo, los ciudadanos pasarán de la expectación y la sorpresa ante la contemplación de tan extraño suceso, al terror y a la huida desesperada intentando salvar sus vidas. En pocos días, la sensación de vulnerabilidad y de indefensión ante este ataque extraterrestre destinado a exterminar la raza humana se extenderá por todo el planeta, provocando el caos, el pánico social, los desórdenes, los robos y asaltos, la incomunicación entre las ciudades, la crisis de los gobiernos… mientras va llegando un inminente final casi apocalíptico en el cual no se ve la salida. La película “La Guerra de los Mundos” tiene escenas inolvidables que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente de los espectadores como la escena del sacerdote tratando de acercarse a los invasores para poder comunicarse con ellos, la descripción militar de las tácticas marcianas para atacar objetivos, la prueba en el laboratorio científico del ojo artificial creado por los marcianos, el ataque sistemático de las naves marcianas a la gran ciudad… en definitiva, este admirable talento artístico e ingenio creativo tuvo su recompensa al ser esta película galardonada con un Oscar a los Mejores Efectos Especiales en 1953.

Muchas de sus imágenes ya forman parte de la iconografía del cine B de ciencia-ficción más selecto, y algunas de sus escenas siguen siendo aún hoy día objeto de culto para muchos amantes del Séptimo Arte. El diseño de las aeronaves marcianas, el estilo descriptivo y visual tan particular con el cual se va desarrollando la trama, los colores intensos elegidos para señalar la avanzada tecnología creada por estos implacables invasores extraterrestres, la ambientación de los diferentes escenarios, las huellas que dejan en el suelo los hombres desintegrados, el sonido tan característico de los rayos marcianos cuando son lanzados, el aspecto físico de los invasores, la clave numérica de tres que marca todo lo relacionado con lo marciano, los lanzadores flexibles de rayos desintegradores (como si fueran amenazantes serpientes atacando simbólica y metafóricamente a nuestro inconsciente)… logran crear este ambiente dramático y esta tensa atmósfera de desconocimiento, incertidumbre, decadencia, y desesperación en cada uno de los diferentes escenarios donde se desarrolla la acción. Estas características estéticas y visuales tan bien llevadas a la gran pantalla se han convertido en las inconfundibles señas de identidad de esta película, como así podrán disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la magnífica compañía Paramount Home Entertainment. Recientemente, el talentoso director de cine estadounidense Steven Spielberg también ha rodado una adaptación de esta obra literaria a través de un enfoque artístico mucho más espectacular, y con el actor Tom Cruise como protagonista principal. Esta película del año 1953 es visualmente mucho más sencilla y modesta en comparación con el presupuesto infinitamente superior manejado por Steven Spielberg, en cambio este largometraje sigue teniendo ese encanto artístico propio del cine B creado con alma y pasión, y que tanto me gusta contemplar y admirar en esos momentos únicos tan especiales que solamente el arte cinematográfico es capaz de ofrecerme. Prácticamente, lo único que une a estas dos versiones cinematográficas tan distantes en el tiempo y en su estilo, es la mítica imagen de la apertura de la trampilla de la nave invasora y de la cual acaba saliendo el brazo del marciano agonizante en su último aliento de vida. Salvo esta impactante escena, ambos largometrajes no se parecen en nada a pesar de tener como fundamento la misma obra de H. G. Wells. “La Guerra de los Mundos”, película de culto con la irresistible fascinación por el mejor cine de ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAMIKAZE, MORIREMOS POR LOS QUE AMAMOS (俺和、君のためにこそしにに行く)”, 2007 (Reseña / Review #1695).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1695 // Reseña Media nº: 48
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: TAKU SHINJO
Guión: SHINTARO ISHIHARA
Actores principales: TORU EMORI, ICHIRO HASHIMOTO, MASATO IBU, KATSUTAKA FURUHATA
País: JAPÓN Año: 2007 Productora: TOEI COMPANY, LTD Duración aprox.: 135 minutos
Publicado en España por: DIVISA HOME VIDEO
Año: 2010 Formato: Digipak DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Como analista cultural, lo que más me gusta de la película japonesa “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos” es el enfoque que le ha dado su director Taku Shinjo, desmitificando la imagen histórica de los kamikazes que nos ha venido ofreciendo tanto la propaganda occidental como el retrato de gloria y honor con el cual el nacionalismo japonés los ha venido mostrando. En este bello y dramático largometraje, el genial director japonés Taku Shinjo nos presenta una perspectiva mucho más real y humana sobre estos pilotos suicidas, alejándose totalmente de esa falsa imagen unida al salvaje fanatismo con el cual se les ha identificado. Unos pilotos kamikaze que, en su mayor parte, más que haberse presentado como voluntarios, fueron realmente elegidos y obligados por los mandos militares a cumplir esa dura y desesperada misión suicida. La falta de preparación que muchos de estos pilotos tuvieron, el trágico drama sufrido ante la sinrazón de las órdenes recibidas por sus superiores, la rígida e inflexible censura militar a la cual estaban sometidos, el sufrimiento que esta participación militar en ataques suicidas suponía en su entorno personal, familiar, y de amistades… configuran estas impactantes historias trágicas omnipresentes en el ser humano inmerso en tiempos de guerra. “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos” es una película bélica japonesa que sorprenderá a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su solemne belleza y por su tensa atmósfera cargada de decaimiento, pesimismo, y desesperación, mientras la sociedad japonesa va sufriendo una progresiva militarización según avanza su participación en este conflicto asiático. Con imágenes de las cuales emanan este crudo dramatismo incluso en escenas bélicas de sobrecogedor realismo, en esta película comprobarán con sumo detalle cómo afrontaban estos pilotos kamikaze su aciago destino, cómo afloraba la camaradería entre ellos, y cuáles eran sus miedos, temores, alegrías, y diversiones mientras seguía corriendo en sus vidas esta siniestra cuenta atrás hacia el objetivo en una travesía aérea sin retorno posible. Desde las imágenes reales rodadas por la Marina en los ataques kamikazes a la flota estadounidense hasta la sobria ceremonia de despedida de los pilotos kamikaze antes de partir hacia el objetivo, desde las escenas del Sol de Sangre hasta la del ritual del seppuku, Taku Shinjo ha conseguido reflejar con absoluto realismo la ambientación de la época mientras la belleza de las imágenes y de las tomas rodadas te fascinan. Imágenes bélicas muy realistas e impactantes con momentos cargados de violencia como, por ejemplo, en el ataque aliado a la base aérea japonesa de Chiran (Kagoshima, Japón).

La película “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos” comienza en el año 1943 con imágenes de la sociedad japonesa y de los militares imperiales, y donde la exagerada alegría y euforia que muestran se convierte en el contrapunto perfecto a la entrada en el año 1944 con la reunión del Alto Mando japonés en Mabalacat (Filipinas), lugar donde se gestaría la idea de los ataques suicidas como medio para ganar la guerra, o para llevar al gobierno de los Estados Unidos de América a negociar la paz. El miedo de los militares japoneses a no poder cumplir con su objetivo de conquista de todo el continente como libertadores de Asia, junto a la apocalíptica visión ofrecida por la propaganda oficial emitida por el gobierno nacionalista donde el pueblo japonés iba a ser exterminado por los occidentales en cuanto fueran derrotados, se convirtieron en factores que influyeron decisivamente en la creación de esta unidad especial de ataque aéreo. Inmersos en la propaganda oficial japonesa exigiendo un sacrificio límite y extremo a toda la nación ante el imparable avance de las fuerzas militares estadounidenses, finalmente sería asignado el aeropuerto de Chiran como base de la fuerza aérea kamikaze. Unos pilotos que, obligados en su mayor parte a ejecutar estas misiones suicidas, serían tomados como referencia del espíritu militar japonés en combate. Por su imagen pública y social también serían admirados y reverenciados por su sacrificio por la nación siendo tan jóvenes. La desmoralización y la pérdida de confianza en la victoria por parte de los militares japoneses según iba avanzando este conflicto bélico en la Segunda Guerra Mundial, unido a la adecuada respuesta militar por parte de la fuerza aérea y naval estadounidense terminaría convirtiendo esas acciones suicidas en un sacrificio bélico absurdo y sin repercusión alguna en el desarrollo de las operaciones. Tras las dos bombas nucleares lanzadas sobre las ciudades de Hiroshima y Nagasaki en el año 1945 (días 6 y 9 de agosto respectivamente), este conflicto bélico llegaría definitivamente a su fin. “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos”, controvertida película japonesa sobre los pilotos kamikaze: ¿fueron héroes o víctimas de ese trágico conflicto militar? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Responder

Reseña Cultural nº: 1694 // Reseña Media nº: 47
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ROBERT ALDRICH
Guión: LUKAS HELLER
Actores principales: BETTE DAVIS, JOAN CRAWFORD, VICTOR BUONO
País: EE.UU Año: 1962 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 135 minutos
Publicado por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A. Año: 2006
Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

Por su excelencia, la película “¿Qué fue de Baby Jane?” es una auténtica obra maestra dentro del Séptimo Arte, y por este motivo ha de ser incluida en Lux Atenea como parte esencial de esta selección de largometrajes recomendados para los cinéfilos lectores de este blog cultural. Además, esta edición especial publicada por Warner Home Video España incluye un segundo DVD con extras donde destacan documentales cinematográficos de calidad como “Bette Davis: Un volcán benévolo” (BBC, 1983), “Perfil cinematográfico: Joan Crawford” (BBC, 1967), y “Bette y Joan: La ambición ciega”. Sorprendentemente, esta sobresaliente película solamente fue premiada con el Óscar al Mejor Diseño de Vestuario en el año 1962. Basada en la novela homónima del escritor estadounidense Henry Farrell, este largometraje nos ofrece un drama terrible y sobrecogedor protagonizado por dos hermanas artistas cuya fama en la juventud se desvaneció a raíz del trágico y fatal accidente de una de ellas. Su eco en el presente, condiciona y marca totalmente sus vidas, sus actitudes, y su convivencia en una misma casa. Reflejando en impactantes imágenes esta estética siniestra y tenebrosa que se mantiene constante a lo largo de toda la película, encuentra sus puntos álgidos en algunas secuencias de corte claramente macabro, “¿Qué fue de Baby Jane?” provoca al espectador con las crueles y despiadadas escenas que presencia, identificándose inconscientemente con unos personajes y rechazando visceralmente a otros de forma inmediata (este es el auténtico trasfondo de la belleza siniestra en su dualidad emocional), y donde la identificación definitiva sobre quién es el verdugo y quién la víctima en realidad queda convertido en ese enigma permanente a lo largo de toda la trama, quedando desvelado de forma magistral por el mítico director Robert Aldrich en los minutos finales de la película. Les fascinarán las impresionantes escenas protagonizadas por esta terrorífica Bette Davis en el impactante papel de Jane Hudson, junto a la desamparada Joan Crawford encarnando a su hermana Blanche Hudson. Observando estas escenas dramáticas sacarán de su interior esos irremediables pensamientos y enrabietados instintos ante la contemplación de actos tan sumamente sádicos y crueles, haciendo que la vida del personaje con el cual se identifiquen les resulte de lo más injusta y vergonzosa.

La película “¿Qué fue de Baby Jane?” presenta actos despóticos llevados al extremo en su sofisticación más destructiva, y que incluso son llevados al campo del sometimiento psicológico de quien lo sufre y padece, quedando todo amplificado con la respuesta absolutamente sumisa que quien lo recibe. Todo ello altera y condiciona el pensamiento del espectador ante un sufrimiento que ha de contemplar sin poder hacer nada mientras frases como “yo lo que haría en su lugar es…”, “yo no lo soportaría y allí la dejaría abandonada porque…”, “pero por qué no hace…”, inevitablemente surgirán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización. Emociones tan inequívocamente humanas en respuesta a los terribles padecimientos que otra persona está sufriendo. Indudablemente, solamente dos excelsas actrices como Bette Davis y Joan Crawford pudieron dar alma y realismo a esta historia tan dramática, protagonizando gloriosas interpretaciones en este largometraje que se presentan tan estratosféricas como inalcanzables para la gran mayoría de los actores de Hollywood en la actualidad. Precisamente su virtuoso arte interpretativo es lo que ha convertido y seguirá convirtiendo a la película “¿Qué fue de Baby Jane?” en una obra maestra inigualable e insuperable, pasen los años que pasen. Presenciarán impresionantes escenas como las melancólicas canciones interpretadas por Jane Hudson (Bette Davis) recordando su gloriosa época pasada (que vivió entre los suaves pero caducos algodones de la fama), contemplarán las visitas a esta casa convertidas en posibles ángeles salvadores para Blanche Hudson (Joan Crawford), y observarán cómo los hechos circunstanciales terminan por apagar cada gesto de auxilio. Identificarán la película “¿Qué fue de Baby Jane?” con este disco sonando, con esta siniestra e inquietante muñeca a tamaño real de Jane Hudson cuando era una niña famosa, con esta obscura habitación convertida en una Dama de Hierro de cuatro paredes, con estas escaleras vistas como una montaña inexpugnable, con este teléfono tan inalcanzable como una estrella en la noche, con estas notas pidiendo ayuda donde todo parece haberse conjurado en contra de quien las escribe… Un diabólico ambiente tan dramático como desesperado en escenas definitivamente imborrables.

Es todo un placer observar con atención los gestos, la mirada, los movimientos en escena de Bette Davis como si fuera una danza macabra bajo la influencia del horror, y es su vengativa esencia tan manifiestamente rebelde y maléfica lo que la convierte en una actriz única y tan atrayentemente carismática en esta película de culto. Lo mismo sucede con Joan Crawford y su virtuoso arte interpretativo en cuanto a su tremenda capacidad para trasmitir realidad y autenticidad absoluta a un personaje, por difícil y complejo que sea. Sólo con observar detenidamente su rostro ya nos habla de sufrimiento sin necesidad de abrir los labios, y en un cuerpo cuya energía vital vemos cómo se va perdiéndose poco a poco, asumiendo esta pérdida como si fuera su cruel e inevitable destino. “¿Qué fue de Baby Jane?” es observar lo aparentemente cotidiano como una danza siniestra donde una persona rota vive lo insufrible en esta casa convertida en una insoportable y tortuosa cárcel. Hasta el más mínimo detalle en la imagen, hasta el diseño de cada uno de los elementos de decoración se presenta con esta imagen funesta y desquiciada. Además, en esta película podrán disfrutar a Joan Crawford en lo más alto del Olimpo cinematográfico junto a la colosal actriz Bette Davis. Joan Crawford y Bette Davis, dos radiantes auras artísticas que brillan con fuerza en cada fotograma hasta convertir la mente del espectador en el registro imborrable de sus interpretaciones. Lo más increíble es que, en la época que se rodó está película, tanto Bette Davis como Joan Crawford decían que estaban pasando por una grave crisis en sus carreras como actrices. Después de ver esta película, ¿darán credibilidad a esa valoración que mostraron en público? Además, el absoluto rechazo y la perenne enemistad que estas dos actrices siempre se mostraron a lo largo de sus vidas estuvo bien presente durante el rodaje, dejando inmortalizado ese toque sarcástico y perverso en cada una de estas geniales escenas. Una perspectiva y una belleza gótica unida a lo moderno que hacen aún más atrayente a esta trágica historia. Y si analizamos este largometraje más profundamente, uno se pregunta sobre cuántas vidas ha roto el mundo del espectáculo en relación a artistas que, tras haber disfrutado de las mieles de la fama y del éxito, han acabado bebiendo las hieles del olvido y del desinterés público. “¿Qué fue de Baby Jane?”, una lujosa y respetable mansión en cuyo interior se encuentra viviendo la venganza en esta sala de torturas del mismísimo infierno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo del Autor: Félix V. Díaz

Acerca de Félix V. Díaz

“EL ENIGMA DE LA ESFINGE / EL CÓDIGO DE LA PIRÁMIDE” NATIONAL GEOGRAPHIC (Reseña / Review #1703).

“EL SÉPTIMO SELLO (det sjunde inseglet – the seventh seal)”, 1957 (Reseña / Review #1702).

“TETSUO I, EL HOMBRE DE HIERRO (鉄男, Tetsuo: the iron man)”, 1989 (Reseña / Review #1701).

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

“FRANKENSTEIN”, 1910 (Reseña / Review #1699).

“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

“LA MONTAÑA SAGRADA (the holy mountain)”, 1973 (Reseña / Review #1697).

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).

“KAMIKAZE, MORIREMOS POR LOS QUE AMAMOS (俺和、君のためにこそしにに行く)”, 2007 (Reseña / Review #1695).

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).