“INFERNO”, 1980 – DARIO ARGENTO (Reseña / Review #1750).

Posted on 22 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1750 // Reseña Media nº: 103
Reseña actualizada. Publicada el 28 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: DARIO ARGENTO
Guión: DARIO ARGENTO
Actores principales: LEIGH McCLOSKEY (Mark Elliot), IRENE ELLIOT (Rose Elliot), ELEONORA GIORGI (Sara), DARIA NICOLODI (Elise Stallone Van Adler), SACHA PITOËFF (Kazanian)), ALIDA VALLI (Carol, portera del edificio), VERONICA LAZAR (enfermera), GABRIELE LAVIA (Carlo), FEODOR CHALIAPIN, Jr (profesor Giorgio Arnold / Dr. Varelli), ANIA PIERONI (estudiante de música), LEOPOLDO MASTELLONI (John, mayordomo)
País: ITALIA Año: 1980 Productora: PRODUZIONI INTERSOUND
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: MEMORY SCREEN
Año: 2014 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Inferno” es, sin ningún género de duda, la película más compleja, provocadora, mística, y siniestra que haya rodado el director italiano Dario Argento en su prestigiosa carrera dentro del Séptimo Arte más underground. Perteneciente a la Trilogía de las Tres Madres como segunda entrega tras el mítico largometraje “Suspiria” (1977), en “Inferno”, Dario Argento profundiza aún más en el uso de la simbología, de las enseñanzas místicas alquímicas, y bajo la influencia psicológica del ilustre maestro Carl Gustav Jung (1875-1961) en la creación y definición de escenarios hasta lograr sumergir al cinéfilo afín a su obra en este otro mundo sobrenatural donde el terror adquiere proporciones demoníacas épicas. Con indiscutibles influencias literarias enraizadas en la obra del decimonónico escritor británico del Romanticismo Thomas de Quincey (1785-1859), de su libro “Suspiria de Profundis” (1845) toma la idea de las tres figuras femeninas, dando título a esta saga cinematográfica de Las Tres Madres protagonizadas por tres siniestras brujas enlazadas con la Muerte: Mater Suspiriorum (bruja con mayores conocimientos) aparece en la película “Suspiria”, Mater Tenebrarum (bruja terrible y sádica) se manifiesta en “Inferno”, y Mater Lachrymarum (bruja poderosa unida al inframundo) muestra su poder en “La Madre del Mal” (2007). Tres entidades infernales cuyas tenebrosas manos influyen en el destino de las personas, controlando nuestro mundo. Una presencia mucho más obvia en “Inferno” y “La Madre del Mal” que en el largometraje “Suspiria” de cara a los fieles seguidores de Dario Argento, motivo por el cual, es muy probable que la película “Inferno” les resulte un tanto desconcertante y caótica a los espectadores profanos. “Inferno” también es la entrega más tétrica, hermética, mágica, y violenta de la trilogía de las Tres Madres, conservando la estética siniestra de “Suspiria” en su vertiente gótica pero aquí es llevada a una atmósfera más demoníaca, irracional, y perversa. El Mal en su máxima expresión visual como maléfico arquetipo universal, omnipresente e inmutable a la acción humana. Tanto es así, que el propio Dario Argento valora personal y artísticamente a “Inferno” como su película más compleja y excelsa.

Esta tenebrosa historia comienza en el mes de abril en la ciudad de Nueva York, mientras vemos a Rose Elliot (actriz Irene Miracle) en su apartamento hojeando un libro recién comprado a un anticuario llamado Kazanian (Sacha Pitoeff), y cuyo título es “Las Tres Madres”. Una enigmática obra escrita por el arquitecto E. Varelli en cuyas páginas, en clave ocultista, describe la construcción de tres edificios por él diseñados que están directamente relacionados con estas Tres Madres: el edificio construido en la ciudad alemana de Friburgo está dedicado a Mater Suspiriorum (Madre de los Suspiros, la tristeza), en Roma está dedicado a Mater Lachrymarum (Madre de las Lágrimas, el sufrimiento y el dolor), y en la ciudad de Nueva York está dedicado a Mater Tenebrarum (Madre de las Tinieblas, la maldad). Tras escribir una carta a su hermano Mark (actor Leigh McCloskey), Rose Elliot como residente en el edificio mencionado en el libro, decide consultar sobre esa extraña obra a Kazanian, dueño de la tienda de antigüedades situada al lado del edificio, para saber si su contenido es real o ficticio ya que quiere entrar en el sótano en busca de la clave descrita en sus páginas. Una vez dentro, descubrirá un estanque donde se caerán sus llaves y al sumergirse en él para recuperarlas, comprobará que ese lugar bajo el agua está ricamente decorado con figuras y elementos simbólicos destinados a utilizarse en un ritual presidido por el cuadro de Mater Tenebrarum. Posteriormente, en la ciudad de Roma, cuando su hermano Mark se encuentra en un Aula de Música recibiendo clases, mientras escucha la maravillosa composición “Va pensiero…” (perteneciente a la ópera “Nabucco” de Giuseppe Verdi) decide abrir la carta de Rose, siendo testigo de un asombroso suceso que ocurrirá en ese mismo lugar teniendo como protagonista a una misteriosa estudiante con su gato que le mirará fijamente (interpretada por la carismática actriz Ania Pieroni). Su compañera de estudios llamada Sara (actriz Eleonora Giorgi) se da cuenta que Mark ha dejado olvidada la carta en su mesa y cuando quiere avisarle, éste ya se ha marchado. Decide devolverle la carta pero tras leer su contenido, cambia de idea y se presenta ante el edificio que alberga la biblioteca filosófica de la fundación Abertny en busca de un ejemplar del libro de Las Tres Madres. Mark, tras haber hablado con Rose por teléfono, viaja a Nueva York para reunirse con su hermana pero una vez allí, se encuentra que ha desaparecido sin dejar rastro, motivo por el cual, empieza a investigar para tratar de descubrir qué ha pasado con su hermana y desvelar el misterio que se oculta en ese extraño edificio.

Como ya comenté en mi reseña publicada en Lux Atenea sobre la película “Seis Mujeres Para El Asesino” (1964) dirigida por el maestro Mario Bava, los colores rojo y azul adquieren un protagonismo muy especial en el apartado fotográfico y de iluminación en su estilo cinematográfico, y, en “Inferno”, esta influencia cromática también está presente debido a la participación del propio director Mario Bava en el rodaje de algunas de estas escenas tras la baja por enfermedad de Dario Argento. Es de sobra conocido que Dario Argento fue el alumno aventajado del genial maestro Mario Bava, tomando estos colores como base fundamental para la creación y para la definición de escenarios con atrayentes elementos simbólicos en sus largometrajes. Por este motivo, “Inferno” garantiza la visión y el disfrute de inolvidables imágenes y escenas en esta lujosa edición en formato DVD publicada por Memory Screen, como la secuencia inicial de Rose Elliot mientras hojea el libro “Las Tres Madres” y con el acto simbólico de separación de dos hojas unidas utilizando un cuchillo como si estuviera cortando un sello prohibido, con la tenebrosa imagen del edificio en plena noche y el color rojo iluminando la parte baja como si el mismísimo infierno estuviera allí presente, con la inquietante visión de la tienda de antigüedades Kazanian y admirando la obscura belleza que presenta su decoración interior, con la imborrable imagen de las sombras de Rose y Kazanian mientras hablan detrás de la puerta, o con la tétrica visión de Kazanian observando tras el escaparate. Todo en “Inferno” es hipnótico y obscuro como la mágica presencia de la Luna situada arriba en la escalera que conduce al sótano, en la sensación de abandono y de decrepitud que se respira en ese sótano tan sombrío potenciado además con el efecto lumínico de los tonos azules y rojos, con el protagonismo simbólico del agua pero no como elemento salvífico sino como encubridor y protector de lo maléfico frente la intrusión humana, o con la inolvidable escena de la inmersión en este espectacular escenario sumergido donde el agua se convierte en el elemento principal para poder contemplar este extraño y mágico entorno con sorpresa incluida. Imágenes, símbolos, y significados esotéricos mostrándose en la siniestra y fascinante secuencia de la bella estudiante de música con su gato (y que no es otra que Mater Lachrymarum), o en el número 49 como clave hermética que une simbólicamente a estos edificios. Impresiona observar tras la cortina roja, esta espectacular visión de la biblioteca diseñada como si fuera una iglesia, y con ese encanto tan especial que refleja el saber antiguo documentado, Solamente faltaría que pudiéramos percibir también el incomparable olor a libros que desprendería ese mágico lugar, para caer irremediablemente en su embrujo. Destacan también la rúbea iluminación en la zona de estanterías donde está localizado el libro “Las Tres Madres” en la biblioteca, el infernal laboratorio del alquimista y su monstruosa mano demoníaca, el distorsionado reflejo del asesino en el trozo de pomo roto de la puerta, o la presencia del Mal que se intuye en cada sombrío pasillo como si de una pesadilla real se tratara.

“Este edificio se ha convertido en mi cuerpo. Sus ladrillos son mis células, sus pasillos son mis venas. Y su horror, mi propia vida.”

El edificio y su simbolismo. “Inferno” es una excelsa obra de culto y sus imágenes van apareciendo con tanta información como si fueran las páginas de un libro. Es fascinante observar la ambientación gótica del interior del edificio con una estética siniestra donde se entremezcla lo lúgubre con lo decadente, la curiosa y sorprendente placa colocada en la entrada del edificio indicando que en el año 1924 allí residió George Gurdjieff, interesante referencia mística y esotérica incluida por Dario Argento en este largometraje, además del atrayente diseño industrial antiguo de la estancia a la cual se accede bajando por la escalera de servicio, o el impresionante diseño del friso del edificio con monstruos y criaturas de significado esotérico, al igual que la barandilla negra. Provoca inquietud la lujosa decoración del hogar del profesor Giorgio Arnold y la tensión que provoca verle hablar a través del dispositivo electrónico, o la desconfianza que nos transmite Carol, la portera del edificio interpretada por la actriz Alida Valli, sobre todo por su falsa amabilidad mostrada en la escena del ascensor junto a la enfermera (actriz Veronica Lazar) y el profesor Giorgio Arnold (actor Feodor Chaliapin Jr.), que es en realidad el arquitecto Varelli. Lo siniestro está presente en esta magna obra hasta con el diseño en este tono rojo tan intensamente demoníaco con el cual se ha decorado la planta donde vive Rose, o la sospecha que despierta el mayordomo John (actor Leopoldo Mastelloni) en el irracional comportamiento de la vecina de Rose, la condesa Elise Stallone Van Adler, interpretada por la actriz Daria Nicolodi y que también participó en el reparto de las películas de Dario Argento “Rojo Oscuro”, “Tenebre”, y “La Madre Del Mal”. Pero Dario Argento es puro virtuosismo cinematográfico a la hora de configurar secuencias inolvidables como la brutal escena de Kazanian y el saco con los gatos en el estanque de Central Park, el ataque de las ratas que tiene lugar a continuación en el eclipse de Luna, la cara de sorpresa que tendrá el cinéfilo lector de Lux Atenea cuando vea cómo el vendedor de perritos calientes camina sobre el agua, la siniestra belleza que adquiere la escena en la sala gótica donde se presenta Mater Tenebrarum ante Mark, y la espectacular aparición de la Muerte ante él como clave fundamental de Las Tres Madres. ¡¡¡Impresionante!!! En definitiva, la película “Inferno” es el culto a la imagen, a la magnética e irresistible atracción hacia el Séptimo Arte dentro del horror sobrenatural bajo la terrible influencia del esoterismo más obscuro. “Inferno”, película de culto y destacada joya cinematográfica iluminando este siniestro universo artístico creado por Dario Argento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL HOTEL DEL HORROR (horror hotel / the city of the dead)”, 1960 (Reseña / Review #1749).

Posted on 21 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1749 // Reseña Media nº: 102
Reseña actualizada. Publicada el 21 de enero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: JOHN MOXEY
Guión: GEORGE BAXT y MILTON SUBOTSKY
Actores principales: CHRISTOPHER LEE (Alan Driscoll), DENNIS LOTIS (Richard Barlow), PATRICIA JESSEL (Elizabeth Selwyn / Mrs. Newless), TOM NAYLOR (Bill Maitland), BETTA ST. JOHN (Patricia Russell), VENETIA STEVENSON (Nan Barlow), VALENTINE DYALL (Jethrow Keane), ANN BEACH (Lottie), NORMAN MACOWAN (reverendo Russell)
País: REINO UNIDO Año: 1960 Productora: VULCAN FILMS PRODUCTION
Duración aprox.: 78 minutos
Publicado en España por: PAYCOM MULTIMEDIA
Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Las obras rodadas en blanco y negro tienen un encanto muy especial dentro del cine de terror, y el largometraje “El Hotel Del Horror” es una película de serie B que algunos consideramos muy seriamente como cine de culto por su calidad artística, y por la maestría del director a la hora de provocar miedo y suspense en el espectador haciendo uso de lo bello y de lo siniestro en su rodaje, y sin recurrir a técnicas facilonas para sobresaltar al público como subir el volumen del sonido de forma repentina, con gritos desmedidos y exagerados, con la aparición de una imagen horrible sincronizada con los elementos anteriores… Lo único que no entiendo, ni entenderé, es el diseño del cartel de la película porque creo que puede despistar un poco a los cinéfilos lectores de Lux Atenea sobre la temática de este largometraje. “El Hotel Del Horror” puede llegar a parecer una película de zombis que tan de moda están ahora, pero realmente estamos hablando de una historia de corte gótico donde la brujería y lo demoníaco son protagonistas en su trama. En esta admirable labor artística para dar alma y sentido a su guion, el nivel de calidad alcanzado por George Baxt y Milton Subotsky es extraordinario dentro de este género cinematográfico. Con un desarrollo de la trama elegante, la experta mano del director John Moxey es capaz de embrujarnos a través de imágenes y secuencias de gran belleza visual para que no apartemos nuestra mirada de la pantalla. Su gran talento para crear atmósferas fantasmagóricas y solemnes escenarios cargados de tensión, de terror, y suspense, junto a su banda sonora de estilo clásico compuesta por Douglas Gamley, suponen además un plus artístico al estimular la sensibilidad emocional del espectador en entornos mortuorios de trasfondo satánico y fuerte impacto visual. Una grandeza creativa que, en la década de los sesenta, dentro del cine de terror de serie B destacarían las productoras británicas con un estilo y una espectacularidad en pantalla únicas a través de películas emblemáticas que sobrecogieron al público en aquella era irrepetible dentro de este género. “El Hotel Del Horror” es una de esas películas remarcada por el protagonismo interpretativo del mítico actor inglés Christopher Lee en esta tétrica historia. Su magia artística tan carismática y seductora dentro del cine de terror, siempre es garantía de éxito y de atracción para el público. En este largometraje, su labor resulta aún más fascinante ante la siniestra obscuridad que rodea a su personaje de forma permanente: el profesor Alan Driscoll. El genial actor Christopher Lee nos sumerge en esta trama donde aparece la brujería, una secta satánica, muertes y asesinatos, pasadizos secretos, maléficos grimorios, sacrificios nigrománticos… en un pueblo al margen de la civilización donde la niebla es permanente. Si el cinefilo lector se considera amante del mejor cine de terror, la película “El Hotel Del Horror” le cautivará seguro.

Día 3 de marzo del año 1692, Whitewood (Massachusetts, Nueva Inglaterra). Esta gótica historia de terror comienza con la condena a la hoguera de Elizabeth Selwyn (brillantemente interpretada por la actriz Patricia Jessel) por la muerte de Abigail Addams. Esta impactante escena de la quema de una bruja me ha recordado al inicio de la película de culto del maestro Mario Bava “La Máscara del Demonio” (ya reseñada en Lux Atenea), y que curiosamente también fue presentada al público en el año 1960. A partir de aquí, en un repentino salto en el tiempo hasta la segunda mitad del siglo XX, esta historia continuará con el profesor Alan Driscoll impartiendo una de sus clases sobre la brujería en el siglo XVII en Nueva Inglaterra, destacando la joven Nan Barlow (actriz Venetia Stevenson) entre sus alumnos. Nan Barlow tiene interés en profundizar en esa atrayente temática porque quiere realizar un estudio de campo para su tesis, y de esta forma poder conseguir más información directamente en el lugar donde ocurrió aquella quema de brujas, aconsejándole el profesor Alan Driscoll que se dirija a Whitewood. Nan Barlow coge su coche y viaja hasta ese pueblo, alojándose por recomendación de su profesor en la Posada del Cuervo regentada por Mrs. Newless. En este papel, la actriz Patricia Jessel se muestra excelsa y colosal, flemática y emocionalmente fría, altiva e insensible… y con ese halo inquietante que la sitúa por encima del Bien y del Mal. En Whitewood se oculta algo maléfico, las personas que lo pueblan observan fijamente con escalofriantes miradas… hasta que finalmente Nan Barlow termina desapareciendo en la noche del Sabbat de Candlemas. Pasado el tiempo, al no tener noticias de ella, su hermano el profesor Richard Barlow (actor Dennis Lotis) junto a Bill Maitland (actor Tom Naylor) se ponen en contacto con las autoridades porque no pueden localizarla, iniciándose una investigación oficial. Se acabará cerrando el caso al no encontrar ninguna pista que pueda aclarar su paradero, por lo que Richard Barlow y Bill Maitland deciden iniciar su búsqueda en persona siguiendo sus pasos. Una investigación que les llevará hasta Whitewood para descubrir aquello que jamás se hubieran imaginado. “El Hotel Del Horror” les abrirá su mundo mortuorio, y su más terrible y demoníaco secreto donde la vida y la sangre no son más que monedas de cambio para alcanzar ese poder que desean tener algunos seres humanos. Una película donde soplan los siniestros vientos del weird tale dentro del pulp más suave, y sobre el cual aconsejaría a los bibliófilos lectores la inmersión literaria a través de la magnífica obra “Los Hombres Topo Quieren Tus Ojos”, ya reseñada en Lux Atenea.

Esta obra cinematográfica es una película de culto, y una tenebrosa delicatessen audiovisual donde da gusto contemplar la siniestra belleza que muestran sus inolvidables imágenes y escenas, entre las cuales destacaría por su brillantez artística a la figura del encapuchado sin rostro como la muerte y manos con uñas afiladas, la aparición de la bruja Elizabeth Selwyn siseando como una serpiente (¡¡¡pura genialidad!!!), el tiempo parece pararse un segundo al igual que el sonido ambiental cuando Elizabeth Selwyn fija su mirada en la antorcha que han encendido para prender la leña bajo sus pies, o las gélidas miradas que lanza el profesor Alan Driscoll al alumno Bill Maitland por sus faltas de respeto. “El Hotel Del Horror” es tremendamente gótico por las terroríficas máscaras que decoran una de las paredes de la estancia donde el profesor Alan Driscoll imparte sus clases, por la presencia de la niebla ya en la gasolinera situada en la carretera que lleva al pueblo, con la espectral aparición de Jethrow Keane a un lado de la carretera solicitando que le lleven a Whitewood, en la inexplicable e inquietante desaparición de Jethrow Keane (actor Valentine Dyall) en el coche de Nan Barlow, observando la decoración de época de la habitación de Nan Barlow en la Posada del Cuervo, o por la fantasmagórica imagen nocturna del cementerio de Whitewood. ¡¡¡Impresionante!!! Un largometraje que fascinará al cinéfilo con el descubrimiento fortuito de la trampilla, por la siniestra belleza presente cuando el reverendo Russell (actor Norman Macowan) va desapareciendo poco a poco en el interior de su iglesia mientras advierte a Nan Barlow, con el encanto de la tienda de antigüedades de Patricia Russell (actriz Betta St. John), en la tenebrosa procesión que Nan Barlow observa desde la ventana que da al cementerio, o en la bajada del cuchillo de sacrificio en manos de Mrs. Newless y el corte de la tarta. “El Hotel Del Horror” es muy tenebroso por la diabólica visión de Elizabeth Selwyn que Bill Maitland tiene conduciendo su coche, por la angustia permanente reflejada en el rostro de Lottie (actriz Ann Beach) y su cruel destino, en la risa malévola de Mrs. Newless propia de quien juega con la vida y la muerte de los demás a su gusto y capricho, por el secreto de Alan Driscoll escrito en la lápida del cementerio de Whitewood, y por el inquieto suspense que uno siente en la última escena donde Richard Barlow empieza a recorrer los pasillos subterráneos donde se realizan los sangrientos sacrificios, y que nos llevará directamente a este tenso e inesperado final. Como último apunte, recomiendo a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que disfruten este largometraje en una noche invernal, y que apaguen la luz para sumergirse en la irresistible atracción del arte cinematográfico en blanco y negro. Toda una experiencia. “El Hotel Del Horror”, como analista cultural es un honor el poder rescatar del olvido a esta película de culto dentro del cine de terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).

Posted on 21 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1748 // Reseña Media nº: 101
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: RICHARD FLEISCHER
Guión: EDWARD ANHALT
Actores principales: TONY CURTIS (Albert DeSalvo), HENRY FONDA (John S. Bottomly), GEORGE KENNEDY (detective Phil DiNatale)
País: EE.UU Año: 1968 Productora: 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“El Estrangulador de Boston” es un impactante thriller cinematográfico cuya trama está basada en la investigación policial que acabaría identificando a Albert DeSalvo como autor de los crímenes cometidos por el estrangulador de Boston, siendo hallado culpable y condenado a cadena perpetua tras el asesinato de trece mujeres entre los años 1962 y 1964. El caso policial relacionado con este asesino en serie es uno de los más estudiados y analizados debido a la complejidad de la patología psiquiátrica de Albert DeSalvo, porque la amnesia y el Trastorno de Identidad Disociativo en su psicótica personalidad complicaron durante mucho tiempo esta investigación llevada a cabo por las fuerzas de orden para la resolución de este caso criminal de gran impacto en la opinión pública. Rodada en color, esta película destaca sobre todo por la forma a través de la cual el extraordinario director de cine estadounidense Richard Fleischer terminó reflejando la psicología de este despiadado asesino. El uso de varias imágenes en pantalla en algunas secuencias, y que, en algunos momentos, llega a haber hasta siete simultáneas ofreciendo cada una de ellas una perspectiva distinta del mismo escenario, nos permite observar y analizar cada instante o suceso importante en la trama. Una sorprendente técnica audiovisual que, en manos de este genial director, logra engrandecer el arte cinematográfico como muy pocos creadores son capaces de configurar. Por este motivo, la película “El Estrangulador de Boston” garantizará a los cultos lectores de Lux Atenea la visualización de un excelso largometraje de intriga y misterio donde podrán sentir con sumo realismo, el tremendo pánico ciudadano que todos estos crímenes provocaron en la ciudad de Boston durante aquellos años.

Aunque inicialmente parecía que las mujeres mayores eran el objetivo principal del estrangulador de Boston, y todo apuntaba a un médico como supuesto culpable de esos crímenes debido al uso del doble nudo cuadrado utilizado normalmente por parte de ese maníaco, la desorientación y los prejuicios propios de aquella época empezaron a salir a la luz durante las investigaciones. Cuando la policía comienza la búsqueda de este asesino en serie, fetichistas, gays, voyeurs, hombres con perversiones únicamente confesables a prostitutas, lectores de cierto tipo de literatura… terminan convirtiéndose en los primeros perfiles de sospechosos a investigar. Pero el número de mujeres asesinadas continúa, las investigaciones siguen sin aportar ninguna pista fiable sobre el asesino, y la policía en su desesperada búsqueda del homicida llega incluso a solicitar la colaboración de un médium que, supuestamente, terminó llevándoles a la detención del posible asesino. Todo ello cambiará radicalmente a partir de la séptima víctima, una joven negra, al quedar este crimen completamente diferenciado de los asesinatos anteriores, ancianas blancas. Esta atmósfera de misterio que empezó al comienzo de la película y donde permanecía oculto el rostro del asesino, no será hasta el ecuador de este largometraje cuando el espectador pueda empezar a ver cómo es el modus operandi del estrangulador de Boston a la hora de poder entrar en las casas de sus víctimas pese a la alarma social.

En esta obra, el director Richard Fleischer sabe cómo reflejar en imágenes ese choque existente entre la visión policial, jurídica, y médica a la hora de resolver este caso. Por este motivo, los espectadores concentrados en la intensidad de los acontecimientos, durante la evolución de su trama pasarán de un thriller a una película de trasfondo mental y análisis psicológico profundo sin prácticamente darse cuenta de ello. Un cambio sutil en el sentido conceptual de la película, favorecido por la excelente interpretación de sus personajes por parte de estos grandes actores, destacando especialmente el difícil papel de Albert DeSalvo interpretado por el mítico actor Tony Curtis. Dentro de la misteriosa complejidad de este asesino en serie con la máscara permanentemente puesta sobre su rostro para complicar su identificación, la naturalidad con la cual Tony Curtis presenta la frialdad emocional de este personaje, el oportunismo caótico con el que solía elegir a veces a sus víctimas, el desquiciado temperamento que lo caracterizaba, el solapamiento mental de sus recuerdos perfectamente reflejados en sus gestos y expresiones… engrandecen artísticamente a este actor estadounidense. En “El Estrangulador de Boston” encontrarán a este escalofriante Tony Curtis interpretando escenas cinematográficas brutales y sobrecogedoras que se quedarán grabadas en su memoria.

También el legendario actor Henry Fonda adquiere relevancia en esta película al interpretar el papel de John S. Bottomly, un analítico e inteligente funcionario público que, por orden del Fiscal General, es designado como coordinador de la investigación por parte del Estado para poder capturar a este esquivo homicida que tanta repercusión empezaba a tener en los medios de comunicación. Otro gran actor secundario como George Kennedy, en su papel del investigador Phil DiNatale, fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea interpretando a este detective absolutamente desbordado por la difícil situación que ha de afrontar. Si desean tener una muestra clara de la magnífica obra artística de George Kennedy, recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre la impactante película “El Caso de Lucy Harbin” (1964). “El Estrangulador de Boston” presenta impactantes escenas como la secuencia del estrangulador de Boston frente al espejo, cuando conversa con su mujer tras ir a visitarle al hospital para hablar con él, la tensa escena del interrogatorio de John S. Bottomly (Henry Fonda) a Albert DeSalvo (Tony Curtiss) y la readaptación mental que éste hace de los hechos ocurridos en uno de sus ataques, la siniestra imagen de una de sus víctimas andando al lado de los maniquíes, la imagen con profunda carga psicológica en la visión de Albert DeSalvo cuando ve a su mujer en perspectiva y a lo lejos… Como apunte final en esta edición íntegra del largometraje publicada en formato DVD por 20th Century Fox en el año 2006, quisiera subrayar que algunas secuencias permanecen en su idioma original porque no fueron dobladas en aquella época tras haber sido censuradas por su controvertido mensaje. “El Estrangulador de Boston”, la película del asesino en serie estadounidense cuya psicopatía llegó a contraponer en aquella época a las leyes judiciales con la lógica científica y médica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ENEMIGOS PÚBLICOS (public enemies)”, 2009 (Reseña / Review #1747).

Posted on 20 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1747 // Reseña Media nº: 100
Reseña actualizada. Publicada el 15 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MICHAEL MANN
Guión: RONAN BENNETT, ANN BIDERMAN, MICHAEL MANN (basado en el libro de Bryan Burrough)
Actores principales: JOHNNY DEPP (John Dillinger), CHRISTIAN BALE (Melvin Purvis), MARION COTILLARD (Billie Frechette)
País: EE.UU Año: 2009 Productora: UNIVERSAL PICTURES
Duración aprox.: 134 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBERIA, S.L.
Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Comentario de fondo del director Michael Mann

Basada en el libro homónimo escrito por Bryan Burrough, “Enemigos Públicos” se ha convertido en otra magna obra rodada con el sello inconfundible del director estadounidense Michael Mann. Un largometraje espectacular que garantizará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea acción, asaltos, persecuciones, intriga, traiciones, y muertes. La mano magistral de Michael Mann en la dirección se aprecia nítidamente en estas espectaculares tomas, en sus giros de cámara, en su exquisita y cálida iluminación, en los espectaculares escenarios elegidos, en el impecable rodaje en exteriores y, sobre todo, en su impresionante e impactante apartado de fotografía que nos ofrece esta magia visual, esta creatividad artística cuya belleza solamente el cine es capaz de perfilar y definir. Además, su acertada ambientación, su selecto y adecuado atrezzo, y sus magníficos decorados facilitan la inmersión mental en esta historia y la credibilidad de esta irresistible trama basada en la vida de John Dillinger (1903-1934), delincuente muy popular y famoso en la época de la Gran Depresión. Como analista cultural, en “Enemigos Públicos” quisiera resaltar por encima de todo la maestría interpretativa con la cual el genial actor estadounidense Johnny Depp ha dado vida a John Dillinger. Puro talento en escena para ofrecernos esta imagen de hombre frío y violento pero caballeroso, que no pierde nunca las formas, y que confía en exceso en sus capacidades para controlar las situaciones por difíciles que éstas se presenten. Otro actor que destaca dentro de este reparto de auténtico lujo es el actor Christian Bale encarnando al agente del FBI Melvin Purvis, un profesional metódico y muy efectivo que tratará de dar caza a la banda de John Dillinger. En la extraordinaria película “Enemigos Públicos” también destaca su excelsa banda sonora en la cual ha sido incluidas delicatessen musicales de Billie Holiday y de Mort Dixon y Ray Henderson con su inolvidable canción “Bye Bye Blackbird”, interpretada de forma sublime por la legendaria cantante Diana Krall, y que podemos disfrutar en vivo en una de las escenas más seductoras de esta película. ¡¡¡Todo un lujo en su registro vocal, en su estilo interpretativo, y en su clase artística!!!

Estados Unidos de América. En el año 1933 en plena Gran Depresión, John Dillinger, Alvin Karois y “Baby Face” Nelson se encuentran en su momento de gloria con asaltos, robos, y atracos en auge y, en la cárcel del Estado de Indiana situada en la ciudad de Michigan, se produce un motín que cuenta con la ayuda exterior de estos tres delincuentes. A partir de ese momento, la banda de Dillinger comenzará a actuar en la ciudad de Chicago empezando con el asalto al banco American Trust. Una situación que provocará la alarma de las autoridades, y que llevará al director del FBI Edgar Hoover a considerar la búsqueda y captura de estos delincuentes como una guerra de los Estados Unidos de América contra los criminales, resaltando este mensaje en los medios de comunicación existentes en aquella época como propaganda esencial en esta lucha a la hora de ser difundida entre la población. Dentro de esta nueva dinámica, también selecciona a los mejores para dirigir los departamentos de la Agencia encargados de esta tarea y, por méritos propios, nombra al agente Melvin Purvis como jefe en Chicago. En su nuevo cargo, el objetivo principal será atrapar (vivo o muerto) a quien se ha convertido en el enemigo público número uno en la ciudad: John Dillinger. La llegada a Chicago de expertos del FBI desde otros puntos del país reforzará aún más a las fuerzas del orden destinadas a capturarlo, pero John Dillinger es muy escurridizo y se mueve ágilmente entre estados. Prueba de ello es que, a pesar de las medidas de seguridad tomadas en Indiana, John Dillinger vuelve a encontrar la forma de escaparse tras ser detenido, provocando que su caso llegue a tener un fuerte impacto nacional que llevará incluso al presidente de los Estados Unidos a tomarse muy en serio este asunto, en vista a la repercusión negativa que ello está teniendo en la opinión pública al estar dejando en ridículo a las fuerzas de seguridad del Estado. Pero las acciones y el excesivo protagonismo público que los actos de John Dillinger está trayendo consigo, están empezando a afectar negativamente incluso a las organizaciones mafiosas al ver sus lucrativos beneficios en peligro tras el espectacular despliegue de medios policiales que John Dillinger arrastra consigo allí donde se establece.

En el inteligente y muy bien vertebrado guión de esta película, además podrán conocer cómo el visionario director del FBI Edgar Hoover utilizó sus lazos directos con la prensa como medio de presión para obtener más fondos públicos para su organización, siendo Harry Suydam (actor Geoffrey Cantor) el encargado de esas relaciones como intermediario entre el FBI y la prensa. Edgar Hoover también hará usó de los medios de propaganda a su alcance para informar al público que John Dillinger estaba en búsqueda y captura, reflejándose fielmente ese acto en las imágenes de la escena del cine como una de las muestras visuales más claras de esa pérdida del anonimato en la cual se amparaban estos delincuentes. Sorprende comprobar el contraste existente entre la fama de estos atracadores a nivel popular, y sus ansias de anonimato con las cuales tratan de pasar desapercibidos para las autoridades. Todo ello unido a esa falsa visión popular de estos delincuentes como gente humana y caballerosa en su época, cuando no dudaban un segundo en matar y en usar a ciudadanos como escudos humanos para cubrirse de los disparos. Además, los cinéfilos lectores de Lux Atenea se sorprenderán con los innovadores métodos científicos utilizados por el FBI en aquellas investigaciones, un sistema muy efectivo para cercar a Dillinger y su banda. Un cerco que empezará a irse cerrando poco a poco hasta que sus vidas se convierten en una constante huida. En este nuevo sistema utilizarían los mejores medios de transporte y de comunicación disponibles en aquella época, y todos los medios técnicos existentes para la captura de estos delincuentes, a parte de otros contundentes métodos para sacar confesiones a los miembros de la banda capturados. Además, “Enemigos Públicos” presenta impactantes escenas como los espectaculares asaltos a los bancos, las contundentes imágenes de estos atracadores disparando sus ametralladoras Thompson en distintos escenarios, la fascinante visión de los coches de época, y, sobre todo, la magia de las imágenes que dan vida a la escena de John Dillinger mirando a la actriz Myrna Loy en la gran pantalla. En definitiva, cuando una película de más de dos horas de duración consigue que tengas la sensación de que se ha hecho corta, el éxito alcanzado por el director en su obra cinematográfica es absoluto. “Enemigos Públicos”, Johnny Depp es extraordinario, Christian Bale es magnífico, pero Michael Mann se presenta glorioso y magistral en su experimentada y virtuosa labor de dirección. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CREEPSHOW III”, 2006 (Reseña / Review #1746).

Posted on 20 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1746 // Reseña Media nº: 99
Reseña actualizada. Publicada el 12 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Director: ANA CLAVELL, JAMES GLENN DUDELSON
Guión: ANA CLAVELL, JAMES GLENN DUDELSON, SCOTT FRAZELLE, PABLO C. PAPPANO
Actores principales: EMMET McGUIRE (profesor Dayton), CAMILLE LACEY (Rachael), KRIS ALLEN (doctor Farwell), RYAN CARTY (Victor), LEIGH ROSE (Sra. Lexington), BUNNY GIBSON (decana Thomson), ELWOOD CARLISLE (anciano homeless con puesto de venta al público), ED DYER (Cliffie), BO KRESIC (Kathy)
País: EE.UU Año: 2006 Productora: TAURUS ENTERTAINMENT Co.
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: PARAMOUNT HOME ENTERTAINMENT (SPAIN), S.A.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

En 2006 se rodó la tercera entrega de la mítica saga Creepshow, año en el cual la productora Taurus Entertainment celebraba su vigésimo aniversario, y no fue hasta el año 2007 cuando los espectadores estadounidenses pudieron disfrutarla por primera vez. Basada en cinco historias inspiradas en la obra de Stephen King y George A. Romero, “Creepshow III” es una película vertebrada en capítulos donde lo que importa no son los efectos especiales impactantes, sino las tramas, tal y como ocurría en el fascinante mundo artístico del cine hollywoodiense hasta hace unas décadas. Cine fantástico y de suspense donde lo cotidiano se transforma en fuente de miedo y de terror ante la normalidad existente en cada uno de los escenarios donde se desarrollan estas tramas, y que provocará una oscura y tenebrosa sensación en los cinéfilos lectores de Lux Atenea que decidan ver esta magnífica edición en formato DVD publicada por Paramount Home Entertainment. Una aparente normalidad social un tanto idílica de cara al exterior pero que, a nivel privado, ocultan estos terribles sucesos. Probablemente, este factor sea uno de los elementos clave del éxito de la saga Creepshow entre el público, quedando el trasfondo de estas cautivadoras historias muy por encima de la nueva dinámica en la cual se ha convertido la industria cinematográfica hollywoodiense. Las buenas tramas han sido sustituidas por inmensos presupuestos dedicados en gran parte a pagar la supuesta genialidad interpretativa de algunos grandes actores o actrices, y a costear espectaculares efectos especiales que anulen la capacidad crítica del espectador a través de intensas sensaciones visuales tan impactantes como fugaces. “Creepshow III” es precisamente todo lo contrario. Es trama, trama, y más trama llevadas a la gran pantalla con un presupuesto cinematográfico muy ajustado, de ahí su valor y su gran mérito artístico en vista a su extraordinario resultado final.

Iniciamos este espectáculo cinematográfico de terror con una animación un tanto gore como presentación, adentrándonos posteriormente en “Alice”, la historia de una estudiante de dieciséis años e hija de una típica familia acomodada que vive en un residencial estadounidense de alto standing con casa independiente de dos plantas, jardín, y garaje. Pero este estatus económico tan privilegiado no le parece suficientemente bueno para ella, motivo por el cual no hace más que quejarse y desear constantemente el poder marcharse de ese lugar porque le desagrada. Además, la visión de su familia donde cada uno va a lo suyo, no le hace sentir apego alguno y tras regresar al hogar después de una jornada de estudio, cuando se dispone a subir a su habitación unos extraños fenómenos suceden haciéndole cambiar la visión de todo lo que le rodea. Un misterioso y radical cambio cuyo origen parece estar en un enigmático y poderoso mando a distancia en manos de su padre. A continuación, en “La Radio” nos sumergiremos en esta interesante historia ambientada en lugares urbanos más bien lúgubres donde entraremos en la intimidad de Jerry, un guardia de seguridad privada con una vida personal solitaria y un tanto marginal que, después de cada jornada de trabajo, acostumbra a beber whisky mientras escucha la radio. Con este trasfondo bukowskiano donde lo caótico, lo decadente, y lo desangelado adquiere mayor relevancia, la sugestiva trama de “La Radio” se desarrollará tras la ruptura de la antena de su radio, autentico hilo conductor de Jerry con el resto del mundo. Tras comprar otra radio a un mendigo callejero, aparentemente los fallos vuelven a repetirse hasta que se da cuenta que ese nuevo aparato tiene vida e, incluso, se comunica directamente con él dándole consejos para que pueda mejorar su difícil situación. Haciendo caso a la radio, el problema vendrá cuando le pide incluso que cometa algunos actos ilegales para poder alcanzar los ambiciosos fines que quiere hacer realidad.

“Call Girl” es una intrigante historia donde se producirá el escalofriante encuentro entre Rachael, una asesina en serie conocida como “la asesina de la llamada” y a la cual le gusta matar a hombres que pagan por sexo, y Victor, un joven aparentemente apacible que decide llamarla desde su casa para solicitar sus servicios especiales, y cuyo siniestro final nos llevará directamente a la trama macabra y un tanto gore de “La Esposa del Profesor Dayton”, basada en el repentino anuncio de boda de un anciano profesor dedicado toda su vida a la enseñanza y a la investigación. Una noticia que provocará un gran revuelo en su entorno más cercano, llevando a dos de sus antiguos alumnos, profundamente impactados con su anuncio de boda, a visitar la casa de su profesor para que les presente a su prometida Kathy. Una joven mujer rubia y esbelta que les sorprenderá con su cordialidad y con su dulzura en el trato. A partir de ese instante, tratarán de descubrir qué hay detrás de ese aparente golpe de suerte en el amor, porque el anciano profesor siempre se caracterizó por mostrarse muy bromista con la gente. Finalmente, en la fantasmagórica historia de “El Perrito Encantado” conoceremos al doctor Farwell, un médico absolutamente impresentable que se dedica a ir por la vida haciendo lo que le da la gana con tal de pasárselo en grande, mofándose y burlándose de todo el mundo sin importarle quienes sean o en qué difíciles circunstancias se encuentren con tal de seguir divirtiéndose. Pero un día, sus inmorales y arrogantes actos provocan la muerte de un hombre que pide en la calle llamado Cliffie y, con su conciencia reducida a la mínima expresión, a Farwell le dará igual lo sucedido. Todo lo contrario que al espíritu de la persona fallecida que, a partir de entonces, empezará a aparecer ante él.

En “Creepshow III” verán inolvidables escenas con contrastes muy marcados y sorprendentes como, por ejemplo, en los efectos físicos un tanto gore que padece Alice tras el tercer y cuarto cambio, en la sangrienta imagen de los tres miembros de la familia colgando de las manos en el salón de su casa, con la brutal e impactante escena del apuñalamiento en la cama como trágico final de un erótico juego sado (y en la que es curioso que el asesino tape la cara de la víctima como si le pesara en la conciencia lo que ha hecho), en la macabra escena de la cocina donde el humor negro un tanto bizarro se convierte en una constante hasta cuando tienen que esconder cada uno de los sanguinolentos trozos (por cierto, una escena en la que veo una sibilina crítica a la lógica científica a través de la cual un ser vivo no es visto más que como una serie de órganos en funcionamiento), o en las despiadadas e insensibles atenciones médicas que el doctor Farwell ofrece a sus pacientes. Además, una de las cualidades cinematográficas que más me gusta de “Creepshow III” es cómo se entrecruzan las tramas de varias de estas historias compartiendo el mismo escenario, por ejemplo, la trama de “La Radio” con la de “Call Girl”, “La Esposa del Profesor Dayton” con “Call Girl” y “Alice”, o “El Perrito Encantado” con “La Esposa del Profesor Dayton”, “La Radio” y también con “Call Girl”. Una inteligente vertebración de sus tramas que aumentará aún más el interés de los cinéfilos lectores de Lux Atenea a la hora de visualizarla. “Creepshow III”, cinco intrigantes historias de terror, de miedo, y de suspense llevadas a la gran pantalla. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ASESINATO POR TELEVISIÓN (murder by television)”, 1935 (Reseña / Review #1745).

Posted on 20 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1745 // Reseña Media nº: 98
Reseña actualizada. Publicada el 10 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a TEMA DISTRIBUCIONES por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Director: CLIFFORD SANFORTH
Guión: JOSEPH O’DONNELL
Actores principales: BELA LUGOSI (Arthur Perry), GEORGE MEEKER (Richard Grayson), HUNTLEY GORDON (doctor Scofield), JUNE COLLYER (June Houghland), HENRY MOWBRAY (jefe de policia Nelson)
País: EE.UU Año: 1935 Productora: CAMEO PICTURES CORPORATION
Duración aprox.: 53 minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES Año: 2009
Formato: Digipak 2DVD de 6 paneles “The Bela Lugosi Collection” (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

PELÍCULAS: Entierro A Medianoche // Asesinato Por Television // Bela Lugosi Contra El Gorila // Los Ojos Misteriosos De Londres
EXTRAS: Trailers de Bela Lugosi // Selecciones de Drácula // Bela Lugosi en You Asked For It // Biofilmografía de Bela Lugosi // Galería de fotografías

Incluida en la lujosa edición “The Bela Lugosi Collection” publicada por Tema Distribuciones en el año 2009, “Asesinato Por Televisión” es una magnífica película de serie B donde el mito y la figura cinematográfica del actor Bela Lugosi adquiere un protagonismo muy especial en esta trama marcada por la intriga y el misterio. Rodada en blanco y negro en el año 1935, el largometraje “Asesinato Por Televisión” fue dirigido por Clifford Sanforth utilizando la técnica de rodaje de cámaras fijas que únicamente se movían en algunas escenas girando en su posición. Unido a los escenarios donde se desarrolla su intrigante trama con sorpresas constantes, esta historia perfectamente podía ser llevada al teatro con un más que asegurado éxito entre el público. Protagonizado por los actores June Collyer (en el papel de June Houghland), Huntly Gordon (doctor Scofield), George Meeker (Richard Grayson), Henry Mowbray (jefe de policia Nelson), y el mítico Bela Lugosi interpretando a Arthur Perry, la trama de la película “Asesinato Por Televisión” está basada en el misterioso e inexplicable asesinato del científico James Houghland durante la demostración de su revolucionario invento, un nuevo sistema de difusión instantánea de la señal de televisión. La posterior investigación y resolución de este caso llevada a cabo por el jefe de policía Nelson, desvelará al cinéfilo lector de Lux Atenea este asesinato cuyo origen parece estar relacionado con los poderosos imperios de comunicación a los cuales James Houghland se negó a vender la patente, y que tanto desean poseer cueste lo que cueste y aunque se tengan que utilizar los medios que sean necesarios para lograrlo. Debido a la expectación social provocada por las posibilidades que este invento traerá consigo al mundo, las intrigas en la cúpula de poder de las grandes empresas, las muertes, y los intereses personales se entremezclarán en esta trama para el entretenimiento y el placer cinematográfico de los espectadores.

Arthur Perry, interpretado por Bela Lugosi, es contratado para tratar de obtener la patente del nuevo descubrimiento de James Houghland a cambio de una fuerte suma de dinero. Junto a otros asistentes, es invitado a la casa del inventor debido a que éste va a realizar una emisión en directo utilizando su nuevo sistema de difusión televisiva, pero Houghland cae muerto delante de las cámaras sin que se sepa qué ha sucedido ni quién ha sido el culpable, si es que lo ha habido. Cuando la policía llega a la casa, procede a investigar y detallar las circunstancias que rodean a este misterioso caso, comprobando que había un guardia que estaba vigilando la entrada al recinto de la casa desde donde se estaba emitiendo el programa de televisión, y éste afirma no haber visto entrar a nadie. Además, verifican que a James Houghland le han robado los planos de su invento. Con todos los invitados señalados como sospechosos, la policía tiene muy claro que entre ellos está el ladrón y el asesino, motivo por el cual agentes de policía proceden a rodear la casa para que nadie pueda entrar o salir de ella hasta que se resuelva este asunto. Pero todo en esta trama se complicará aún más cuando Arthur Perry, que había cogido los papeles de la patente, posteriormente aparece muerto en la casa. Como los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán comprobar, de lo que no cabe la menor duda es que “Asesinato Por Televisión” es una película que atrapa al espectador por su misteriosa intriga, teniendo escenas inolvidables como cuando los periodistas de la prensa trata de entrar en la casa para recoger información sobre el caso, cuando se presenta la máquina de análisis cerebral que detecta tendencias criminales en las personas, en la sorprendente secuencia del criado chino y los malos augurios, en la mágica escena del salón con las personas reunidas contemplando a oscuras la emisión ante la pantalla de televisión, o con la fascinante imagen del James Houghland hablando delante de esta primitiva cámara de televisión. “Asesinato Por Televisión”, película de imprescindible visualización para los fieles seguidores de Bela Lugosi y para los amantes del cine de suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA FAMILIA MONSTER (The Munsters)” PRIMERA TEMPORADA COMPLETA (1964-1965) (Reseña / Review #1744).

Posted on 20 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1744 // Reseña Media nº: 97
Reseña actualizada. Publicada el 28 de octubre del año 2010 en Lux Atenea.

PUBLICADO POR: UNIVERSAL PICTURES IBERIA, S.L.
DURACIÓN APROX.: 972 minutos
AÑO: 2007 FORMATO: Caja de 6DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Con el paso de las décadas, la serie de televisión “La Familia Monster / The Munsters” se ha convertido en un mito audiovisual gracias a la atracción que provocan sus personajes principales, provenientes del mundo del terror tras haber sido llevados a su lado más amable, humorístico, y oscuramente cotidiano. Un encanto a nivel popular que sigue creciendo con fuerza en este país debido a la progresiva aceptación social de la mirada gótica al mundo que vivimos, y gracias, como no, a la masiva participación de la ciudadanía en la fiesta de Halloween que ha acabado convirtiéndose en el caballo de Troya gótico y factor social clave de esta asimilación de una cultura y de una perspectiva existencial ajena a las raíces cristianas, que son propias de la sociedad española. Mientras, desde hace décadas, la celebración de la fiesta de Halloween en los locales góticos era una de las fechas señaladas en el calendario y reduciéndose básicamente a este colectivo, en los últimos años, la expansión de esta fiesta en nuestra sociedad ha llevado consigo un aumento del interés general sobre todo lo relacionado con la belleza siniestra, con lo gótico y, dentro del arte cinematográfico y audiovisual relacionado con el mundo del terror, la serie “La Familia Monster / The Munsters” viene ocupando una de las posiciones más importantes y relevantes en este universo estéticamente siniestro.

Los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo la magia de la serie de televisión “La Familia Monster” también viene dada por el mimo con el cual perfilaron la personalidad de cada uno de sus protagonistas, reforzándose aún más con el magnífico casting de actores y actrices para encarnarlos. De esta forma, en la pequeña pantalla, el actor Fred Gwynne supo reflejar muy bien esa combinación de fuerza e inocencia tan característica en la personalidad de Herman Munster. La siniestra belleza y elegancia de Lily Munster, interpretada de forma sublime por la mítica actriz Yvonne DeCarlo, se convirtió en el contrapunto perfecto como madre ejemplar dentro de esta familia tan especial. El carismático actor Al Lewis también nos ganó el corazón al interpretar al Abuelo Munster con esta interesante e inteligente mezcla de conocimientos científicos y terroríficos poderes que son propios de las vampíricas criaturas de la noche. Eddie, el hijo con personalidad infantil unida a la salvaje esencia del hombre-lobo, estuvo a cargo del actor Butch Patrick, y la dulce Marilyn, interpretada por la actriz Pat Priest, encarnó fielmente a este personaje concebido como radical contraste entre la adaptación a los comportamientos, costumbres, y modas de la sociedad de aquella época respecto a la siniestra imagen y dinámica de esta familia, haciendo resaltar aún más todas las peculiaridades obscuras anteriormente descritas. Una magia y fascinación que se observa hasta en la casa donde vive la familia, con el cielo siempre nublado y amenazando tormenta aunque en los alrededores luzca un sol radiante. Si a ello le unimos otros detalles que son fundamentales para dar credibilidad a esta gótica familia dentro de la serie como, por ejemplo, el teléfono cuya cabina es un ataúd, el reloj de cuco que es en realidad un reloj de cuervo, el encanto estético que ofrece el siniestro diseño del coche de la familia, el misterioso laboratorio del abuelo… o, incluso, la presencia de otros ingeniosos elementos como la aspiradora que en vez de aspirar el polvo, lo expulsa, lograron dar ese necesario toque de ficción a esta familia alejada completamente de lo común y cotidiano.

Es muy curioso comprobar cómo estos siniestros personajes viven en una sociedad estadounidense con valores que no son precisamente los que dominan en su obscuro mundo. Es de agradecer que los productores de esta serie de televisión de culto no vieran necesario llevar el ambiente tenebroso de esta serie cómica hacia lo sangriento o lo violento. Es precisamente la ausencia visual de los estereotipos y prejuicios que siempre la sociedad occidental ha asociado a todo lo terrorífico, a lo monstruoso, o a sus obscuros impulsos existenciales, es lo que queda especialmente resaltado. La Familia Monster aquí se presenta como un modelo de sosiego y de calma en una sociedad dada a la agresividad y a la estigmatización de todos aquellos que se salen de sus estereotipos, establecidos hipócritamente como elementos de normalidad social. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo mientras en la Familia Monster aceptan al resto del mundo como son, ellos, en cambio, suelen ser rechazados y mirados con recelo por el resto de los ciudadanos, ofreciéndose en esta serie una imagen muy negativa de la sociedad ‘normal’ debido a su carácter cerrado e intransigente, en comparación con la visión del mundo mucho más abierta que presentan los miembros de la Familia Monster. Dentro de este razonamiento, pensamiento, y crítica sobre la falta de aceptación de lo diferente en nuestra sociedad, se incluirían los sucesos que vive su sobrina Marilyn en su vida cotidiana porque, aunque ella tenga una apariencia y una imagen considerada como normal, y que aparentemente facilitan la integración dentro de esa sociedad, Marilyn, pese a que respeta y sigue las normas imperantes, sufre el rechazo social y los prejuicios debido a su inexorable vínculo con la Familia Monster. Una forma de desvelar cómo la aceptación dentro de nuestra sociedad occidental va mucho más allá de la imagen o de la asimilación y respeto de las normas y leyes, estando mucho más directamente unida a las relaciones que uno establece dentro de ella, a las apariencias de cara al público, al grupo social en el cual uno se mueve… y no con las cualidades de la personalidad del individuo. Lo que importa son las formas y las apariencias, y no el fondo, y esta dinámica, por desgracia, cada vez está teniendo más importancia dentro la escena gótica española de cara a la aceptación de lo diferente, aunque sea también gótico. La apertura cultural, de mente, y de perspectiva existencial que definió a la escena gótica desde la década de los ochenta, actualmente está prácticamente extinta, habiendo quedado todo en manos de líderes góticos que marcan las reglas sobre lo que es y no es gótico, insistiendo constantemente que llevar una estética gótica en vestimenta es esencial para poder entrar en sus grupos y en sus círculos. Y no hablemos de Cultura, porque para estos líderes solamente existe la música y la estética para ser gótico, nada más. Así va la escena gótica española durante los últimos años, de mal en peor, y mucho peor irá de cara al futuro si perdura este estrechamiento mental gótico donde la Cultura es una anécdota prescindible, salvo en música y estética, como no.

Tras la publicación en formato DVD de esta primera temporada gracias a la prestigiosa compañía Universal Pictures, su remasterización nos ofrece esta admirable mejora en la imagen para poder revivir estos momentos tan especiales. Personalmente, desde que vi por primera vez los capítulos de “La Familia Monster”, emitidos en los míticos programas televisivos de “La Bola de Cristal”, inmediatamente quedaron grabados en mi mente en un lugar muy entrañable y querido. Esta serie de televisión de culto tiene un estilo de humor y unos detalles visuales que, pese a las décadas transcurridas, siguen provocando la risa como, por ejemplo, al ver al abuelo cómo se lleva la mano al corazón cada vez que Hermann Munster golpea una estaca con su maza para fijar la tienda de campaña en el campo. En cada uno de estos capítulos, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán encontrar escenas muchos de estos detalles que afloran en cuanto realizamos una atenta visualización. Como apunte final, quisiera destacar la excelente labor interpretativa realizada por la legendaria actriz Yvonne DeCarlo porque, como analista cultural, como Ivonne DeCarlo no ha habido ninguna otra actriz que haya interpretado un personaje de las características de Lily Munster hasta darle esta aura tan aristocrática, misteriosa, gótica, y oscuramente sensual como solamente ella supo reflejar. Todo un símbolo de la siniestra feminidad, y que ha acabado convirtiéndose en todo un icono de Belleza dentro de lo que sería la estética femenina en los ambientes góticos de antaño porque, en la actualidad dentro de la escena gótica (si es que todavía se la puede llamar así ahora mismo), esa elegante y oscura estética femenina viene brillando por su ausencia. De por sí, en la actualidad, encuentro mucha más estética siniestra femenina fuera de la escena gótica que dentro. “La Familia Monster”, mítica serie de televisión de culto en clave gótica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“AVALON”, 2001 (Reseña / Review #1743).

Posted on 19 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1743 // Reseña Media nº: 96
Reseña actualizada. Publicada el 1 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MAMORU OSHII
Guión: KAZUNORI ITÔ
Actores principales: MALGORZATA FOREMNIAK (Ash), WLADYSLAW KOWALSKI (Game Master), JERZY GUDEJKO (Murphy), DARIUSZ BISKUPSKI (Bishop), BARTEK SWIDERSKI (Stunner), KATARZYNA BARGIELOWSKA (recepcionista)
País: JAPÓN-POLONIA Año: 2001 Productora: BANDAI VISUAL Co. Ltd
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 2DVD edición limitada (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “Avalon” // Trailer // Ficha Artística // Ficha Técnica // Biofilmografía Del Director // Citas De Mamoru Oshii
DVD 2: Making of: Días de Avalon // Los Efectos Especiales // El Cine De Mamoru Oshii // Galería De Fotos

Aunque el director cinematográfico japonés Mamoru Oshii es mucho más conocido por su mítica película de animación “Ghost in the Shell” (1995), en el año 2001 presentó esta interesante película de ciencia-ficción cuya trama estaba basada en juegos de realidad virtual en la Red. Los juegos online que, aunque ahora nos parecen de lo más normal del mundo, en el año 2001 eran poco más que una utopía como medio de entretenimiento de gran impacto y difusión social. Ahora mismo, todavía no está disponible la tecnología, el software, y las velocidades de transmisión necesarias en la Red para soportar los juegos online de Realidad Virtual, pero el gran talento de Mamuro Oshii ya pronosticaba el éxito entre el público de los juegos online en el futuro con su película “Avalon”, casi con una década de antelación. Por este motivo, he seleccionado su largometraje “Avalon” como obra cinematográfica a recomendar a los cinéfilos lectores de Lux Atenea para su disfrute. Rodada íntegramente en Polonia, la espectacularidad que presentan muchas de sus escenas hizo que fuera galardonada con el Premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges en el año 2001. De inconfundible ambientación cyberpunk, “Avalon” es una película de acción donde el cine de ciencia-ficción adquiere ese atractivo visual tan especial, y con el cual se identifican los espectadores con gustos artísticos experimentales más alejados de los cánones cinematográficos oficiales, populares, exitosos (y muchas veces vacuos) que vienen condicionando y dando forma al cine comercial de las últimas décadas. “Avalon”, sin llegar a ser una película de culto, sí tiene ese punto vanguardista cuyo trasfondo social sitúa a su trama en una realidad futura que, de seguir avanzado las tecnologías en Internet a este ritmo en la actualidad, serán una realidad mucho antes de lo que creemos. La virtualización en las aplicaciones destinadas a Internet está cada vez más cercana tecnológicamente, los ordenadores personales con grandes capacidades de procesamiento gráfico son cada vez más económicos, y en cuanto haya un abaratamiento de las conexiones ultrarrápidas junto a la comercialización de dispositivos de interconexión virtual a un precio asequible, el universo digital en Internet que actualmente conocemos, en unas pocas décadas nos parecerá tan primario y lejano como ahora vemos a las antiguas conexiones de 56k de velocidad y a las BBS (Bulletin Board System) que, en su momento, era lo más avanzado que había en la Red.

Teniendo como escenario a un mundo futuro post-apocalíptico tras una cruenta guerra, la desolación y la falta de expectativas en la población (que se mueve en un entorno de alta tecnología) ha llevado a una parte de ella a engancharse a un juego bélico de realidad virtual tremendamente adictivo llamado Avalon. Una vía de escape de su triste presente y su desesperante futuro. Teniendo como medio de pago a créditos monetarios que incluso se pueden ganar jugando, Avalon se ha transformado en un mundo virtual muy popular donde los jugadores más expertos adquieren renombre entre la población como si fueran héroes, destacando Ash entre ellos al ser considerada como su mejor jugadora. El estilo de juego de Ash resalta por su habilidad, por su destreza e inteligencia, pero Ash se entera que un antiguo amante suyo, Murphy, ha quedado atrapado dentro del juego intentando acceder a niveles superiores únicamente accesibles para los jugadores más expertos. Intrigada por saber dónde está, qué le ha ocurrido, y cómo son verdaderamente esos niveles superiores del juego, si es que existen, Ash se adentrará en Avalon teniendo pleno conocimiento de que si falla en su misión, puede acabar convertida en un vegetal como ya les ha sucedido a otros jugadores. Por su extraordinaria trama, la película “Avalon” se muestra como un misterioso largometraje cyberpunk de acción donde la intriga y el suspense fijan la atención del cinéfilo a la pantalla mientras impactantes escenas van sucediéndose, y teniendo siempre presente lo trágico y lo dramático como base esencial del peligro que acecha y se oculta detrás de este misterio llamado “Avalon”.

“Avalon” es un largometraje que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por el magnífico uso de imágenes en blanco y negro con tonalidades cálidas obtenidas utilizando un filtro ámbar, como si estuviéramos contemplado algo casi onírico y siniestro a su vez. Una atmósfera desangelada donde las personas que viven en ese mundo parecen haber perdido la esperanza en un futuro mejor, quedando los días de gloria convertidos en una realidad digital a través del juego Avalon. Un mundo apático donde el tremendo éxito de este juego en la población también encuentra acérrimos detractores, y no dudan incluso en pegar carteles en las calles alertando del peligro que este juego representa para las personas. Pero las generaciones más jóvenes ya tienen elegida su opción, que no es otra que jugar y coger más experiencia para llegar un día a ser esa figura respetada y admirada socialmente por las hazañas realizadas dentro del juego. Además, el hecho que jugadores expertos como Ash se ganen la vida con créditos Avalon convertibles en dinero en efectivo, no es más que un premonitorio avance cinematográfico de lo que pueden llegar a convertirse los videojuegos en Internet a nivel social durante este siglo XXI. “Avalon” nos ofrece ese desvelo futurista de realidad tan propio de la ciencia-ficción, y que tanto nos atrae y seduce. Todo ello sin dejar a un lado el trágico destino de “los olvidados”, también denominados como “los que no vuelven”, y que son aquellos jugadores que acaban con daños cerebrales irreversibles tras haber jugado a Avalon. Un riesgo latente cuya existencia en el mundo de ficción de esta película, quien sabe si en la realidad virtual futura que se vislumbra en el horizonte de Internet, termine convirtiéndose en algo verídico y real dentro de ese avanzado mundo tecnológico. Si a todo esto le unimos el admirable trabajo interpretativo realizado por estos actores, “Avalon” destaca de forma artística como una gran película.

El mítico director japonés Mamoru Oshii, alejándose momentáneamente del mundo de la animación, aquí por primera vez en su carrera cinematográfica se atrevió a dirigir a actores reales. “Avalon” es una obra donde ha mimado el arte visual con mensaje simbólico, mostrándose como una hipnótica película que te embrujará, o dejarás de verla poco tiempo después de su inicio. El cine de ciencia-ficción tan innovador y con una trama tan compleja no admite medias tintas en cuanto a las impresiones que provoca en el espectador al ser visualizado y, por este motivo, como largometraje muy adelantado a su tiempo, “Avalon” es una obra que adoras y veneras, o te provoca indiferencia. Pero no se puede negar la gran belleza que irradian muchas de sus secuencias con imágenes imborrables como el espectacular ataque de Ash al helicóptero, las preciosas imágenes nocturnas de la ciudad mientras Ash va recorriendo sus calles de camino a su hogar, la encantadora presencia de la mascota de Ash (perro de la misma raza basset hound que la mascota de Mamoru Oshii), la interesante escena donde Ash comprueba que otro jugador está copiando sus tácticas y estrategias para ir completando también las misiones más difíciles del juego, o la sobrecogedora imagen de Bishop pasando entre olvidados en estado de coma sentados en sillas de ruedas. Impresiona observar el siniestro escenario de juego de las ruinas C66, el reflejo del individualismo en esta sociedad futura que se observa fielmente en los pasajeros del tranvía, la profunda soledad en la que vive Ash y que se ve muy claramente en la escena donde prepara comida cocinada por ella para su perro, la sublime belleza del área “Flak Tower22”, las impresionantes ruinas industriales D99 y la poderosa máquina de guerra ‘ciudadela’, la impactante secuencia donde Ash dispara a ghost para poder entrar en el especial A, o la siniestra escena de Ash y ghost en el auditorio.

Esta lujosa edición publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, incluye un segundo DVD con extras de más de 170 minutos de duración. Vertebrado por los interesantes documentales “Making of: Días de Avalon”, “Los Efectos Especiales” y “El Cine De Mamoru Oshii”, en su atenta visualización, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán especialmente impresionados con el contenido del documental “Making of: Días de Avalon”, al ver cómo se desarrolló la grabación de muchas de las secuencias y de las imágenes de la película. En “Avalon” destaca sobre todo la presencia del armamento militar del ejército polaco como el carro de combate T-72, el helicóptero de ataque Mil Mi-24D, o el vehículo blindado antiaéreo ZSU-23-4 Shilka, protagonistas principales en algunas de sus escenas más inolvidables. En los documentales también podrán conocer la tremenda complejidad que conlleva el rodaje en exteriores, y la influencia imprevisible del tiempo meteorológico con la posibilidad o no de grabar según el plan de trabajo, además de ver al director Mamoru Oshii con una pierna inmovilizada y en silla de ruedas tras el diagnóstico médico que lo relaciona directamente con un origen psicosomático… y otras curiosidades más. En el siguiente documental titulado “Los Efectos Especiales”, de la mano de Nobuaki Koga (supervisor de la empresa SpFX Studio), Tomohiko Shuto (empresa Omnibus Japan), Seichi Tanaka (director de imagen digital para los gráficos del juego Avalon de aspecto retro, inspirados en la nave espacial Vostok), Sato y Yamamoto (empresa Motor/lieZ encargada de los efectos especiales del tanque Ciudadela), y de Hayashi (director artístico digital), nos van explicando al detalle el laborioso trabajo que desarrollaron en esta película. Nos descubren algunos secretos tanto en la grabación previa como en la presentación final de muchas de sus escenas, revelándonos las técnicas utilizadas en las imágenes de síntesis creadas para esta obra cinematográfica, o describiéndonos cada uno de los retos técnicos a los que tuvieron que enfrentarse. Un admirable trabajo de digitalización que, teniendo en cuenta la tecnología disponible en aquella época, supieron combinar con maestría esta mezcla de ficción y de realidad virtual en 2D y 3D que perfila y define sus escenarios. Aquí quisiera destacar cómo se creó la escena donde muere uno de los personajes de la película, momento en el cual Mamoru Oshii quiso representar simbólicamente la belleza y lo efímero, o cómo se realizó el modelado y la animación de algunas armas militares que aparecen en la película, junto a deformaciones visuales temporales, efectos de bugs en el juego Avalon, el uso del equipo de digitalización Domino, el valor simbólico de la presencia del humo del cigarrillo en escenas de la película…

A través de una innovación constante llena de talento y de riesgo, en el documental “El Cine de Mamoru Oshii: el anime espiritual” también podrán conocer la trascendencia artística y la vanguardia conceptual que este virtuoso pionero ha aportado al Séptimo Arte. Tanto en el mundo de la animación como en el universo más clásico del celuloide, verán su trayectoria cinematográfica marcada por obras de culto de indiscutible calidad como la mítica “Ghost In The Shell” (1995), “Patlabor 2” (1993), “Blood, El Último Vampiro” (2000), y “Ghost In The Shell 2: Innocence” (2004). Un mundo simbólico de gran belleza visual que se ha convertido en su particular e inconfundible sello artístico, y donde la filosofía cyberpunk dentro de la corriente No Future siempre presenta ese profundo escepticismo ante las bondades tecnológicas que parecen presentarse en nuestro futuro. Como padre del anime espiritual, la sensibilidad emotiva y la empatía que las obras de Mamoru Oshii provocan en el espectador lo han elevado hasta la sublime categoría de director de culto, y este prestigio artístico no ha supuesto cambio alguno en la evolución conceptual de sus obras, siempre punteras y reflexivas. En definitiva, una edición de auténtico lujo para engalanar esta muestra de genialidad creativa firmada por Mamoru Oshii. “Avalon”, los videojuegos como una vía de escape, como un reto vital a superar, y como un mundo virtual donde poder evadirse de la cruda realidad cotidiana que no se quiere ni admitir ni asimilar. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TAXI DRIVER”, 1976 (Reseña / Review #1742).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1742 // Reseña Media nº: 95
Reseña actualizada. Publicada el 21 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: MARTIN SCORSESE
Guión: PAUL SCHRADER
Actores principales: ROBERT DE NIRO (Travis Bickle), JODIE FOSTER (Iris), CYBILL SHEPHERD (Betsy), HARVEY KEITEL (Sport), PETER BOYLE (Wizard), ALBERT BROOKS (Tom), MARTIN SCORSESE (cliente del taxi)
País: EE.UU Año: 1976 Productora: COLUMBIA PICTURES
Duración aprox.: 110 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES HOME ENTERTAINMENT
Año: 2005 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Filmografías de Robert de Niro, Jodie Foster y Martin Scorsese // Trailer de cine // Documental sobre las escenas y entrevistas con Robert de Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel, Cybill Shepherd, Peter Boyle, Albert Brooks y Martin Scorsese // Guión original // Secuencia de Storyboard

DVD TAXI DRIVER

“Taxi Driver”, una de las películas de culto por excelencia que continúa erigiéndose como mítico e intemporal largometraje en cuanto a su temática, al ser un thriller de inconfundible estética moderna. “Taxi Driver” es conceptualmente pionero en su filosofía posmoderna debido a la difusa moralidad que rigen las acciones de su protagonista, Travis Bickle (sublimemente interpretado por el legendario actor Robert De Niro), cuya responsabilidad en su acción violenta es directamente juzgada por la sociedad y por la opinión pública únicamente por su supuesta intención. Una influencia que resultará crucial en la aplicación de las leyes en relación a su violenta acción, y que en teoría debería dictar su inocencia o no, y no su intencionalidad que queda única y exclusivamente centrada en su acción final al liberar a la joven Iris (interpretada por la actriz Jodie Foster). Sobre Travis, el análisis del espectador tampoco debería llegar a una opinión obvia e inmediata sobre su inocencia en vista a los viscerales pensamientos e irracionales actos que bullen en su interior a lo largo de esta historia, mostrándose emocionalmente violentos y radicales. “Taxi Driver” es la dramática historia de un excombatiente de Vietnam que se siente desplazado dentro de la sociedad estadounidense aparentemente moralista y cosmopolita, viéndose arrinconado por creer que tiene un código de valores superior, ya que es completamente opuesto a la decadente degradación humana que sus ojos ven cada noche en el turno de trabajo como conductor de taxi en las difíciles y peligrosas calles de Nueva York.

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Si a esa presión existencial interior le añadimos su inadaptación social tras haber retornado de la guerra, y que le ha provocado un grave problema psicológico que le produce insomnio, el peligroso y explosivo cóctel mental que bulle en el interior de Travis combina una destructiva mezcla de sensación de aislamiento, rabia, inadaptación social, violencia, paranoia, fantasía, ansiedad, y solo está buscando una excusa en el entorno para estallar violentamente. Saltará primero en el atraco a la tienda, luego con el intento de asesinato del senador Charles Palantine durante un discurso en campaña para ganar las primarias, y, a continuación con la violenta y salvaje liberación de Iris. En el fondo, Travis lo que busca es su propia redención a través de un sangriento ritual que pueda acabar con su sufrimiento. Es más, cuando Travis es malherido en el asalto a la casa donde explotaban a la joven Iris, éste trata de suicidarse ante el infernal panorama que cree que le espera al haber protagonizado tan brutal asalto con varios muertos en su haber. Pero el arma que utiliza se ha quedado sin munición, por lo que es encontrado malherido cuando las fuerzas del orden aparecen en aquel sangriento escenario. Lo que no contaba Travis es que se convertiría en un héroe para esa misma sociedad que despreciaba. Cuando los padres de Iris le dan las gracias y los medios de comunicación publican ese agradecimiento, teniendo a una opinión pública absolutamente entregada a su favor que lo libera de cualquier culpabilidad respecto a las muertes que provocó, Travis deja de ser el Travis militar que regresó del Vietnam para vivir de forma marginal en una ciudad moderna, transformándose en otro Travis mentalmente más cercano a su auténtica realidad, y que se siente orgulloso de sí mismo. Sus ojos empiezan a verlo todo de otra forma. Tras haber combatido en Vietnam, Travis necesitaba ser aceptado y admirado públicamente por la sociedad estadounidense en la que vive.

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Es indudable que la visualización de la película “Taxi Driver” puede provocar sentimientos de empatía en algunas personas, debido a la emotiva visceralidad que presentan los pensamientos y las acciones radicales de Travis. Pero, analizado fríamente, uno nota que no está muy equilibrado mentalmente que digamos. Al ser esclavo de sus emociones, Travis puede actuar de forma impredecible, sorprendiéndonos siempre en cualquier situación al no tener control racional alguno sobre sus pensamientos, emociones, y sentimientos. Sin ningún género de duda, analizando sus pensamientos y su forma de actuar, a través de un estudio psicológico podemos afirmar que Travis no es una persona civilizada en vista al condicionamiento emocional absoluto que presenta, tomando el eje de su existencia como si viviera en una sociedad tribal. Por ese motivo, Travis trata de resolverlo todo a través de la violencia, del odio, y de la ira, en vez de tener a la Razón, a la Lógica, y al autocontrol mental como base de su personalidad, elementos que dan sentido al fundamento principal del hombre civilizado. Eso sí, solamente nos falta un cabo por atar en el modo de vida pseudo-tribal en el que vive Travis: el plano religioso y espiritual. No tiene acto de presencia a lo largo de toda la película, y me ha sorprendido mucho esa ausencia convertida en inexplicable carencia para un individuo de carácter tribal. Por esta clara ausencia de lo religioso y espiritual, Travis presenta características en su personalidad que son propias del nihilismo moderno. Además, que Travis no tenga una creencia espiritual o religiosa debería haberlo llevado a una sobrevaloración de lo material pero, curiosamente, esta característica en la personalidad de Travis no tiene cabida. El dinero y el materialismo no mueven existencialmente a Travis salvo para poder seguir viviendo en la gran cuidad, y es muy sorprendente este perfil psicológico.

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Aunque el largometraje “Taxi Driver” ha llegado a ser etiquetado como “película ultraviolenta y fascista”, personalmente, la catalogaría más bien como decadente y nihilista al ser Travis un individuo que presenta un estado emocional límite, extremo, y desesperado, aderezado todo con altas dosis de rabia canalizada a través de la violencia. Un estado mental constantemente atacado con impresiones y emociones duras que ha de observar en la vida cotidiana. Mientras vive y trabaja en una gran urbe como Nueva York, Travis observa y analiza la siniestra y horrible cara social que presenta esa ciudad y que, vista a través de sus ojos, siempre aparece como una inmunda cloaca humana plagada de drogadictos, prostitutas, camellos, proxenetas, bandas de delincuentes… en ambientes marginales donde rige la ley del más fuerte. Este día a día tan violento y salvaje ha llevado a Travis a vivir dentro de una caótica y destructiva espiral personal, impulsada de forma imparable por su existencia prácticamente solitaria en medio del bullicio de la gran urbe. Travis en una persona outsider que, con el paso del tiempo, ha terminado creando un código de valores en su interior absolutamente alejado de la realidad y de la racionalidad, al estar basado en las emociones y en las impresiones que ha recibido tras lo observado y vivido, entremezclándose con sentimientos de desprecio hacia la vida cotidiana por su inhumanidad. La violencia latente en su interior tras haber participado como soldado en la guerra del Vietnam, se apoya en un modus vivendi militar que trata de aplicar a su vida civil actual, llevándole a transformar la realidad y adaptarla a sus pensamientos. Travis no comprende que ambos mundos, aunque unidos en un mismo proyecto de Estado, pertenecen a ámbitos legales y jurídicos distintos al ser precisamente el Estado el que tiene el poder de aplicar, de definir, y de controlar el uso de la fuerza según en qué escenario. Pero Travis no lo entiende de la misma manera. El uso de la violencia que le era permitido en Vietnam, cree que en la sociedad civil también cumpliría su función al margen de los poderes del Estado, si ésta se pone en manos del individuo que tenga un motivo que lo justifique. Como no podía ser de otra forma, piensa que ese es su caso. Interiormente trata de justificar sus actos, sin darse cuenta que es a través del extremismo y de la violencia como manifiesta su insatisfacción y su dolor interno al tener una vida marginal y solitaria en una sociedad cuyos valores defendió en la guerra. Una sociedad que difunde constantemente mensajes a la ciudadanía sobre la importancia de la amistad, del amor, de la diversión, y de la felicidad, pero le están vedados.

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Travis es un outsider pero no por convicción, sino por incapacidad, como claramente se muestra en la escena cuando invita a Betsy (actriz Cybill Shepherd) a ir a ver una película… en una sala X, algo que no se le ocurriría a nadie que quiera agradar a una mujer en una cita. Además, Travis ha defendido a la sociedad moderna donde vive en una guerra salvaje y brutal que, con el tiempo, ha acabado por provocar la hostilidad de los ciudadanos hacia sus propios soldados al retornar al país, y esto no ha hecho más que enfurecerlo interiormente y provocar que cuestione la moralidad y la ética reinante en la sociedad estadounidense al observarla como un teatro de la hipocresía. Tampoco hay que perder la perspectiva con Travis en cuanto a su personalidad porque se ve como un héroe, como un individuo solitario capaz de cambiar el destino de las personas tras ser juzgadas por sus propias leyes morales que cree superiores a las reinantes en la sociedad en la que vive… o más bien sobrevive. Dominado por su ira, se pone a punto física y mentalmente con un siniestro ritual que le prepare para salir victorioso de ese estallido de violencia que ya intuye en su destino como acto de reafirmación interior de su verdad, y de su forma de ver la vida. Y, como siempre ocurre en esta vida, será la suerte otorgada por la Diosa Fortuna la que determinará su futuro al sonreír varias veces a este lobo solitario. Primero, evitando que mate al senador Palantine, a continuación, evitando su suicidio una vez acabado su asalto al inmueble donde explotan a la joven Iris, al haberse quedado sin munición el revolver que toma en su mano (la escena donde Travis mira al policía y simula dispararse a la cabeza con la mano ensangrentada, es otra de las secuencias imborrables de esta película), y, luego posteriormente, iluminando su acción como un acto heroico de cara a la opinión pública y a la sociedad pese a ser un acto violento, sangriento, y brutal donde suelta toda su rabia contenida y toda su frustración existencial en pro de su justicia. Un suceso que no tiene nada que ver con la interpretación de esa acción que hace la sociedad y la opinión pública al analizar ese acto violento únicamente por sus consecuencias, valorándolo como un noble gesto de sacrificio digno de admiración ya que ha salvado con ello a una joven atrapada en un auténtico infierno del que era imposible que pudiera salir por sí misma. Donde la sociedad ve un acto de liberación, Travis en realidad buscaba una excusa para soltar de forma violenta toda su rabia interna y librarse de ella en un acto que considera heroico. Un odio latente en Travis que ya había estallado anteriormente en la escena del asalto a la tienda cuando mata al atracador, y que pudo haber estallado violentamente cuando trata de matar al senador en el mitin. En esa escena observamos cómo le descubren los agentes de seguridad y de protección del senador, abortando su acción pero Travis se escapa. Incluso la violencia se hubiera desencadenado si Travis hubiera recibido una mirada desafiante por parte de alguien en la calle, como se puede comprobar en la inolvidable escena del espejo, una de las míticas secuencias de esta película cuya interpretación fue totalmente improvisada por parte del actor Robert De Niro. Así se hubiera manifestado, o por cualquier otro motivo que para él lo justificara.

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En una sociedad cosmopolita y moderna, no deja de ser curioso y paradigmático que se acepte con mucha mejor cara y benevolencia al corrupto que al individuo que muestra una personalidad distinta al canon social reinante. El virtuoso director de cine Martin Scorsese es todo un maestro a la hora de reflejar esos contrastes y prejuicios sociales a través de imágenes de fuerte impacto visual. “Taxi Driver” es una clara muestra de su talento cinematográfico. Si además añadimos a este largometraje la extraordinaria obra musical compuesta por el genial Bernard Herrmann (1911-1975), siendo esta banda sonora su obra póstuma, el drama y la tragedia dejan huella en esta película de culto. Como reflexivo apunte, uno no puede más que preguntarse cuántos Travis Bickle hay en este momento viviendo en nuestra avanzada sociedad del siglo XXI, y que además piensan como él. Cuántos jóvenes sin perspectiva de futuro abrazarían el uso de la violencia como vía de canalización de sus frustraciones, y cuántas personas, a las que la sociedad y el Estado moderno han dado la espalda, tienen que vivir en ambientes tan siniestros y degradados como los aquí reflejados mientras esperan su momento para exteriorizar sus problemas a través del uso de la violencia. Parte de la grandeza artística de “Taxi Driver” viene dada como largometraje rodado en la década de los setenta en un momento muy duro para la sociedad estadounidense tras su derrota militar en Vietnam, por la crisis económica tan grave existente dentro del país, por la crisis del petróleo que lo paralizó todo, por el agotamiento político como vertebrador de la sociedad en su progreso…

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Han pasado casi cuatro décadas desde su aparición en la gran pantalla, y esos mismos escenarios y esas mismas imágenes se siguen repitiendo día tras día en muchas ciudades occidentales, habiendo cambiado únicamente la moda en el vestir y el diseño de los bienes de consumo. En cambio, su trasfondo social y humano continúa siendo el mismo: la decadencia moral y ética de la sociedad moderna. Casi cuatro décadas han pasado desde que Martin Scorsese sorprendiera al mundo con esta obra maestra, pero parece que la evolución mental, las inquietudes humanas, y el sentido existencial de la vida que viene siguiendo la ciudadanía occidental continúa igual que entonces, como si en el tiempo únicamente hubiera cambiado la forma y no el fondo, que es lo verdaderamente importante. Por algo “Taxi Driver” sigue provocando pasiones y conflictos morales en el espectador en este siglo XXI como si acabara de ser estrenada. Lo increíble es que en la ceremonia de los Óscar del año 1976, el premio a la mejor película se lo llevara “Rocky” y no “Taxi Driver”, y el premio al mejor actor se lo llevara Peter Finch por su interpretación en el largometraje “Network”, y no Robert De Niro tras protagonizar esta obra maestra. Como analista cultural, sin comentarios. “Taxi Driver”, en la Historia del Séptimo Arte, una de las películas más intensas emocionalmente, más moderna en su concepto social y humano, y moralmente más provocadora hasta convertir al personaje de Travis Bickle en icono del antihéroe moderno por excelencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“THE POSSESSION (EL ORIGEN DEL MAL)”, 2012 (Reseña / Review #1741).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1741 // Reseña Media nº: 94
Reseña actualizada. Publicada el 31 de octubre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: OLE BORNEDAL
Guión: E.L. KATZ, KEVIN MANNIS, JULIET SNOWDEN, STEPHEN SUSCO y STILES WHITE
Actores principales: JEFFREY DEAN MORGAN (Clyde), KYRA SEDGWICK (Stephanie), NATASHA CALIS (Em), MADISON DAVENPORT (Hannah), GRANT SHOW (Brett), JAY BRAZEAU (profesor McMannis)
País: EE.UU Año: 2012 Productora: LIONSGATE / GHOST HOUSE PICTURES / NORTH BOX PRODUCTIONS
Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: SAVOR EDICIONES, S.A.
Año: 2012 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Trailer // La verdadera historia de la caja dibbuk (V.O.) // Audiocomentarios con el director y los guionistas (V.O.)

“The Possession (el origen del mal)” es una película de terror basada en la historia real que le sucedió a una familia durante veintinueve días, tras haber comprado la caja Dybbuk en la que supuestamente habita un espíritu maligno. Rodada por el director danés Ole Bornedal a través de un estilo cinematográfico muy moderno y actual, la calidad de sus imágenes, escenas, y giros de cámara fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea afines al cine de terror, notándose además la mano artística del extraordinario director estadounidense Sam Raimi en su producción. Con un espeluznante guión que gira alrededor de esta diabólica caja Dybbuk, en cuyo interior se encuentra encerrada un ente infernal en busca del cuerpo de una persona para poseerla en cuanto sea abierta, la película “The Possession (el origen del mal)” destaca dentro del género cinematográfico de posesiones y exorcismos por el ambiente de cotidianidad que presenta el desarrollo de su trama, alejándose totalmente del recurso fácil del susto inesperado y repentino, o por el uso de espectaculares efectos especiales para provocar el miedo en el espectador. Uniendo los hechos reales en los que está basada a la visión cotidiana de la vida de sus personajes, “The Possession (el origen del mal)” es una película que disfrutarán y recomendarán por su calidad y por la siniestra atmósfera que irradian sus magníficas escenas. Un espectáculo cinematográfico impactante y perfecto para ser presenciado en esta noche de Halloween.

Su espeluznante trama, basada en una historia real, comienza con la muerte de una anciana en su hogar y la venta al público de algunas de sus pertenencias en el patio de la casa donde vivía, entre las cuales, un padre llamado Clyde (actor Jeffrey Dean Morgan) termina comprando esta oscura caja en exposición en la que se ha fijado su hija Emily, Em. Lo que desconocen es que esa caja maldita era temida por la mujer mayor fallecida, debido al maléfico influjo que ejerce en las personas que la poseen. Clyde es un padre separado y comparte con su exmujer Stephanie (actriz Kyra Sedgwick) la custodia de sus hijas, Em (actriz Natasha Calis) y Hannah (actriz Madison Davenport), y no da importancia alguna a la compra de esa diabólica caja. A partir de entonces, Em empieza a desarrollar una creciente empatía hacia la caja atraída por el misterio que la envuelve y, tras abrirla, comenzará a crearse un fuerte vínculo psicológico entre la caja y ella que irá aislándola de la vida familiar y social. Una actitud anómala cuyo origen lo achacan a que ella no ha asimilado totalmente la separación de sus padres. En esta difícil situación, se entremezclará también la sensación de soledad y de fracaso en Clyde cada vez que contempla la aparente armonía familiar que Stephanie parece disfrutar con su nueva pareja, Brett (actor Grant Show). Pero la influencia de la caja en Em es cada vez mayor, empezando a comportarse de forma más extraña y agresiva mientras las voces que surgen del interior de la caja van adueñándose poco a poco de su mente aprovechando sus periodos de sueño. Em atacará a su padre, incomprensiblemente la casa de Clyde empieza a llenarse de polillas, se comporta de forma agresiva en el colegio, se muestra impasible ante las desgracias ajenas… convirtiendo la convivencia en una auténtica pesadilla. Cuando Clyde descubre que todo lo que está sucediendo está relacionado con la obsesión que tiene Em hacia la caja, busca información sobre el tema y toma contacto con el profesor McMannis (actor Jay Brazeau), experto en la materia. Le comentará que es una caja Dybbuk, según la tradición judía, una caja destinada a contener en su interior a un demonio, y a partir de ese momento se desencadenarán una serie de hechos sobrenaturales que trastornarán la vida de los miembros de esta familia.

La admirable labor de interpretación desplegada por sus actores principales es el factor fundamental que da credibilidad a esta película de terror basada en hechos reales. Quisiera destacar el impresionante trabajo realizado por el mítico actor estadounidense Jeffrey Dean Morgan en el difícil papel de Clyde, debido al complejo perfil de personalidad de este padre situado en medio de una complicada encrucijada familiar. Una situación personal muy delicada que ha quedado reafirmada en sus gestos, en sus miradas, y en otros mensajes no verbales que ofrecen absoluta credibilidad a su personaje. Lo mismo sucede con la admirable interpretación de Em, realizada por la joven actriz Natasha Calis, debido a la progresiva desconexión psicológica que ha de transmitir su personaje al ser poseído por este ente maléfico. Una entrega y una capacidad para transmitir sensaciones al espectador con las cuales Natasha Calis ha sabido traspasar la gran pantalla para provocar emociones fuertes en el público. Sin su magnífica interpretación, nada hubiera quedado igual en el impactante desarrollo de su trama. También quisiera destacar alguna de sus inolvidables escenas como, por ejemplo, cuando Em se acerca con la caja a la ventana de una de las casas cercanas y cómo esto provoca un miedo atroz en la persona que se encuentra convaleciente en su interior, o cuando Clyde observa el terrorífico rostro de su hija Em reflejado en el espejo de la caja. “The Possession (el origen del mal)” es terror en estado puro como cuando Em descubre unos dedos en el interior de su garganta frente al espejo del cuarto de baño, en la diabólica escena de la profesora Shandy (actriz Brenda M. Crichlow) con la caja Dybbuk en el aula del colegio, cuando Stephanie descubre en plena noche a su hija Em devorando carne cruda en la cocina, o la terrorífica imagen de Em en el columpio y el macabro efecto de su mirada en Brett. Escenas inquietantes como en las pruebas médicas realizadas a Em, la tensión extrema y la atmósfera de terror que se respira en la escena del exorcismo, o la inolvidable secuencia final de Clyde y el maléfico ente. En definitiva, una película destinada a convertirse en referencia indiscutible dentro del género de terror. “The Possession (el origen del mal)”, la diabólica leyenda de esta caja maldita llevada con maestría a la gran pantalla por el director danés Ole Bornedal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
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Archivo por meses: octubre 2022

“INFERNO”, 1980 – DARIO ARGENTO (Reseña / Review #1750).

“EL HOTEL DEL HORROR (horror hotel / the city of the dead)”, 1960 (Reseña / Review #1749).

“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).

“ENEMIGOS PÚBLICOS (public enemies)”, 2009 (Reseña / Review #1747).

“CREEPSHOW III”, 2006 (Reseña / Review #1746).

“ASESINATO POR TELEVISIÓN (murder by television)”, 1935 (Reseña / Review #1745).

“LA FAMILIA MONSTER (The Munsters)” PRIMERA TEMPORADA COMPLETA (1964-1965) (Reseña / Review #1744).

“AVALON”, 2001 (Reseña / Review #1743).

“TAXI DRIVER”, 1976 (Reseña / Review #1742).

“THE POSSESSION (EL ORIGEN DEL MAL)”, 2012 (Reseña / Review #1741).