“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1698 // Reseña Media nº: 51
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: JOHN CARPENTER
Guión: JOHN CARPENTER y DEBRA HILL
Actores principales: ADRIENNE BARBEAU (Stevie Wayne), JANET LEIGH (Kathy Williams), JAMIE LEE CURTIS (Elizabeth Solley), JOHN HOUSEMAN (Mr. Machen), TOM ATKINS (Nick Castle), HAL HOLBROOK (Padre Malone)
País: EE.UU Año: 1980 Productora: AVCO EMBASSY PICTURES Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBÉRICA Año: 2005
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Poco a poco, el invierno está empezando a reclamar una vez más su reino y, en estas noches de frío y lluvia, películas de culto como “La Niebla” del mítico director de cine estadounidense John Carpenter logran transformar esta oscuridad nocturna en el ambiente perfecto para sentir este largometraje en su más absoluta pureza artística. Estrenada oficialmente en el año 1980, tuve oportunidad de ver esta película en una sala de cine madrileña pocos días después de su estreno, pero incomprensiblemente “La Niebla” no fue precisamente un éxito en taquilla. Solamente tras el largo paso del tiempo, este largometraje finalmente ha logrado ser valorado en la justa medida de su extraordinaria calidad artística hasta haberse convertido en una película de culto, y con fieles seguidores en todo el mundo en la actualidad. Un atractivo guión de terror y ficción cuya trama está basada en la historia de la pequeña localidad de Antonio Bay durante la celebración de su centenario. La aparición repentina de una densa niebla procedente del mar será el inicio de una gran tragedia que caerá sobre algunos de sus habitantes, los cuales están marcados al ser la descendencia de aquellos antiguos fundadores de la ciudad que, hace cien años, mediante el engaño en una noche de tormenta, usando una falsa hoguera de señalización llevaron a un barco contra los acantilados aprovechando una noche de espesa niebla para así poder robar su oro. Tras el naufragio, la niebla desapareció y nunca más volvió a ese lugar, pero los lugareños cuentan que cuando la niebla vuelva a llegar al pueblo, los marineros muertos resucitarán y nadie en el pueblo estará a salvo de sus ansias de venganza.

Protagonizado por actrices ya consagradas como Janet Leigh (protagonista en famosas películas como “Mujercitas”, “Scaramouche”, “Principe Valiente”, “Los Vikingos”, “Sed de Mal”… o la mítica “Psicosis”) en el personaje de Kathy Williams, o Jamie Lee Curtis (que luego se acabaría convirtiendo en una de las actrices ligadas al cine de terror de las últimas décadas) en el papel de Elizabeth Solley, en “La Niebla”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo el talento del director John Carpenter logra convertir la apacible vida cotidiana de este pueblo costero en el contrapunto perfecto para una sucesión de horribles crímenes que dejarán huella en sus habitantes. Esta siniestra inquietud se empieza a sentir prácticamente desde los primeros minutos de película ante la aparente calma reinante en este idílico lugar. La sucesión de muertes empezarán a ocurrir con la llegada de esta terrorífica niebla que inexorablemente se apoderará del pueblo, ofreciéndonos este tenebroso espectáculo cinematográfico de horror y misterio de la mano de uno de sus directores más aclamados dentro del cine B, y no siempre valorado por la crítica oficial a pesar del rodaje de destacados largometrajes de calidad como el aquí analizado. Una infravaloración realizada por una parte de la crítica en los medios de información mainstream, y que no suele usar los mismos baremos en su criterio cuando ha de comentar otros largometrajes mucho más costosos financiados por míticas productoras, y que cuentan con actores de prestigio que en ocasiones han dejado mucho que desear en su calidad interpretativa. Como suelo decir, menos mal que el tiempo suele dejar a cada uno en su lugar y, en el caso de la película “La Niebla”, el tiempo ha hecho justicia respecto al talento artístico mostrado por John Carpenter en estas hipnóticas escenas e imágenes de horror. Observar cómo la densa y luminiscente niebla va dirigiéndose poco a poco hacia el pueblo se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película que guardarán en su memoria cinematográfica, junto a otras impactantes escenas como el fantasmagórico paso del antiguo barco hundido mientras cruza al lado de la cubierta del pesquero en plena noche, la lectura del obscuro contenido del diario del padre Patrick Malone escrito en el año 1880, ver al padre Patrick Malone con la cruz de oro en la iglesia, o la escena del faro cuando los marineros muertos tratan de matar a Stevie Wayne. Si desean sentir a flor de piel la pasión que provoca el cine de culto en las frías noches invernales, esta magnífica película es toda una garantía para poder pasar una inolvidable velada contemplando el misterio y el horror en estado puro en la pantalla. “La Niebla”, obra maestra del cine B de terror de la mano de uno de sus directores más emblemáticos: John Carpenter. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA MONTAÑA SAGRADA (the holy mountain)”, 1973 (Reseña / Review #1697).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1697 // Reseña Media nº: 50
Reseña actualizada. Publicada el 25 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ALEJANDRO JODOROWSKY
Guión: ALEJANDRO JODOROWSKY
Actores principales: ALEJANDRO JODOROWSKY, JUAN FERRARA, HORACIO SALINAS
País: MÉXICO-EE.UU Año: 1973 Productora: ABKCO
Duración aprox.: 108 minutos
Publicado en España por: CAMEO Año: 2007
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“La Montaña Sagrada” es una de las películas más innovadoras y vanguardistas que se hayan rodado dentro del cine underground. De trasfondo existencial y esotérico, también es considerada como película de culto por muchos cinéfilos debido a sus avanzados conceptos inmortalizados en inolvidables imágenes simbólicas. “La Montaña Sagrada” es una de las mejores películas de cine de autor rodadas en la rebelde y transgresora década de los setenta, y cuya esencia artística y conceptual pasó a ser inmediatamente etiquetada como escandalosa e inmoral en aquella época. En esta obra, el polifacético y transgresor artista chileno Alejandro Jodorowsky perfila cinematográficamente esta clara denuncia sobre la hipocresía existente en los seres humanos, en su cultura, y en su sociedad a lo largo de los siglos. Visualizando “La Montaña Sagrada”, los cultos lectores de Lux Atenea contemplarán metafóricamente la danza existencial que todo individuo ha de realizar con su destino desde el nacimiento, y que ineludiblemente le obligará a ir aprendiendo sobre la marcha mientras es empujado por las consecuencias que traen cada uno de sus actos. Si no quiere que los errores cometidos malgasten su preciado tiempo de vida, habrá de encaminarse a un difícil proceso trascendente donde el conflicto con su Ego, con sus condicionantes familiares y culturales, y con sus aspiraciones terrenales y materiales serán inevitables en su evolución espiritual hacia lo eterno. La talentosa mente del artista Alejandro Jodorowsky llegó a idear esta película de corte místico desde una perspectiva puramente simbólica donde los elementos surrealistas con pinceladas siniestras nos ofrecen este viaje por la mente humana, por sus deseos, y por sus debilidades. Mostradas con suma crudeza visual, algunos las consideran tan provocadoras que el mero hecho de etiquetar a estas obras cinematográficas de Alejandro Jodorowsky como geniales películas de culto les parece absolutamente rechazable. De todos es sabido que las verdades y la realidad ofenden al ser humano más denso y obscuro.

Como analista cultural valoro a Alejandro Jodorowsky como una de las mentes renacentistas más brillantes y lúcidas, siendo una de las claves del siglo XX dentro del Pensamiento, del Arte, y del Misticismo. Tuve el placer de hablar con él en un evento celebrado en Madrid hace ya algunos años, y su mirada y su perspectiva al mundo creo que como mínimo requiere una atenta reflexión sobre el trasfondo de sus avanzados conocimientos en relación al ser humano. No solamente han destacado sus creaciones artísticas dentro del mundo del teatro y del cine por su brillantez, sino también por el estudio serio y riguroso que viene realizando sobre la mente humana. Su reflejo en la personalidad y en el cuerpo de las personas ha quedado fijado a través de dos conceptos a los cuales ha denominado como psicogenealogía y psicomagia. Sus beneficiosos efectos han ayudado a muchas personas a resolver problemas que consideraban imposibles de solucionar, y menciono estos datos porque quiero que los cultos lectores de Lux Atenea tengan una visión amplia y global sobre este maestro de la vida en clave mística, y sobre cómo pudo originarse la idea de rodar una película tan impactante como “La Montaña Sagrada” en su mente.

No he dejado de estudiar y de profundizar en la esencia de “La Divina Comedia” a lo largo de más de dos décadas, y el estudio de los significados simbólicos utilizados en la creación de la trama de esta película irremediablemente me ha llevado a establecer paralelismos con la estructura astrológica de la mítica obra de Dante. Un proceso de purificación a través de las características espirituales propias de cada planeta dentro del mundo de la astrología, y cuyo objetivo final es poder aligerar al alma de todas las inmundicias energéticas que conllevan los enganches carnales y materiales, y la opacidad espiritual. Desde una perspectiva puramente mística, es ese ansiado retorno a lo primigenio, a ese lugar en donde se originó nuestra alma, puede ser alcanzado tras pasar por un largo periodo de tiempo de perfeccionamiento y purificación dentro de este plano existencial, y donde el sufrimiento y la irresistible atracción hacia todo lo que nos tienta mentalmente y nos ata emocionalmente a lo material, ha de ser comprendido y eliminado interiormente para lograr superar con absoluta eficacia esos poderosos obstáculos y condicionantes. La grandeza mística mostrada conceptualmente por Alejandro Jodorowsky en esta película, nos lleva a observar cómo ese sufrimiento y esas atracciones materiales no han de ser rechazadas por sistema, sino que han de ser superadas a través del inconsciente desvelado, ya que si los rechazáramos por sistema o dogma, más que evitar su fatal influjo lo que haríamos es potenciar su influencia en nuestro inconsciente más obscuro. Una perspectiva espiritual que considero acertada en sus planteamientos prácticos. Además, dentro del arte cinematográfico, nadie duda de la fuerza de las imágenes a la hora de transmitir una idea, una visión, un mensaje… por complicados y difíciles que sean. En el caso en particular de una película tan bien rodada como “La Montaña Sagrada”, si unimos el tremendo poder de las palabras a lo visual con trasfondo simbólico, la eficacia de este sistema audiovisual es más que evidente. Como apunte a destacar en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Cameo en el año 2007, se han incluido como extras las escenas eliminadas en la cinta original y cómo fue el proceso de restauración de la película, ofreciendo una visión global de esta obra. “La Montaña Sagrada”, película de culto y obra maestra concebida para despertar consciencias más que para el entretenimiento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1696 // Reseña Media nº: 49
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: BYRON HASKIN
Guión: BARRÉ LYNDON
Actores principales: GENE BARRY (Dr. Clayton Forrester), ANN ROBINSON (Sylvia Van Buren)
País: EE.UU Año: 1953 Productora: PARAMOUNT PICTURES Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: PARAMOUNT HOME ENTERTAINMENT (SPAIN), S.L.
Año: 2000 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Estrenada oficialmente en el año 1953, la película “La Guerra de los Mundos” se convirtió en la primera adaptación cinematográfica de la famosa obra homónima escrita por el ilustre maestro de la literatura británica Herbert George Wells (1866-1946). Incluida dentro del cine B, caracterizado por sus producciones de bajo coste que por desgracia no suelen ser valoradas artísticamente en su justa medida, “La Guerra de los Mundos” es una extraordinaria película de ciencia-ficción rodada en color utilizando el sistema technicolor, y que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su atrayente trama. Desde el planeta Marte ha sido organizada la invasión de la Tierra, lanzando sus naves aprovechando el momento del periodo orbital marciano de mayor cercanía a nuestro planeta. Una de estas naves invasoras acaba cayendo cerca de una pequeña población californiana durante el periodo estival, siendo confundida con un meteoro. En muy poco tiempo, los ciudadanos pasarán de la expectación y la sorpresa ante la contemplación de tan extraño suceso, al terror y a la huida desesperada intentando salvar sus vidas. En pocos días, la sensación de vulnerabilidad y de indefensión ante este ataque extraterrestre destinado a exterminar la raza humana se extenderá por todo el planeta, provocando el caos, el pánico social, los desórdenes, los robos y asaltos, la incomunicación entre las ciudades, la crisis de los gobiernos… mientras va llegando un inminente final casi apocalíptico en el cual no se ve la salida. La película “La Guerra de los Mundos” tiene escenas inolvidables que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente de los espectadores como la escena del sacerdote tratando de acercarse a los invasores para poder comunicarse con ellos, la descripción militar de las tácticas marcianas para atacar objetivos, la prueba en el laboratorio científico del ojo artificial creado por los marcianos, el ataque sistemático de las naves marcianas a la gran ciudad… en definitiva, este admirable talento artístico e ingenio creativo tuvo su recompensa al ser esta película galardonada con un Oscar a los Mejores Efectos Especiales en 1953.

Muchas de sus imágenes ya forman parte de la iconografía del cine B de ciencia-ficción más selecto, y algunas de sus escenas siguen siendo aún hoy día objeto de culto para muchos amantes del Séptimo Arte. El diseño de las aeronaves marcianas, el estilo descriptivo y visual tan particular con el cual se va desarrollando la trama, los colores intensos elegidos para señalar la avanzada tecnología creada por estos implacables invasores extraterrestres, la ambientación de los diferentes escenarios, las huellas que dejan en el suelo los hombres desintegrados, el sonido tan característico de los rayos marcianos cuando son lanzados, el aspecto físico de los invasores, la clave numérica de tres que marca todo lo relacionado con lo marciano, los lanzadores flexibles de rayos desintegradores (como si fueran amenazantes serpientes atacando simbólica y metafóricamente a nuestro inconsciente)… logran crear este ambiente dramático y esta tensa atmósfera de desconocimiento, incertidumbre, decadencia, y desesperación en cada uno de los diferentes escenarios donde se desarrolla la acción. Estas características estéticas y visuales tan bien llevadas a la gran pantalla se han convertido en las inconfundibles señas de identidad de esta película, como así podrán disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la magnífica compañía Paramount Home Entertainment. Recientemente, el talentoso director de cine estadounidense Steven Spielberg también ha rodado una adaptación de esta obra literaria a través de un enfoque artístico mucho más espectacular, y con el actor Tom Cruise como protagonista principal. Esta película del año 1953 es visualmente mucho más sencilla y modesta en comparación con el presupuesto infinitamente superior manejado por Steven Spielberg, en cambio este largometraje sigue teniendo ese encanto artístico propio del cine B creado con alma y pasión, y que tanto me gusta contemplar y admirar en esos momentos únicos tan especiales que solamente el arte cinematográfico es capaz de ofrecerme. Prácticamente, lo único que une a estas dos versiones cinematográficas tan distantes en el tiempo y en su estilo, es la mítica imagen de la apertura de la trampilla de la nave invasora y de la cual acaba saliendo el brazo del marciano agonizante en su último aliento de vida. Salvo esta impactante escena, ambos largometrajes no se parecen en nada a pesar de tener como fundamento la misma obra de H. G. Wells. “La Guerra de los Mundos”, película de culto con la irresistible fascinación por el mejor cine de ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAMIKAZE, MORIREMOS POR LOS QUE AMAMOS (俺和、君のためにこそしにに行く)”, 2007 (Reseña / Review #1695).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1695 // Reseña Media nº: 48
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: TAKU SHINJO
Guión: SHINTARO ISHIHARA
Actores principales: TORU EMORI, ICHIRO HASHIMOTO, MASATO IBU, KATSUTAKA FURUHATA
País: JAPÓN Año: 2007 Productora: TOEI COMPANY, LTD Duración aprox.: 135 minutos
Publicado en España por: DIVISA HOME VIDEO
Año: 2010 Formato: Digipak DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Como analista cultural, lo que más me gusta de la película japonesa “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos” es el enfoque que le ha dado su director Taku Shinjo, desmitificando la imagen histórica de los kamikazes que nos ha venido ofreciendo tanto la propaganda occidental como el retrato de gloria y honor con el cual el nacionalismo japonés los ha venido mostrando. En este bello y dramático largometraje, el genial director japonés Taku Shinjo nos presenta una perspectiva mucho más real y humana sobre estos pilotos suicidas, alejándose totalmente de esa falsa imagen unida al salvaje fanatismo con el cual se les ha identificado. Unos pilotos kamikaze que, en su mayor parte, más que haberse presentado como voluntarios, fueron realmente elegidos y obligados por los mandos militares a cumplir esa dura y desesperada misión suicida. La falta de preparación que muchos de estos pilotos tuvieron, el trágico drama sufrido ante la sinrazón de las órdenes recibidas por sus superiores, la rígida e inflexible censura militar a la cual estaban sometidos, el sufrimiento que esta participación militar en ataques suicidas suponía en su entorno personal, familiar, y de amistades… configuran estas impactantes historias trágicas omnipresentes en el ser humano inmerso en tiempos de guerra. “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos” es una película bélica japonesa que sorprenderá a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su solemne belleza y por su tensa atmósfera cargada de decaimiento, pesimismo, y desesperación, mientras la sociedad japonesa va sufriendo una progresiva militarización según avanza su participación en este conflicto asiático. Con imágenes de las cuales emanan este crudo dramatismo incluso en escenas bélicas de sobrecogedor realismo, en esta película comprobarán con sumo detalle cómo afrontaban estos pilotos kamikaze su aciago destino, cómo afloraba la camaradería entre ellos, y cuáles eran sus miedos, temores, alegrías, y diversiones mientras seguía corriendo en sus vidas esta siniestra cuenta atrás hacia el objetivo en una travesía aérea sin retorno posible. Desde las imágenes reales rodadas por la Marina en los ataques kamikazes a la flota estadounidense hasta la sobria ceremonia de despedida de los pilotos kamikaze antes de partir hacia el objetivo, desde las escenas del Sol de Sangre hasta la del ritual del seppuku, Taku Shinjo ha conseguido reflejar con absoluto realismo la ambientación de la época mientras la belleza de las imágenes y de las tomas rodadas te fascinan. Imágenes bélicas muy realistas e impactantes con momentos cargados de violencia como, por ejemplo, en el ataque aliado a la base aérea japonesa de Chiran (Kagoshima, Japón).

La película “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos” comienza en el año 1943 con imágenes de la sociedad japonesa y de los militares imperiales, y donde la exagerada alegría y euforia que muestran se convierte en el contrapunto perfecto a la entrada en el año 1944 con la reunión del Alto Mando japonés en Mabalacat (Filipinas), lugar donde se gestaría la idea de los ataques suicidas como medio para ganar la guerra, o para llevar al gobierno de los Estados Unidos de América a negociar la paz. El miedo de los militares japoneses a no poder cumplir con su objetivo de conquista de todo el continente como libertadores de Asia, junto a la apocalíptica visión ofrecida por la propaganda oficial emitida por el gobierno nacionalista donde el pueblo japonés iba a ser exterminado por los occidentales en cuanto fueran derrotados, se convirtieron en factores que influyeron decisivamente en la creación de esta unidad especial de ataque aéreo. Inmersos en la propaganda oficial japonesa exigiendo un sacrificio límite y extremo a toda la nación ante el imparable avance de las fuerzas militares estadounidenses, finalmente sería asignado el aeropuerto de Chiran como base de la fuerza aérea kamikaze. Unos pilotos que, obligados en su mayor parte a ejecutar estas misiones suicidas, serían tomados como referencia del espíritu militar japonés en combate. Por su imagen pública y social también serían admirados y reverenciados por su sacrificio por la nación siendo tan jóvenes. La desmoralización y la pérdida de confianza en la victoria por parte de los militares japoneses según iba avanzando este conflicto bélico en la Segunda Guerra Mundial, unido a la adecuada respuesta militar por parte de la fuerza aérea y naval estadounidense terminaría convirtiendo esas acciones suicidas en un sacrificio bélico absurdo y sin repercusión alguna en el desarrollo de las operaciones. Tras las dos bombas nucleares lanzadas sobre las ciudades de Hiroshima y Nagasaki en el año 1945 (días 6 y 9 de agosto respectivamente), este conflicto bélico llegaría definitivamente a su fin. “Kamikaze, Moriremos por los que Amamos”, controvertida película japonesa sobre los pilotos kamikaze: ¿fueron héroes o víctimas de ese trágico conflicto militar? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1694 // Reseña Media nº: 47
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ROBERT ALDRICH
Guión: LUKAS HELLER
Actores principales: BETTE DAVIS, JOAN CRAWFORD, VICTOR BUONO
País: EE.UU Año: 1962 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 135 minutos
Publicado por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A. Año: 2006
Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

Por su excelencia, la película “¿Qué fue de Baby Jane?” es una auténtica obra maestra dentro del Séptimo Arte, y por este motivo ha de ser incluida en Lux Atenea como parte esencial de esta selección de largometrajes recomendados para los cinéfilos lectores de este blog cultural. Además, esta edición especial publicada por Warner Home Video España incluye un segundo DVD con extras donde destacan documentales cinematográficos de calidad como “Bette Davis: Un volcán benévolo” (BBC, 1983), “Perfil cinematográfico: Joan Crawford” (BBC, 1967), y “Bette y Joan: La ambición ciega”. Sorprendentemente, esta sobresaliente película solamente fue premiada con el Óscar al Mejor Diseño de Vestuario en el año 1962. Basada en la novela homónima del escritor estadounidense Henry Farrell, este largometraje nos ofrece un drama terrible y sobrecogedor protagonizado por dos hermanas artistas cuya fama en la juventud se desvaneció a raíz del trágico y fatal accidente de una de ellas. Su eco en el presente, condiciona y marca totalmente sus vidas, sus actitudes, y su convivencia en una misma casa. Reflejando en impactantes imágenes esta estética siniestra y tenebrosa que se mantiene constante a lo largo de toda la película, encuentra sus puntos álgidos en algunas secuencias de corte claramente macabro, “¿Qué fue de Baby Jane?” provoca al espectador con las crueles y despiadadas escenas que presencia, identificándose inconscientemente con unos personajes y rechazando visceralmente a otros de forma inmediata (este es el auténtico trasfondo de la belleza siniestra en su dualidad emocional), y donde la identificación definitiva sobre quién es el verdugo y quién la víctima en realidad queda convertido en ese enigma permanente a lo largo de toda la trama, quedando desvelado de forma magistral por el mítico director Robert Aldrich en los minutos finales de la película. Les fascinarán las impresionantes escenas protagonizadas por esta terrorífica Bette Davis en el impactante papel de Jane Hudson, junto a la desamparada Joan Crawford encarnando a su hermana Blanche Hudson. Observando estas escenas dramáticas sacarán de su interior esos irremediables pensamientos y enrabietados instintos ante la contemplación de actos tan sumamente sádicos y crueles, haciendo que la vida del personaje con el cual se identifiquen les resulte de lo más injusta y vergonzosa.

La película “¿Qué fue de Baby Jane?” presenta actos despóticos llevados al extremo en su sofisticación más destructiva, y que incluso son llevados al campo del sometimiento psicológico de quien lo sufre y padece, quedando todo amplificado con la respuesta absolutamente sumisa que quien lo recibe. Todo ello altera y condiciona el pensamiento del espectador ante un sufrimiento que ha de contemplar sin poder hacer nada mientras frases como “yo lo que haría en su lugar es…”, “yo no lo soportaría y allí la dejaría abandonada porque…”, “pero por qué no hace…”, inevitablemente surgirán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización. Emociones tan inequívocamente humanas en respuesta a los terribles padecimientos que otra persona está sufriendo. Indudablemente, solamente dos excelsas actrices como Bette Davis y Joan Crawford pudieron dar alma y realismo a esta historia tan dramática, protagonizando gloriosas interpretaciones en este largometraje que se presentan tan estratosféricas como inalcanzables para la gran mayoría de los actores de Hollywood en la actualidad. Precisamente su virtuoso arte interpretativo es lo que ha convertido y seguirá convirtiendo a la película “¿Qué fue de Baby Jane?” en una obra maestra inigualable e insuperable, pasen los años que pasen. Presenciarán impresionantes escenas como las melancólicas canciones interpretadas por Jane Hudson (Bette Davis) recordando su gloriosa época pasada (que vivió entre los suaves pero caducos algodones de la fama), contemplarán las visitas a esta casa convertidas en posibles ángeles salvadores para Blanche Hudson (Joan Crawford), y observarán cómo los hechos circunstanciales terminan por apagar cada gesto de auxilio. Identificarán la película “¿Qué fue de Baby Jane?” con este disco sonando, con esta siniestra e inquietante muñeca a tamaño real de Jane Hudson cuando era una niña famosa, con esta obscura habitación convertida en una Dama de Hierro de cuatro paredes, con estas escaleras vistas como una montaña inexpugnable, con este teléfono tan inalcanzable como una estrella en la noche, con estas notas pidiendo ayuda donde todo parece haberse conjurado en contra de quien las escribe… Un diabólico ambiente tan dramático como desesperado en escenas definitivamente imborrables.

Es todo un placer observar con atención los gestos, la mirada, los movimientos en escena de Bette Davis como si fuera una danza macabra bajo la influencia del horror, y es su vengativa esencia tan manifiestamente rebelde y maléfica lo que la convierte en una actriz única y tan atrayentemente carismática en esta película de culto. Lo mismo sucede con Joan Crawford y su virtuoso arte interpretativo en cuanto a su tremenda capacidad para trasmitir realidad y autenticidad absoluta a un personaje, por difícil y complejo que sea. Sólo con observar detenidamente su rostro ya nos habla de sufrimiento sin necesidad de abrir los labios, y en un cuerpo cuya energía vital vemos cómo se va perdiéndose poco a poco, asumiendo esta pérdida como si fuera su cruel e inevitable destino. “¿Qué fue de Baby Jane?” es observar lo aparentemente cotidiano como una danza siniestra donde una persona rota vive lo insufrible en esta casa convertida en una insoportable y tortuosa cárcel. Hasta el más mínimo detalle en la imagen, hasta el diseño de cada uno de los elementos de decoración se presenta con esta imagen funesta y desquiciada. Además, en esta película podrán disfrutar a Joan Crawford en lo más alto del Olimpo cinematográfico junto a la colosal actriz Bette Davis. Joan Crawford y Bette Davis, dos radiantes auras artísticas que brillan con fuerza en cada fotograma hasta convertir la mente del espectador en el registro imborrable de sus interpretaciones. Lo más increíble es que, en la época que se rodó está película, tanto Bette Davis como Joan Crawford decían que estaban pasando por una grave crisis en sus carreras como actrices. Después de ver esta película, ¿darán credibilidad a esa valoración que mostraron en público? Además, el absoluto rechazo y la perenne enemistad que estas dos actrices siempre se mostraron a lo largo de sus vidas estuvo bien presente durante el rodaje, dejando inmortalizado ese toque sarcástico y perverso en cada una de estas geniales escenas. Una perspectiva y una belleza gótica unida a lo moderno que hacen aún más atrayente a esta trágica historia. Y si analizamos este largometraje más profundamente, uno se pregunta sobre cuántas vidas ha roto el mundo del espectáculo en relación a artistas que, tras haber disfrutado de las mieles de la fama y del éxito, han acabado bebiendo las hieles del olvido y del desinterés público. “¿Qué fue de Baby Jane?”, una lujosa y respetable mansión en cuyo interior se encuentra viviendo la venganza en esta sala de torturas del mismísimo infierno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LOS ÚLTIMOS SECRETOS DEL EJE” THE HISTORY CHANNEL (Reseña / Review #1693).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1693 // Reseña Media nº: 46
Reseña actualizada. Publicada el 16 de junio del año 2010 en Lux Atenea.

Dirigida por: Andy Aitken
Año: 2009 Duración aprox.: 93 minutos
Publicado por: REVISTA MUY HISTORIA
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Este DVD fue publicado por la magnífica revista Muy Historia en una edición especial donde desvelaban las últimas investigaciones históricas y militares sobre la II Guerra Mundial. Perteneciente a un extenso documental producido por el canal de televisión The History Channel, se encuentra dividido en dos capítulos, cada uno de los cuales está protagonizado por un personaje histórico fundamental para poder entender cómo se forjó la Alemania nacionalsocialista de Adolf Hitler, y cómo el Japón imperial llegó a convertirse en una potencia asiática hasta creerse capaz de enfrentarse con éxito a los Estados Unidos de América por la supremacía en Asia y en el Pacífico. Los nombres de estos dos protagonistas olvidados en la Historia del Siglo XX son el general Karl Haushofer (1869-1946) y el teniente general Shiro Ishii (1892-1959). En ambos casos, para los cultos lectores de Lux Atenea creo que el interés informativo de este amplio documental es indiscutible y, en el caso del teniente general Shiro Ishii, es esencial conocer cómo sus conocimientos científicos en armas de guerra tan devastadoras como la bacteriológica, pudo llegar a provocar un alto coste en vidas humanas en territorio estadounidense si se hubieran llevado a cabo. Japón tuvo la tecnología y los medios para poder llevarlo a cabo, y solamente el retraso en su ejecución por la falta de acuerdo dentro del Alto Mando japonés evitó lo que hubiera sido una auténtica masacre en todo el continente americano.

Karl Haushofer nace el día 27 de agosto de 1869 en la ciudad alemana de Munich (Baviera). Tras ingresar en el ejército se convierte en un brillante militar, siendo nombrado oficial de artillería. Su ingenio y su forma de trabajar tan meticulosa le permiten llegar a formar parte del Estado Mayor del ejército alemán y, en el año 1908, su facilidad para aprender idiomas (ya hablaba francés, inglés y ruso) le convierte en el candidato idóneo para ser destinado a Japón con la misión de realizar un estudio detallado de la milicia japonesa. Viajará por toda Asia, y el interés por sus culturas y por sus antiguas creencias le motivarán para aprender otros idiomas como el japonés, el chino, y el coreano. Cuando la I Guerra Mundial estalla, regresa a Alemania, y cuando este conflicto bélico llega a su fin había alcanzado el grado de General de División. Tras las duras exigencias que los aliados imponen a Alemania en el Tratado de Versalles (1919), el general Karl Haushofer se retira del ejército e ingresa como profesor de Geología en la Universidad de Munich ese mismo año. Algunos militares como Karl Haushofer acusan a judíos y comunistas de haber traicionado a Alemania, y de ser uno de los principales factores que les llevó a la derrota. En la ciudad de Munich, Karl Haushofer idea y fundamenta una doctrina basada en la raza y en la historia alemana a la cual denomina Lebensraum (espacio vital) y, a través de la cual, Alemania podría recuperar su liderazgo militar y económico a través de la conquista y explotación de los territorios vecinos. Karl Haushofer idea también una alianza continental entre Alemania, Rusia, y Japón con la cual poder hacer frente a la hegemonía de potencias navales como los Estados Unidos de América y Gran Bretaña. Como el Tratado de Versalles acaba limitando las capacidades del ejército alemán (sólo pueden disponer de 100.000 hombres, y sin posibilidad de tener fuerzas mecanizadas ni aviones), en el año 1923, los alemanes llegan a un acuerdo con los rusos (Tratado de Rapallo) para formar a su ejército en las nuevas tácticas aéreas y terrestres, e ingenieros alemanes son enviados en secreto a Japón para ayudarles en el desarrollo de su arma aérea. Sus diseños son los que convertirán a la poderosa aviación japonesa en un arma temible durante la Segunda Guerra Mundial. Al mismo tiempo, la colaboración entre alemanes y japoneses en labores de espionaje se estrecha, siendo un factor clave en el futuro ataque japonés a Pearl Harbor (espías alemanes suministraron información naval a los japoneses) y en los ataques alemanes a barcos procedentes de Sudamérica con rumbo a los países aliados (en Brasil, la red de espionaje japonés Los Dragones Negros fue muy efectiva en el envío de esta información a los submarinos operativos en aquella zona).

En la Universidad de Munich, Karl Haushofer encontrará en uno de sus alumnos a la persona idónea para poder llevar a la práctica su idea del Lebensraum. Su nombre es Rudolf Hess. Pertenecía al partido nacionalsocialista liderado por Adolf Hitler y, tras el golpe de estado del año 1923, Adolf Hitler y Rudolf Hess son encarcelados en la fortaleza de Landsberg. Karl Haushofer los visitará con frecuencia para transmitirles sus ideas, y el fruto final de todo ello quedará escrito en un libro esencial para poder entender la visión nacionalsocialista del mundo: Mein Kampf (“Mi Lucha”). A partir de su exitosa publicación en Alemania, el poder de Adolf Hitler no dejará de crecer y la unión entre Hitler, Hess, y Haushofer será la que guiará finalmente el destino de los alemanes cuando el partido nacionalsocialista toma el poder en el año 1933. Karl Haushofer se convierte en el asesor personal de Adolf Hitler en política internacional, en el ideólogo y en la esencia intelectual del partido, pero siempre desde la sombra. Durante su etapa en Asia, Karl Haushofer investigó y profundizó en el mundo del ocultismo, e incluso llegó a descubrir y traducir textos tibetanos, budistas, e hindúes desconocidos hasta entonces en Occidente. Junto a la Sociedad Thule a la cual pertenecía, allí en Asia encontraría toda la mitología y la simbología aria que el partido nacionalsocialista llegaría a utilizar en Alemania. También estudiaría las sociedades secretas japonesas ultranacionalistas y sus rituales de iniciación (por ejemplo, la poderosa sociedad de Los Dragones Negros, fundada en el año 1901), y que acabarían encontrando su paralelismo en Alemania en la futura creación de las SS, una organización de corte político, militar, y religioso concebida como el germen de la élite que garantizaría el futuro de la nación. En América, Karl Haushofer sería presidente de la poderosa e influyente Asociación de Alemanes en el Extranjero, siendo también la mente que idearía el futuro Pacto del Eje, el cual se empezaría a gestar en el mes de abril del año 1934 tras la reunión celebrada en su casa de Munich, y en la cual participaron Rudolf Hess, el agregado naval japonés en Alemania, y el propio Karl Haushofer. El Pacto del Eje sería finalmente firmado por Japón, Italia, y Alemania en el año 1940, pero Haushofer deseaba que Alemania, la Unión Soviética, y Japón terminaran unidos contra los Estados Unidos de América y Gran Bretaña. Posteriormente, el inicio de la guerra contra la Unión Soviética rompería su sueño de una gran alianza continental euroasiática, y la entrada de los Estados Unidos de América en la Segunda Guerra Mundial sería decisiva para la caída de todas las naciones firmantes del Pacto del Eje. Karl Haushofer mantuvo su visión geopolítica del mundo, pero la muerte de su hijo a manos de la Gestapo por haber colaborado con la resistencia alemana contra Hitler, puso el punto y final a su carrera política. Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, en el año 1947, Karl Haushofer y su mujer se suicidarían, su esposa tomando un veneno mortal y Karl Haushofer de 75 años de edad con el rito samurái del seppuku.

En la segunda parte de este magnífico documental histórico, Japón se convierte en el eje temático principal con una serie de revelaciones militares a cual más sorprendente y asombrosa. Los cultos lectores de Lux Atenea empezarán este segundo capítulo conociendo la transferencia por vía aérea a Japón de la avanzada tecnología italiana sobre motores a reacción en el verano de año 1942. Con estos conocimientos, los japoneses empezarían a diseñar una serie de aviones con los cuales tratar de hacer frente a los bombarderos pesados estadounidenses que amenazaban sus ciudades. Gracias a la aplicación militar aérea de estas nuevas tecnologías, esperaban anular la supremacía aérea estadounidense ya que era uno de los mayores peligros a los cuales se enfrentaba el imperio japonés para poder llevar a cabo sus ambiciosos planes hegemónicos continentales. A partir de esa base tecnológica italiana, diseñarían con soluciones de ingeniería prácticas y sencillas desde cazas capaces de volar 300 km/h más rápido que los bombarderos estadounidenses, a cazabombarderos de ataque naval capaces de parar un desembarco, o cazas interceptores que portarían dos misiles aire-aire con los cuales poder derribar bombarderos B-29 con efectividad (el primer prototipo se probó el 3 de agosto de 1945). Cuando los Estados Unidos de América llevan a Japón a rendirse (15 de agosto de 1945, quedando todo firmado oficialmente el día 2 de septiembre), se encuentran con planos detallados de estos modelos e incluso con algunos prototipos listos para el combate, Toda esta tecnología aeronáutica tan avanzada fue reunida para proceder a su detallado estudio y análisis, y actualmente se sigue conservando uno de estos prototipos en el Museo Nacional del Aire y el Espacio de Washington. En el año 1945, la tecnología japonesa en cohetes y en aviones a reacción era la más avanzada del mundo, y si hubieran podido aplicar toda esta tecnología en sus nuevos modelos de aviones y llevarlos a una cadena de producción en serie, hubieran podido conseguir la superioridad aérea y control de los cielos. Su proyecto secreto más importante fue el diseño de un bombardero intercontinental capaz de atacar el continente americano desde bases japonesas (podía volar a una velocidad de 680 km/h desde una altura máxima de 10.000 metros, y con un alcance de 14.500 kilómetros), gracias a la compra legal de tecnología aeronáutica avanzada a empresas constructoras estadounidenses antes del estallido de la II Guerra Mundial.

En el verano del año 1945, Japón todavía dominaba y controlaba gran parte de sus territorios en Asia (Corea, Indonesia, China, Filipinas, y Vietnam) con millones de soldados listos para combatir, y parte de su fuerza aérea se encontraba esperando el desembarco aliado. Pero, en Manchuria, Japón ocultaba su arma más mortífera: armas bacteriológicas únicas en el mundo que habían sido desarrolladas y probadas por el teniente general Shiro Ishii y su Escuadrón 731. Nacido en el año 1892 en la ciudad japonesa de Kamo, Shiro Ishii cursaría estudios médicos y se especializaría en el campo de la bacteriología. Tras graduarse, ingresa en el ejército y en abril de 1928 realiza un viaje de investigación científica por treinta países. Las ideas ultranacionalistas de Shiro Ishii y sus avanzados conocimientos terminan convenciendo al ejército para desarrollar armas bacteriológicas con fines militares. En el año 1931, Japón conquista Manchuria y, en estas extensas tierras, Ishii encontrará el lugar perfecto para poder investigar en secreto sus poderosas armas, empezándose a construir el complejo militar donde Shiro Ishii trabajará en 1938 y, dos años más tarde, comienza a ser operativo. Las cepas del virus de la peste bubónica acaban convirtiéndose en el arma más letal que Shiro Ishii desarrolla, llegando a tener la suficiente cantidad de peste bubónica en sus laboratorios como para haber podido extinguir a toda la raza humana de la faz de la Tierra. Para solucionar los problemas de propagación que el virus de la peste bubónica tenía (fuera del cuerpo humano, el virus muere), investiga el uso de pulgas infectadas como contenedor perfecto de esta arma. Para poder lanzar una cantidad suficiente de estas pulgas en un objetivo, diseña un arma en el año 1944. Dividida en dos partes, cuando esta arma es lanzada por un avión, se abre un paracaídas que frena y estabiliza una bomba de porcelana en cuyo interior se mantienen con vida a 30.000 pulgas infectadas. Un radiofaro, que se sitúa por debajo de esta carga, activa la bomba de porcelana en cuanto toma contacto con el suelo, esparciendo las pulgas a su altura más idónea. El 80 por ciento de las pulgas lograban sobrevivir.

Shiro Ishii también diseñaría armas biológicas portadoras de ántrax y tifus, probándolas con humanos en su laboratorio en Manchuria (campesinos chinos, soldados prisioneros, y pilotos aliados capturados). El Escuadrón 731 también probaría militarmente sus armas biológicas en suelo chino (cólera, disentería, tifus, peste, y ántrax), provocando aproximadamente un cuarto de millón de muertos entre civiles y militares chinos. Pero, en el verano de 1945, Shiro Ishii y su Escuadrón 731 desarrollarían un ambicioso plan secreto en el cual, el día 22 de septiembre de ese mismo año, tenían pensado bombardear la ciudad de San Diego usando sus bombas biológicas de peste bubónica. Para ello, utilizarían aviones que serían transportados por el nuevo portaviones submarino I-400 que ya estaba operativo. La oposición de la Marina Japonesa a que estos portaviones submarinos fueran usados para atacar los Estados Unidos de América retrasaría finalmente la ejecución de esta operación. Cuando Japón es derrotado, Shiro Ishii y su Escuadrón 731 pasan a colaborar con los estadounidenses en la investigación de nuevas armas químicas y biológicas. Shiro Ishii moriría el 9 de octubre del año 1959 en la ciudad de Tokio. Como apunte final, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, la sociedad de Los Dragones Negros se convirtió en la mafia japonesa conocida con el nombre de Yakuza (Yakuza significa “8-9-3”, los números perdedores del blackjack japonés). “Los Últimos Secretos del Eje”, documento histórico de imprescindible visualización y conocimiento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DONNIE BRASCO”, 1997 (Reseña / Review #1692).

Posted on 2 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1692 // Reseña Media nº: 45
Reseña actualizada. Publicada el 10 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Mike Newell
Actores principales: Al Pacino (Lefty Ruggiero), Johnny Depp (Agente Pistone / Donnie Brasco), Michael Madsen (Sonny Black)
Año: 1997 Duración aprox.: 128 minutos
Publicado por: TRIPICTURES, S.A. Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Lo primero que impresionará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea es saber que “Donnie Brasco” es una película basada en hechos reales sucedidos en la década de los setenta. Durante aquellos años tan conflictivos, el gobierno de los Estados Unidos de América finalmente se propuso desarticular la organización mafiosa conocida con el nombre de Cosa Nostra, encargando esta difícil tarea al F.B.I. (Federal Bureau of Investigation) para poder cumplir con ese objetivo. Para poder alcanzarlo con éxito, la idea fue infiltrar a un agente especial dentro de la estructura de aquella organización mafiosa, y tratar de llegar hasta la cúspide donde se tomaban las decisiones para posteriormente desmantelarla. Esta misión tan peligrosa y arriesgada fue asignada al agente especial Joseph D. Pistone. Tras un complicado y meticuloso trabajo, el resultado final de su infiltración en aquella poderosa red mafiosa fue la detención y desmantelamiento de varios clanes pertenecientes a Cosa Nostra. Además, la novela que posteriormente escribió el agente Pistone junto a Richard Woodley, también sirvió como base para definir y estructurar la trama de este grandioso largometraje, convertido ya con el paso de los años en película de culto dentro de esta apasionante temática cinematográfica siempre tan exitosa de cara al público.

Como analista cultural, una de las cualidades artísticas que más me gusta de la película es esta ambientación de los años setenta tan bien lograda. ¡¡¡Impresionante!!! Da la sensación de estar viendo un reportaje grabado en aquella epoca que una película producida a finales de la década de los noventa. Si hablamos del entorno mafioso en el cual se mueve el agente Joe Pistone, alias el joyero Donnie Brasco para los mafiosos, podemos respirar esta densa adrenalina que todo lo impregna, esa desconfianza oculta, esa tensión constante, y ese miedo latente donde nadie puede escapar a la temida llamada para ‘comparecer’ ante los jefes. Todo ello junto al fiel reflejo del sistema de cuotas que se establece en estas estructuras piramidales del crimen organizado, queda muy bien descrito en “Donnie Brasco”. Un disparo en el centro de la diana para poder comprender cómo funcionan estas organizaciones a nivel económico porque no sólo se encargan de realizar robos, tráfico de sustancias ilegales, chantajes… sino que, por encima de todo ello se sitúa el pago de ciertas cantidades de dinero por parte de las diferentes bandas con los líderes de clan, y estos a su vez con la jefatura, la cúpula directiva que todo lo controla. Si por cualquier motivo esos ingresos monetarios no son realizados, se pueden imaginar las consecuencias, y este riesgo es completamente asumido por los clanes y por sus subordinados. Por encima de todo, la Mafia es un negocio y hablar de la Mafia es hablar de dinero, de ingentes cantidades de dinero. Su seguro para que el negocio continúe y que el dinero no deje de fluir es el silencio, el poder del silencio cuya ley inquebrantable es su sancta sanctorum: la omertá.

En la excelsa película “Donnie Brasco”, las interpretaciones de Al Pacino y Johnny Depp son sublimes. Johnny Depp hace el papel del agente Joe Pistone, el joyero Donnie Brasco, destacando especialmente en la interpretación su difícil rol familiar mientras realiza esta exigente y meticulosa labor como agente encubierto. Inexorablemente, la familia de Joe Pistone está marcada por las duras exigencias que su trabajo conlleva y muy especialmente con su mujer. La dura vida que la mujer de un agente especial ha de soportar suele llevar consigo un enfriamiento progresivo en sus relaciones afectivas, y estas circunstancias tan difíciles quedan muy bien descritas en la frase “finjo que soy una viuda”. Otra magistral interpretación la protagoniza Al Pacino en su papel del mafioso Lefty Ruggiero perteneciente al clan Bonnano, puliéndolo con esos detalles esenciales para dar verosimilitud a su difícil personaje en la gran pantalla. Lefty Ruggiero es un mafioso en declive, y esos ojos reflejando el fracaso, ese rostro inconfundible de aquel que ha perdido ya el control sobre su vida y va arrastrándose por ella, esa mirada permanentemente perdida, esos hombros caídos que lo dicen todo, ese pelo alborotado no por rebeldía sino por falta de autoestima, y ese aspecto desaliñado portando ropa que no luce, que no brilla, y que no tiene esa elegancia que da un status por encima de las circunstancias, impactará al cinéfilo lector de Lux Atenea cuando visualice este largometraje.

Dando continuidad al estilo de mis reseñas cinematográficas donde selecciono las escenas de la película que más me han deslumbrado, destacaría la escena donde Lefty Ruggiero y Donnie Brasco han de alimentar con hamburguesas a un gatito que llevan en el asiento trasero del coche, la impactante escena del restaurante japonés (¿crees que es imprescindible quitarse los zapatos para poder comer en uno de estos restaurantes?), cuando Donnie Brasco ha de cortar filetitos en un sótano, o la maravillosa escena donde Lefty Ruggiero entrega un recorte de revista a Donnie Brasco. Como podrán observar, en esta película los símbolos son cruciales y destacan algunos detalles que son clave como la entrega de las cerillas del club “Kings Court”. El talentoso director de cine inglés Mike Newell perfiló muy bien esos mensajes, apoyando muchas veces el trasfondo de los diálogos con el significado de los objetos que aparecen en escena. Una inteligente y sutil vía de comunicación con la mente del espectador al cual muy pocos directores de cine parecen dar valor en sus obras. Como clausura de esta reseña, quisiera finalizarla con una frase de Joe Pistone por su trasfondo psicológico tan profundo, “no me comporto como ellos, soy como ellos”, y la sagrada norma cuya vulneración es mortal: “no menciones su nombre, son las reglas”. “Donnie Brasco”, cuando el cine de culto se vuelve intemporal, grandioso, y muy siniestro por su perenne esencia artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SOSPECHOSOS HABITUALES (the usual suspects)”, 1995 (Reseña / Review #1691).

Posted on 1 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1691 // Reseña Media nº: 44
Reseña actualizada. Publicada el 8 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Bryan Singer
Actores principales: Kevin Spacey (Verbal Kint), Gabriel Byrne (Dean Keaton), Benicio del Toro (Fenster), Stephen Baldwin (Mc Manus), Kevin Pollack (Hockney), Chazz Palmintieri (David Kujan)
Año: 1995 Duración aprox.: 92 minutos
Publicado por: FILMAX Formato: DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

California. Un barco, un asesinato en la cubierta, y unas llamas que empiezan a extenderse. Nueva York, seis semanas antes. Tras el robo de un camión cargado de armas, Dave Kujan, agente de Aduanas, detiene a cinco sospechosos sin prueba alguna basándose en la suposición de que ese robo tan solo ha podido ser realizado por profesionales. Tras la detención, los somete a una sesión de interrogatorio y a otra de reconocimiento, pero las coartadas son sólidas y veraces. Los detenidos son Verbal Kint (que está impedido con medio cuerpo inválido pero es inteligente y organizado), Dean Keaton (ex-policía y un frío profesional del robo en permanente estado de alerta), Fenster (gran conocedor del mundo delictivo y que se mueve dentro de él como pez en el agua), Mc Manus (asesino profesional de disparo certero, pero muy impulsivo y visceral), y Hockney (metódico y siempre bien cubierto con la coartada perfecta). Sobrevolando sobre las cabezas de estos delincuentes profesionales siempre moviéndose en el inestable mundo de los grandes golpes, se encuentra la figura de un ser desconocido llamado Keyser Soze, una leyenda. Cinco profesionales atrapados en la red tendida por Keyser Soze porque sabe cómo manejarles, y si Keyser Soze te necesita, nunca podrás rechazar su oferta porque no existe en su vocabulario la palabra “No”. Pero los cinéfilos lectores de Lux Atenea se preguntarán: ¿quién es Keyser Soze?

Keyser Soze es una leyenda, es una vida marcada por la tragedia sufrida por su familia, pero hay quien asegura que en realidad es el mismísimo Diablo. Un ser maligno que nadie ha visto, que siempre permanece oculto, y hasta su sombra es despiadada. La mente de Keyser Soze es una fría calculadora, meticulosa hasta extremos inconcebibles, precisa, ágil en la acción, con una voluntad férrea, con una sed de venganza incontenible que cuando se desata nadie encuentra un refugio seguro. Nadie está a salvo si es señalado por la mano de Keyser Soze, una pesadilla personificada en un ser de carne y hueso. ¿O tal vez tan sólo sea un fantasma? ¿Será un mito, una historia ficticia? Estas preguntas aparecerán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea viendo la película “Sospechosos habituales”, y durante noventa minutos esas preguntas sin respuestas aparentes se convierten en la base principal de la intriga que sostiene esta magnífica trama de suspense. Todo es turbio en este largometraje, y la sombra de la sospecha lo cubre absolutamente todo y a todos. Los cabos sin atar se van multiplicando según va pasando el tiempo minuto a minuto, pero los dólares que circulan se cuentan por miles. Además, “Sospechosos habituales” es una película dinámica cuya excelente trama forma el esqueleto y sus personajes dan solidez a la historia, ese cuerpo interpretativo esencial para poder crear una gran película. Un largometraje con tintes de novela negra donde la acción tan solo es frenada provisionalmente por la pregunta naciente y la incógnita sin despejar. Sus escenas son vivas, sentimentales, sugerentes y duras, destacando especialmente algunas de ellas como cuando Fenster durante la sesión de reconocimiento ha de decir la frase “¡Dame las llaves, cabrón!”, la escena donde las miradas se van cruzando entre los cinco sospechosos al salir de la comisaría, la secuencia del robo en el garaje donde la tensión se puede cortar con un cuchillo, o la escena del poli-taxi express en la cual se denuncia la corrupción policial en Nueva York con mucho arte.

Y si hablamos de los actores que brillaron en esta película por sus interpretaciones, por ejemplo, el actor estadounidense Kevin Spacey dio el salto a la fama gracias a ella. Por sus cualidades artísticas, Kevin Spacey es uno de los actores que más me gusta porque considero que es todo un maestro de la interpretación. Un actor que logrado que su nombre se haya convertido en sinónimo de calidad cinematográfica. Y que decir del actor irlandés Gabriel Byrne, porque en “Sospechosos habituales” está soberbio y con un as siempre guardado en la manga. Y si miramos al actor puertorriqueño Benicio del Toro, aquí podemos verle creciendo artísticamente con esa fuerza que imprime a sus personajes, unos personajes con carácter. Además, en este largometraje también podrán disfrutar con las interpretaciones de otros actores como Stephen Baldwin dando esa clase a un asesino tan peligrosamente impulsivo como Mc Manus, a Kevin Pollack muy sobrio pero haciéndose imprescindible en esta trama, y con Chazz Palmintieri dando esa aura especial a este detective que, a través de su investigación, va viendo como poco a poco va acorralándolos para acercarse a la verdad. Sin duda alguna, poder tener a un grupo de actores de esta calidad artística garantiza que una buena trama reluzca con mayor intensidad cinematográfica. Pongan todo esto en manos de un director con la capacidad de organización de Bryan Singer (tardó solamente treinta y cinco días en rodar esta película), y el resultado final se llama “Sospechosos habituales” con uno de los mejores finales que haya visto en una película. Si deciden adquirir esta edición especial publicada en formato DVD por la mítica compañía Filmax en España, recomiendo que no se pierdan la sección de “Curiosidades” incluida en los extras porque es sencillamente… ¡¡¡sorprendente!!! “Sospechosos habituales”, pasión por el Séptimo Arte provocada por esta película de culto dentro del mejor cine de suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL HOMBRE QUE RIE (the man who laughs)”, 1928, PAUL LENI (Reseña / Review #1690).

Posted on 29 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1690 // Reseña Media nº: 43
Reseña actualizada. Publicada el 11 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: PAUL LENI
ACTORES PRINCIPALES: MARY PHILBIN, OLGA BACLANOVA, CONRAD VEIDT, CESARE GRAVINA, BRANDON HURST
AÑO: 1928 DURACIÓN APROX.: 110 minutos
PUBLICADO POR: TRIBANDA PICTURES, S.L.
AÑO: 2010 FORMATO: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Rodada en los Estados Unidos de América en el año 1927, “El Hombre que Ríe” es una película muda de culto del prestigioso director de cine germano Paul Leni (1885-1929), auténtico maestro del Expresionismo alemán más vanguardista e innovador en su época. Este mítico largometraje es una adaptación cinematográfica de la obra dramática homónima escrita por el genio decimonónico de la literatura francesa Victor Hugo (1802-1885). Años después de su estreno oficial ante el gran público (año 1928), muchos de los impactantes fotogramas que se aquí se filmaron pertenecientes a su personaje principal Gwynplaine, acabarían inspirando a los míticos dibujantes de cómic Jerry Robinson y Bob Kane para la creación del rostro del irreconciliable enemigo de Batman: el maléfico y sarcástico Joker. Un dato de sobra conocido por los fieles seguidores de esta exitosa saga de atmósfera gótica, y donde la imagen de Gwynplaine en la película “El Hombre que Ríe” se vincula directamente al personaje del Joker. Actualmente se ha vuelto a dar un renovado protagonismo a este siniestro largometraje en el siglo XXI con la publicación de esta lujosa edición en DVD. Una visualización que despertará su interés a la hora de conocer en mayor profundidad este universo cinematográfico siempre tan sorprendente como provocador. En “El Hombre que Ríe”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea apreciarán muy claramente su esplendorosa calidad artística nada corriente en muchas otras películas de éxito rodadas en aquella década, gracias a una generosa financiación que permitió ser incluida dentro de las míticas superproducciones de la compañía estadounidense Universal Studios, invirtiendo más de un millón de dólares en ella. Una obra cinematográfica que, tras el prematuro fallecimiento de su director al año siguiente de su estreno, acabaría convirtiéndose en su penúltima película.

“El Hombre que Ríe” es un drama de corte sentimental cuya trama se desarrolla en el siglo XVII en Inglaterra. Cuando el padre de Gwynplaine cae en desgracia durante el reinado de Jacobo II, es condenado a morir dentro de la terrorífica y macabra Dama de Hierro. Pero el rey Jacobo II también buscará aplacar su venganza en su hijo, ordenando que su rostro sea modificado físicamente para que la sonrisa quede permanentemente reflejada en su cara. Después de ser vendido y abandonado, Gwynplaine salvará a un bebé de morir congelado (la dulce Dea) y, tras ser recogidos por unos feriantes, su vida quedará inexorablemente unida al triste destino de un monstruo de feria cuyo éxito entre el público acabará llamando la atención de la realeza. Gwynplaine regresa a la Corte que provocó su desgracia y, a partir de entonces, el destino de su vida cambiará radicalmente. Por encima de todo, la película “El Hombre que Ríe” es un siniestro y dramático recorrido por la vida de un ser condicionado por su físico. Una visión de la vida de su protagonista que, de forma magistral, el director Paul Leni refleja visualmente a través de un inteligente juego de luces y sombras que darán sentido a estas atmósferas barrocas y obscuras muy bien logradas mediante el uso de tenebrosos e impactantes decorados. Una película que ofrece al espectador escenas imborrables de indiscutible belleza, y que gracias a la admirable labor interpretativa realizada por grandes actores como Mary Philbin (Dea), Olga Baclanova (Duquesa Josiana), Conrad Veidt (Gwynplaine), Cesare Gravina (Ursus), Brandon Hurst (Bakilphedro, el consejero real)… convierten esta obra de arte en una garantía absoluta del gran espectáculo que sólo el Séptimo Arte es capaz de ofrecernos.

Pero no hay que olvidar que la trágica grandeza visual de “El Hombre que ríe” hace que en el espectador fluyan emociones durante la contemplación de esta historia tan terrible. Se ha provocado la desfiguración del rostro de una persona para que quede condenada a sonreír permanentemente, incluso cuando esté pasando por momentos profundamente tristes en su vida. Es imposible no conmoverse al contemplar los terribles e irreparables efectos que provocan los diabólicos pensamientos concebidos en el lado más obscuro de la mente humana, teniendo como consecuencia en el cuerpo de otro ser humano que termine condenado a sufrir de por vida. Por este motivo, los actos protagonizados por Gwynplaine en esta historia solamente pueden ser juzgados desde la toma de consciencia previa del trágico pasado que ha padecido. Un poso trágico que siempre reaparece en su presente por culpa del desfigurado rostro. Desde un espejo hasta la reacción de sorpresa, diversión, o miedo que su cara provoca en aquellos que le ven, convierten su vida en un constante sufrimiento que no puede nunca evitar porque su destino ha quedado ya escrito y condicionado. Por este motivo, Gwynplaine nunca se sentirá libre y, en cambio, sí se sentirá encadenado a una imagen pública que no puede cambiar ni eliminar.

En el caso de Dea, que salvó de morir de frío cuando era muy pequeña, el amor que Gwynplaine siente por ella está también condicionado por la ceguera que ella padece, transmitiendo una imagen simbólica e idílica del Amor donde lo visual nunca es valorado por encima de la bondad interior. Conceptos absolutamente opuestos a lo socialmente entendido y apreciado como Amor porque, desde el punto de vista social, ese valor está irremediablemente invertido en lo que se entiende como normalidad y como símbolo de belleza. La ceguera de Dea también permite que no sufra constantemente al ver cómo las personas tratan a la persona amada sin tener en cuenta su bondad interior, amparándose en su imagen deforme como justificación de sus repudiables reacciones. Belleza interior e imagen siniestra, dos elementos que, en personas que sienten dentro de sí el espíritu nacido en el Romanticismo, son tomados como algo normal y bello si están unidos. Para el resto, en cambio, lo siniestro siempre se ha etiquetado directamente como reflejo claro de lo monstruoso y maléfico. ¿Quiénes poseen verdaderamente la pureza espiritual en su interior, el deformado Gwynplaine y la ciega Dea, o la supuesta normalidad social que caracteriza al resto de las personas que les rodean? ¿Está siendo justa la sociedad con las personas cuando no tienen una imagen que se considere ‘normal’? ¿Quiénes se comportan realmente en sus vidas como verdaderos adoradores del Mal por sus actos, los estigmatizados por su deformidad o por su imagen no convencional, o aquellos que están integrados dentro de la estética y de la normalidad social? “El Hombre que Ríe”, de nuevo, una película de culto vuelve a ser protagonista en Lux Atenea para formar parte de esta exquisita selección cinematográfica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO (影武者)”, 1980 (Reseña / Review #1689).

Posted on 29 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1689 // Reseña Media nº: 42
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 23 de noviembre del año 2010 conmemorando el centenario del nacimiento del genial director de cine japonés AKIRA KUROSAWA (1910-1998), y los 30 años de la presentación oficial de esta sublime película (1980).

Director: AKIRA KUROSAWA
Guión: AKIRA KUROSAWA y MASATO IDE
Año: 1980 Duración aprox.: 152 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2007
Formato: 2 DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 1980, y con el César a la Mejor Película Extranjera otorgado por la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia en 1981, “Kagemusha, la Sombra del Guerrero” es una película que la crítica especializada ha valorado como una auténtica obra maestra dentro del universo cinematográfico. De la mano del genial director de cine japonés Akira Kurosawa, a quien admiro profundamente por la calidad artística que siempre ha presentado en cada una de las maravillosas obras que ha rodado, el cinéfilo lector de Lux Atenea que decida asistir a este gran espectáculo visual de la imagen concebida como una obra artística, comprobará con sus propios ojos cómo el color, el movimiento, la coordinación, las tomas, los encuadres… acaban convirtiéndose en la radiante alma de esta película que le dejará fascinado por su sublime belleza. Situada en Japón durante el periodo feudal, su trama está basada en la búsqueda de un doble que pueda hacerse pasar por un poderoso señor feudal ante su inminente muerte, evitando con ello la pérdida de sus dominios. Finalmente encuentran como doble a una persona con un pasado poco honorable, reconduciendo su vida como respetado señor de la guerra. Un ladrón que, de la noche a la mañana, se le presenta una oportunidad única en la vida para renacer y para cambiar su aciago y triste destino a través de una nueva existencia que le otorga sentido vital y orgullo. Pero la vida cotidiana de un poderoso señor feudal también está llena de compromisos, de decisiones importantes que ha de tomar como gobernante, y de inevitables peligros que ha de esquivar, y que le llevarán a replantearse muy seriamente si continúa protagonizando este teatro de la realidad.

Cuando en España empezó la expansión del formato de vídeo doméstico VHS y de los videoclubs, aparte de alquilar las películas más interesantes del momento, también me aficioné a alquilar películas japonesas debido al fascinante mundo cinematográfico que me mostraban. Unos largometrajes que me cautivaron artísticamente por el cuidado de la imagen y del color como parte plástica fundamental que da sentido a la obra. Con personajes interpretados magníficamente por actores que, viniendo de una esencia artística puramente teatral, daban vida y alma a sus personajes utilizando gestos y expresiones nada comunes en el resto de películas occidentales. Ese estilo tan característico en muchas películas japonesas de la época te obliga a fijar la mirada atentamente en sus personajes, mientras la escena nos ofrece ese ambiente único y bello como solamente los grandes directores japoneses son capaces de inmortalizar dentro del Séptimo Arte. Sobre todo, en tomas exteriores donde la naturaleza, el ser humano, y lo urbano, son considerados como una belleza fugaz que es grabada en fotogramas tras una paciente espera. Y es que no hay nada mejor que la belleza circunstancial y efímera que nos rodea para dar realismo y credibilidad a una trama, independientemente del escenario donde se desarrolle. Como analista cultural, así veo y siento la grandeza del cine japonés a la hora de convertir el escenario y el personaje en el diario de la existencia humana, ya sea en su carácter externo o en su universo personal interior. Uno de estos directores con ese virtuoso don artístico para poder reflejar la belleza en imágenes fue Akira Kurosawa, y en este año 2010 que en Lux Atenea estoy conmemorando el centenario de su nacimiento, es todo un honor y un placer escribir esta reseña sobre una de sus mejores películas: “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”. Los tiempos han cambiado radicalmente desde los tiempos del VHS, con todos esos mágicos momentos que me llevaban a buscar una película japonesa en el videoclub y alquilarla sin saber qué te ibas a encontrar luego. Regresando a la actualidad, en esta preciosa edición en doble DVD podrán no solamente admirar esta grandiosa película, sino también conocer un poco más sobre la carrera cinematográfica de este genial director gracias a los extras aquí incluidos (entrevistas con George Lucas, Francis Ford Coppola, y Kurosawa; Akira Kurosawa: es maravilloso crear; Imágenes: la continuidad de Kurosawa…). “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”, el color, el movimiento, y los gestos interpretativos convierten a este largometraje en una película de culto dentro del cine japonés más selecto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la categoría: .

“LA NIEBLA (the fog)”, 1980 (Reseña / Review #1698).

“LA MONTAÑA SAGRADA (the holy mountain)”, 1973 (Reseña / Review #1697).

“LA GUERRA DE LOS MUNDOS (the war of the worlds)”, 1953 (Reseña / Review #1696).

“KAMIKAZE, MORIREMOS POR LOS QUE AMAMOS (俺和、君のためにこそしにに行く)”, 2007 (Reseña / Review #1695).

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

“LOS ÚLTIMOS SECRETOS DEL EJE” THE HISTORY CHANNEL (Reseña / Review #1693).

“DONNIE BRASCO”, 1997 (Reseña / Review #1692).

“SOSPECHOSOS HABITUALES (the usual suspects)”, 1995 (Reseña / Review #1691).

“EL HOMBRE QUE RIE (the man who laughs)”, 1928, PAUL LENI (Reseña / Review #1690).

“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO (影武者)”, 1980 (Reseña / Review #1689).