Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

“AVALON”, 2001 (Reseña / Review #1743).

Posted on 19 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1743 // Reseña Media nº: 96
Reseña actualizada. Publicada el 1 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: MAMORU OSHII
Guión: KAZUNORI ITÔ
Actores principales: MALGORZATA FOREMNIAK (Ash), WLADYSLAW KOWALSKI (Game Master), JERZY GUDEJKO (Murphy), DARIUSZ BISKUPSKI (Bishop), BARTEK SWIDERSKI (Stunner), KATARZYNA BARGIELOWSKA (recepcionista)
País: JAPÓN-POLONIA Año: 2001 Productora: BANDAI VISUAL Co. Ltd
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 2DVD edición limitada (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “Avalon” // Trailer // Ficha Artística // Ficha Técnica // Biofilmografía Del Director // Citas De Mamoru Oshii
DVD 2: Making of: Días de Avalon // Los Efectos Especiales // El Cine De Mamoru Oshii // Galería De Fotos

Aunque el director cinematográfico japonés Mamoru Oshii es mucho más conocido por su mítica película de animación “Ghost in the Shell” (1995), en el año 2001 presentó esta interesante película de ciencia-ficción cuya trama estaba basada en juegos de realidad virtual en la Red. Los juegos online que, aunque ahora nos parecen de lo más normal del mundo, en el año 2001 eran poco más que una utopía como medio de entretenimiento de gran impacto y difusión social. Ahora mismo, todavía no está disponible la tecnología, el software, y las velocidades de transmisión necesarias en la Red para soportar los juegos online de Realidad Virtual, pero el gran talento de Mamuro Oshii ya pronosticaba el éxito entre el público de los juegos online en el futuro con su película “Avalon”, casi con una década de antelación. Por este motivo, he seleccionado su largometraje “Avalon” como obra cinematográfica a recomendar a los cinéfilos lectores de Lux Atenea para su disfrute. Rodada íntegramente en Polonia, la espectacularidad que presentan muchas de sus escenas hizo que fuera galardonada con el Premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges en el año 2001. De inconfundible ambientación cyberpunk, “Avalon” es una película de acción donde el cine de ciencia-ficción adquiere ese atractivo visual tan especial, y con el cual se identifican los espectadores con gustos artísticos experimentales más alejados de los cánones cinematográficos oficiales, populares, exitosos (y muchas veces vacuos) que vienen condicionando y dando forma al cine comercial de las últimas décadas. “Avalon”, sin llegar a ser una película de culto, sí tiene ese punto vanguardista cuyo trasfondo social sitúa a su trama en una realidad futura que, de seguir avanzado las tecnologías en Internet a este ritmo en la actualidad, serán una realidad mucho antes de lo que creemos. La virtualización en las aplicaciones destinadas a Internet está cada vez más cercana tecnológicamente, los ordenadores personales con grandes capacidades de procesamiento gráfico son cada vez más económicos, y en cuanto haya un abaratamiento de las conexiones ultrarrápidas junto a la comercialización de dispositivos de interconexión virtual a un precio asequible, el universo digital en Internet que actualmente conocemos, en unas pocas décadas nos parecerá tan primario y lejano como ahora vemos a las antiguas conexiones de 56k de velocidad y a las BBS (Bulletin Board System) que, en su momento, era lo más avanzado que había en la Red.

Teniendo como escenario a un mundo futuro post-apocalíptico tras una cruenta guerra, la desolación y la falta de expectativas en la población (que se mueve en un entorno de alta tecnología) ha llevado a una parte de ella a engancharse a un juego bélico de realidad virtual tremendamente adictivo llamado Avalon. Una vía de escape de su triste presente y su desesperante futuro. Teniendo como medio de pago a créditos monetarios que incluso se pueden ganar jugando, Avalon se ha transformado en un mundo virtual muy popular donde los jugadores más expertos adquieren renombre entre la población como si fueran héroes, destacando Ash entre ellos al ser considerada como su mejor jugadora. El estilo de juego de Ash resalta por su habilidad, por su destreza e inteligencia, pero Ash se entera que un antiguo amante suyo, Murphy, ha quedado atrapado dentro del juego intentando acceder a niveles superiores únicamente accesibles para los jugadores más expertos. Intrigada por saber dónde está, qué le ha ocurrido, y cómo son verdaderamente esos niveles superiores del juego, si es que existen, Ash se adentrará en Avalon teniendo pleno conocimiento de que si falla en su misión, puede acabar convertida en un vegetal como ya les ha sucedido a otros jugadores. Por su extraordinaria trama, la película “Avalon” se muestra como un misterioso largometraje cyberpunk de acción donde la intriga y el suspense fijan la atención del cinéfilo a la pantalla mientras impactantes escenas van sucediéndose, y teniendo siempre presente lo trágico y lo dramático como base esencial del peligro que acecha y se oculta detrás de este misterio llamado “Avalon”.

“Avalon” es un largometraje que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por el magnífico uso de imágenes en blanco y negro con tonalidades cálidas obtenidas utilizando un filtro ámbar, como si estuviéramos contemplado algo casi onírico y siniestro a su vez. Una atmósfera desangelada donde las personas que viven en ese mundo parecen haber perdido la esperanza en un futuro mejor, quedando los días de gloria convertidos en una realidad digital a través del juego Avalon. Un mundo apático donde el tremendo éxito de este juego en la población también encuentra acérrimos detractores, y no dudan incluso en pegar carteles en las calles alertando del peligro que este juego representa para las personas. Pero las generaciones más jóvenes ya tienen elegida su opción, que no es otra que jugar y coger más experiencia para llegar un día a ser esa figura respetada y admirada socialmente por las hazañas realizadas dentro del juego. Además, el hecho que jugadores expertos como Ash se ganen la vida con créditos Avalon convertibles en dinero en efectivo, no es más que un premonitorio avance cinematográfico de lo que pueden llegar a convertirse los videojuegos en Internet a nivel social durante este siglo XXI. “Avalon” nos ofrece ese desvelo futurista de realidad tan propio de la ciencia-ficción, y que tanto nos atrae y seduce. Todo ello sin dejar a un lado el trágico destino de “los olvidados”, también denominados como “los que no vuelven”, y que son aquellos jugadores que acaban con daños cerebrales irreversibles tras haber jugado a Avalon. Un riesgo latente cuya existencia en el mundo de ficción de esta película, quien sabe si en la realidad virtual futura que se vislumbra en el horizonte de Internet, termine convirtiéndose en algo verídico y real dentro de ese avanzado mundo tecnológico. Si a todo esto le unimos el admirable trabajo interpretativo realizado por estos actores, “Avalon” destaca de forma artística como una gran película.

El mítico director japonés Mamoru Oshii, alejándose momentáneamente del mundo de la animación, aquí por primera vez en su carrera cinematográfica se atrevió a dirigir a actores reales. “Avalon” es una obra donde ha mimado el arte visual con mensaje simbólico, mostrándose como una hipnótica película que te embrujará, o dejarás de verla poco tiempo después de su inicio. El cine de ciencia-ficción tan innovador y con una trama tan compleja no admite medias tintas en cuanto a las impresiones que provoca en el espectador al ser visualizado y, por este motivo, como largometraje muy adelantado a su tiempo, “Avalon” es una obra que adoras y veneras, o te provoca indiferencia. Pero no se puede negar la gran belleza que irradian muchas de sus secuencias con imágenes imborrables como el espectacular ataque de Ash al helicóptero, las preciosas imágenes nocturnas de la ciudad mientras Ash va recorriendo sus calles de camino a su hogar, la encantadora presencia de la mascota de Ash (perro de la misma raza basset hound que la mascota de Mamoru Oshii), la interesante escena donde Ash comprueba que otro jugador está copiando sus tácticas y estrategias para ir completando también las misiones más difíciles del juego, o la sobrecogedora imagen de Bishop pasando entre olvidados en estado de coma sentados en sillas de ruedas. Impresiona observar el siniestro escenario de juego de las ruinas C66, el reflejo del individualismo en esta sociedad futura que se observa fielmente en los pasajeros del tranvía, la profunda soledad en la que vive Ash y que se ve muy claramente en la escena donde prepara comida cocinada por ella para su perro, la sublime belleza del área “Flak Tower22”, las impresionantes ruinas industriales D99 y la poderosa máquina de guerra ‘ciudadela’, la impactante secuencia donde Ash dispara a ghost para poder entrar en el especial A, o la siniestra escena de Ash y ghost en el auditorio.

Esta lujosa edición publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, incluye un segundo DVD con extras de más de 170 minutos de duración. Vertebrado por los interesantes documentales “Making of: Días de Avalon”, “Los Efectos Especiales” y “El Cine De Mamoru Oshii”, en su atenta visualización, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán especialmente impresionados con el contenido del documental “Making of: Días de Avalon”, al ver cómo se desarrolló la grabación de muchas de las secuencias y de las imágenes de la película. En “Avalon” destaca sobre todo la presencia del armamento militar del ejército polaco como el carro de combate T-72, el helicóptero de ataque Mil Mi-24D, o el vehículo blindado antiaéreo ZSU-23-4 Shilka, protagonistas principales en algunas de sus escenas más inolvidables. En los documentales también podrán conocer la tremenda complejidad que conlleva el rodaje en exteriores, y la influencia imprevisible del tiempo meteorológico con la posibilidad o no de grabar según el plan de trabajo, además de ver al director Mamoru Oshii con una pierna inmovilizada y en silla de ruedas tras el diagnóstico médico que lo relaciona directamente con un origen psicosomático… y otras curiosidades más. En el siguiente documental titulado “Los Efectos Especiales”, de la mano de Nobuaki Koga (supervisor de la empresa SpFX Studio), Tomohiko Shuto (empresa Omnibus Japan), Seichi Tanaka (director de imagen digital para los gráficos del juego Avalon de aspecto retro, inspirados en la nave espacial Vostok), Sato y Yamamoto (empresa Motor/lieZ encargada de los efectos especiales del tanque Ciudadela), y de Hayashi (director artístico digital), nos van explicando al detalle el laborioso trabajo que desarrollaron en esta película. Nos descubren algunos secretos tanto en la grabación previa como en la presentación final de muchas de sus escenas, revelándonos las técnicas utilizadas en las imágenes de síntesis creadas para esta obra cinematográfica, o describiéndonos cada uno de los retos técnicos a los que tuvieron que enfrentarse. Un admirable trabajo de digitalización que, teniendo en cuenta la tecnología disponible en aquella época, supieron combinar con maestría esta mezcla de ficción y de realidad virtual en 2D y 3D que perfila y define sus escenarios. Aquí quisiera destacar cómo se creó la escena donde muere uno de los personajes de la película, momento en el cual Mamoru Oshii quiso representar simbólicamente la belleza y lo efímero, o cómo se realizó el modelado y la animación de algunas armas militares que aparecen en la película, junto a deformaciones visuales temporales, efectos de bugs en el juego Avalon, el uso del equipo de digitalización Domino, el valor simbólico de la presencia del humo del cigarrillo en escenas de la película…

A través de una innovación constante llena de talento y de riesgo, en el documental “El Cine de Mamoru Oshii: el anime espiritual” también podrán conocer la trascendencia artística y la vanguardia conceptual que este virtuoso pionero ha aportado al Séptimo Arte. Tanto en el mundo de la animación como en el universo más clásico del celuloide, verán su trayectoria cinematográfica marcada por obras de culto de indiscutible calidad como la mítica “Ghost In The Shell” (1995), “Patlabor 2” (1993), “Blood, El Último Vampiro” (2000), y “Ghost In The Shell 2: Innocence” (2004). Un mundo simbólico de gran belleza visual que se ha convertido en su particular e inconfundible sello artístico, y donde la filosofía cyberpunk dentro de la corriente No Future siempre presenta ese profundo escepticismo ante las bondades tecnológicas que parecen presentarse en nuestro futuro. Como padre del anime espiritual, la sensibilidad emotiva y la empatía que las obras de Mamoru Oshii provocan en el espectador lo han elevado hasta la sublime categoría de director de culto, y este prestigio artístico no ha supuesto cambio alguno en la evolución conceptual de sus obras, siempre punteras y reflexivas. En definitiva, una edición de auténtico lujo para engalanar esta muestra de genialidad creativa firmada por Mamoru Oshii. “Avalon”, los videojuegos como una vía de escape, como un reto vital a superar, y como un mundo virtual donde poder evadirse de la cruda realidad cotidiana que no se quiere ni admitir ni asimilar. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TAXI DRIVER”, 1976 (Reseña / Review #1742).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1742 // Reseña Media nº: 95
Reseña actualizada. Publicada el 21 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: MARTIN SCORSESE
Guión: PAUL SCHRADER
Actores principales: ROBERT DE NIRO (Travis Bickle), JODIE FOSTER (Iris), CYBILL SHEPHERD (Betsy), HARVEY KEITEL (Sport), PETER BOYLE (Wizard), ALBERT BROOKS (Tom), MARTIN SCORSESE (cliente del taxi)
País: EE.UU Año: 1976 Productora: COLUMBIA PICTURES
Duración aprox.: 110 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES HOME ENTERTAINMENT
Año: 2005 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Filmografías de Robert de Niro, Jodie Foster y Martin Scorsese // Trailer de cine // Documental sobre las escenas y entrevistas con Robert de Niro, Jodie Foster, Harvey Keitel, Cybill Shepherd, Peter Boyle, Albert Brooks y Martin Scorsese // Guión original // Secuencia de Storyboard

DVD TAXI DRIVER

“Taxi Driver”, una de las películas de culto por excelencia que continúa erigiéndose como mítico e intemporal largometraje en cuanto a su temática, al ser un thriller de inconfundible estética moderna. “Taxi Driver” es conceptualmente pionero en su filosofía posmoderna debido a la difusa moralidad que rigen las acciones de su protagonista, Travis Bickle (sublimemente interpretado por el legendario actor Robert De Niro), cuya responsabilidad en su acción violenta es directamente juzgada por la sociedad y por la opinión pública únicamente por su supuesta intención. Una influencia que resultará crucial en la aplicación de las leyes en relación a su violenta acción, y que en teoría debería dictar su inocencia o no, y no su intencionalidad que queda única y exclusivamente centrada en su acción final al liberar a la joven Iris (interpretada por la actriz Jodie Foster). Sobre Travis, el análisis del espectador tampoco debería llegar a una opinión obvia e inmediata sobre su inocencia en vista a los viscerales pensamientos e irracionales actos que bullen en su interior a lo largo de esta historia, mostrándose emocionalmente violentos y radicales. “Taxi Driver” es la dramática historia de un excombatiente de Vietnam que se siente desplazado dentro de la sociedad estadounidense aparentemente moralista y cosmopolita, viéndose arrinconado por creer que tiene un código de valores superior, ya que es completamente opuesto a la decadente degradación humana que sus ojos ven cada noche en el turno de trabajo como conductor de taxi en las difíciles y peligrosas calles de Nueva York.

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Si a esa presión existencial interior le añadimos su inadaptación social tras haber retornado de la guerra, y que le ha provocado un grave problema psicológico que le produce insomnio, el peligroso y explosivo cóctel mental que bulle en el interior de Travis combina una destructiva mezcla de sensación de aislamiento, rabia, inadaptación social, violencia, paranoia, fantasía, ansiedad, y solo está buscando una excusa en el entorno para estallar violentamente. Saltará primero en el atraco a la tienda, luego con el intento de asesinato del senador Charles Palantine durante un discurso en campaña para ganar las primarias, y, a continuación con la violenta y salvaje liberación de Iris. En el fondo, Travis lo que busca es su propia redención a través de un sangriento ritual que pueda acabar con su sufrimiento. Es más, cuando Travis es malherido en el asalto a la casa donde explotaban a la joven Iris, éste trata de suicidarse ante el infernal panorama que cree que le espera al haber protagonizado tan brutal asalto con varios muertos en su haber. Pero el arma que utiliza se ha quedado sin munición, por lo que es encontrado malherido cuando las fuerzas del orden aparecen en aquel sangriento escenario. Lo que no contaba Travis es que se convertiría en un héroe para esa misma sociedad que despreciaba. Cuando los padres de Iris le dan las gracias y los medios de comunicación publican ese agradecimiento, teniendo a una opinión pública absolutamente entregada a su favor que lo libera de cualquier culpabilidad respecto a las muertes que provocó, Travis deja de ser el Travis militar que regresó del Vietnam para vivir de forma marginal en una ciudad moderna, transformándose en otro Travis mentalmente más cercano a su auténtica realidad, y que se siente orgulloso de sí mismo. Sus ojos empiezan a verlo todo de otra forma. Tras haber combatido en Vietnam, Travis necesitaba ser aceptado y admirado públicamente por la sociedad estadounidense en la que vive.

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Es indudable que la visualización de la película “Taxi Driver” puede provocar sentimientos de empatía en algunas personas, debido a la emotiva visceralidad que presentan los pensamientos y las acciones radicales de Travis. Pero, analizado fríamente, uno nota que no está muy equilibrado mentalmente que digamos. Al ser esclavo de sus emociones, Travis puede actuar de forma impredecible, sorprendiéndonos siempre en cualquier situación al no tener control racional alguno sobre sus pensamientos, emociones, y sentimientos. Sin ningún género de duda, analizando sus pensamientos y su forma de actuar, a través de un estudio psicológico podemos afirmar que Travis no es una persona civilizada en vista al condicionamiento emocional absoluto que presenta, tomando el eje de su existencia como si viviera en una sociedad tribal. Por ese motivo, Travis trata de resolverlo todo a través de la violencia, del odio, y de la ira, en vez de tener a la Razón, a la Lógica, y al autocontrol mental como base de su personalidad, elementos que dan sentido al fundamento principal del hombre civilizado. Eso sí, solamente nos falta un cabo por atar en el modo de vida pseudo-tribal en el que vive Travis: el plano religioso y espiritual. No tiene acto de presencia a lo largo de toda la película, y me ha sorprendido mucho esa ausencia convertida en inexplicable carencia para un individuo de carácter tribal. Por esta clara ausencia de lo religioso y espiritual, Travis presenta características en su personalidad que son propias del nihilismo moderno. Además, que Travis no tenga una creencia espiritual o religiosa debería haberlo llevado a una sobrevaloración de lo material pero, curiosamente, esta característica en la personalidad de Travis no tiene cabida. El dinero y el materialismo no mueven existencialmente a Travis salvo para poder seguir viviendo en la gran cuidad, y es muy sorprendente este perfil psicológico.

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Aunque el largometraje “Taxi Driver” ha llegado a ser etiquetado como “película ultraviolenta y fascista”, personalmente, la catalogaría más bien como decadente y nihilista al ser Travis un individuo que presenta un estado emocional límite, extremo, y desesperado, aderezado todo con altas dosis de rabia canalizada a través de la violencia. Un estado mental constantemente atacado con impresiones y emociones duras que ha de observar en la vida cotidiana. Mientras vive y trabaja en una gran urbe como Nueva York, Travis observa y analiza la siniestra y horrible cara social que presenta esa ciudad y que, vista a través de sus ojos, siempre aparece como una inmunda cloaca humana plagada de drogadictos, prostitutas, camellos, proxenetas, bandas de delincuentes… en ambientes marginales donde rige la ley del más fuerte. Este día a día tan violento y salvaje ha llevado a Travis a vivir dentro de una caótica y destructiva espiral personal, impulsada de forma imparable por su existencia prácticamente solitaria en medio del bullicio de la gran urbe. Travis en una persona outsider que, con el paso del tiempo, ha terminado creando un código de valores en su interior absolutamente alejado de la realidad y de la racionalidad, al estar basado en las emociones y en las impresiones que ha recibido tras lo observado y vivido, entremezclándose con sentimientos de desprecio hacia la vida cotidiana por su inhumanidad. La violencia latente en su interior tras haber participado como soldado en la guerra del Vietnam, se apoya en un modus vivendi militar que trata de aplicar a su vida civil actual, llevándole a transformar la realidad y adaptarla a sus pensamientos. Travis no comprende que ambos mundos, aunque unidos en un mismo proyecto de Estado, pertenecen a ámbitos legales y jurídicos distintos al ser precisamente el Estado el que tiene el poder de aplicar, de definir, y de controlar el uso de la fuerza según en qué escenario. Pero Travis no lo entiende de la misma manera. El uso de la violencia que le era permitido en Vietnam, cree que en la sociedad civil también cumpliría su función al margen de los poderes del Estado, si ésta se pone en manos del individuo que tenga un motivo que lo justifique. Como no podía ser de otra forma, piensa que ese es su caso. Interiormente trata de justificar sus actos, sin darse cuenta que es a través del extremismo y de la violencia como manifiesta su insatisfacción y su dolor interno al tener una vida marginal y solitaria en una sociedad cuyos valores defendió en la guerra. Una sociedad que difunde constantemente mensajes a la ciudadanía sobre la importancia de la amistad, del amor, de la diversión, y de la felicidad, pero le están vedados.

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Travis es un outsider pero no por convicción, sino por incapacidad, como claramente se muestra en la escena cuando invita a Betsy (actriz Cybill Shepherd) a ir a ver una película… en una sala X, algo que no se le ocurriría a nadie que quiera agradar a una mujer en una cita. Además, Travis ha defendido a la sociedad moderna donde vive en una guerra salvaje y brutal que, con el tiempo, ha acabado por provocar la hostilidad de los ciudadanos hacia sus propios soldados al retornar al país, y esto no ha hecho más que enfurecerlo interiormente y provocar que cuestione la moralidad y la ética reinante en la sociedad estadounidense al observarla como un teatro de la hipocresía. Tampoco hay que perder la perspectiva con Travis en cuanto a su personalidad porque se ve como un héroe, como un individuo solitario capaz de cambiar el destino de las personas tras ser juzgadas por sus propias leyes morales que cree superiores a las reinantes en la sociedad en la que vive… o más bien sobrevive. Dominado por su ira, se pone a punto física y mentalmente con un siniestro ritual que le prepare para salir victorioso de ese estallido de violencia que ya intuye en su destino como acto de reafirmación interior de su verdad, y de su forma de ver la vida. Y, como siempre ocurre en esta vida, será la suerte otorgada por la Diosa Fortuna la que determinará su futuro al sonreír varias veces a este lobo solitario. Primero, evitando que mate al senador Palantine, a continuación, evitando su suicidio una vez acabado su asalto al inmueble donde explotan a la joven Iris, al haberse quedado sin munición el revolver que toma en su mano (la escena donde Travis mira al policía y simula dispararse a la cabeza con la mano ensangrentada, es otra de las secuencias imborrables de esta película), y, luego posteriormente, iluminando su acción como un acto heroico de cara a la opinión pública y a la sociedad pese a ser un acto violento, sangriento, y brutal donde suelta toda su rabia contenida y toda su frustración existencial en pro de su justicia. Un suceso que no tiene nada que ver con la interpretación de esa acción que hace la sociedad y la opinión pública al analizar ese acto violento únicamente por sus consecuencias, valorándolo como un noble gesto de sacrificio digno de admiración ya que ha salvado con ello a una joven atrapada en un auténtico infierno del que era imposible que pudiera salir por sí misma. Donde la sociedad ve un acto de liberación, Travis en realidad buscaba una excusa para soltar de forma violenta toda su rabia interna y librarse de ella en un acto que considera heroico. Un odio latente en Travis que ya había estallado anteriormente en la escena del asalto a la tienda cuando mata al atracador, y que pudo haber estallado violentamente cuando trata de matar al senador en el mitin. En esa escena observamos cómo le descubren los agentes de seguridad y de protección del senador, abortando su acción pero Travis se escapa. Incluso la violencia se hubiera desencadenado si Travis hubiera recibido una mirada desafiante por parte de alguien en la calle, como se puede comprobar en la inolvidable escena del espejo, una de las míticas secuencias de esta película cuya interpretación fue totalmente improvisada por parte del actor Robert De Niro. Así se hubiera manifestado, o por cualquier otro motivo que para él lo justificara.

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En una sociedad cosmopolita y moderna, no deja de ser curioso y paradigmático que se acepte con mucha mejor cara y benevolencia al corrupto que al individuo que muestra una personalidad distinta al canon social reinante. El virtuoso director de cine Martin Scorsese es todo un maestro a la hora de reflejar esos contrastes y prejuicios sociales a través de imágenes de fuerte impacto visual. “Taxi Driver” es una clara muestra de su talento cinematográfico. Si además añadimos a este largometraje la extraordinaria obra musical compuesta por el genial Bernard Herrmann (1911-1975), siendo esta banda sonora su obra póstuma, el drama y la tragedia dejan huella en esta película de culto. Como reflexivo apunte, uno no puede más que preguntarse cuántos Travis Bickle hay en este momento viviendo en nuestra avanzada sociedad del siglo XXI, y que además piensan como él. Cuántos jóvenes sin perspectiva de futuro abrazarían el uso de la violencia como vía de canalización de sus frustraciones, y cuántas personas, a las que la sociedad y el Estado moderno han dado la espalda, tienen que vivir en ambientes tan siniestros y degradados como los aquí reflejados mientras esperan su momento para exteriorizar sus problemas a través del uso de la violencia. Parte de la grandeza artística de “Taxi Driver” viene dada como largometraje rodado en la década de los setenta en un momento muy duro para la sociedad estadounidense tras su derrota militar en Vietnam, por la crisis económica tan grave existente dentro del país, por la crisis del petróleo que lo paralizó todo, por el agotamiento político como vertebrador de la sociedad en su progreso…

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Han pasado casi cuatro décadas desde su aparición en la gran pantalla, y esos mismos escenarios y esas mismas imágenes se siguen repitiendo día tras día en muchas ciudades occidentales, habiendo cambiado únicamente la moda en el vestir y el diseño de los bienes de consumo. En cambio, su trasfondo social y humano continúa siendo el mismo: la decadencia moral y ética de la sociedad moderna. Casi cuatro décadas han pasado desde que Martin Scorsese sorprendiera al mundo con esta obra maestra, pero parece que la evolución mental, las inquietudes humanas, y el sentido existencial de la vida que viene siguiendo la ciudadanía occidental continúa igual que entonces, como si en el tiempo únicamente hubiera cambiado la forma y no el fondo, que es lo verdaderamente importante. Por algo “Taxi Driver” sigue provocando pasiones y conflictos morales en el espectador en este siglo XXI como si acabara de ser estrenada. Lo increíble es que en la ceremonia de los Óscar del año 1976, el premio a la mejor película se lo llevara “Rocky” y no “Taxi Driver”, y el premio al mejor actor se lo llevara Peter Finch por su interpretación en el largometraje “Network”, y no Robert De Niro tras protagonizar esta obra maestra. Como analista cultural, sin comentarios. “Taxi Driver”, en la Historia del Séptimo Arte, una de las películas más intensas emocionalmente, más moderna en su concepto social y humano, y moralmente más provocadora hasta convertir al personaje de Travis Bickle en icono del antihéroe moderno por excelencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“THE POSSESSION (EL ORIGEN DEL MAL)”, 2012 (Reseña / Review #1741).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1741 // Reseña Media nº: 94
Reseña actualizada. Publicada el 31 de octubre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: OLE BORNEDAL
Guión: E.L. KATZ, KEVIN MANNIS, JULIET SNOWDEN, STEPHEN SUSCO y STILES WHITE
Actores principales: JEFFREY DEAN MORGAN (Clyde), KYRA SEDGWICK (Stephanie), NATASHA CALIS (Em), MADISON DAVENPORT (Hannah), GRANT SHOW (Brett), JAY BRAZEAU (profesor McMannis)
País: EE.UU Año: 2012 Productora: LIONSGATE / GHOST HOUSE PICTURES / NORTH BOX PRODUCTIONS
Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: SAVOR EDICIONES, S.A.
Año: 2012 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Trailer // La verdadera historia de la caja dibbuk (V.O.) // Audiocomentarios con el director y los guionistas (V.O.)

“The Possession (el origen del mal)” es una película de terror basada en la historia real que le sucedió a una familia durante veintinueve días, tras haber comprado la caja Dybbuk en la que supuestamente habita un espíritu maligno. Rodada por el director danés Ole Bornedal a través de un estilo cinematográfico muy moderno y actual, la calidad de sus imágenes, escenas, y giros de cámara fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea afines al cine de terror, notándose además la mano artística del extraordinario director estadounidense Sam Raimi en su producción. Con un espeluznante guión que gira alrededor de esta diabólica caja Dybbuk, en cuyo interior se encuentra encerrada un ente infernal en busca del cuerpo de una persona para poseerla en cuanto sea abierta, la película “The Possession (el origen del mal)” destaca dentro del género cinematográfico de posesiones y exorcismos por el ambiente de cotidianidad que presenta el desarrollo de su trama, alejándose totalmente del recurso fácil del susto inesperado y repentino, o por el uso de espectaculares efectos especiales para provocar el miedo en el espectador. Uniendo los hechos reales en los que está basada a la visión cotidiana de la vida de sus personajes, “The Possession (el origen del mal)” es una película que disfrutarán y recomendarán por su calidad y por la siniestra atmósfera que irradian sus magníficas escenas. Un espectáculo cinematográfico impactante y perfecto para ser presenciado en esta noche de Halloween.

Su espeluznante trama, basada en una historia real, comienza con la muerte de una anciana en su hogar y la venta al público de algunas de sus pertenencias en el patio de la casa donde vivía, entre las cuales, un padre llamado Clyde (actor Jeffrey Dean Morgan) termina comprando esta oscura caja en exposición en la que se ha fijado su hija Emily, Em. Lo que desconocen es que esa caja maldita era temida por la mujer mayor fallecida, debido al maléfico influjo que ejerce en las personas que la poseen. Clyde es un padre separado y comparte con su exmujer Stephanie (actriz Kyra Sedgwick) la custodia de sus hijas, Em (actriz Natasha Calis) y Hannah (actriz Madison Davenport), y no da importancia alguna a la compra de esa diabólica caja. A partir de entonces, Em empieza a desarrollar una creciente empatía hacia la caja atraída por el misterio que la envuelve y, tras abrirla, comenzará a crearse un fuerte vínculo psicológico entre la caja y ella que irá aislándola de la vida familiar y social. Una actitud anómala cuyo origen lo achacan a que ella no ha asimilado totalmente la separación de sus padres. En esta difícil situación, se entremezclará también la sensación de soledad y de fracaso en Clyde cada vez que contempla la aparente armonía familiar que Stephanie parece disfrutar con su nueva pareja, Brett (actor Grant Show). Pero la influencia de la caja en Em es cada vez mayor, empezando a comportarse de forma más extraña y agresiva mientras las voces que surgen del interior de la caja van adueñándose poco a poco de su mente aprovechando sus periodos de sueño. Em atacará a su padre, incomprensiblemente la casa de Clyde empieza a llenarse de polillas, se comporta de forma agresiva en el colegio, se muestra impasible ante las desgracias ajenas… convirtiendo la convivencia en una auténtica pesadilla. Cuando Clyde descubre que todo lo que está sucediendo está relacionado con la obsesión que tiene Em hacia la caja, busca información sobre el tema y toma contacto con el profesor McMannis (actor Jay Brazeau), experto en la materia. Le comentará que es una caja Dybbuk, según la tradición judía, una caja destinada a contener en su interior a un demonio, y a partir de ese momento se desencadenarán una serie de hechos sobrenaturales que trastornarán la vida de los miembros de esta familia.

La admirable labor de interpretación desplegada por sus actores principales es el factor fundamental que da credibilidad a esta película de terror basada en hechos reales. Quisiera destacar el impresionante trabajo realizado por el mítico actor estadounidense Jeffrey Dean Morgan en el difícil papel de Clyde, debido al complejo perfil de personalidad de este padre situado en medio de una complicada encrucijada familiar. Una situación personal muy delicada que ha quedado reafirmada en sus gestos, en sus miradas, y en otros mensajes no verbales que ofrecen absoluta credibilidad a su personaje. Lo mismo sucede con la admirable interpretación de Em, realizada por la joven actriz Natasha Calis, debido a la progresiva desconexión psicológica que ha de transmitir su personaje al ser poseído por este ente maléfico. Una entrega y una capacidad para transmitir sensaciones al espectador con las cuales Natasha Calis ha sabido traspasar la gran pantalla para provocar emociones fuertes en el público. Sin su magnífica interpretación, nada hubiera quedado igual en el impactante desarrollo de su trama. También quisiera destacar alguna de sus inolvidables escenas como, por ejemplo, cuando Em se acerca con la caja a la ventana de una de las casas cercanas y cómo esto provoca un miedo atroz en la persona que se encuentra convaleciente en su interior, o cuando Clyde observa el terrorífico rostro de su hija Em reflejado en el espejo de la caja. “The Possession (el origen del mal)” es terror en estado puro como cuando Em descubre unos dedos en el interior de su garganta frente al espejo del cuarto de baño, en la diabólica escena de la profesora Shandy (actriz Brenda M. Crichlow) con la caja Dybbuk en el aula del colegio, cuando Stephanie descubre en plena noche a su hija Em devorando carne cruda en la cocina, o la terrorífica imagen de Em en el columpio y el macabro efecto de su mirada en Brett. Escenas inquietantes como en las pruebas médicas realizadas a Em, la tensión extrema y la atmósfera de terror que se respira en la escena del exorcismo, o la inolvidable secuencia final de Clyde y el maléfico ente. En definitiva, una película destinada a convertirse en referencia indiscutible dentro del género de terror. “The Possession (el origen del mal)”, la diabólica leyenda de esta caja maldita llevada con maestría a la gran pantalla por el director danés Ole Bornedal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL CASO DE LUCY HARBIN (strait-jacket)”, 1964 (Reseña / Review #1740).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1740 // Reseña Media nº: 93
Reseña actualizada. Publicada el 30 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: WILLIAM CASTLE
Guión: ROBERT BLOCH
Actores principales: JOAN CRAWFORD (LUCY HARBIN), DIANE BAKER (CAROL), GEORGE KENNEDY
País: EE.UU Año: 1963 Productora: COLUMBIA PICTURES / WILLIAM CASTLE PRODUCTIONS
Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2010
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“El Caso de Lucy Harbin” es una película de culto rodada en blanco y negro, y donde podrán disfrutar de un auténtico thriller de suspense y horror. Dirigida por el mítico William Castle, director estadounidense especializado en cine de terror, “El Caso de Lucy Harbin” nos presenta esta excelente trama avalada por la indiscutible calidad de su guion escrito por un auténtico genio del suspense como Robert Bloch, autor de la legendaria novela “Psicosis”. Un largometraje donde los cinéfilos lectores de Lux Atenea sentirán el auténtico terror psicológico gracias al desarrollo de esta compleja y difícil trama que se percibe con credibilidad. Esta película nos presenta el sangriento caso de una esposa engañada por su marido que decidió tomarse la justicia por su mano. Tras haber quedado su marido con una antigua novia en un bar de carretera, aprovechando la ausencia de su mujer la invita a ir a su granja, su hogar familiar. Pero Lucy Harbin, genialmente interpretada por la icónica y admirada actriz estadounidense Joan Crawford, regresa prematuramente a su casa encontrándolos durmiendo en la cama. Tras coger un hacha que encuentra fortuitamente, decide hacer uso de él como un instrumento perfecto para ejecutar la venganza desatando su ira. Ingresada en un psiquiátrico por el macabro y sangriento crimen que ha cometido, tras veinte años de reclusión, las autoridades consideran que Lucy está perfectamente adaptada para poder vivir de nuevo en libertad. El choque emocional que padece Lucy tras su retorno a casa es absoluto, los intentos de su hija Carol por ayudarla no tardarán en aparecer, y madre e hija parecen vivir momentos felices tras su puesta en libertad pero los repentinos e imprevisibles cambios en el temperamento de Lucy empezarán a sorprender a quienes la rodean por su aparente irracionalidad. Toda esta situación tan tensa se incrementará cuando el doctor que la trató llega a su casa y…

Ya en el comienzo de esta película, con la impresionante actuación de Joan Crawford dando carácter, personalidad, y credibilidad a Lucy Harbin en unos momentos tan dramáticos y sangrientos, tras las fantasmagóricas y terroríficas imágenes que verán después como presentación del largometraje, los cinéfilos lectores de Lux Atenea empezarán a darse cuenta que “El Caso de Lucy Harbin” les va a garantizar noventa minutos de suspense en estado puro. Con un exquisito cuidado de la imagen realizada por todo un maestro como William Castle, el expresivo rostro de Joan Crawford encuentra en él al director perfecto para dar el enfoque cinematográfico ideal a sus gestos y expresiones, y con unos ojos de Joan Crawford cuya mirada lo dice todo. Un amplio y selecto espectáculo interpretativo de trasfondo psicológico que podrán disfrutar incluso en el magnífico papel realizado por el actor George Kennedy, y que ha sido contratado como ayudante en la granja por la hija de Lucy, Carol. Por encima de todo, lo que convierte a “El Caso de Lucy Harbin” en una película de culto son sus impresionantes e imborrables secuencias. Escenas como la del asesinato del marido y la amante con la hija de Lucy viéndolo todo, la secuencia de la cama con las cabezas cortadas, cuando Carol está trinchando la carne delante de su madre, la escena donde Carol presenta a su novio Michael a Lucy… junto a impactantes imágenes como el álbum de fotos con las cabezas recortadas o el uso de las sombras como reflejos visuales terroríficos, les llevarán a un inolvidable final de los que se quedan grabados en la mente del cinéfilo para toda la vida. “El Caso de Lucy Harbin”, película de culto y thriller sublime rodado con la hipnótica atmósfera que ofrecen las imágenes en blanco y negro.¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL CAPITAL (le capital)”, 2012 – COSTA-GAVRAS (Reseña / Review #1739).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1739 // Reseña Media nº: 92
Reseña actualizada. Publicada el 5 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: CONSTANTIN COSTA-GAVRAS
Guión: CONSTANTIN COSTA-GAVRAS, KARIM BOUKERCHA, JEAN-CLAUDE GRUMBERG (basado en la novela homónima de Stéphane Osmont)
Actores principales: GAD ELMALEH (Marc Tourneuil), GABRIEL BYRNE (Dittmar Rigule), NATACHA RÉGNIER (Diane Tourneuil), CÉLINE SALLETTE (Maud Baron), LIYA KEBEDE (Nassim), HIPPOLYTE GIRARDOT (Raphaël Sieg)
País: Francia Año: 2012 Productora: THE BUREAU / CENTRE NATIONAL DE LA CINÉMATOGRAPHIE / COFINOVA 8 / K.G. PRODUCTIONS
Duración aprox.: 110 minutos
Publicado en España por: SAVOR DISTRIBUCIONES S.A.
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Entrevistas a Costa-Gavras (VE) y Gabriel Byrne (VO) // Making of (VO) // Trailer

Estamos viviendo una crisis económica en Occidente como nunca antes hubiéramos visto desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Una crisis que va mucho más allá de una crisis económica, al haberse juntado al mismo tiempo varios factores de cambio en la sociedad occidental que son esenciales para poder comprender su origen en profundidad. Lo primero que hay que tener claro es que esta crisis es una crisis financiera por falta de crédito que ha visto potenciados sus efectos en Occidente debido a la transición de sus economías, pasando de una productiva (industrial y comercial) a otra especulativa (bursátil y financiera) a la hora de generar riqueza. Con la producción industrial occidental en declive al haber tomado el relevo las principales naciones asiáticas, la capacidad que tienen los estados para crear miles de puestos de trabajo a través de la creación de nuevas industrias y empresas es mínima al ser mucho más competitivo producir industrialmente en Asia, que en Europa o Estados Unidos de América. Se salvan algunas industrias y empresas de alta tecnología, pero solamente son capaces de absorber unos pocos cientos de miles de trabajadores de alta cualificación, por lo cual no es la solución necesaria para dar trabajo a millones de trabajadores en paro a consecuencia de esta crisis. La otra opción es potenciar el sector servicios y a los autónomos, pero en esta crisis se encuentran con un gran problema: no pueden acceder al crédito. Por lo tanto, si esta crisis parece estar originada por los fondos de inversión y más directamente por los bancos debido al agujero económico que han dejado sus negocios e inversiones especulativas que les impiden dar créditos, y sin créditos a las empresas y a los autónomos no hay capacidad para crear millones de puestos de trabajo en Occidente, en qué mundo financiero están trabajando estos bancos y fondos de inversión para que se puedan crear agujeros económicos de este nivel sin que los gobiernos puedan tener mecanismos de control que los detecten y eviten.

“Sangráis a la gente tres veces. Una, la Bolsa quiere sangre, deslocalizáis y el trabajador se va al paro. Dos, lo sangráis como cliente. Tres, con la deuda en Europa sometéis a los países y se sangra al ciudadano.”

Como analista cultural, he visto muchas películas y documentales que se han ido presentando durante estos últimos años sobre esta temática y, entre todos los que he analizado hasta el momento, la película “El Capital” es una de las que más se ha acercado a la auténtica realidad que se vive en este mundo financiero, y cuyas reglas son las que marcan la sociedad especulativa en la cual estamos viviendo. Nuestra sociedad y la opinión pública siguen pensando que aún seguimos viviendo en una sociedad del Bienestar moderna e industrial en este siglo XXI, cuando en realidad vivimos en una sociedad especulativa y posmoderna que circula por esta autopista financiera mundial llamada globalización, y cuyas reglas y formas de actuar quedan absolutamente fuera del alcance de cualquier nación o gobierno, por poderoso que este sea. Un complejo panorama de intereses cuya área de influencia va más allá de las fronteras de un país. Un escenario poblado por fondos de inversión capaces de manipular las acciones de cualquier empresa o la deuda de cualquier nación en su propio beneficio, y con bancos ávidos de beneficios a cualquier riesgo para poder sobrevivir en esta jungla económica posmoderna del siglo XXI. En la película “El Capital”, el genial y talentoso director de culto Costa-Gavras ha sabido ahondar y luego reflejar en imágenes, este mundo de las altas finanzas donde reina la ley del más fuerte, o sea, del que más dinero y poder tiene y, por ello, más capacidad tiene para multiplicar su dinero a través de la especulación. Si por el camino se cierran empresas rentables, se quedan miles de trabajadores de alta remuneración en paro, o la economía de un país se viene abajo debido a la especulación financiera, al final simplemente son vistos como efectos lógicos e inevitables de un clima financiero mundial absolutamente desregulado y fuera de control. Y mientras todo sea legal, negocios son negocios, o sea, el business as usual del capitalismo.

Los cinefilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el realismo y la naturalidad con la cual Costa-Gavras refleja esta jungla financiera protagonizada por un empleado de banca llamado Marc Tourneuil (actor Gad Elmaleh), cuya ambición le llevará actuando con decisión, con firmeza, y calculando siempre cada paso que da, el poder ir ascendiendo dentro de este mundo de los negocios hasta llegar a la cúspide del poder en el banco en el que trabaja. Un mundo económico ultracompetitivo poblado por lobos, por lobos con piel de cordero, y por corderos con piel de lobo, y donde la ética y la moral son vistos como una cosa del pasado o, más bien, como una debilidad al igual que el interés por engrandecer tu propio país. En un mundo financiero de alcance internacional, a quién le va a preocupar los beneficios o los perjuicios de una decisión económica para el destino de una nación o de su población. En este enturbiado juego de intereses con la banca, los fondos de inversión, y las cotizaciones de las acciones de las empresas como protagonistas, Marc Tourneuil irá viendo amenazado su poder y su independencia a través de presiones de todo tipo donde él, en muchas ocasiones, no es más que una pieza más movida por poderosos intereses económicos situados muy por encima de él y que sólo miran la alta rentabilidad en la inversión a corto plazo. La astucia y la capacidad de engaño de Marc Tourneuil serán puestas a prueba en esta trama donde el drama y la tensión son llevadas a un punto límite. Pero este mundo de ficción recreado en “El Capital” es totalmente real en la sociedad occidental en la que vivimos, al igual que el flujo de capitales que la sostiene, aunque pueda resultar un tanto difícil de asimilar o de aceptar por los cinéfilos lectores de Lux Atenea. “El Capital” es una película cruda y sincera, mostrándose sin tapujo moral o maquillaje ético alguno por parte de su director al exhibirnos la realidad económica en Occidente que la ciudadanía no siempre se quiere ver en este siglo XXI.

“- Hemos tenido en cuenta a las agencias de calificación. Es eso.
– Olvida a esos mafiosos”

Indiscutiblemente, la película “El Capital” deja un mensaje ético y moral en el espectador perfectamente argumentado en imágenes por Costa-Gavras, Pero, en un mundo posmoderno que se caracteriza por regirse únicamente por la ley, dejando a un lado la ética y la moral propias de las sociedades tradicionales y modernas, qué importancia tiene entonces lo ético y lo moral en nuestra realidad cotidiana viviendo en esta sociedad posmoderna donde las cosas son solamente legales o ilegales. Llevados estos principios al mundo de los negocios, a quién le sorprende que quienes tienen el poder para multiplicar su dinero en muy poco tiempo hagan uso de él, siempre que estos movimientos especulativos estén dentro de la legalidad en el país donde realizan. Una forma de hacer negocios que, en la película “El Capital”, está representada con absoluta credibilidad y cinismo por el extraordinario actor Gabriel Byrne en el papel de Dittmar Rigule, hombre a las órdenes de un poderoso fondo de inversión. Dittmar Rigule trata de controlar y de dirigir a Marc Tourneuil para que sus intereses económicos no se vean afectados y discurran por el camino del beneficio que han de seguir, y, por este motivo, Marc Tourneuil se siente presionado y ve su poder amenazado por los dictados que ha de obedecer. Esta es la razón por la cual unos y otros se mueven en un entorno donde la mentira y los subterfugios tienen que estar presentes para no perder el ansiado poder. Un poder que trae consigo grandes beneficios. Economía y poder occidental, dos colosales barcos tratando navegar (y no hundirse) en este salvaje e incontrolable flujo de capitales global capaz de mover inmensas cantidades de dinero de un país a otro en cuestión de segundos. Un dinero que no reconoce ni intereses nacionales, ni ética social, ni moral alguna. El dinero es el sentido y la razón suprema en este siglo XXI. El omnipresente dios de la sociedad posmoderna que rige la globalización, y cuyos dictados han de cumplirse cueste lo que cueste, y caiga quien caiga. La película “El Capital” es muy clara y contundente a este respecto, afectando este credo incluso a personas tan poderosas y aparentemente intocables como Marc Tourneuil.

“- ¿Qué opina de la situación?
– Que es propicia. Es durante las crisis que se crean las diferencias y se amasan fortunas. Y, sobre todo, si se ha tomado la precaución de guarecerse.”

Como no podía ser de otra forma en esta selección de películas que vengo reseñando en Lux Atenea, “El Capital” presenta grandes escenas e imágenes imborrables que deslumbrarán a los cinéfilos, como las secuencias en las cuales se contrasta lo que a Marc Tourneuil le gustaría decir y actuar en esa situación y lo que realmente dice y hace, cuáles son los interesantes análisis psicológicos que Marc Tourneuil hace sobre las personas con las que ha de relacionarse, cómo la top model Nassim (interpretada por Liya Kebede) se va convirtiendo en la irresistible obsesión de Marc Tourneuil, cómo los despidos de personal se convierten en un factor de rentabilidad para las acciones de una gran empresa, u observar la reunión de Stanley y Marc Tourneuil con la tecnología como eje de la conversación respecto a sus aplicaciones financieras, y donde la mano humana es cada vez menos necesaria. Impresiona el alto standing que se observa en la escena cuando Marc entra en el apartamento de Nassim, la decadente atmósfera que se respira en la escena del local donde Nassim lleva a Marc, el lujo y la sofisticación que reflejan este mundo de las altas finanzas, la sencilla y reveladora secuencia cuando Marc Tourneuil explica a su esposa Diane (actriz Natacha Régnier) la jugada financiera en la pantalla de su ordenador, o la escena de la conversación entre la analista especializada en mercados asiáticos y Marc Tourneuil con el idealismo y el pragmatismo materialista frente a frente. Además, los setenta y seis minutos de duración de los extras incluidos en este DVD, con Costa-Gavras y Gabriel Byrne como protagonistas, junto al interesante Making Of de la película, convierten a esta magnífica edición de Savor Distribuciones en una publicación de lo más completa sobre este atrayente y reflexivo largometraje. “El Capital”, crudeza cinematográfica inspirada en la realidad económica actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“QUILLS”, 2000 (Reseña / Review #1738).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1738 // Reseña Media nº: 91
Reseña actualizada. Publicada el 7 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: PHILIP KAUFMAN
Guión: DOUG WRIGHT
Actores principales: GEOFFREY RUSH (marqués de Sade), KATE WINSLET (Madeleine ‘Maddy’ LeClerc), JOAQUIN PHOENIX (abate de Coulmier), MICHAEL CAINE (Dr. Royer-Collard), BILLIE WHITELAW (madame LeClerc)
País: EE.UU Año: 2000 Productora: FOX SEARCHLIGHT PICTURES / INDUSTRY ENTERTAINMENT / WALRUS & ASSOCIATES, LTD
Duración aprox.: 120 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA S.A.
Año: 2001 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

¿Por qué el marqués de Sade (1740-1814) sigue atrayendo al público en este siglo XXI? ¿Por qué continúa vigente su espíritu transgresor y provocador en este año 2014, doscientos años después de su muerte? Algo tiene su figura y su mensaje de trasfondo ígneo y corrupto para que sus llamas continúen vivas en la mente de la ciudadanía a través de esta siniestra atracción hacia lo inmoral y lo perverso, teniendo mucha más fuerza psicológica que la repulsión que generan sus degradantes y degenerados textos etiquetados como “propios de una mente enferma”. Tantas veces considerado como una persona viciosa y lujuriosa, creo más bien que la visión del marqués de Sade sobre el libertinaje extremo va mucho más allá de los límites de la lujuria debido a esa esencia humana degradante, egoísta, y autodestructiva que destila la cruda descripción de envilecidos y depravados actos. Dentro de esa perspectiva analítica, en Lux Atenea quisiera resaltar la extraordinaria película “Quills” rodada por el prestigioso director estadounidense Philip Kaufman, después de haber dirigido magníficos largometrajes como “Elegidos para la gloria”, “Henry & June”, “La insoportable levedad del ser”… Con este relevante currículum cinematográfico en su haber, la unión de su especial talento artístico para el cine con la fascinación que provoca un escritor maldito como el marqués de Sade, fue inevitable que su fruto artístico culminara en este grandioso drama donde las pasiones y las debilidades humanas quedan intensamente contrastadas a través de su lado más tenebroso. Actos salvajes que continúan causando estupor, conmoción, y repulsa por su carga mental alejada completamente de la Razón. Un enajenamiento de los sentidos ante lo contemplado que, en el caso de la película “Quills”, toma esta deriva brutal y extrema como espejo revelador de la realidad humana más siniestra cuando no hay nada que lo limite. Esa ruptura total de los límites es lo que observarán los cinéfilos lectores de Lux Atenea cuando visualicen esta magnífica edición en formato DVD, publicada por Twentieth Century Fox Home Entertainment España en el año 2001. Un crescendo emocional desde el primer minuto donde la Razón se verá constantemente atacada ante la contemplación de esta desviación moral y ética degenerada, siendo sobrepasada ampliamente por los inesperados efectos de la hipocresía moral y por la incontenible plasticidad de la inteligencia humana para poder burlar las situaciones más desesperadas. “Quills” es una película de temática extrema porque extrema fue la vida y la obra literaria del marqués de Sade.

“En condiciones adversas, el artista se crece.”

Esta interesante trama nos sitúa en la ciudad de París en el año 1794, quedando ambientados de forma admirable el entorno y la vida cotidiana reinante en aquella época convulsa. Además, la actitud que presentan estos geniales actores ante la cámara con actitudes y gestos propios de aquel siglo, facilitan que el espectador se sumerja mentalmente con mucha facilidad en esta historia, convirtiendo cada suceso en un torrente de emociones cuya intensidad irá en aumento debido a la brutal deriva de los acontecimientos. Una intriga que dará comienzo en la residencia psiquiátrica de Charenton donde el marqués de Sade permanece encerrado. Dirigido con aparente serenidad y calma por el abate de Coulmier, magníficamente interpretado por el actor estadounidense Joaquin Phoenix, verá rápidamente rota su armonía. La ejecución en la guillotina de Mademoiselle Renard será el primer aviso al espectador de que nada va a ser de color de rosa en “Quills”. Luego, el choque inmediato entre el abate y el marqués de Sade, interpretado de forma excelsa por el actor australiano Geoffrey Rush, será una animosa lucha de poder entre enérgicas e irreductibles voluntades donde el abate aparentemente representa el lado bueno, y el marqués de Sade el lado oscuro de la tentación y de la corrupción. Teniendo a la lavandera de la residencia llamada Madeleine Leclérc, espléndidamente interpretada por la actriz Kate Winslet, como campo de batalla en disputa donde comprobar ambos su verdadero poder, será la entrada del doctor Royer-Collard en esta residencia, papel interpretado con obscura y malévola maestría por el actor Michael Caine, lo que llevará la sangrienta marca de la tragedia a cada uno de estos personajes simbólicamente unidos a la degradación moral (marqués de Sade), a la religión vivida con pasionales tabúes carnales difícilmente controlables (abate de Coulmier), a la visión romántica del amor con un toque pícaro (Madeleine Leclérc), y a la crueldad humana tapada con el velo de la respetabilidad social (doctor Royer-Collard). Una interactuación entre personalidades absolutamente incompatibles, salvo en el caso de Madeleine y el marqués de Sade, que generará situaciones caracterizadas por la brutalidad en los actos, y donde el marqués no será precisamente el que salga peor parado de cara a la opinión del espectador una vez finalizada la visualización de esta película.

La constante principal en esta trama será la obsesión del marqués de Sade por escribir sus obras a pesar de las dificultades, siendo el abate y el doctor Royer-Collard los que hagan todo lo posible por evitarlo, sobre todo el manipulador e inmisericorde doctor. Al comienzo de la película, el marqués de Sade se encuentra escribiendo su famosa obra “Justine” (obra literaria ya reseñada en Lux Atenea) de forma oculta a los ojos del abate, entregando sus escritos a la joven Madeleine a la que tiene fascinada. Ella luego se encarga de ponerse en contacto con los editores para que lo publiquen. Cuando tan provocativa obra ve la luz pública y se convierte en un escándalo social, será el propio emperador Napoleón el que dé poder al doctor Royer-Collard para que inspeccione la residencia psiquiátrica de Charenton y evite que el marqués de Sade continúe escribiendo. Cada drástica medida tomada será inteligentemente respondida por el marqués, y cuando le retiran los papeles, la tinta, y las plumas para escribir, utilizará las sábanas como lienzo, el vino como tinta, y un hueso de pollo como pluma. Cuando es descubierta esta argucia, el marqués de Sade usa su propia sangre como tinta y su ropa como lienzo para escribir su obra. Cuando este sistema tampoco le acaba sirviendo, a falta de un método de escritura termina organizando una ingeniosa forma de continuar su actividad literaria: a través de un agujero en la pared le va diciendo las frases que componen su obra a otro paciente ingresado, y este en una cadena con otros pacientes al final acaban dictándoselo a Madeleine para que los vaya escribiendo. Pero cuando incluso este sistema es descubierto, en una situación tan límite y desesperada, al final un moribundo marqués de Sade aún continuará escribiendo usando sus excrementos en las paredes de su celda, desafiando al abate y al doctor enfrentados el creador literario cuyas obras son consideradas como un peligro para la sociedad. Lo más ruin e hipócrita llegará años después, una vez muerto el marqués de Sade, cuando el doctor Royer-Collard ponga a los pacientes de la residencia a trabajar imprimiendo las obras del marqués de Sade por el lucrativo negocio literario que genera. Una muestra más de la hipocresía que tienen en esta vida quienes dan lecciones morales y éticas.

“Es la primera regla de la política: el hombre que ordena la ejecución jamás hace caer la hoja.”

El choque entre el marqués de Sade y el abate es desigual y claramente a favor del marqués. Conoce bien sus debilidades carnales, y explota ese talón de Aquiles que rompe su equilibrio interior basado en la religión para provocarle aún más y enfrentarle a sus miedos, temores, e incontrolables pasiones. El abate trata de contener la pasión que siente hacia Madeleine, y esa tentación irá en aumento hasta llegar a una siniestra pesadilla protagonizada por él donde el cuerpo presente de Madeleine es ultrajado. Un shock emocional que pasará factura al abate, junto a las acciones extremas que éste ejecutará contra el marqués de Sade en una horrenda y macabra deriva que irá mostrándose cada vez más brutal según vaya aumentando su debilidad. Cuando el doctor Royer-Collard haga acto de presencia en la residencia es cuando estas acciones se llevarán al extremo más absoluto, y el marqués de Sade conoce muy bien al doctor nada más verlo porque es otro ser humano igual o más envilecido y degenerado que él. La sátira representación teatral que el marqués dirige en la residencia, de temática inspirada en el recién llegado doctor, se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película por su mensaje sarcástico e irónico sobre la verdadera personalidad del doctor. Un espejo en el cual se refleja su realidad oculta ante el público asistente sin velo ni máscara alguna, clamando venganza por su osado atrevimiento. Un desvelo ácido y directo de su hipocresía que es donde la mente del marqués de Sade se encuentra como pez en el agua a la hora de describir y de representar la terrible realidad del ser humano. Sade conoce muy bien cómo piensa y actúa el doctor porque él es igual, pero sin la máscara social de lo respetable, y este es el motivo por el cual desvela la realidad humana en sus obras literarias a través de la descripción de actos dignos del más macabro y horrible infierno.

“Os recuerdo que yo no he creado este mundo. Sólo lo documento.”

Qué grandeza artística mostrada por el director Philip Kaufman a la hora de crear escenas imborrables en la mente del espectador, siendo uno de los apartados cinematográficos donde destaca este largometraje de forma sobresaliente. Con actores de esta categoría entregados en cuerpo y alma a la interpretación de sus respectivos papeles, solamente queda la maestría artística del director para crear la magia cinematográfica en la gran pantalla. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo extraordinarias escenas como el drama y la desesperación que se respira en la ejecución de Mademoiselle Renard, en la terrorífica visión de la institución dirigida por el doctor Royer-Collard y los brutales métodos de rehabilitación que aplica a sus pacientes, en la decoración un tanto bizarra de la celda del marqués de Sade, observando la inquisitorial silla calmante del doctor Royer-Collard, con el brutal trato que el doctor da a su jovencísima esposa Simone, en la inteligente escena donde el doctor va manipulando a la esposa del marqués para orientarla hacia sus intereses, en la secuencia donde se ve a Simone camuflando el libro “Justine” para poder leerlo sin miedo de ser descubierta por la inquisitiva mirada del doctor, con la sublime imagen del marqués de Sade vestido con el traje donde ha escrito los nuevos capítulos de su obra (¡¡¡impresionante!!!), o en la tensa e impactante escena del abate con el marqués de Sade encadenado, y el crucifijo. “Quills”, el Séptimo Arte convirtiendo al polémico marqués de Sade en protagonista y perverso antihéroe en esta magna película. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TENEBRE (tenebrae)”, 2012 (Reseña / Review #1737).

Posted on 17 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1737 // Reseña Media nº: 90
Reseña actualizada. Publicada el 30 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: DARIO ARGENTO
Guión: DARIO ARGENTO
Actores principales: ANTHONY FRANCIOSA, JOHN SAXON
País: ITALIA Año: 1982 Productora: SIGMA CINEMATOGRAFICA ROMA
Duración aprox.: 110 minutos
Publicado en España por: CREATIVE FILMS, S.L.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Dentro del cine de terror italiano, en la mítica película “Tenebre (Tenebrae)” estrenada oficialmente en el año 1982, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de uno de los mejores largometrajes rodados por el maestro del cine giallo Dario Argento (‘amarillo’ en español, debido al color de las portadas de las novelas en las cuales solían basarse el guion de estas sangrientas películas). Presentando magníficas obras artísticas como “Tenebre”, el cine giallo consolidará su expansión y éxito internacional, siendo una muestra clara del interés mostrado por la industria del cine a nivel mundial que Dario Argento pudiera contar con dos magníficos actores estadounidenses como Anthony Franciosa, conocido por el público español tras su participación en la película “El Largo y Cálido Verano” junto al mítico actor Paul Newman, o en “Un Rostro en la Multitud” dirigida por Elia Kazan, y John Saxon, protagonista en películas tan famosas como “Operación Dragón” junto a Bruce Lee, o en la primera y tercera parte de “Pesadilla en Elm Street”, dando alma y personalidad a dos importantes protagonistas en esta historia. Por su impactantes imágenes y escenografía, “Tenebre” es una película bizarra, violenta, y macabra donde Dario Argento nos presenta esta historia basada en la secuencia de crímenes que se suceden tras la presentación en Roma de la novela “Tenebrae”. Una promoción realizada por el propio escritor estadounidense Paul Neal (Anthony Franciosa) en Italia, y que desencadenará una serie de horribles actos sangrientos donde un admirador suyo decide imitar cada uno de los crímenes descritos en su reciente obra. Tras cada cruel asesinato, el escritor Paul Neal recibirá un mensaje de este salvaje homicida en el apartamento donde se hospeda, quedando muy claro para las autoridades policiales que cada uno de esos crímenes guardan relación directa con su libro “Tenebrae”. En medio de esta macabra locura, el escritor Peter Neal intentará descubrir quién es el psicótico asesino admirador suyo.

En esta película, el talentoso maestro Dario Argento perfila una obra cinematográfica oscura, selénica, y sangrienta basada en la perversión humana y su efecto en la sociedad. Una película donde la más improbable locura es posible debido a los brutales asesinatos que, a lo largo de toda la película, se van sucediendo a través de escenas muy crudas y de lo más impactantes. Una novela titulada “Tenebrae” cuya trama está basada en perversiones que toman como fundamento un crimen ejecutado en el pasado, y con el asesinato y la violencia planteadas como una redención personal. Pero cuando ese criminal literario ficticio es imitado en la vida real por un perturbado asesino, incluso sacará fotos de las personas a las cuales mata como reflejo de esas escenas de atmósfera un tanto onírica y fetichista relacionadas con traumas y sus secuelas violentas, y que han quedado descritas en las páginas del libro. Una relación inquietante y tan directa que Dario Argento no dudará en unir lo carnal y la sangre para perfilar algunas partes de su rodaje. En “Tenebre”, su creatividad artística llevada a lo siniestro y al horror configura y define secuencias tan inquietantes como cuando la sombra del asesino se proyecta en las paredes con toda su carga psicológica del terror inminente, en la escena donde la chica es perseguida por el dóberman, o, incluso, en imágenes tan simbólicas como cuando el asesino usa su navaja para romper una bombilla encendida, en una toma rodada cargada de belleza inconfundiblemente siniestra. Con un nivel de tensión creciente a lo largo de todo el largometraje, los cinéfilos lectores que vean la película “Tenebre” podrán sentir momentos únicos de horror y suspense, y con treinta minutos finales impresionantes donde no faltará la sorpresa porque Dario Argento es todo un maestro a la hora de dificultar al espectador la identificación del posible asesino, aumentando más la atención y intriga con ello. “Tenebre”, mítico thriller psicológico basado en una mente perturbada que asesina de forma inmisericorde. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CAMINO A LA PERDICIÓN (road to Perdition)”, 2002 (Reseña / Review #1736).

Posted on 16 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1736 // Reseña Media nº: 89
Reseña actualizada. Publicada el 25 de junio del año 2012 en Lux Atenea conmemorando el 10º aniversario del estreno de la mítica película “CAMINO A LA PERDICIÓN” (2002).

Director: SAM MENDES
Guión: DAVID SELF
Actores principales: TOM HANKS (Michael Sullivan), PAUL NEWMAN (John Rooney), JUDE LAW (Harlen Maguire), JENNIFER JASON LEIGH (Annie Sullivan), STANLEY TUCCI (Frank Nitti), DANIEL CRAIG (Connor Rooney), CIARÁN HINDS (Finn McGovern)
País: EE.UU Año: 2002 Productora: DREAMWORKS PICTURES / 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 112 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2003 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Comentarios del director // Cómo se hizo // Escenas inéditas // Spot de la banda sonora // Selección de imágenes // Biografías del reparto y equipo de producción // Notas de producción

Galardonada en el año 2002 con el Oscar a la Mejor Fotografía, la película “Camino a la Perdición” celebra su décimo aniversario este año 2012 sin haber perdido un ápice de su espectacularidad cinematográfica. Con una intrigante trama basada en el cómic “Road to Perdition” creado por Max Allan Collins y Richard Piers Rayner, “Camino a la Perdición” lo tiene todo como legendaria película de gángsters ambientada en la década de los treinta. Con la Ley Seca en vigor como revulsivo económico principal en el crimen organizado para alcanzar la riqueza, y con la lucha entre clanes por el control del lucrativo contrabando de alcohol, uno de sus grandes generadores de beneficio, algo tienen de especial estos largometrajes tan bien rodados sobre el mundo de la Mafia que inmediatamente se transforman en películas míticas en cuanto son presentadas ante el gran público. Vidas al límite donde la abundancia material y el disfrute de todo tipo de placeres que se puedan comprar con dinero, se le une ese estado de libertad individual donde el gángster está situado al margen de la ley, siendo su única ley el poderoso y sangriento uso de las armas sin muestra de piedad alguna. Todo ello crea cierta empatía en el espectador con sus protagonistas principales, a pesar de sus tenebrosas formas de ganar dinero y del temor constante a poder perder la vida en cualquier momento, convirtiéndose en el vínculo emocional más directo que se establece entre estos antihéroes y el espectador, Una intensidad emocional aún más extrema e impetuosa en películas como “Camino a la Perdición”. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán cautivados al ser mostrado con todo lujo de detalles en esta magna obra, a través de impresionantes secuencias con iluminación artificial en recintos cerrados y preciosas tomas realizadas en exteriores, disfrutándolas con la mirada atenta a tanta belleza artística reflejada en imágenes.

La trama de “Camino a la Perdición” está basada en la historia contada por el hijo de Michael Sullivan sobre los acontecimientos que sucedieron en el invierno de 1931. Situados en Rock Island, territorio dominado y controlado por la mafia irlandesa, Michael Sullivan (Tom Hanks) es un asesino a sueldo con una familia que mantener (mujer y dos hijos) y tiene como jefe a John Rooney (Paul Newman), el cual le va ordenando los trabajos que ha de ejecutar. En una noche lluviosa, John Rooney le ordena que acompañe a su hijo Coonor Rooney (Daniel Craig) a resolver un asunto, pero Coonor Rooney es una persona sin autocontrol, impulsivo, con su suspicacia permanentemente en alerta, y de retorcida capacidad de análisis, y estos graves defectos en su personalidad le llevan a cometer un asesinato. El problema vendrá cuando Michael Sullivan descubra que uno de sus hijos lo ha visto todo, tras haberles acompañado escondido en los asientos traseros del coche. A partir de ese momento, la omertá no será la garantía que salvaguarde sus vidas, y todo se irá complicando poco a poco mientras observamos cómo la atmósfera de familiaridad, de confianza, y de respeto entre Michael Sullivan y John Rooney se va deteriorando tras ese trágico incidente, llevando el drama y el dolor consigo como consecuencia inmediata para su familia. Una siniestra causa-efecto donde el poder, el dinero, y el silencio suelen entremezclarse en complicados nudos de difícil desenredo salvo a través del asesinato, y que tendrá como colofón y punto de ruptura definitivo, la impresionante escena de Michael Sullivan en su charla con el dueño del local y la acción inmisericorde que sucede a continuación en su hogar. Tras estos duros acontecimientos en su vida, Michael Sullivan decide tomar cartas en el asunto y tomarse la justicia por su mano, y en una huida desesperada donde la protección de su único hijo será lo que le mueva, toma las medidas que cree necesarias para garantizar su supervivencia por duras y radicales que estas sean. Michael Sullivan trata de recurrir a otros jefes de la mafia buscando protección, dando entrada a los hombres de Al Capone en este asunto para complicar aún más esta interesante trama. Ver cómo John Rooney va adelantándose a los movimientos de Michael Sullivan, y cómo éste último concibe una inteligente estrategia para lograr alcanzar su complicado objetivo, se convierte en uno de los pilares principales de esta intensa trama junto a la relación padre-hijo que se establece a partir de entonces. Un factor esencial en la vertebración y evolución de esta historia.

En “Camino a la Perdición”, el plantel de actores es sencillamente espectacular con la participación de grandes estrellas dentro de la Historia del Cine como Paul Newman, Tom Hanks, Jude Law, Daniel Craig… o actores de auténtico lujo como Stanley Tucci, cuyo talento interpretativo vuelve a brillar en una película sobre la Mafia de esta categoría. Actores que han convertido este largometraje en referencia indiscutible dentro de este género cinematográfico. Además, su magnífica banda sonora compuesta por Thomas Newman, consigue que nos identifiquemos mental y emocionalmente con cada una de estas espectaculares escenas rodadas por todo un maestro como Sam Mendes, director de “American Beauty”. Un virtuoso creador de brillantes escenas cuyas imágenes se quedarán grabadas en la mente de los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Y es que “Camino a la Perdición” tiene la grandeza artística de haber convertido el cine negro rodado a principios del siglo XXI en puro arte en la gran pantalla, siendo la magia en la dirección de Sam Mendes, el factor clave de este realismo audiovisual ambientado en la Gran Depresión y con una intensidad dramática constante a lo largo de toda la película hasta el último segundo. La detallada recreación de aquella época, el cuidado en el vestuario, y el realismo absoluto en estas escenas, dan credibilidad absoluta a este largometraje donde los gestos y las miradas lo dicen todo. Es increíble esta ambientación de un funeral irlandés, completamente opuesto al típico velatorio propio de la cultura mediterránea, y en relación al arte interpretativo quedan resaltados los gestos y todo el lenguaje no verbal unido a las emociones que transmiten cada uno de estos actores en sus personajes, incluso, hasta en la aparente familiaridad de John Connor (Paul Newman) con Michael Sullivan (Tom Hanks), en contraste con la permanente e imperturbable seriedad en su rostro. No hay nada mejor que reflejar emociones en una película con gestos y miradas para crear sentimientos en el espectador y, en este sentido, “Camino a la Perdición” une fuertemente ese vínculo emocional.

Como analista cultural, quisiera destacar la impresionante interpretación realizada por el actor estadounidense Stanley Tucci en el magnífico papel de Frank Nitti. Su postura firme, sus modos elegantes, y su lógica pragmática en defensa de sus intereses y de sus negocios dan la imagen perfecta del jefe de la mafia impoluto que, situado más allá del Bien y del Mal, lleva a cabo sus acciones siempre tras haber analizado con detenimiento y profundidad si esos actos le traerán algún beneficio. En definitiva, un papel perfecto para este actor de auténtico lujo en una película de cine negro. Otro de los actores que le sorprenderá por sus extraordinarias aptitudes interpretativas es Jude Law en el papel de Harlen Maguire, frío y calculador asesino a sueldo con cualidades psicológicas dignas de un implacable ejecutor. Su interpretación es sencillamente magistral, y con interpretaciones de este nivel, seguiré insistiendo que Jude Law es uno de los actores más infravalorados por la industria cinematográfica de Hollywood en vista a su magnífica calidad como actor, y a su hipnótico magnetismo cada vez que hace acto de presencia en una escena. Observar cómo Harlen Maguire va siguiendo incansablemente a Michael Sullivan como un sabueso tras su presa, vaya a donde vaya, haga lo que haga, y sin que nunca sea capaz de percibir su presencia, salvo cuando la suerte está echada, ofrece al espectador uno de esos personajes que dejan huella debido a sus razonamientos más propios de un psicópata, y que Jude Law los convierte en perfectamente creíbles ante nuestra atenta mirada. Una pena que solamente en películas de este nivel se haya podido sacar partido a todas sus dotes interpretativas más que sobresalientes.

En esta película, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de escenas tan espectaculares como el asesinato en la habitación del hotel y esa puerta con espejo en el baño reflejando el sangriento escenario mientras se va cerrando, la secuencia de la salida de Michael Sullivan del banco y la lenta llegada del coche conducido por su hijo, en la macabra escena del velatorio donde Michael Sullivan y su hijo se encuentran ante el féretro mientras el hielo para conservar el cadáver va derritiéndose poco a poco, cuando aconseja a su hijo a qué religiosos puede comentarles lo sucedido y a cuáles no, en la extraordinaria y tensa escena del restaurante de carretera, la preciosa secuencia donde Michael Sullivan y John Rooney tocan el piano juntos bajo la atenta la mirada de Connor Rooney, o en la sorprendente escena donde Jude Law va a una casa como reportero freelance para fotografiar el asesinato que allí ha ocurrido. En “Camino a la Perdición”, la tensión y la intriga son siempre constantes como en la afilada escena de la reunión de John Rooney donde deja en ridículo a su hijo delante de todos los jefes, en la magnífica secuencia de la suite del hotel donde se enfrentan Michael Sullivan y Harlen Maguire, cuando el coche de Michael Sullivan va recorriendo las carreteras tratando de alejarse del área de influencia de Connor Rooney, en la idílica escena de la playa con Michael Sullivan, su hijo, y el perro, pero, sobre todo, quedarán sumamente impactados cuando vean la escena de John Rooney y sus guardaespaldas acompañándole a su coche en esa noche fría y lluviosa. En definitiva, arte cinematográfico de alto nivel cuya visualización repetirán a lo largo de los años y de las décadas. “Camino a la Perdición”, el cine negro más excelso haciendo aún más grande al Séptimo Arte en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA CARNE Y EL DEMONIO (the flesh and the fiends)”, 1959 (Reseña / Review #1735).

Posted on 15 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1735 // Reseña Media nº: 88
Reseña actualizada. Publicada el 8 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: JOHN GILLING
Guión: JOHN GILLING y LEON GRIFFITHS
Actores principales: PETER CUSHING (Dr. Robert Knox), JUNE LAVERICK (Martha Knox), DONALD PLEASENCE (William Hare), GEORGE ROSE (William Burke), JOHN CAIRNEY (Christopher Jackson), BILLIE WHITELAW (Mary Patterson), RENEE HOUSTON (Helen Burke), DERMOT WALSH (Dr. Geoffrey Mitchell), MELVYN HAYES (Jamie)
País: REINO UNIDO Año: 1959 Productora: TRIAD PRODUCTIONS LTD.
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: CINEMA INTERNATIONAL MEDIA, S.L.
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Este largometraje no es una película de terror más. Es cine británico de culto. Rodada por el director inglés John Gilling (1912-1984) en el insustituible y cautivador celuloide en blanco y negro, “La Carne y el Demonio” es una película que, por su lúgubre y escabrosa temática, me ha hecho recordar el inolvidable relato corto “Los Ladrones de Cadáveres” incluido en el libro “El Diablillo de la Botella y otros relatos” de Robert Louis Stevenson (ya reseñado en Lux Atenea Webzine). Cuando, a principios del siglo XIX en Reino Unido, los médicos y científicos empiezan a necesitar cadáveres para sus investigaciones, se crea un lucrativo negocio encargado de abastecerles de cadáveres. Durante los siguientes años, la necesidad de cubrir esa demanda llevará a los conocidos como ‘ladrones de cadáveres’ a multiplicar sus acciones, y a extender una psicosis entre la ciudadanía debido al considerable incremento de robos de cuerpos de fallecidos de sus propias tumbas que se empieza a detectar en los cementerios de todo el país. A tal extremo llegará esta psicosis y el miedo de la gente a que roben el cuerpo del familiar muerto que, incluso, llegarán a poner jaulas con fuertes barrotes en las tumbas para que los ladrones de cadáveres no se los puedan llevar. Por lo tanto, cuando vean una de estas tumbas con jaula en persona o en imagen, piensen que ésta no se instaló porque el fallecido fuera un vampiro como he llegado a escuchar decir (o incluso leer) a algunos fantasiosos expertos en medios de información, sino que realmente se construían para que no fuera robado el cuerpo del fallecido por los ladrones de cadáveres en aquella época. Cuando la demanda llega a ser tal que los precios que se pagan por los cadáveres son desorbitantes, algunas personas dedicadas a este macabro comercio no dudaron en llegar al asesinato para poder satisfacer ese mercado, contando siempre con la complicidad de los compradores que no solían preguntar nunca el origen de ese cuerpo entregado, aunque creo que estos mismos compradores acababan conociendo la verdad sobre su muerte en cuanto tuvieran conocimientos médicos o forenses, y observaran y analizaran el cadáver. Una sangrienta historia de terror y misterio en la cual está basada la trama de este largometraje de culto dentro de este género cinematográfico, y que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán visualizar en esta magnífica edición de la película en formato DVD publicada por Cinema International Media en 2013. Sin duda alguna, “La Carne y el Demonio” es una clara muestra del mejor cine británico de horror con ese arte y ese estilo inconfundible que le caracterizó a la hora de rodar tan magnas y siniestras escenas.

La trama de “La Carne y el Demonio” está basada en los hechos reales ocurridos en la ciudad de Edimburgo en el año 1828, lugar donde el doctor Robert Knox llegó a comprar para sus investigaciones médicas algunos cadáveres de personas que habían asesinado William Burke y William Hare para hacer este tipo de negocios. Una historia que comienza con la tenebrosa e impactante escena de la llegada de los ladrones de cadáveres al cementerio donde, tras dirigirse a una tumba, proceden a excavarla para sacar al fallecido. La fuerza visual de la cruz como silencioso testigo del robo del cuerpo, envía con macabra nitidez al espectador ese vandálico y repudiable acto de sacrilegio en una tumba con el único móvil del beneficio económico. Un contraste absoluto entre la visión sagrada del mundo de los muertos y el impulso materialista donde todo es válido con tal de ganar dinero. A continuación, aparecerá la aparente normalidad con la llegada de Martha Knox (actriz June Laverick) a la Academia de Anatomía del doctor Knox en Edimburgo, y su encuentro con el doctor Geoffrey Mitchell (actor Dermot Walsh). Tras presenciar el discurso del doctor Robert Knox (interpretado por el legendario actor Peter Cushing) ante sus alumnos, tío y sobrina se ven tras la larga temporada vivida en la ciudad de París pero Martha desconoce algunos terribles secretos que allí se ocultan. La trama irá desarrollándose poco a poco en torno a los dos ladrones de cadáveres con William Hare (actor Donald Pleasence) como desalmado cerebro que no deja pasar una ocasión para conseguir dinero, y William Burke (actor George Rose) como ayudante con un coeficiente intelectual un tanto limitado. Sus ansias de conseguir dinero fácil les llevará a cometer un asesinato tras otro, y ese sangriento círculo vicioso de muerte, dinero, y cuerpos humanos para la investigación empezará a implicar al propio doctor Knox al encubrir la actividad de estos dos asesinos, vertebrando en una trama que se cerrará con este espectacular e inquietante final. Una historia de horror que se vuelve absolutamente creíble a los ojos del espectador gracias al extraordinario nivel de interpretación mostrado tanto por sus actores principales como por los secundarios, creando la conexión mental y la ambientación perfecta para alcanzar esta magia artística y emocional que fundamenta la esencia del cine como espectáculo inigualable.

Visualizar esta película es una experiencia difícil de olvidar por la tenebrosa belleza de sus imágenes, rodadas en blanco y negro con el formato panorámico del sistema Dylascope, proyectando una ambientación tan lúgubre en sus escenas más siniestras que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea, sobre todo con esta impresionante banda sonora de estilo clásico compuesta con maestría por Stanley Black. Un largometraje inolvidable dentro del mejor cine británico de horror que les impresionará con sus escenas e imágenes, como al contemplar esas fugaces y densas brumas presentes en el cementerio cuando estos dos ladrones están tirando de las cadenas para sacar un muerto de su tumba, la siniestra visión del sirviente llevando el esqueleto cuando llega Martha a la Academia de Anatomía, la cara de desprecio del doctor Knox cuando delante de su sobrina el alumno Christopher Jackson (actor John Cairney) le anuncia la llegada de un nuevo cadáver para diseccionar, o en el gran contraste existente entre las lujosas y luminosas escenas relacionadas con la vida cotidiana del doctor Knox en su faceta pública y familiar, respecto a las obscuras, claustrofóbicas, sombrías, y decadentes secuencias directamente relacionadas con el turbulento mundo en el que se mueven estos dos ladrones. “La Carne y el Demonio” les cautivará con el ambiente libertino y voluptuoso que se vive en la taberna The Merry Duke, con el debate filosófico entre la Ciencia y la religión en relación a los cadáveres y al alma que fundamenta una de las escenas más importantes de esta película, o con el profundo shock psicológico que aparece cada vez que sumergen un cadáver en salmuera. Un entorno decadente que se observa en las sucias y angostas calles que presenta el barrio donde se mueven estos dos ladrones, también observando los gestos en sus terribles caras cuando asesinan a la anciana Aggie, o la espeluznante imagen del cadáver de Mary Patterson tapado con la sábana (actriz Billie Whitelaw) y la simbólica figura del esqueleto detrás. Pero en esta película también está presente la acción marcada por la tensión y la desesperación, como la brutal escena protagonizada por Jamie (actor Melvyn Hayes) y los dos ladrones de cadáveres, o la impresionante secuencia de los ciudadanos con antorchas reclamando justicia, una de las mejores escenas rodadas en este largometraje. Impresiona ver la flemática actitud del doctor Knox ante sus alumnos en un aula prácticamente vacía y con las protestas de la gente como sonido de fondo, en un virtuosismo interpretativo como solamente un actor de la categoría de Peter Cushing es capaz de realizar, o ver el cruel destino que le espera a William Hare cuando es puesto en libertad, además de la sencilla y reveladora escena del doctor Knox y la niña que le hace ver y comprender en un instante la auténtica realidad de sus actos. Una vez visualizada esta extraordinaria obra cinematográfica, no duden que el juicio moral y ético en su final siempre quedará en manos de cada espectador en función de sus valores personales. Tradición y religión versus Ciencia y laicismo. “La Carne y el Demonio”, una de las mejores películas sobre la tétrica temática de los ladrones de cadáveres del siglo XIX y el turbio negocio que el mundo de la Ciencia creó con su demanda. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA VENUS RUBIA (blonde Venus)”, 1932 (Reseña / Review #1734).

Posted on 14 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1734 // Reseña Media nº: 87
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: JOSEF von STERNBERG
Guión: JULES FURTHMAN y S.K.LAUREN
Actores principales: MARLENE DIETRICH (Helen Faraday), CARY GRANT (Nick Townsend), HERBERT MARSHALL (Edward Faraday)
País: EE.UU Año: 1932 Productora: PARAMOUNT PICTURES
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBÉRICA, S.L. Año: 2010
Formato: DVD edición coleccionista con libreto de 34 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

La amalgama artística formada por el director Josef von Sternberg (1894-1969) con la mítica actriz Marlene Dietrich (1901-1992) ha dejado a la posteridad estos deslumbrantes frutos cinematográficos, siendo una de sus joyas más preciadas y brillantes la excelente película “La Venus Rubia”. Rodado en el mágico y cautivador celuloide en blanco y negro, “La Venus Rubia” es un largometraje basado en la dramática historia del científico estadounidense Edward Faraday entregado al trabajo (actor Herbert Marshall) que, tras conocer un día a la artista alemana Helen (interpretada magistralmente por la diosa Marlene Dietrich), cae irremediablemente enamorado de ella, deciden casarse, y tienen un hijo. Pero, dentro de esa relación, la actitud de Edward Faraday hacia Helen es la de un hombre que identifica a su mujer con sus ideales más ensoñadores, y la cruda realidad terminará por despertarle de tan dulces e irrealizables sueños. Helen, como mujer libre y moderna cuya mirada a la vida está siendo condicionada y asfixiada por la ética y la moral social sobre lo que es considerado como correcto (la mujer ha de casarse, tener hijos, cuidarlos como una buena madre, sacrificar su vida en pro de su marido y de sus hijos…), terminará finalmente aceptando que su naturaleza es diametralmente opuesta a ese rol materno porque le provoca un profundo vacío existencial. El instinto, la mentalidad moderna opuesta a lo tradicional, la forma de ser auténtica consigo misma, la perspectiva que tiene Helen para sentir el mundo, serán los factores que terminen imponiéndose a pesar de los sinsabores y de las inseguridades que la vida pueda llegar a ofrecerle en el futuro. Helen observa su matrimonio como una unión entre un hombre que no la ve como ella es, sino como un ideal femenino, y ella misma como esposa se ve incapaz de seguir aceptando ese rol que no le satisface en absoluto, llegando a la conclusión de que ni el destino más benigno para ellos podría llevarles a consolidar esa relación de pareja imposible de asentar. Edward Faraday quedará finalmente a cargo del hijo, Helen retorna al mundo del espectáculo y del alegre music hall pero, cuando conoce a un dandi económicamente muy solvente llamado Nick Townsend (personaje interpretado por este jovencísimo Cary Grant), la lucha por la custodia de su hijo no habrá hecho más que empezar.

En “La Venus Rubia”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán comprender cómo la divina Marlene Dietrich consolida su imagen de femme fatal por excelencia dentro del mundo del cine en aquella época. Marlene Dietrich es una actriz espectacular, y una mujer inalcanzable para el resto de los mortales cuya sensual belleza logra despertar grandes pasiones entre el público a través de una ambigüedad sexual perfumada con sutiles matices perversos, aumentando su glorificada imagen como Excelsa Diva entre las grandes divas cinematográficas. Una obra de irresistible atmósfera en la cual quedarán sus mentes atrapadas tras contemplar la hierática belleza de Marlene Dietrich en la gran pantalla. Pero “La Venus Rubia” también fue una película que crearía cierta polémica en su época no sólo a nivel social tras su estreno, sino también entre los mismos directivos de la productora antes y durante su rodaje. El choque absoluto entre la mentalidad conservadora de los magnates de Hollywood y el reflejo cinematográfico de las imparables corrientes sociales modernas que ya empezaron a aparecer en la década de los veinte, sería inevitable. Este proyecto artístico llegaría a buen puerto con un éxito indiscutible entre el público que, a pesar de las décadas que han pasado desde su estreno y de los radicales cambios sociales que se han sucedido desde entonces, la película “La Venus Rubia” sigue conservando esa brillantez cinematográfica inmutable en el siglo XXI. Quisiera destacar el magnífico trabajo realizado por el actor británico Herbert Marshall (1890-1966) interpretando el papel de Edward Faraday como marido buenazo y sereno, y al joven Cary Grant identificado en aquella época con la imagen del dandi seductor y elegante, y al que le falta un poco de esa fascinación visual e interpretativa con las cuales nos deslumbraría en rodajes realizados en años posteriores. Tras “La Venus Rubia”, fue imparable carrera de Cary Grant hacia el estrellato en Hollywood, encontrando en las comedias su equilibrio interpretativo perfecto a la hora de mostrar ese lado más irónico y divertido en escena (recomiendo la lectura de la reseña sobre la biografía de Cary Grant que publiqué en Lux Atenea). “La Venus Rubia” es una película mítica que deja al espectador con ese regusto decadente por su trasfondo y sobre lo que es la existencia humana en sus diferentes perspectivas, actitudes, y motivaciones. Además, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que logren adquirir esta lujosa edición en formato DVD más libreto, podrán disfrutar de todas las escenas censuradas en aquella época en su versión original subtitulada. “La Venus Rubia”, mítico largometraje cuya trama está basada en la imposibilidad de ser aquello que va en contra de la verdadera naturaleza de la persona, por mucho que se desee. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo del Autor: Félix V. Díaz

Acerca de Félix V. Díaz

“AVALON”, 2001 (Reseña / Review #1743).

“TAXI DRIVER”, 1976 (Reseña / Review #1742).

“THE POSSESSION (EL ORIGEN DEL MAL)”, 2012 (Reseña / Review #1741).

“EL CASO DE LUCY HARBIN (strait-jacket)”, 1964 (Reseña / Review #1740).

“EL CAPITAL (le capital)”, 2012 – COSTA-GAVRAS (Reseña / Review #1739).

“QUILLS”, 2000 (Reseña / Review #1738).

“TENEBRE (tenebrae)”, 2012 (Reseña / Review #1737).

“CAMINO A LA PERDICIÓN (road to Perdition)”, 2002 (Reseña / Review #1736).

“LA CARNE Y EL DEMONIO (the flesh and the fiends)”, 1959 (Reseña / Review #1735).

“LA VENUS RUBIA (blonde Venus)”, 1932 (Reseña / Review #1734).