Review #20).

Posted on 27 enero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 20 // Reseña Cómic nº: 1
Reseña actualizada. Publicada el 4 de noviembre del año 2009 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: EDICIONES GLÉNAT ESPAÑA, S. L.
ISBN: 84-8449-903-0
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)

“Goth” es un extraordinario y obscuro cómic manga cuya trama está basada en la novela del escritor Otsuichi, reuniéndose en este tomo todos los capítulos que fueron publicados por entregas y que están protagonizados por dos estudiantes con inquietudes un tanto siniestras que se dedican a investigar una serie de crímenes algo retorcidos. En “Goth”, el culto lector de Lux Atenea se encontrará con una historia con constantes sorpresas y giros en su trama, mientras hechos aparentemente inconexos empiezan a dejar traslucir, página tras página, un eje común de lo más insospechado. Asesinos en serie, maníacos, acosadores, sádicos… e incluso, unas gemelas con personalidades opuestas, desfilarán por estas páginas con su degradada psicología. Además, nada más abrir este tomo, lo primero que le sorprenderá al lector es el toque lánguido que el dibujante Kendi Oiwa ha dado a sus personajes principales. Un estilo, un perfil y una imagen de sus protagonistas que no es nada común en la estética que caracteriza al dibujo manga. Utilizando el clásico dibujo en blanco y negro, los personajes de esta historia son dibujados con absoluta precisión en cada escena, centrándose en un perfilado de las facciones del rostro de manera claramente intencionada para aumentar su expresividad. Como analista cultural non-mainstream, me ha sorprendido comprobar cómo el pelo adquiere una gran importancia en la definición de la actitud del personaje en cada escenario, en cada viñeta. Es como si estuviera concebido como un indicador constante de su estado de ánimo. Desde luego, en “Goth”, la expresividad de los personajes se convierte en su valor artístico más destacado e importante que lo diferencia muy claramente de otras obras manga.

Morino es el nombre del personaje femenino principal. Es alta, delgada, viste siempre de negro, y, con cara siempre seria, mantiene una expresión de melancolía permanentemente en su rostro que potencia su actitud distante y en soledad, concentrándose siempre en aquello que realiza. Lo que más me ha sorprendido de Morino es observar cómo Kendi Oiwa ha dibujado su figura con una excesiva longitud de cuello. Con melena muy larga, pelo liso y negro, y con un flequillo recto pero no uniforme, responde inequivocamente a una de las principales imágenes estéticas de la mujer gótica existentes en la actualidad. Itsuki Kamiyama, su protagonista principal masculino, es una persona de mirada gélida, rostro extraño, y que permanece siempre en actitud contemplativa o analítica. Con unos sentimientos y una sensibilidad que parecen haberse fugado hace tiempo de su interior, su profundo cinismo se transforma en su mejor arma para alguien que, considerándose diferente al resto, trata de ser uno más poniéndose la misma máscara social que las personas de su entorno. A veces retraído, pero con iniciativa, tiene un sagaz espíritu investigador. Aunque se siente atraído por Morino, Itsuki es un manipulador de lo más pragmático y efectivo, sabiendo muy bien cómo manejar las más diversas y complicadas situaciones de manera indirecta gracias a su profundo conocimiento de la psicología humana. Gracia a su sibilina inteligencia, sabe muy bien cómo ocultar sus manos cuando mueve los hilos en cada momento o circunstancia.

Lo que es indudable es que el artista Kendi Oiwa sabe cómo mantener una tensión ambiental creciente con un estilo de dibujo expresivamente tenso, que contrasta completamente con otras viñetas mucho más dulces e inocentes como reflejo de la aparente normalidad social. Un contraste que aumenta aún más el permanente clima de misterio en el que se desenvuelve su intrigante trama. Me ha gustado comprobar cómo muchas de las tomas en cada escena son casi siempre situadas por encima de la línea de los ojos del personaje principal, dando la sensación al lector de proximidad con la acción. Una técnica de captación de la atención del lector de lo más efectiva. Su guión, en cambio, no es muy extenso, quedando reducido a su definición justa para cada acción pero con frases muy buenas, literariamente hablando, que se ajustan a la perfección a este conjunto artístico. Aunque “Goth” tiene detalles marcadamente góticos en algunas viñetas, no es un manga con una estética cien por cien gótica. Eso sí, lo que se puede decir con rotundidad es que algunos dibujos perfectamente pueden ser definidos como brutales, macabros, y un tanto gore en algunas escenas, como por ejemplo, en la visión del árbol decorado con un cuerpo humano. Pero si en las primeras páginas del manga “Goth”, el lector ya se encontró con un niño desmembrando y descabezando muñecas, y una sucesión de casos en donde algunas chicas habían decidido cortarse las venas, el contundente mensaje visual para indicarle que “Goth” no es un manga acaramelado creo que es más que suficiente. “Goth”, sospechas y crímenes teñidos de negro en uno de los mejores cómic manga que haya leído y analizado. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “IT’LL END IN TEARS” (4AD, 1984) (Reseña / Review #19).

Posted on 27 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 19 // Reseña Musical nº: 8
THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (2ª parte).
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de octubre del año 2006.

Publicado por : 4AD, (CAD 411), 1984
Edición comentada : CD (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Kangaroo // 2- Song To The Siren // 3- Holocaust // 4- FYT // 5- Fond Affections // 6- The Last Ray // 7- Another Day // 8- Waves Become Wings // 9- Barramundi // 10- Dreams Made Flesh // 11- Not Me // 12- A Single Wish

Un año después de la publicación del maxi “Song To The Siren”, en 1984, Ivo Watts-Russell y su compañía discográfica 4AD presentaron oficialmente el primer álbum de This Mortal Coil titulado “It´ll End In Tears”, una obra musical que revolucionaría el panorama musical gótico y que sentaría las bases conceptuales de lo que serán los estilos ethereal y heavenly voices en la siguiente década. El excelso álbum “It´ll End In Tears” dejará al público de la época totalmente asombrado por su deslumbrante despliegue de calidad y de imaginación musical, consiguiendo la aclamación de la crítica en los medios de información. El primer gran triunfo del proyecto This Mortal Coil había sido alcanzado gracias a esta unión heterogénea de estructuras instrumentales, y de estilos musicales de raíz conceptual gótica debido al decadentismo existencial que transmiten estos temas. “It´ll End In Tears” destila sabiduría, nos habla de la vida y de sus imprevisibles condicionantes, y de personas que se encuentran atados a circunstancias y situaciones no deseadas. Cualquier alma sensible, sea gótica o no, encuentra en la audición de estas canciones esa comprensión, esa complicidad existencial tan deseada por las personas solitarias. Melodías y letras cuyo mensaje se armoniza con nuestra soledad, con nuestras desilusiones, con nuestros fracasos, y con nuestros desamores.

A los melómanos lectores de Lux Atenea siempre les resultará interesante comprobar como This Mortal Coil, sin ser una formación musical clásica con un número de artistas fijos, en cambio nos da la impresión de ser el Gran Grupo Musical, de ser una banda musical de músicos experimentados que han decidido unirse para crear esta armonía y esta sincronización perfecta en la interpretación de sus temas. Una paradoja artística que tal vez sea uno de los misterios que vuelven a This Mortal Coil para dar forma musical a algo tan íntimo y personal porque sus obras no son música no para compartir, sino para ser disfrutadas en solitario. Teniendo todo esto en cuenta, los extraordinarios artistas que participaron y dieron alma a los doce temas que vertebran el álbum “It´ll End In Tears” fueron Manuela Rickers (guitarra) del grupo X-mal Deutschland, Martyn Young (teclados) y Steve Young (piano) del grupo Colour Box, Michael Conroy (bajo) y Gary McDowell (guitarra) del grupo Modern English, Mark Cox (órgano y teclados) del grupo The Wolfgang Press, Elizabeth Fraser (vocalista) junto a Simon Raymonde (bajo y guitarra) y Robin Guthrie (guitarra) del grupo Cocteau Twins, Gordon Sharp (vocalista) del grupo Cindytalk, y Lisa Gerrard (voz, yang t´chin y acordeón) y Brendan Perry (percusión) del grupo Dead Can Dance. La incorporación de estos últimos genios musicales se deja notar en This Mortal Coil no sólo por su pasión interpretativa, sino también por su gran creatividad, siendo Lisa Gerrard quien ofrezca luz y personalidad a míticas canciones de este álbum como “Waves Become Wings” y “Dreams Made Flesh”, convirtiéndola en uno de los artistas más comprometidos con la composición musical, junto con Simon Raymonde del grupo Cocteau Twins. Otros músicos que mostrarán su gran profesionalidad en la interpretación de estos maravillosos temas serán Martin McGarrick (violonchelo), Gini Ball (violín y viola) y el vocalista Howard Devoto. Sin demorar un segundo más la espera, vamos a escuchar y a disfrutar este mítico álbum.

Empieza a sonar la canción “Kangaroo”. Un bajo y un violonchelo se transforman melódicamente en los pensamientos de quien haciendo uso del flirteo, acaba atrapado y encadenando a una ilusión que no verá realizada. En una admirable interpretación lírica realizada por Gordon Sharp, se convertirá en la voz de su lamento, de su sumisión, siendo “Kangaroo” una de las canciones más sobresalientes de todo este álbum, pero situada a cierta distancia de la siguiente canción. “Song To The Siren” es ese lugar donde la belleza y la ilusión significarán la muerte de tu pasión porque aquí, la mortal belleza habla a través de la voz de Elizabeth Fraser. ¡Sublime! A continuación, el extraordinario tema “Holocaust” será una de esas canciones que resaltan por su rareza musical. Su sentencioso piano, ese violín, violonchelo y viola más propios de un aristocrático cementerio, y la voz de Howard Devoto en una interpretación impresionante, irán irradiando este tema con la intensa luz del talento artístico. Cuántas canciones se han escrito sobre una cama convertida en refugio de nuestros problemas, convertida en el mundo alternativo al inhóspito mundo exterior, ya sea éste una familia, una relación, un trabajo, o una existencia desgraciada. Posteriormente, un tema tan estremecedor como “FYT” llegará con sus atmósferas cargadas de ácidas energías que descargarán con furia sobre nuestro espíritu, hasta que la voz de Gordon Sharp lo disipe todo en “Fond Affections” pero su agrio desasosiego provocará que nos sentemos en el suelo, llorando y sin futuro.

La cera de una vela encendida estará a punto de terminarse mientras escuchamos el tema “The Last Ray”, dejándonos con la mirada dirigida a la pared de nuestra habitación como si fuera una visión al vacío, al vacío de la Nada. Luego, con la canción “Another Day” perfumando nuestro entorno, de nuevo el encanto de Elizabeth Fraser nos fascinará con esta maravillosa interpretación vocal en su plenitud acompañada por la magia melódica de los instrumentos de cuerda (violín, violonchelo y viola). “Another Day” será el reflejo emocional contenido en el interior de esa habitación que tantas y tantas personas tímidas e introvertidas han transformado en su propio féretro. ¡¡¡“Another Day”, grandiosa canción!!! A continuación, el turno musical de Dead Can Dance llegará con el tema “Waves Become Wings”, canción compuesta e interpretada por mi admirada vocalista Lisa Gerrard. Manteniendo su estilo dentro de una línea musical inconfundible, nos adentraremos en un mundo etéreo en constante movimiento que incesantemente invitará a nuestra alma a huir. Posteriormente aparecerá “Barramundi”, una de las composiciones de Simon Raymonde más enigmáticas y atractivas de este álbum. Ecos y pasajes musicales para guitarra se transformarán en entes luminosos anunciando la siguiente canción, la excelsa “Dreams Made Flesh” compuesta e interpretada por Lisa Gerrard con ese trágico espíritu oriental que trasciende, que revela, y que separa cuerpo y alma con su potente voz grave. Lisa Gerrard se eleva como una reencarnada diosa mesopotámica lanzando solemnemente sus lamentos como si asistiera a su propio ceremonial religioso. En esta obra, el ilustre artista Brendan Perry merece una atención muy especial al convertir el plano instrumental de percusión en pureza ritual gracias a sus expertas manos maestras. A continuación, Robbie Grey lucirá esplendorosamente su voz en la interpretación de la canción “Not Me” de estructura melódica más rockera, siendo “Not Me” la canción más vitalista de todo este álbum. Un contrapunto luminoso que realzará la voz de Gordon Sharp cuando cante el tema “A Single Wish”, clausurando con elegancia esta obra maestra mientras sus pasajes musicales iluminan nuestra casa con el reflejo que proyectan las rojizas nubes teñidas por los rayos del Sol en su ocaso. “It´ll End In Tears”, como analista cultural valoro a esta joya discográfica como uno de los diez álbumes más excelsos que se hayan publicado en la década de los ochenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

GERHARD HALLSTATT BY GERHARD HALLSTATT, AUTHOR OF THE BOOK “BLUTLEUCHTE”. ENTREVISTA/INTERVIEW EN EXCLUSIVA PARA LUX ATENEA.

Posted on 25 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta entrevista ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This interview is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Entrevista publicada en Lux Atenea el 10 de octubre del año 2012.

gerhard hallstatt by gerhard hallstatt, author of the book “blutleuchte”

Quiero dar las gracias a GERHARD HALLSTATT por su cortesía con LUX ATENEA al haber dedicado su precioso tiempo y su inteligente talento a la realización de esta excelsa entrevista tan personal y reflexiva.

Lux Atenea 4 - 6

El próximo 12 de octubre, Lux Atenea celebrará su sexto aniversario y qué mejor manera de clausurar este sexto año de publicación que presentar a nuestros lectores esta impresionante y reveladora entrevista realizada por una de las mentes intelectuales más privilegiadas y experimentadas dentro de la escena neofolk actual: el ilustre Gerhard Hallstatt. Para Lux Atenea es un honor y todo un placer el poder publicar esta entrevista protagonizada íntegramente por Gerhard Hallstatt, a quien tanto admiro por su espíritu cultural multidisciplinar más propio de un alma renacentista, y donde estas inteligentes preguntas y respuestas giran alrededor de un eje principal marcado por la publicación de su excelso libro “Blutleuchte”, editado actualmente en lengua inglesa y francesa. Una extraordinaria obra literaria que cautivará a los lectores de Lux Atenea por la sagaz perspectiva cultural y humana con la que Gerhard Hallstatt la ha perfilado de forma tan personal y auténtica. Una realidad existencial marcada por el misterio de lo esotérico, por la filosofía más analítica y reflexiva, y por la contemplación de la belleza más sublime que nos pueda ofrecer la Madre Naturaleza que, en el caso de Gerhard Hallstatt, adquiere ese halo único de revelación trascendental a través de ese largo camino que todo ser humano ha de recorrer en este mundo para poder comprender su universo interior como clave de la compresión del misterio de la vida. En esencia, en su grandioso libro “Blutleuchte” ha logrado condensar su propia experiencia vivida y sentida a través del mágico lenguaje de las palabras transformadas en un radiante mensaje de mayor alcance intelectual por su fuerza simbólica seleccionada. Aquellos lectores que adquieran un ejemplar de su obra “Blutleuchte”, así podrán comprobarlo con sus propios ojos durante la apasionada lectura de cada una de las páginas en este libro destinado inexorablemente a ser releído. Una joya literaria que engrandecerá la biblioteca privada de todo amante de la buena literatura, o sea, de aquella literatura que alimenta a nuestra alma. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

Lux Atenea 4 - 5

INTERVIEW WITH GERHARD HALLSTATT, AUTHOR OF THE BOOK “BLUTLEUCHTE”.

Gerhard Hallstatt grew up in Upper Austria and currently lives in Vienna, Austria. Apart from writing and publishing several years ago the magazines Aorta and Ahnstern, he also founded Allerseelen, a music group that has released numerous CDs and vinyl records through Hallstatt´s own record company, Aorta, the Austrian label Ahnstern and also the Russian label Ewers Tonkunst. His magical mystery tours throughout many parts of Europe, North America and Russia provided inspiration for his compositions and photographs and also for many tracts in his book “Blutleuchte” that appeared in 2010 in English and in 2011 also in French.

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1- Maybe some of the listeners who know the music of your group Allerseelen are not aware that recently your book Blutleuchte was published in English and French. Could you talk about this book?

In late autumn 2010 the American edition of Blutleuchte was published by Ajna in Oregon, and in early autumn of 2011 also the French edition by Camion Noir came out. It was a magical moment to receive and open these parcels – similar to the experiences that I always feel when a new Allerseelen CD or vinyl has been released. Blutleuchte contains a lot of texts that I had published many years ago in my magazines Aorta and Ahnstern – some of the texts deal with movies like Lucifer Rising by Kenneth Anger or The Blue Light by Leni Riefenstahl, but also with a lot of different things. These magazines were then published bi-lingual, in German and English. So it is a bit strange that the Blutleuchte books were already published in English and French but not yet in German – but maybe this will happen one day too. I was at that time and still am fascinated and obsessed at the same time by dozens of different artists, castles, landscapes, researchers, visionaries: This is why the Aorta and Ahnstern issues were dealing with so many different topics. Blutleuchte also contains several interviews, for example with Varg Vikernes when I was writing about violent Norwegian rites in the eighteenth and nineteenth centuries or Michael Moynihan of Blood Axis or people who were close friends of the mysterious Austrian artist Rudolf Schwarzkogler. I was also glad to be able to interview Kenneth Anger when he presented in Wien years ago some of his photographs. Unfortunately I could not realize my planned interview with Leni Riefenstahl.

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2- How many issues of Aorta and Ahnstern did you publish? Are these still available?

I published twenty issues of Aorta and nine issues of Ahnstern. All of them were produced in a quite primitive manner which one would consider nowadays almost prehistoric: I was working with a type-writer, put the texts and graphics together and finally photocopied the magazines in a copy shop. I had always been interested in writing but already in my youth I was that much individualist that I disliked the idea of writing a text and then sending it to a magazine to ask for publication. I wanted to have as much control as possible. Also I did not want to wait days or weeks or months for a positive or negative answer. And I also thought always of bi-lingual editions, something that normal magazines usually never offer. So I worked like this: I researched and travelled, writing about my experiences and impressions, then I wrote my German text, translated it immediately into English – and the next day I already spent hours at a copy shop to hold my first copies in hands. I had readers and subscribers all over the world who were interested as much in the early cassettes of Allerseelen as in the bi-lingual magazines. This method of working appears nowadays very anachronistic but even today I work sometimes in the same old-fashioned way. 1890 was maybe not that much different from 1990 – whereas 1910 is completely different from 2010. Now it is a question of seconds to find out the birth date of a certain personality – then this could be difficult or almost impossible: I had to go to the library or a bookshop to find the information in this or that book or ask friends to send me this or that information. I was writing a lot of letters these days, and some of the first listeners and readers are still close friends today.

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3- Why did you use the title Blutleuchte?

Blutleuchte is one of the chapters in the book, it deals with the blood mysticism in a small esoteric circle in Munich at the end of the nineteenth century. Its founder, Alfred Schuler, was very anachronistic, he was obsessed with paganism and ancient Rome and also behaved like a Roman in the modern world. He wrote about blood and death and used a lot of myths and symbols in his texts and public readings – the red wheel of the Roman world, the black wheel of the modern world. The Blutleuchte, the blood lamp, was one of his symbols that he frequently used – the pagan light of antiquity which he described as a strong red light. His mystical and historical visions inspired very much Rainer Maria Rilke, especially his Sonette an Orpheus. Rilke had participated in some of his lectures. I thought that this title could be appropriate for my book as I also wrote about the bloody drums of Calanda in Spain and many other topics dealing with music, paganism, mysticism. Maybe for the first time I had read about Alfred Schuler in a book by Hermann Nitsch who founded the Austrian Orgien Mysterien Theater – this artist worked a lot with blood and meat in his performances, and I had been participating in two of his performances as drummer.

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4- Why decided Ajna in North America to publish Blutleuchte?

Tyler Davis of Ajna and I had this idea already in 2003 when Allerseelen and my friends of the North American group Waldteufel made some concerts at the Pacific West Coast, in Portland, Seattle and San Francisco. In Oregon and California we were travelling a lot to wonderful places, volcanic landscapes, great mountains. It was June, and we also made a wonderful summer solstice celebration somewhere in the Californian desert – and in these days we were already talking a lot about the details of this book release. I had already stopped the publication of Aorta and Ahnstern to concentrate on music but at many Allerseelen concerts people continued asking for these issues. So Ajna and I started working on the book. This meant a lot of work as my translations into English were far from being perfect. We also had some special ideas for the book – the paper should not be white but parchment-like, the print should not be black but chestnut-brown, and we also had the idea of printing certain parts of the texts in wine-red. It is really a luxury edition, and I am glad how it worked out. When in December 2010 Allerseelen were again touring in North America, this time with Waldteufel and Agalloch, again in the same beautiful area, the book Blutleuchte finally came out and could be presented to the public. And in this time we made a winter solstice fire in the snow on the organic farm of Ajna in Oregon. So a circle was closed.

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5- The English writer Joscelyn Godwin, teaching nowadays at Colgate University in New York State who published a lot of interesting publications about Athanasius Kircher, Robert Fludd, mystery religions and many other topics, wrote an beautiful foreword for your book. I will quote some words: „Like the music which he composes and records under the name of Allerseelen, Gerhard’s writing does not easily fit any ready-made label or category. While the majority of people are content to travel the iron tracks laid down by their religion, politics, peer pressure, or brand-name culture (no matter that they are always crashing into each other), he follows a mercurial path: quick, elusive, and a little mischievous.“ How did you get in contact with him?

I met Joscelyn Godwin when he visited Austria several years ago Vienna. At this time I already knew his book about the occultist and scientist Athanasius Kircher, and I gave him some of the Aorta issues. We stayed in contact, and I sent him all the issues when they came out. I thought that me might be the perfect person to write about it as he knew me personally and also knew and read all the editions when they were published. So I asked him and he agreed. Joscelyn Godwin and I met again in Venice some years ago when he lived there for some months in autumn and winter.

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6- Camion Noir in France published Blutleuchte. Mysticismes anciens & contemporains in September 2011. The French version looks very different from the American hardcover edition. On the cover photograph one sees large drums which are full of blood. Could you talk about the French edition and about this photograph?

I had seen some publications on magic and music by Camion Noir in the past and was glad that they were interested in a French translation. Nadège Gayon-Debonnet translated my texts, from time to time we worked together on some difficult details – I had learnt French in school and also practiced this language a lot when I was travelling in South France. The bloody drum on the cover is a photo that I took in Calanda, the little Spanish village where Luis Bunuel was born. He had used the rhythms of these drums also in some of his movies. I had read about the wild Semana Santa with hundreds of drums and also owned the vinyl edition of the Catalan project Vagina Dentata Organ: The Pagan Drums of Calanda and was immediately obsessed with the wish to travel there. I was two times in Calanda, and both times I was very impressed. I intend to go there again. I like this photograph a lot, it symbolizes for me a perfect synthesis of faith and music and intensity.

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7- Will there be one day a German edition or further translations?

At the moment I do not know but of course it would be a great idea to have one day also a German or also Spanish and other editions. In these days I am talking to someone in Italy about the possibility of an Italian release – we will see if this will turn out.

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8- I read your text about Montsegur. You did not only visit this famous fortress of the Cathars but stayed there over night.

Actually this had not been planned. I had taken a train to Bolzano in Italy and then hitch-hiked through South France to Montsegur. It was a wonderful travel, very intense and also quite hard as I was always sleeping in the open air in my sleeping bag. I decided to walk up to Montsegur and to stay there overnight. This was definitely a mysterious night as it was raining all the time. The fortress was hidden inside clouds, I could not see the walls surrounding me and suddenly felt like being the only passenger on a ship sailing through a white terra incognita. I also stayed over night in other fortresses of the Cathars too, in Queribus and Peyrepertuse. This were impressive travels. Years later, I visited again Montsegur but then with a rented car and my girl-friend. It was the same fortress, but being there was far less impressive like the first time. Still today I have a very strong desire to go there and to several other places again alone, on my own, just with my backbag. Actually I was very close to visit Montsegur again in spring 2011 when I visited in Catalunya my friends from the group Arnica. I was climbing the magical twin peaks of Pedraforca. Close to the mountain I suddenly saw a sign for a path that the Cathars had used in the past from France to Spain to escape from the Catholic crusade against them in the time of the persecutions to escape. I was close of walking there – and I hope to do this another time. I have a very strong desire for these kind of archaic travels. I was inspired a lot in my youth by the writings of Arthur Rimbaud and also Jack Kerouac.

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9- Did you publish other writings in the last years?

I contributed three texts to the magazine Hex in Oregon, one about a winter solstice night that I spent alone on an Austrian mountain, another one about a tumulus in Andalucia and one about rock inscriptions in Carinthia, Austria. In these days I am working on my Croatia diary for a book compiled by a close friend of mine in Ireland, Thor Einar Leichhardt. This diary, dealing with my days in the Croatian Paklenica mountains and the ritual burning of a wooden boat on a Croatian island, will probably be accompanied by some photographs that I took there.

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10- Do you have plans for a new book?

Yes, and I already know how it will be called. I am always writing diary, at home and when I am travelling. I also have a strong desire to visit some of the places which I visited again – to experience again the intensity of travelling alone. For example to the octogonal Castel del Monte in La Puglia, Italia, with its eight octogonal towers. Castel del Monte is already a chapter in Blutleuchte but I really would like to plan another magical mystery tour to this enigmatic castle – and to write again about it. It happened quite often in the past that after the publication of a certain Aorta or Ahnstern issue, I was receiving letters from friends and readers sending me additional or brand-new informations that would have been perfect to have been included in the original text too. So many Aorta and Ahnstern issues were like doors to new areas with new visions. Some issues also changed my life. When I was travelling to all these places so many years ago, I took a lot of slides, the best of them have been used in the American and French Blutleuchte editions. In the last years I have been travelling a lot, with Allerseelen we have been in a lot of countries, Russia, Romania and many other places, I always try to combine concerts with travels – so I very often come back from countries with dozens or hundreds of new experiences and impressions. And some of these diaries, combined with photographs, could be a perfect starting point for another book release.

Lux Atenea 4 - 5

11- You seem not also to travel but also to read a lot? What are you reading currently?

I always have books with me when I am travelling, when I am going somewhere in Wien, when I am working, and of course at home I am living a Steppenwolf life surrounded by hundreds of books. I could not imagine a life without books. At the moment I am inspired a lot by the impressive German artist Anselm Kiefer who works a lot with lead – he became that rich with his art, so rich that he was able to buy the old lead roof of the dome in Cologne! I am reading a book with several interviews with him where he talks about alchemy, history, mysticism, symbolism, war…

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12- What are your plans for 2012 and 2013? What will be your next travel?

I am looking forward to several concerts with Allerseelen in winter and spring which I will try to combine with travels. In these days we are working also on the next Allerseelen CD which will be called Terra Incognita. Allerseelen have an invitation to perform in Finland in winter. So I started doing some researches about special areas in Finland. I saw wonderful photographs of the light phenomena of aurora borealis, so I hope to be able to travel somewhere where I may experience these wonderful northern lights.

MARILYN MANSON con NEIL STRAUSS “LA LARGA HUIDA DEL INFIERNO” (MONDADORI, 2000) (Reseña / Review #18).

Posted on 24 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 18 // Reseña Literaria nº: 7
Reseña actualizada. Publicada el 30 de enero del año 2007 en Lux Atenea.

Publicado por : Mondadori
ISBN : 84-397-0423-2
Edición : 2000 (EDICIÓN COMPRADA)

Como analista cultural non-mainstream, me parece absurdo y fuera de contexto realizar el análisis de este libro sobre el controvertido artista estadounidense Marilyn Manson, haciendo foco en la evidente y seductora perspectiva basada en su obscura y provocadora imagen que proyecta públicamente, ya que creo firmemente que esa perspectiva es completamente equivocada, siendo el contenido de este impresionante libro el que respalda la confirmación de esta opinión personal. Nada más salir a la venta su álbum «Portrait Of An American Family» (1994), compré su edición en CD y, desde el primer momento que escuché las canciones de este grupo musical tan transgresor, rápidamente me di cuenta del inmenso talento y de la gran inteligencia artística que poseía su cantante y compositor: Marilyn Manson. Su calidad musical perfilada dentro de un estilo sonoro extremo e innovador, el potente mensaje que transmitían las letras de sus canciones, sus cuidadas y contundentes melodías en clave rock, sus impactantes vídeoclips de siniestra belleza… no eran simples movimientos comerciales de carácter promocional que estaban controlados por su sello discográfico para la obtención de suculentas ventas (y sus siguientes beneficios). En este conjunto artístico encontré mensajes y conceptos mucho más profundos que permanecían latentes debajo de esa alocada y tenebrosa fachada. Pero, en mi reseña sobre este interesante y revelador libro de Marilyn Manson, los cultos lectores de Lux Atenea se estarán preguntando sobre qué importancia tiene esta visión personal sobre el grupo musical y su líder, si esta es una reseña literaria. A continuación, iré explicándolo todo punto por punto para que quede muy claro que Marilyn Manson es mucho más que música y estética de siniestra y gótica belleza.

Durante el tiempo que estuve leyendo, analizando y disfrutando este extraordinario libro, página tras página, la complicidad respecto al mensaje de la mayor parte de su contenido informativo me provocó ese vínculo, ese vínculo tan especial al comprobar que los comentarios que el propio Marilyn Manson realiza sobre su vida, sobre su obra, sobre sus experiencias… encajaban perfectamente con las interpretaciones que había realizado anteriormente durante años sobre sus temas musicales, y sobre la visión que tenía de él desde un punto de vista artístico y psicológico. Un trasfondo real no siempre comprendido por mis amistades y allegados en relación a este artista musicalmente tan extremo. No entendía su incomprensión ante lo obvio pero, a su vez, ello no me afectaba ante la seguridad de lo sentido. Y es que un analista cultural non-mainstream ha de tener siempre en cuenta que vivimos en un presente dominado por la irrealidad que proyecta el mundo visual en el que estamos inmersos. En la sociedad occidental actual y en la mayor parte del resto del mundo, la imagen manda, la imagen impera sobre las mentes, la imagen es el nuevo dios (junto al eterno dios Dinero), y la ciudadanía ignora (o quiere seguir ignorando) que la imagen también nos engaña y se burla de nosotros como muy clara y contundentemente nos muestra este antihéroe llamado Marilyn Manson en su obra musical, a través en su estética, y de la calculada escenificación de sus actos públicos. Dentro de esa perspectiva llamémosla “real” que nuestra sociedad tiene mientras sigue estando enganchada al poder de lo visual, el artista Marilyn Manson es visto y etiquetado como la encarnación de una figura maligna, decadente y obscura, si tenemos en cuenta a la mayoría de los comentarios que se han publicado sobre él en los massmedia, o a la mayoría de los artículos que se han difundido sobre este artista estadounidense. Que si Marilyn Manson es el nuevo anticristo, que si es un discípulo de Satán, que si personifica a la corrupción y al vicio… como si el origen de todos los males que aquejan a nuestra sociedad occidental en la actualidad fueran debidos a la existencia de artistas como Marilyn Manson.

El grave error comete la persona que llega a ese tipo de razonamientos y de conclusiones es que interpreta de forma superficial, la obscura y provocadora imagen que proyecta Marilyn Manson, sin molestarse en analizar por qué está así definida, así perfilada, tanto en su simbolismo como en su mensaje metafórico. Y cuando ese mensaje deja al descubierto el verdadero trasfondo del culto a la imagen que muestra la sociedad moderna en su vano intento de cubrir el alma humana con una deslumbrante, aterciopelada e iridiscente imagen que oculte la realidad latente de sus actos irracionales dominantes, artistas como Marilyn Manson terminan desvelando en el mensaje de sus obras ese terrible trasfondo, mostrando el amplio y poderoso alcance de la corrupción humana en toda su crudeza. Teniéndo esto en cuenta, en relación a Marilyn Manson, tal vez estemos frente a un artista, frente a una persona que engañado desde muy joven con la aparente bondad de lo humano, al sufrir las consecuencias de la crueldad y de la maldad humana, en su madurez decide tirar de la manta y poner a la Humanidad frente a frente con su auténtica realidad a través del Arte, en este caso, musical. Por lo tanto, ya no estaríamos ante un artista loco, o ante un discípulo de Satán, o ante un ser malvado, sino ante un artista con el coraje suficiente para decir a la sociedad lo que no quiere oír, mostrando visualmente a la ciudadanía lo que nunca querría ver, y no por ser imágenes horribles, sino por que son imágenes basadas en esa realidad en la cual vive, pero que no acepta ni asimila. En el fondo, Marilyn Manson acaba siendo el artista etiquetado por la sociedad como malvado, paradójicamente, por haber reflejado la maldad de esa misma sociedad en su obra musical.

Brian Warner.

Brian Warner nace en una familia estadounidense bastante peculiar, al imprimir sobre su sensible y curiosa inteligencia una serie de conceptos e imágenes donde se entremezclarán los tabúes y los dogmas que, en el futuro, serán la base conceptual del artista llamado Marilyn Manson. Pero, ¿cómo puede un adolescente como otro cualquiera, dar vida a un personaje tan extremo como Marilyn Manson? Pasemos a relatar el ambiente donde Brian Warner creció y se desarrolló en su infancia. Si hay una persona que influirá decisivamente en la formación de la joven mente de Brian es su abuelo, el cual tenía un sótano cuya entrada no estaba permitida a nadie. El motivo de esa prohibición: en el sótano era el lugar donde su abuelo convertía las visiones más “depravadas” que le surgían en su mente en una realidad. Un sotano que el joven Brian Warner acabará descubriendo, explorando esa estancia marcada por un ambiente húmedo y maloliente más digno de un cutre urinario público, que de un lugar destinado a la escenificación erótica y algo más. No creo equivocarme al ver en algunos fragmentos de sus vídeoclips, el reflejo de esas observaciones clandestinas que Brian Warner tuvo en el sótano y cuyas visiones de fuerte impacto psicológico quedaron grabadas en su mente, marcando profundamente su personalidad.

En el tema padres no entro, ya que su influjo en el pequeño Brian Warner es débil y tenue, pero sí entraré en el apartado referente a la educación que recibió ya que resultaría decisivo en la formación de su personalidad. Desde pequeño, Brian Warner es inscrito en la escuela privada y, más concretamente, en una escuela cristiana de corte antiguo cuya férrea disciplina estaba completamente fuera de lugar en los Estados Unidos de América más modernos y avanzados. La verdad es que llevar a una mente infantil como la de Brian Warner a un medio duro y opresivo como el existente en los centros de educación de las escuelas cristianas más conservadoras, es un completo error al mezclar lo frágil y sensible con lo brusco y lo tiránico. El resultado final no podía ser otro. Según la mente de Brian Warner va desarrollándose en ese medio hostil hacia su persona, en el interior de su mente irá analizando cada una de las situaciones y de los actos que allí sufre, creando como antídoto psicológico para poder sobrevivir a ese infierno, un especial don para llevar esas mismas acciones que padece a sus posiciones más extremas. Una vez allí, Brian Warner no dudará en intentar cuestionar o en poner en tela de juicio a la persona que lo atenaza o que lo está atacando, todo ello, a través del inteligente juego de la provocación constante ya que Brian Warner no ha nacido con una gran fortaleza física. En conclusión, una vez terminado ese periodo educativo, Brian Warner sale de esa escuela privada cristiana tal y como salen algunas personas con su misma sensibilidad emocional que allí se educan, o sea, convertido en un ser traumatizado y con inclinaciones hacia lo degenerado. Brian Warner no se convierte en una persona mala en el sentido más estricto de la palabra. El suceso del conejo y las conclusiones posteriores a las que llega no son propios de un ser con malicia, sino de todo lo contrario, de una persona racional y sensible. Pero entonces, ¿cómo puede transformarse Brian Warner en lo que años más tarde será conocido dentro del mundo musical como Marilyn Manson? La pregunta no tiene más respuesta que la reacción que tiene una persona con sus emociones alteradas y con el fondo de su personalidad absolutamente quemado, cuando lo que quiere es venganza contra aquellos que lo han machacado vilmente con el beneplácito de la sociedad que los ampara. Por este motivo, Brian Warner fue muriendo poco a poco siendo víctima de sus educadores para renacer de sus cenizas en forma de Marilyn Manson.

Marilyn Manson nace.

Brian Warner necesita un lugar en donde poder “morir” y luego renacer como Marilyn Manson, y el lugar escogido no es otro que la escuela pública. Allí, encontrará el caldo de cultivo ideal donde alimentar al nuevo ser que dentro de él pide salir, expandirse, y vivir. Todo lo aprendido en la escuela cristiana le permitirá encumbrarse socialmente en ese entorno caótico y alocado donde seres como él, con su misma perspectiva, están dispuestos a apoyarle en su nueva dinámica hasta límites aún mayores y más extremos. De esta forma, Marilyn Manson se convierte en el cómplice transgresor de una parte de las personas que viven en ese entorno, recibiendo como recompensa la complicidad, el reconocimiento, y la compañía de otras personas con vidas paralelas a la suya. Por fin, Marilyn Manson ha encontrado el medio donde se siente cómodo, donde puede proyectar sus sueños personales. Obviamente, siendo los Estados Unidos de América, Marilyn Manson se desarrollará alejado completamente de la sociedad deportivo-estudiantil allí reinante. El posterior paso de la escuela pública a la sociedad cotidiana será sencilla, pero adaptar lo que quiere hacer respecto a lo que realmete hace, le resultará mucho más complicado de lo que imaginaba. Crear un grupo musical estable que dé solidez a sus ideas musicales se convierte en una lucha titánica contra todo tipo de circunstancias y de imprevistos inimaginables. Y todo ello, dentro de un entorno artístico inevitablemente unido a una forma de vida donde el sexo, las drogas, el descontrol, y la deriva existencial, llegan a ponerle en situaciones críticas de abandono. Pero el resultado final es obvio: todo acaba en el éxito musical y comercial que sigue disfrutando actualmente.

Marilyn Manson ha terminado creando una maquinaria artística de psico-provocación social perfectamente engrasada y ajustada, que nos ofrece rotundos y transgresores mensajes dirigidos a los retrógrados esquemas sociales que, curiosamente, son admitidos por la sociedad como normales porque lo peor que tiene esta misma sociedad es su gran permisividad hacia el Mal. La sociedad usa la táctica de mirar hacia otro lado como si esta actitud fuera a solucionar o a eliminar ese problema. Como pueden comprobar, la imagen que pueden tener de Marilyn Manson a través de esta reseña del libro empieza a no cuadrar con la interesada imagen que los massmedia han difundido socialmente sobre él. Por este motivo, desde Lux Atenea recomiendo la lectura de este libro a aquellas personas que quieran tener una visión más realista sobre Marilyn Manson, al estar completamente alejada de la visión sensacionalista ofrecida por los grandes medios de comunicación de masas. Como apunte final, y como seguidor de Marilyn Manson desde sus inicios con la compra de sus álbumes musicales, como con la asistencia a sus primeros conciertos ofrecidos en España, actualmente puedo afirmar que Marilyn Manson no tiene nada que ver con ese otro Marilyn Manson autodestructivo que pude ver y disfrutar hace años en sus actuaciones musicales en directo. Indiscutiblemente, cambiar la autodestrucción personal por el sosegamiento interior le ha llevado a pagar un precio cualitativo muy alto en la creación musical de vanguardia y en el trasfondo de sus canciones. Todo no se pude tener en esta vida. Ha ganado en éxito comercial y en el apartado económico, y ha perdido alma innovadora dentro de esta escena musical. Cualquier acción en esta vida tiene unas consecuencias y unos efectos, y no se puede ser transgresor desde la comodidad y el confort. “La Larga Huida Del Infierno”, un libro de imprescindible lectura y análisis donde los fieles seguidores de Marilyn Manson podrán informarse sobre su auténtico pasado y sobre sus verdaderos orígenes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BUKOWSKI -UNA VIDA EN IMÁGENES-” (SALAMANDRA, 2001) (Reseña / Review #17).

Posted on 24 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 17 // Reseña Literaria nº: 6
Reseña actualizada. Publicada el 8 de julio del año 2009 en Lux Atenea conmemorando el 15º Aniversario de la muerte del ilustre escritor estadounidense HENRY CHARLES BUKOWSKI (16 de agosto, 1920 – 9 de marzo, 1994).

BUKOWSKI Una Vida en Imagenes ediciones salamandra

Publicado por: EDICIONES SALAMANDRA, S. L.
ISBN: 84-7888-682-6
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)

BUKOWSKI Una Vida en Imagenes ediciones salamandra pic1

El ilustre escritor estadounidense Charles Bukowski es y seguirá siendo uno de los pilares maestros de Lux Atenea. Con la reseña que escribí sobre su libro “El Infierno es un Lugar Solitario”, inauguré la sección literaria de esta página web cultural en Internet, y es que siempre es un honor y un inmenso placer el poder hablar sobre sus grandes obras. Pero, en el caso en concreto del libro aquí analizado, son las imágenes y no las palabras las que llevarán al culto lector de Lux Atenea a conocer un poco más sobre este genio de la literatura del siglo XX. En el interior de esta preciosa edición, encontrarán una atrayente selección de imágenes compuesta por unas doscientas fotografías, en las cuales, podrán ver a Charles Bukowski desde que era niño hasta su edad madura en orden cronológico. Publicado por Ediciones Salamandra en un formato de libro tan especial como es el apaisado, la alta calidad que presenta su impresión dejará muy asombrado a más de un bibliófilo lector. Observar la vida de este genio de la literatura en imágenes provocará más de una sensación de simpatía en los lectores, y de empatía por lo observado, ya que se van a encontrar con una realidad cruda y desangelada que está completamente alejada de esa existencia acomodada y llena de lujos que se presupone en un escritor de esta fama, y de este nivel y categoría. Comprobarán cómo Charles Bukowski vivió una realidad cotidiana igual de dura que la que tuvieron que vivir muchas personas de su generación. Incluso, los vicios en los que cayó este gran poeta y escritor también fueron santo y seña de esa generación estadounidense marcada por la Gran Depresión de finales de los años veinte, y por el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Una vez finalizado ese gran conflicto bélico cuyos efectos destructivos alcanzaron a una gran parte de este planeta, el mundo y, muy especialmente, las ciudades, sufrirían un cambio brusco hacia la deshumanización provocada por el sistema industrial, y por el culto absoluto al dinero y al individualismo que, desde entonces, no ha abandonado la esencia de nuestra sociedad moderna.

BUKOWSKI Una Vida en Imagenes ediciones salamandra pic2

Charles Bukowski, como muchos otros ciudadanos de su época, sobrevive como buenamente puede con trabajos mal pagados mientras la entrada en el mundo del alcohol y de las apuestas no se harían esperar. Solamente cuando Bukowski está punto de cumplir los cincuenta años decide dedicarse de lleno a escribir. Inevitablemente, encontrará en su propia vida y en la despiadada sociedad en la que vive, esa fértil inspiración tan necesaria para llegar al alma del lector y para provocar su fascinación hacia la obra literaria. De esta forma, el reflejo detallado y directo de esas personas solitarias en las páginas de sus libros, de esas personas desesperadas, de esas personas aferradas a los vicios para olvidar, de esas personas que no encuentran un sentido a su propia existencia, de esas personas para las cuales un circunstancial encuentro sexual se convierte en una efímera evasión, de esas personas abandonadas a la inercia de lo normal y cotidiano, de esas personas con esperanzas puestas en el juego, de esas personas atrapadas por el alcohol porque permite pasar mejor el detestado tiempo, de esas personas que hicieron todo lo que se esperaba de ellas en esta vida y acabaron encontrándose vacías… en resumidas cuentas, Charles Bukowski nos habla clara y honestamente en sus obras sobre esas personas vivas biológicamente, pero muertas interiormente. Y ese porcentaje de la ciudadanía sigue aún creciendo en las modernas ciudades que habitamos en la actualidad. Por este motivo, cada una de sus obras sigue brillando y brillará aun más en las próximas décadas. Además, la grandeza artística de Bukowski como escritor viene dada por su estilo literario, a través del cual logra captar la atención de muchos lectores al hablarlos de tú a tú desde el mismo nivel existencial, y desde la terrible experiencia que aprendió viviendo en el avanzado mundo de la sociedad moderna. “Bukowski – Una Vida en Imágenes-”, quince años han pasado desde su muerte y su magia literaria sigue siendo deslumbrante en esta sociedad moderna tan ácida y degradada. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

bukowski una vida en imagenes

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “SIXTEEN DAYS – GATHERING DUST” (4AD, 1983) (Reseña / Review #16).

Posted on 24 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 16 // Reseña Musical nº: 7
THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (1ª parte).
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de octubre del año 2006.

Publicado por : 4AD, (BAD 310), 1983
Edición comentada : Vinilo 12” Maxi (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Song to the siren / 2- Sixteen days reprise / 3- Sixteen days – Gathering dust
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (excelente vinilo, destacando tanto el material utilizado como la grabación e impresión, que son dignos de elogio; una obra de esta categoría es casi impensable escucharla y apreciarla en un formato que no sea en vinilo)

En el año 1980, Ivo Watts-Russell funda la compañía discográfica 4AD, embarcándose en una aventura empresarial y musical muy arriesgada en aquella época. Su firme y decidida apuesta en apoyo de obras creadas por grupos musicales non-mainstream con dificultades para publicar, unido a una exquisita selección artística, convertirán en pocos años a la compañía discográfica 4AD en uno de los sellos de referencia dentro de la escena musical cuyo prestigio sigue estando presente en esta segunda década del siglo XXI. Ya desde su inicio, el sector del público más melómano empezó a considerar a 4AD como toda una garantía de calidad musical debido a la relevancia conceptual y a los aires sonoros de vanguardia que se atesoraban en el interior de sus ediciones, pero Ivo Watts-Russell tenía también otros proyectos musicales en mente. Uno de ellos se transformará en el mito musical por excelencia dentro de la escena gótica. El proyecto tiene un nombre: This Mortal Coil.

Para sacar adelante el proyecto experimental This Mortal Coil, Ivo Watts-Russell recibirá la ayuda de un maestro de la creación musical y de la técnica de grabación dentro del mundo discográfico llamado John Fryer, y, juntos, lograrán dar cuerpo y sentido a esta atrevida aventura artística. Las ideas sobre cómo ha de sonar This Mortal Coil, sobre cómo ha de ser, sobre cómo ha de transmitir su mensaje musical las tiene Ivo Watts-Russell en su cabeza de forma muy clara, pero John Fryer es quien se encargará de coordinar a los músicos y cantantes que participarán en This Mortal Coil. Incluso John Fryer escribirá las letras de algunos de esos temas, proyectando artísticamente en la práctica ese orden y ese sentido musical a estas ideas tan innovadoras. Por lo tanto, en contra de lo que algunos opinan, tras leer estas líneas los melómanos lectores de Lux Atenea han de tener muy claro que This Mortal Coil no es un grupo musical. This Mortal Coil es un experimento musical dentro del cual Ivo Watts-Russell decide unir a una serie de artistas y de bandas musicales para hacerlos partícipes de esta aventura artística tan temeraria como vanguardista. Tras empezar a preparar sus primeros trabajos, en el año1983 presentarán oficialmente el primer disco de This Mortal Coil: un maxi en vinilo de doce pulgadas que incluye tres temas, y que lleva por título “Song To The Siren”. Con esta ilustre y mítica publicación discográfica, el banderazo de salida de This Mortal Coil hacia el éxito acababa de ser dado. En este maxi, los artistas que dan cuerpo musical e interpretativo a estas canciones son Michael Conroy (bajo) y Gary McDowell (guitarra) provenientes del grupo Modern English, Elizabeth Fraser (vocalista) y Robin Guthrie (guitarra) del grupo Cocteau Twins, Gordon Sharp (vocalista) del grupo Cindytalk, y Martyn Young (teclados) del grupo Colour Box. Pasemos a escuchar y a disfrutar de esta primera obra, de esta auténtica joya musical de This Mortal Coil.

El acto de sacar este disco de vinilo de su funda, depositarlo en el giradiscos, poner la aguja en el inicio del surco y pulsar el botón de start, lo he repetido no sé cuantas veces a lo largo de los años, de las décadas, pero sigue provocándome una sensación muy especial de lo más placentera. Este es el acto ceremonial por excelencia que un melómano puede realizar para disfrutar la esencia musical non-mainstream en estado puro. Tener en mis manos este primer disco de This Mortal Coil en vinilo y poderlo escuchar en su edición original, podemos decir y afirmar que es un ritual de lo más fetichista y sensorial. Un conmutador musical directo a las fuentes cerebrales del placer más sofisticado para el hedonista que se apasiona con la música selecta e inmortal. El motor del giradiscos ya está en marcha y la primera canción que comienza a sonar es el tema homónimo que da título a este maxi. La mítica canción “Song To The Siren” empieza a perfumar nuestra estancia con su encanto melódico y con su magia lírica, alzándose como un tótem musical gótico. Y es que “Song To The Siren” no es una canción, es un ente sonoro cuyo hechizo es capaz de poseer el espíritu de grupos musicales tan relevantes como Héroes del Silencio (sí, esta es la canción que utilizaba este grupo español como intro musical en sus conciertos), o el alma de genios artísticos de vanguardia como el director cinematográfico estadounidense David Lynch, que incluyó la canción “Song To The Siren” en su obra maestra “Carretera Perdida / Lost Highway” (1996) para engrandecerla aún más. El desierto solitario, esa casa en llamas iluminando la noche, Patricia Arquette haciendo el amor a un pobre infeliz mientras suena esta canción y, antes del clímax, le susurra suavemente al oído “nunca seré tuya” como un veneno mental que permanecerá indeleble en su cerebro, dando una fuerza psíquica y una intensidad visual a esta escena que es incomparable. ¡¡¡Una escena cinematográfica legendaria… inolvidable!!! Pero la mítica canción “Song To The Siren” de This Mortal Coil es la versión del tema original compuesto por el músico estadounidense Tim Buckley (1947 – 1975), siendo incluido en su álbúm “Starsailor” (Straight / Warner Bros. Records, 1970). Del estilo folk de finales de la década de los sesenta que presenta su versión original, tras pasar por el filtro musical de This Mortal Coil, la excelsa canción “Song To The Siren” adquiere este trasfondo obscuro, decadente y siniestramente bello gracias al etéreo registro de voz de Elizabeth Fraser en esta interpretación lírica única e irrepetible. ¡¡¡Pura magia!!!

Tras volver a disfrutar el tema “Song To The Siren”, la canción “Sixteen Days Reprise” aparecerá musicalmente un poco ensombrecida porque el nivel artístico previo ha quedado situado muy alto, y más, cuando esta composición presenta una estructura compleja en su concepto innovador, quedando en algunos momentos bastante volátil en su dimensión sonora mientras mantiene su evolución musical orientada a la experimentación conceptual. Damos la vuelta al disco de vinilo, y nos encontramos con otra joya musical de This Mortal Coil que solamente publicaron en este disco: el tema “Sixteen Days – Gathering Dust”. Aquí, definitivamente nos rendimos al embrujo artístico de este grupo musical de auténtica vanguardia. Este plano instrumental para bajo como inicio del tema de donde emanarán siniestras nieblas, esta espera prolongada cargada de intensidad y de incertidumbre musical, y, como no, la entrada de Elizabeth Fraser para embrujarnos de nuevo con su voz mientras es acompañada por la desgarradora y vampírica voz de Gordon Sharp, convierten a “Sixteen Days – Gathering Dust” en una de las mejores canciones que hayan aparecido dentro la música non-mainstream de la década de los ochenta. Tener este vinilo maxi en las manos no es sólo poseer una edición de gran valor artístico y cultural. Como analista musical, es una auténtica delicia el poder contemplar y el poder admirar la primera obra de esta leyenda musical llamada This Mortal Coil en su edición original. Yo tardé algunos años en poder conseguir este vinilo, pero el esfuerzo y el dinero gastado merecieron mucho la pena. “Song To The Siren”, la incombustible e inagotable pasión musical tiene un nombre: This Mortal Coil. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PELÍCULA / FILM “CARNIVAL OF SOULS” versión de Herk Harvey (1962) (Reseña / Review #15).

Posted on 24 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 15 // Reseña Media nº: 1
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 20 de septiembre del año 2010.

Director: HERK HARVEY Guión: HERK HARVEY y JOHN CLIFFORD
Actores principales: CANDANCE HILLIGOSS, FRANCE FESIT, SIDNEY BERGER, ART ELLISON
Año: 1962 Duración aprox.: 78 minutos + 34 minutos extras
Publicado por: VERSUS ENTERTAINMENT Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Carnival Of Souls” es una película de culto que influyó en obras cinematográficas posteriores creadas por directores de la talla de David Lynch. Mi recomendación a los lectores de Lux Atenea más cinéfilos es absoluta e ineludible, y, más aún, si pueden disfrutarla en esta preciosa edición publicada por VERSUS ENTERTAINMENT ya que incluye en su interior la impecable restauración del master de la película. Además, en este DVD también se ha incluido como extras un ensayo del crítico de cine Jesús Palacios y el interesante documental “La Historia de -Carnival Of Souls-”, donde los propios protagonistas y los creadores de la película recuerdan su filmación treinta años después, ofreciendo la más completa información sobre esta obra tan sorprendente como poco conocida por el gran público. Y es que “Carnival Of Souls” es una película innovadora que se puede etiquetar perfectamente como cine de terror de la década de los 60, combinando la estética non-mainstream de vanguardia con una belleza siniestra de fuerte impacto visual para reforzar artísticamente esta extraordinaria trama.

Filmada con las limitaciones que ofrece un bajo presupuesto y en escenarios exteriores pertenecientes a la ciudad de Lawrence (Kansas, EE.UU), la intrigante trama que vertebra la película “Carnival Of Souls” comenzará con una joven muchacha en un accidente de coche, al cual sobrevive. Tras su recuperación, decide trasladarse a una ciudad cercana donde tiene la oportunidad de trabajar en una iglesia tocando composiciones musicales para órgano, pero, ya durante el desplazamiento a su nuevo lugar de residencia, empezará a ver a un siniestro personaje que aparece y desaparece a su alrededor en los momentos más inesperados. Además, las ruinas de una feria situadas en las cercanías de su nueva ciudad misteriosamente comenzarán a cautivarla sin saber muy bien el motivo de esta fuerte atracción. A partir de aquí, esta película se convierte en una auténtica delicatessen para los amantes del Séptimo Arte Non-Mainstream. Por desgracia, tras su presentación oficial, “Carnival Of Souls” no tuvo una buena respuesta ni en asistencia ni en taquilla, y no sería hasta bastantes años después, tras su éxito entre el público europeo y de recibir el ensalzamiento artístico por parte de la crítica en el Viejo Continente, cuando comenzara su etapa dorada como película de culto entre el público non-mainstream más cinéfilo que ha permanecido inalterable en esta privilegiada posición hasta nuestros días.

Después de haber analizado y disfrutado esta extraordinaria película, considero lógico y perfectamente comprensible que esté considerada como película de culto debido a su gran calidad, y toda esta aura artística tiene mucho más mérito ya que se pudo alcanzar pese a su escaso presupuesto. Su cuidada estética que presenta “Carnival Of Souls”, la plasticidad de los escenarios elegidos para rodar, la magnífica interpretación de cada uno de sus personajes por parte de los actores, y, sobre todo, la maestría en el uso del suspense y de la intriga como claves artísticas para inspirar terror, como analista cultural non-mainstream agradezco enormemente que el director de la película no haya hecho uso del susto repentino, de la sangre, de los decorados macabros… para transmitir terror en la pantalla. En “Carnival Of Souls”, el clima de terror es sublime y excelso en su ambientación, tocando la fibra sensible en la mente del espectador por su carga psicológica.

Con música compuesta por Gene Moore para dar ese plano sonoro tan especial que toda película de terror debe tener, el culto lector de Lux Atenea también disfrutará contemplando en esta película algunas escenas tan impresionantes como el baile de los muertos en la feria. Imágenes que se quedarán grabadas en su mente por la intensidad que transmite su siniestra belleza. Por supuesto, en esta reseña no me puedo olvidar del misterioso y tétrico personaje cuya presencia en la pantalla siempre nos provoca inquietud, mientras la protagonista principal de esta historia trata de encontrar sentido a los extraños hechos que le están sucediendo. Como apunte final, a la hora de reflejar las alteraciones del tiempo en su trama, a nivel artístico quisiera destacar el excelente uso de la cámara por parte del director y del sonido en su montaje y producción. Una técnica y un estilo cinematográfico a la hora de describir lo complejo al espectador que, por desgracia, raramente se observan en películas de reciente creación pese a los grandes medios e inmensos presupuestos que se manejan en el rodaje y producción en la actualidad. Esta es la grandeza de “Carnival Of Souls”, demostrando que la escasez de dinero nunca podrá evitar que la plasticidad conceptual del creador y la inteligencia de pionero pueda dar forma con brillantez a la obra artística hasta definirla excelsa y memorablemente a base de inventiva. El talento inmortalizado en películas de culto de esta calidad siempre termina siendo reconocido por parte del público, aunque a veces se demore en el tiempo esta valoración como así sucedió en este largometraje. “Carnival Of Souls”, cuando una película catalogada como serie B entra en el Olimpo del Cine de Culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SATARAY «NOCTURNUM» (AUTOEDITADO, octubre 2018) (Reseña / Review #14).

Posted on 23 enero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 14 // Reseña Musical nº: 6
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 11 de noviembre del año 2018 en la 39ª Semana Musical Non-Mainstream.

Quiero dar las gracias a la genial artista estadounidense KATRINA ELLISON (SATARAY) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Octubre 2018
Sello discográfico: SATARAY
Tracklist: 1- DarkMoon // 2- Icicle // 3- Moreifir // 4- Maleficum Pt.1 // 5- The Fount // 6- Sparrow // 7- Maleficum Pt. 2
Artistas: Sataray
Trabajo musical: Sataray
Trabajo artístico: Anima Nocturna
Datos técnicos: Temas grabados y mezclados entre los años 2017 y 2018 por Sataray en Olympia (Washington, Estados Unidos de América); álbum masterizado por Casey Chittenden Jones
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark-ambient de trasfondo ritual

El pasado 31 de octubre, la genial artista estadounidense Katrina Ellison presentó oficialmente su primer álbum titulado “Nocturnum”, autoeditado en formato digital a través de la página oficial de Sataray en Bandcamp. El extraordinario álbum “Nocturnum” ha sido engalanado con una siniestra imagen de portada diseñada por Anima Nocturna, reflejando visualmente ese lado misterioso de lo selénico relacionado con lo oculto, con lo mágico, y con lo desconocido desde tiempos inmemoriales. A nivel musical, los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute de la belleza sonora más siniestra, encontrarán en “Nocturnum” un estilo dark-ambient de trasfondo ritual decorado con pasajes melódicos neoclásicos y personalidad artística innovadora, desplegado en siete grandiosos temas con un perfilamiento musical de lo más tenebroso y cautivador. Katrina Ellison, alma máter de Sataray, posee un talento especial en la composición que le permite reflejar esa obscuridad ambiental y ese irresistible hechizo melódico que solamente una alma femenina es capaz de poder reflejar en lenguaje musical. Un estilo musical dark-ambient de vanguardia que engrandece conceptualmente a esta fascinante escena cultural non-mainstream, revitalizando ideas, expandiendo nuevas fronteras estructurales, y embelleciendo con un trasfondo obscuro más metafísico a este dark-ambient ritual de auténtico lujo presentado por Sataray en su álbum de debut. Todo ello unido al magnífico trabajo técnico de masterización realizado por Casey Chittenden Jones, convierte al álbum “Nocturnum” en una magna obra musical de referencia dentro de esta apasionante escena musical.

Los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran este álbum, quedarán profundamente fascinados con este contundente despliegue de creatividad que dará comienzo con el primer tema “DarkMoon”, a través de esta potente entrada sonora de corte sacro para órgano y una atmósfera teñida de obscuridad mediante coros de ultratumba, apareciendo en escena esa iluminación lúgubre e inquietante que aparece cuando el Sol ya se ha ocultado en el horizonte y la Luna se eleva con ese poder mágico tan especial, tan enérgico y trascendente para abrir la puerta a esa otra realidad que da entrada al otro mundo real, pero velado al profano. “DarkMoon” recrea magníficamente ese mundo sagrado de lo oculto, creando melódicamente esa otra realidad que convive con nosotros desde que el primer ser humano abriera los ojos en esta tierra que habitamos, pudiendo ser el tema “DarkMoon” la banda sonora de la primera hechicera de la Historia realizando su ritual. ¡¡¡Impresionante!!! A continuación, en “Icicle”, Sataray configurará un nuevo despliegue musical donde la creatividad estructural está basada en inteligentes planos melódicos de gélida emotividad, siendo sublime este dimensionamiento sonoro armoniosamente estructurado hasta ofrecernos una belleza obscura única que solamente el más excelso dark-ambient de esencia ritual puede ofrecer al melómano más exigente. “Icicle” transmite esa lejanía de lo sentimental en pro de la expansión espiritual obscura alejada de condicionamientos éticos y morales, permaneciendo apartados completamente en ese nuevo estado de consciencia con anhelos de omnisciencia. En cambio, el tema “Moreifir” es más interior, de compromiso del individuo con lo que tiene en mente y quiere convertir en realidad alrededor suyo. De ahí el plano coral fluctuante de fantasmagórica esencia que recrea la lucha interior en el inconsciente, y donde miedos, fantasmas psicológicos e influencias heredadas se enfrentan en el interior del individuo con sus ansias de liberación, con su voluntad de apertura a la visión de la auténtica realidad, y a la asimilación tras el desvelo de las mágicas leyes sacras que verdaderamente rigen este mundo. El final del tema “Moreifir”… ¡¡¡una delicatessen musical para melómanos con gustos obscuros muy pasionales y exclusivos!!!

Posteriormente, el hipnótico tema “Maleficum Pt.1” entrará con un concepto melódico más ajustado al neoclasicismo, para luego fundirse con el tenebroso dark-ambient de Sataray tocado por los aires demoníacos de lo ritual. Una primera parte de este ceremonial entre tinieblas cuya carga metafórica transmite en su simbolismo, la intencionalidad de la mente que lo configura para que sea semilla de un acto, de un hecho, o de un proceso prolongado en el tiempo con la paciencia y el tesón de quienes no les afecta ese mismo tiempo. El crescendo musical de “Maleficum Pt.1” les sumergirá en otro plano existencial, a donde podrán asomarse para contemplar esta danza trascendente en el escenario de la vida y de la muerte para que el destino sea marcado indeleblemente, desembocando en el tema “The Fount” cuya atmósfera sonora se vuelve más grave, mientras su cíclico trasfondo va marcando el tempo con la insistencia de lo lapidario e inmutable. Aquí el Conocimiento Sagrado emana para iluminar y transformar al individuo, elevando su alma a un estado místico que le hará transmutar siguiendo el camino marcado por ese mismo Conocimiento del Arte Regio. Pero es el simbolismo de lo humilde reflejado en el tema “Sparrow” lo que, en esencia, fundamenta todo este álbum en su concepto y en su trasfondo, proyectando estos melódicos planos con un sentido de la armonía que te conmueve, que te eleva el nivel de sensibilidad durante su audición, teniendo el estilo neoclásico un mayor peso musical en esta composición. Un neoclasicismo que es pilar, que es equilibrio, que es el axis mundi llevado alegóricamente al interior del ser espiritual despertado a la nueva consciencia… al nuevo plano existencial que mira más a lo divino que a lo material. En “Sparrow”, Maya pierde todo su poder y su capacidad de manipulación de los sentidos porque el místico vive en este mundo, pero no es de este mundo. ¡¡¡“Sparrow”, contundente muestra del excelso talento musical de Sataray!!! Cerrando este espectacular álbum, el tema “Maleficum Pt. 2” extenderá el telón de clausura con una atmósfera tenebrosa de trasfondo épico que impulsa el movimiento, constatando que el Arte Regio es el desvelo de la ley y el orden de todo lo que nos rodea, y de todos los hilos que mueven cada parte de este mundo a través de los cuales se puede cambiar lo aparentemente inamovible o inalterable. Por este motivo, la densidad que transmite este tema les provocará esa mezcla de atracción y de parálisis, porque el trasfondo ocultista aquí recreado con maestría rompe esos conceptos y esquemas aparentemente inmutables dentro del plano material en el que vivimos. Pero existe algo superior, algo que condiciona este mundo material, y esa misteriosa energía supraterrenal impregna cada nota y cada coro de ese grandioso tema. “Nocturnum”, por su calidad artística y conceptual, erigiéndose como uno de los álbumes musicales más obscuramente bellos e innovadores que hayan sido publicados dentro de la escena musical non-mainstream en esta segunda década del siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THE CURE «THE TOP» (FICTION RECORDS, 1984) (Reseña / Review #13).

Posted on 23 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 13 // Reseña Musical nº: 5
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 22 de octubre del año 2007.

Publicado por: FICTION RECORDS (821 136-1), 1984
Formato: LP Vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: SIDE A: 1- Shake Dog Shake // 2- Bird Mad Girl // 3- Wailing Wall // 4- Give Me It // 5- Dressing Up
SIDE B: 6- The Caterpillar // 7- Piggy in the Mirror // 8- The Empty World // 9- Bananafishbones // 10- The Top
Valoración de la calidad del vinilo: 9 (un vinilo de muy buena calidad, tanto en el material utilizado como en su grabación e impresión; imprescindible escucharlo en este formato).

“The Top” es uno de los álbumes más controvertidos del mítico grupo británico The Cure. Este álbum aparecerá tras la ruptura artística de Robert Smith con Simon Gallup, por este motivo Robert Smith, como líder de la banda musical, se encargará tanto de la producción como de la composición de todas las canciones que darán forma a este peculiar álbum. Pero no todo quedará ahí. “The Top” también será el primer álbum producido en su totalidad en un estudio de grabación. Como pueden comprobar los melómanos lectores de Lux Atenea, el entorno artístico estuvo muy cargado y alterado, y, tras la presentación oficial del álbum, el aluvión de críticas que llegará al grupo The Cure por parte de sus seguidores y de los medios de comunicación será monumental, llevando incluso a Robert Smith a tirar por tierra su propio trabajo en declaraciones públicas, tal y como se puede comprobar con datos y fechas consultando la hemeroteca. En “The Top”, podemos decir y afirmar con rotundidad que estamos hablando del álbum de The Cure creado y producido en las circunstancias más extrañas y difíciles pero, entonces, ¿qué tiene este álbum de especial para ser analizado en Lux Atenea? El tiempo tiene la mala o buena costumbre, según se mire, de poner las cosas en su lugar y, en mi opinión como analista musical, el álbum “The Top” me parece uno de los mejores discos del grupo británico The Cure. Emocionalmente, es muy probable que esté condicionado por el momento personal tan especial que viví cuando hice la compra de este álbum en su edición discográfica en vinilo en la mítica tienda madrileña Discoplay situada muy cerca de la glorieta de Cuatro Caminos. Pero, yendo mucho más allá en el tiempo desde ese momento de la compra de la edición original física, desde mi analítico punto de vista considero este trabajo musical como el primer destello del futuro estilo musical que definirá al grupo The Cure en los álbumes posteriores. Eso sí, el estilo de composición perdió una gran parte de su belleza siniestra y de su obscura atracción sonora. Recientemente, se ha reeditado este álbum en CD tras pasar por un proceso sonoro de remasterización, incluyendo además un segundo CD con diecisiete rarezas musicales de aquella época. Esta edición discográfica no la comento en esta reseña porque no la he comprado, y me niego a descargar canción alguna de cualquier grupo musical para comentar sus trabajos. En Lux Atenea solamente analizo y reseño ediciones originales que he comprado o recibido como promocional. Además, sigo disfrutando intensamente el sonido característico del vinilo al escucharlo y, salvo alguna excepción discográfica que se presente en el futuro, creo que ésta será la edición definitiva que tenga de este excelente álbum. Por más que la tecnología siga avanzando, todavía no han igualado la autenticidad en el registro sonoro que me ofrece la música editada en vinilo.

Hasta la aparición del álbum “The Top”, el estilo musical que era característico del grupo The Cure mantenía hundidas sus raíces musicales al espíritu de su grupo primigenio llamado The Easy Cure, y el halo emocional, sentimental y existencial que transmitían en la mayoría de sus composiciones musicales evolucionaba pero sin perder su esencia conceptual. Este toque sonoro afterpunk seguía vivo pese a la constante transformación musical seguida por The Cure, pero, con el álbum “The Top”, salvo en el perfume sonoro new romantic de la canción “The Empty World”, toda la base estructural y musical se rehace completamente y el mensaje global del disco se unifica dentro de unos parámetros mitad pop, mitad gótico. Además, en el álbum “The Top” por primera vez escucharemos el estilo Robert Smith que le definirá inconfundiblemente a la hora de cantar, un estilo que será muy característico por su registro vocal y por su ritmo pausado hasta convertirse en su sello lírico personal y en la marca musical inconfundible del grupo británico The Cure hasta nuestros días. ¿Quién no reconoce la voz de Robert Smith nada más escucharla, e inmediatamente aparece en nuestra mente el nombre de The Cure? “The Top” fue el inicio de esta nueva etapa artística mucho más alejada de lo afterpunk, pero mucho más innovadora en cuanto a la calidad y a la vanguardia que presentaron muchos temas del grupo The Cure en sus siguientes álbumes, convirtiéndose algunas de esas nuevas canciones en auténticos himnos góticos… y no góticos. Esta es la grandeza musical de The Cure: saber moverse con maestría entre lo pop y lo afterpunk, aunque el grupo nunca ha estado muy cómodo cuando lo han etiquetado como afterpunk o gótico. Y no han sido ni los primeros ni serán los últimos artistas que han rechazado esa etiqueta musical públicamente y, como muestra, ahí tenemos al mítico cantante y compositor británico Andrew Eldritch que tampoco considera la música de su grupo The Sisters Of Mercy como gótica. En fin, sin comentarios.

Empieza a girar la cara A del vinilo y la furia sonora del grupo musical The Cure se desata con la potente canción “Shake Dog Shake”. Un mejor comienzo de un álbum de The Cure hasta entonces, es casi imposible encontrarlo. En potentes oleadas vamos ascendiendo hasta el cenit del renacido espíritu musical de The Cure y, una vez arriba, con el tema “Bird Mad Girl” saltaremos al vacío en busca de ese objeto de deseo nunca olvidado y que nunca conseguiremos hacer realidad. Sueños rotos, deseos convertidos en pesadas cadenas, y el tema “Wailing Wall” dará continuidad a esta distorsionada pesadilla como andadura por la lúgubre sombra de la soledad. Posteriormente, llegará a nuestra mente una pequeña muestra musical de los futuros vientos que soplarán en el futuro álbum “Kiss me Kiss me Kiss me”, sonando la canción “Give Me It” para acelerarlo todo en una dinámica rebelde y rabiosa de tensa atmósfera. Dientes apretados, sudores pegajosos, luces que descargan sobre nuestros ojos toda su furia, hasta que el sedoso tema “Dressing Up” nos meza suavemente con sus sensuales melodías que casi rayan lo vaporoso y lánguido como si los segundos estiraran su duración en el tiempo. Con “Dressing Up”, pasaremos de la aceleración previa hasta esa parálisis del placentero momento que prácticamente lo rompe en su límite máximo. Damos la vuelta al disco de vinilo y, en su cara B, con la canción “The Caterpillar”, la alegría se desatará en este baile de disfraces. Miradas ocultadas por imaginativas máscaras que reclaman esa atención, esos ojos que las desvele. Velas iluminarán los rostros sonrientes hasta que, en el tema “Piggy in the Mirror”, lo psicodélico cobre vida y se transforme en un ser grotesco de carne y hueso que encandilará con su divertida inocencia. Con el eco de antiguas guerras se presentará la canción “The Empty World”, en claro contraste con su mensaje lírico hasta que abramos las puertas de la tenebrosa mansión musical de “Bananafishbones”. Sus cadencias se convertirán en escaleras hacia su siniestra planta superior donde la oscuridad nos hipnotizará inexorablemente para que nos adentremos en su interior. Allí. el tiempo será devorado por un antiguo reloj de péndulo ante nuestros ojos mientras escuchamos atentamente el tema homónimo de este álbum. El final de este fascinante viaje musical ha llegado, pero el tema “The Top” nos atrapará y no nos dejará salir porque desea alimentarse con cada uno de nuestros lamentos. “The Top”, la evolución conceptual del grupo The Cure hacia caminos musicales más luminosos y no tan tenebrosos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CHARLES BUKOWSKI «PELEANDO A LA CONTRA» (ANAGRAMA, 2002) (Reseña / Review #12).

Posted on 22 enero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 12 // Reseña Literaria nº: 5
Reseña actualizada. Publicada el 12 de octubre del año 2006 en Lux Atenea.

Publicado por : Editorial Anagrama
ISBN : 84-339-1488-X
Edición : 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

“Peleando a la contra” es un apasionante libro que atesora una parte de la obra literaria del ilustre escritor estadounidense Charles Bukowski (1920 – 1994) donde predomina la prosa frente al verso, siendo vertebrado en orden cronológico, y es precisamente esta especial característica la que me permite incluir este libro en la sección literaria dedicada a la poesía. En las páginas de “Peleando a la contra”, el bibliófilo lector de Lux Atenea interesado en conocer el momento y la inspiración del poeta a la hora de dar vida a la creación literaria, verá gratamente satisfecha esta curiosidad debido a la relevancia informativa contenida en esta edición. Además, el magnífico libro “Peleando a la contra” está dividido en cinco interesantes apartados:

– 1ª parte: Surgen fabulosos caballos blancos y lamen la escarcha del sueño.
– 2ª parte: Túmbate. Túmbate y espera como un animal.
– 3ª parte: Pon tu nombre en las carteleras, ponlo ahí arriba a multicopista tamaño folio.
– 4ª parte: Otra criatura más embobada por el amor.
– 5ª parte: Mis muñecas son ríos, mis dedos, palabras.

Sin duda alguna, “Peleando a la contra” es una deslumbrante antología basada en fragmentos de libros donde nos hablan sobre la vida y también sobre la vida del propio Bukowski, adquiriendo un considerable valor informativo ante tan colosal cúmulo de experiencias aquí descritas. Pero “Peleando a la contra” también es un libro sobre apuestas en el hipódromo, sobre sexo y alcohol, mucho alcohol siempre corriendo por las venas de un escritor tan inquieto existencialmente como Bukowski. “Peleando a la contra” es la vida cotidiana tan anodina en la que viven algunos ciudadanos dentro de los límites de la gran ciudad, y que son olvidados por la sociedad a la hora de disfrutar de las bondades de la modernidad. Ineludiblemente, “Peleando a la contra” es el caos, es la huida, es la espera del momento definitivo e inexorable, es la soledad irrenunciable, es el momento pletórico y el momento melancólico, es la resaca y el orgasmo, es la áspera vida y el sumo placer. Y Charles Bukowski es el narrador, es el protagonista, es el vividor y el perdedor, es el borracho lúcido y el sabio marginado porque, en el fondo, Bukowski es el poeta de la esencia urbana, es el ángel salvífico con una botella en la mano que nos muestra con rotunda claridad el laberinto de falsedades de la realidad humana en la cual creemos vivir siendo, o queriendo ser, uno de sus protagonistas principales.

Solamente deseo que la presencia de ese ser con una botella en la mano no lo convierta el bibliófilo lector de Lux Atenea en prejuicios. Solamente deseo que ese alcohol ingerido por este ilustre y lúcido escritor no lo convierta el culto lector en una sentencia condenatoria. Solamente deseo que esa falta de arraigo a la sociedad, y que esa visceral ausencia de empatía de Bukowski con la persona falsa de sonrisa fácil que triunfa en la sociedad moderna, no lo convierta el lector en pensamientos de desprecio por su inhumanidad o por su insensibilidad. Solamente deseo que esta firme determinación para no caer atrapado en los pegajosos brazos de la falsedad, no lo convierta el lector en un signo de arrogancia o de soberbia. Solamente deseo que la vida familiar del joven Bukowski con un padre muy duro y una madre ausente, no lo convierta el lector en sentimientos de lastima. Solamente deseo que esa suciedad urbana que cubre estos versos, no lo convierta el lector en un motivo para rechazar la obscura esencia poética contenida en estas páginas. Bukowski es intelectualmente mucho más complejo que esas simplificaciones siempre tan injustas e irracionales. Charles Bukowski nos habla de forma clara y directa, pero las verdades duelen y éstas duelen mucho más cuando saltan a la vista en nuestro presente, allá donde fijemos la mirada. Por encima de todo, Bukowski fue un luchador infatigable que no quiso vivir entre tanta necedad humana, y que prefirió antes la soledad que estar en compañía de los que apestan emocional y sentimentalmente. “Peleando a la contra”, una inteligente mirada al interior del caleidoscopio poético creado por Charles Bukowski. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo por meses: enero 2019

OTSUICHI / KENDI OIWA “GOTH” (GLÉNAT, 2006) (Reseña / Review #20).

THIS MORTAL COIL “IT’LL END IN TEARS” (4AD, 1984) (Reseña / Review #19).

GERHARD HALLSTATT BY GERHARD HALLSTATT, AUTHOR OF THE BOOK “BLUTLEUCHTE”. ENTREVISTA/INTERVIEW EN EXCLUSIVA PARA LUX ATENEA.

MARILYN MANSON con NEIL STRAUSS “LA LARGA HUIDA DEL INFIERNO” (MONDADORI, 2000) (Reseña / Review #18).

“BUKOWSKI -UNA VIDA EN IMÁGENES-” (SALAMANDRA, 2001) (Reseña / Review #17).

THIS MORTAL COIL “SIXTEEN DAYS – GATHERING DUST” (4AD, 1983) (Reseña / Review #16).

PELÍCULA / FILM “CARNIVAL OF SOULS” versión de Herk Harvey (1962) (Reseña / Review #15).

SATARAY «NOCTURNUM» (AUTOEDITADO, octubre 2018) (Reseña / Review #14).

THE CURE «THE TOP» (FICTION RECORDS, 1984) (Reseña / Review #13).

CHARLES BUKOWSKI «PELEANDO A LA CONTRA» (ANAGRAMA, 2002) (Reseña / Review #12).