WHY PATTERNS “SCREAMERS” (HUMAN WORTH, julio 2025) (Reseña / Review #2295).

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Reseña Cultural nº: 2295 // Reseña Musical nº: 1482

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a Chris “Frenchie” French (PR Trail) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- After The Bullfight // 2- Clown In A Housefire // 3- Self Defeating Trebuchet // 4- Soire Bleu // 5- Nervous Laughter // 6- Wind Up Chattering Teeth // 7- Clubfoot By Kasabian By Blacklisters // 8- Screamers // 9- Upside Down Mondrian // 10- Buffoons & Barrel Organs
Datos técnicos: Temas musicales mezclados por Stanley Gravett en Holy Mountain Studios (Londres, Reino Unido); álbum masterizado por Brad Boatright en Audio Siege
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena grindcore más innovadora

A mediados del pasado mes de julio, la banda musical británica Why Patterns presentó su segundo álbum titulado “Screamers”, habiendo sido publicado a través del prestigioso sello británico Human Worth en formato digital, en una edición limitada de 50 unidades en digipak CD, y en una edición limitada de 50 unidades en cassette. Engalanado con este magnífico diseño creado por Alex Virji con trabajo artístico de RF Pangborn y textos a cargo de Corny Krameri, además de su apartado fotográfico desarrollado por Talie Eigeland (banda musical) y Simon Kallas (portada), en su impactante imagen de portada ha quedado reflejado el grito visceral del adaptado social cuando termina reventando tras años de incesante presión y estrés, lanzando destellos conceptuales propios del mítico pintor anglo-irlandés Francis Bacon (1909-1992) dentro de una deformada estética siniestra cargada de tensión. Formado por Dan McClennan (batería), Doug Norton (vocalista) y Seb Tull (instrumentos de cuerda), la banda musical británica Why Patterns ha podido contar en este nuevo álbum con la colaboración de Alex Virji en los coros del tema “Nervous Laughter”, presentando una extraordinaria obra musical vertebrada por diez temas englobados conceptualmente dentro de la escena grindcore más ecléctica e innovadora. De fuerte impacto sonoro y concentrada intensidad musical, el álbum “Screamers” dejará sin respiración al melómano lector de Lux Atenea deseoso de poder disfrutar obras musicales extremas, y compuestas con un impulso creativo de vanguardia de primer nivel. Una intensidad sonora amplificada en su calidad musical y en su equilibrio estructural con armoniosos niveles de registro sonoro, tras haber pasado por el trabajo técnico de masterización perfilado por Brad Boatright, para poder sentir la grandeza artística y conceptual de Why Patterns en estado puro. Toda una experiencia musical.

Iniciamos la entrada en el salvaje espíritu conceptual de la banda musical británica Why Patterns con el primer tema “After The Bullfight”, y la batería dando la señal de salida a esta densidad instrumental brutal donde no hay espacio libre en su estructura artística que deje pasar aire fresco en su atmósfera ultra compactada. Guitarras pesadas que liberan notas graves como rocas fracturándose, una batería que enloquece su tempo para conducir a la alucinación psicótica, y un plano lírico interpretado con el descaro existencial del punk para quebrarlo todo con su mensaje. “After The Bullfight” cortará la respiración del melómano lector de Lux Atenea, y le llevará a quitarse el sombrero ante tan contundente muestra de talento interpretativo, pidiéndole su mente más, motivo por el cual, el tema “Clown In A Housefire” lo sentirá como un torrente adrenalínico entrando en su cuerpo para llevarlo al límite, que es donde de mueve con soltura Why Patterns. “Clown In A Housefire” es paranoico, la sonrisa del Joker observando el mundo arder mientras todo se hunde a sus pies. Un caleidoscopio emocional que te atrapará en su interior para desquiciarte, para romper cualquier unión que tengas con lo cotidiano, con lo establecido, liberándote de prejuicios y convencionalismos sociales porque ahora solo hay un inmenso espectáculo de destrucción. ¡¡¡“Clown In A Housefire”, pura vanguardia!!! Y qué decir del tema “Self Defeating Trebuchet”, inmisericorde en su manifestación musical como nacido en la mente de un Ego elevado hasta la divinidad, mientras sus ojos quieren tener todo lo deseado ya mismo, inmediatamente, instantáneamente, y luego arrojarlo a la pira porque él manda, él disfruta, y él sufre porque no tiene límites morales ni éticos. “Self Defeating Trebuchet” es la religión tirada a la basura, es la burla a la psiquiatría, es la mofa contra la Razón y la lógica, porque como un iconoclasta, todo lo que se ensalza, se respeta, y se sobrevalora, ha de ser tirado abajo aunque suponga la propia autodestrucción. “Self Defeating Trebuchet” es el mantra del retorno a la jungla humana más primitiva, sin atisbo de civilización alguna, y enraizado en los instintos liberados de cualquier contención. ¡¡¡“Self Defeating Trebuchet”, brutal!!!

Luego, el tema “Soire Bleu” aparentemente sosegará un poco la atmósfera musical con la batería llevándonos a un escenario distópico donde la soledad es inexorablemente agria, y donde las ansias de sentir lo vital corriendo por las venas no deja de elevar el plano de tolerancia existencial, haciendo cada vez más difícil alcanzar lo placentero. “Soire Bleu” es un grito, es una búsqueda, es una quimera que hipnotiza y conduce al abismo, e interpretación lírica y guitarra fluyen con un virtuosismo rebelde e inconformista que fascinará al melómano lector de Lux Atenea. Desembocando en el impresionante tema “Nervous Laughter”, esta espiral decadente y obsesiva irá transformando la sencillez de su lírica en afiladas hojas de afeitar, en vidrios cortantes, en oxidadas puntas de metal, cuyo contacto es sádicamente doloroso porque la vida es sentida como un infierno. En “Nervous Laughter”, el talento de Why Patterns vuelve a salir con una brillantez artística al alcance de muy pocos músicos y bandas musicales dentro de esta escena, porque su perspectiva creativa tiene alma, esa alma arrojada al infierno por Mefistófeles, que dice lo que piensa sin filtro alguno, y lo transmite musicalmente con crudeza porque nada le importa ya. Si repiten varias veces la audición de “Nervous Laughter”, lo entiendo perfectamente porque tiene ese magnetismo del alma perdida que revela, que muestra lo que debería ser ocultado por el trasfondo de su mensaje sencillo, pero políticamente incorrecto en este mundo materialista de la alegría y de la felicidad aparente. Posteriormente, el tema “Wind Up Chattering Teeth” será la confirmación de que, cuando una sociedad o una nación entra en crisis, aparecen las mejores obras artísticas durante ese periodo de tiempo. Un terremoto social que libera ideas, inspiraciones, perspectivas transgresoras dentro del universo musical, y “Wind Up Chattering Teeth” destaca especialmente por su compactación sonora extrema, por su punch instrumental y lírico desde la rabia interior más visceral, derivando en su epílogo incluso en pinceladas conceptuales post-industriales. Un minuto y seis segundos descarnados en esta tormenta musical sin respiro alguno. “Wind Up Chattering Teeth” es la magia de Why Patterns en la composición, liberada en una explosión sonora incontrolada y masiva.

Mucho más desafiante aparecerá el tema “Clubfoot By Kasabian By Blacklisters”, proyectando una deconstrucción estructural tanto en su plano instrumental y lírico, que, en manos de Why Patterns, no deja de perder su equilibrio aunque sea en el filo de la navaja. En “Clubfoot By Kasabian By Blacklisters”, la interpretación lírica es espectacular, sobrehumana, y muy directa a la mente del melómano hasta atravesar todas sus barreras conscientes e inconscientes. “Clubfoot By Kasabian By Blacklisters” lleva al grindcore a otra dimensión conceptual muy adelantada a su tiempo, y su valor artístico e influencia se irá viendo a lo largo de los próximos años. Una radiación sonora de vanguardia que estimulará la mente del melómano lector de Lux Atenea con ese rayo musical único que lanza lo innovador, cuando ve la luz discográfica y es disfrutado en su audición. ¡¡¡“Clubfoot By Kasabian By Blacklisters”, impresionante composición!!! Y cuando el tema homónimo del álbum se adentre en sus oídos, su aspereza punk será sentida con una profundidad existencial que te hará ser consciente que el espíritu fundacional del punk no ha muerto, sino que se ha amalgamado con estas corrientes musicales transgresoras para seguir provocando con su mensaje irreverente. “Screamers” son oleadas de ansias de liberación porque se ha sido engañado, porque el telón que tapa toda la inmundicia de esta civilización se ha caído, y el individuo ante lo contemplado, siente su sangre hervir de rabia y de deseos de destrucción. “Upside Down Mondrian” dará continuidad al espíritu punk renovado y actualizado conceptualmente a este siglo XXI tan ecléctico y caótico, y la fase final del tema es uno de los fragmentos musicales más espectaculares e impactantes que van a sentir durante la audición de este álbum. Por este motivo, lo que inicialmente parecía que iba a ser más lineal, en su mutación sonora se termina convirtiendo en un espectáculo superlativo de vanguardia conceptual extrema que no te dejará indiferente. Más bien, conmocionado y fascinado. Con el tema “Buffoons & Barrel Organs” clausurando esta magna obra, el mensaje será corrosivo con todo y para todos porque, en su globalidad, todo es una gran mentira. Un circo donde los payasos son personas respetables con actitudes impresentables, pero son alabadas porque el resto desearía estar en su posición en este teatro sadomasoquista llamado Humanidad. “Screamers”, segundo álbum de la banda musical británica Why Patterns, y auténtica obra maestra que establece los pilares conceptuales de la nueva escena guindcore transgresora, irreverente, y extrema. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

XU “MURMURS OF THE MACHINE” (LE MONT ANALOGUE / FONODROOM, julio 2025) (Reseña / Review #2294).

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Reseña Cultural nº: 2294 // Reseña Musical nº: 1481

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Aurora’s Flicker // 2- Whispers in the Circuitry // 3- Sink Right In // 4- Luminous Dust Trails // 5- Hushed // 6- Echoes from the Ether // 7- Subdued Serenity // 8- Misty Reveries
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Nicola Fornasari; álbum masterizado por Tobias Lorsbach
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ambient

El periodo estival está llegando a su fin con el otoño ya reclamando su reino y, como analista cultural, siempre insistiré en recomendar la audición de álbumes musicales dentro del estilo ambient durante este periodo de tiempo tan luminoso, porque se crea el momento ideal para la armonización mental con estas obras musicales especialmente estimulantes para nuestra alma. A principios del pasado mes de julio fue presentado oficialmente el excelso álbum “Murmurs of the Machine” del artista italiano Nicola Fornasari, alma mater de Xu, habiendo sido publicado por el prestigioso sello discográfico neerlandés Le Mont Analogue en formato digital y en una preciosa edición limitada de 70 unidades en cassette, 35 de las cuales han sido numeradas a mano e incluyen como extra una lujosa caja artesanal para el cassette, y la impresión utilizando papel kraft vergé. Engalanado con este elegante diseño, el protagonismo de su imagen está centrado en la obra japonesa de Rinkyo “Pescado y algas” del siglo XVI, reflejando visualmente con exactitud ese estado de armonía cercano a lo idílico que caracteriza a este álbum a nivel sonoro. Teniendo un sintetizador modular eurorack como base instrumental, Nicola Fornasari se presenta como un auténtico alquimista musical dentro de la electrónica analógica, e incansable buscador de nuevas texturas y cromatismos sonoros que dan una personalidad artística única a sus composiciones dentro de la escena ambient de vanguardia. Una belleza musical que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea deseosos de poder disfrutar las maravillosas obras sonoras surgidas dentro de este apasionante estilo ambient. A nivel creativo, Xu presenta también una dimensión minimalista en sus composiciones que se ha vuelto característica en este grandioso álbum a nivel conceptual, y que unido al extraordinario trabajo técnico de masterización realizado por Tobias Lorsbach, convierten su audición en un auténtico placer para sibaritas del arte musical en clave ambient. “Murmurs of the Machine” es una obra maestra cuyo místico espíritu sonoro seguirán disfrutando, pasen los años que pasen, porque estos álbumes son perennes por su capacidad para seducir al melómano en cada nueva audición.

Sin más demora, iniciamos la audición de este diamante musical comenzando por su primer tema “Aurora’s Flicker”, de magnético título que refleja su magia sonora a la perfección. Cristalino y etéreo, “Aurora’s Flicker” no deja de sorprendernos desde el primer segundo con planos sonoros electrónicos de una belleza sobrenatural que embriaga nuestra mente para llevarla a otro estado de consciencia. Una estimulación de la sensibilidad a través del lenguaje musical que, en manos de Nicola Fornasari, cobra vida en esta estructura sonora con cromatismos sonoros mayormente situados en un primer plano, mientras la electrónica analógica perfila una desbordante cascada como trasfondo. Acción y belleza, así abrirá su tesoro artístico esta extraordinaria composición. Con “Whispers in the Circuitry” oscureciendo el entorno y volviéndolo mucho más minimalista, la sensación de letargo espiritual va a fundirse con esta perspectiva musical unida a lo mecánico hasta quedar integrado en una evolucionada línea conceptual de ecléctico sentido artístico. Situándose con el paso del tiempo en ese estado de la percepción establecido entre la vigilia y la somnolencia del Reino de Morfeo, “Whispers in the Circuitry” aviva con sutileza esta actividad sin que llegue en ningún momento a entrar en ignición vital, flotando libremente en un nuevo espacio donde la mente queda alejada de su cotidianidad terrenal para ser más estímulo que limitación física. ¡¡¡“Whispers in the Circuitry”, exquisita delicia musical!!! Luego, el tema “Sink Right In” nos sacará rápidamente de ese estado con este panorama sonoro bucólico donde la penumbra va perdiendo su oscuridad, mientras la luz desvela brumas avanzando con esa extraña capacidad para distorsionar la realidad a su alrededor. Cuando la luz termina siendo dominante, la acción se vuelve incansablemente activa y con ese tintineo de lo expansivo que lanza mensajes de inconformismo al entorno. “Sink Right In” es enérgico, exalta la magnificencia de la vida pero de forma contenida, controlada, equilibrada, de ahí que nunca caiga en ese crescendo que siempre conduce a la inestabilidad en su parte final. ¡¡¡“Sink Right In”, el arte musical de Xu en estado puro!!! “Luminous Dust Trails” ofrecerá al melómano lector de Lux Atenea esa aparente quietud donde los claroscuros se transforman en velos que ocultan, en refugio de la reflexión, en disolventes del miedo, y esta atmósfera se siente con una profundidad que concentra tu atención en todos los matices electrónicos que van apareciendo a lo largo de la composición.

El tema “Hushed” hará hincapié en esa dinámica musical orientada al minimalismo sonoro, y al establecimiento de ese equilibrio sustentado por su mínima energía activa. Por este motivo, “Hushed” es lánguido como la lisérgica banda sonora del spleen decimonónico, y precisamente este es su encanto artístico tan particular hasta alcanzar un perfil musical de cíclica evolución que brilla con elegancia dentro de un amplio abanico de frecuencias. “Hushed” es una clara muestra del espíritu pionero de Nicola Fornasari en su incansable búsqueda artística dentro de la electrónica analógica. “Echoes from the Ether” mantendrá el mismo espíritu, pero con una amplitud dimensional más pronunciada y con este trasfondo evanescente que relaja y embriaga. La entrada de iridiscencias sonoras llevará a “Echoes from the Ether” a lo feérico, a lo mágico, a ese mundo mitológico olvidado por el mundo materialista en el que vivimos. Un encanto conceptual en la composición que ampliará los puentes emocionales establecidos por el melómano lector de Lux Atenea con este genial artista italiano, y que, en el tema “Subdued Serenity”, le conducirá de nuevo a ese entorno musical perfilado en el tema “Hushed”, con planos sonoros muy controlados en su nivel de registro sonoro y en su intensidad activa llevada al minimalismo más sosegado. A diferencia de “Hushed”, “Subdued Serenity” no es tan lisérgico porque eleva el nivel de energía radiada como si fuera una recreación del despertar de la vida, y este nivel emocional que provoca te conecta con el trasfondo de su mensaje místico, que termina apoderándose de toda la estructura musical. El tema “Misty Reveries” dará continuidad a esa deriva existencial, clausurando este álbum con una seductora belleza melódica que irá apareciendo lentamente desde la oscuridad absoluta. Una iluminación mística que se va volviendo imparable según va ampliando el escenario con su luz, y donde las secuencias musicales se vuelven mantras para que la mente eleve su plano de consciencia. Las pinceladas iridiscentes recrearán la apertura mental, la elevación del plano de consciencia a otra realidad, y es que “Misty Reveries” es la composición más compleja y profunda a pesar de su minimalismo. “Murmurs of the Machine”, la elegancia italiana en la composición musical dentro de la escena ambient analógica tiene un nombre que destaca especialmente por su talento y por su sentido de armonía: Nicola Fornasari. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

Otras reseñas recomendadas:
GALLERY SIX “KISETSU – SEASON” (LE MONT ANALOGUE / FONODROOM, marzo 2025) (leer reseña)
DEMETRIO CECCHITELLI “JUMP” (FONODROOM / DRONARIVM / LE MONT ANALOGUE, junio 2024) (leer reseña)
ALESSANDRO BARBANERA “IN DARKNESS LET ME DWELL” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, marzo 2025) (leer reseña)
BARTOSZ DZIADOSZ “THEME” (FONODROOM / DRONARIVM, febrero 2025) (leer reseña)
CORRADO MARIA DE SANTIS “CITY OF TETHERS” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, noviembre 2024) (leer reseña)
FAUX TAPES “DIVE – EP” (FONODROOM / DRONARIVM, septiembre 2024) (leer reseña)
CHIHEI HATAKEYAMA “THOUSAND OCEANS” (FONODROOM / DRONARIVM, junio 2024) (leer reseña)

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

HOLD ME DOWN “DEVOUR” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, septiembre 2025) (Reseña / Review #2293).

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Reseña Cultural nº: 2293 // Reseña Musical nº: 1480

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- M.A.I.D. // 2- Grinder // 3- Living Meat // 4- Coded Sky // 5- Infinity // 6- Devour // 7- Boiler Room // 8- Shed // 9- The Connector // 10- At the Gate // 11- Death Hour
Datos técnicos: Álbum masterizado por Thomas Carney para la edición en CD y digital, y por Grant Richardson (Gnawed) para la edición en vinilo y en cassette
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena industrial metal más innovadora

El próximo viernes, día 5 de septiembre, será presentado oficialmente el nuevo álbum “Devour” de la banda musical Hold Me Down, siendo publicado por el prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories en formato digital, en cassette, en digipak CD, en LP 12” en el clásico vinilo negro, en una magnífica edición limitada de 100 unidades en LP 12” en vinilo naranja, y en una selecta edición limitada de 5 unidades LP 12” test pressing, estado disponibles a través de la webstore del sello y de su página oficial en Bandcamp. Engalanado con este impactante diseño ideado por MA, con trabajo artístico de portada creado por el propio miembro de la banda musical Ben Rinehardt y fotografía a cargo de Dan Wagner, visualmente el álbum “Devour” presenta esta fusión de decadencia industrial, de degradación de lo humano, y de hegemonía de una tecnología absolutamente devastadora para nuestra especie. Formado por David Hoefer (batería, bajo, sintetizador, guitarra y voz), Ben Rinehardt (electrónica, samples, y voz), y Jim Gullickson (vocalista), la grandiosa banda musical estadounidense Hold Me Down nos presenta su segundo álbum “Devour” con un espíritu creativo renovador para dar mayor trasfondo conceptual a la escena industrial metal, perfilando estructuras musicales innovadoras que sorprenderán a los melómanos lectores de Lux Atenea por sus aires de vanguardia tan contundentes y avanzados. Vertebrado por once temas musicales, el álbum “Devour” es potente, corrosivo, y con ese trasfondo distópico que invita a la reflexión sobre el destino de nuestra civilización completamente en manos de la tecnología. Por este motivo, Hold Me Down vuelve a provocar para sacar del aturdimiento dominante a través del lenguaje musical en clave industrial metal, y donde el mensaje de su lírica es tan revelador como cada una de las estructuras musicales que caracterizan a estos temas. Además, tras haber pasado por el minucioso proceso técnico de masterización a cargo de dos auténticos expertos como Thomas Carney (edición en CD y digital) y Grant Richardson (Gnawed) (edición en vinilo y en cassette), el álbum “Devour” les fascinará por su nitidez sonora, por su dimensión estructural tan bien definida, y por su capacidad para concentrar la atención del melómano en cada uno de los temas durante su audición, presentando una belleza siniestra y misántropa absolutamente impactante e inolvidable.

Iniciamos la audición de esta espectacular obra musical sumergiéndonos en el potente comienzo sonoro del tema “M.A.I.D.”, de amenazante perfil musical como la visión de una maquinaria infernal, y que es amplificado con esta desgarradora interpretación lírica situada en un segundo plano, ya que batería y bases rítmicas absolutamente destructivas crean la primera línea de despedazamiento inmisericorde. Con la guitarra como pinceladas instrumentales en rojo sangre sobre fondo negro y ocre, junto a sus valles musicales, los matices electrónicos del tema “M.A.I.D.” crean esta atmósfera de alarma tan demoníaca como esa calma ambiental existente antes del estallido del apocalipsis. Como pueden comprobar los melómanos lectores de Lux Atenea, la banda musical estadounidense Hold Me Down marca un antes y un después dentro de esta escena industrial metal a nivel conceptual, y sus nuevas ideas artísticas han potenciado considerablemente su trasfondo, su definición, y sus matices musicales eclécticos en estructuras marcadas por su halo de perdición, y “M.A.I.D.” es una clara muestra de ello. Posteriormente, el tema “Grinder” hará honor a su título erigiendo la bandera roja de este sin cuartel despiadado y horrendo, transmitiendo un estado de inspiración en su composición que hace resaltar esta aspereza sonora claramente industrial. Planos chirriantes, definiciones conceptuales cercanas al post-industrial, y la mirada arrogante de quien tiene el control absoluto para iniciar el inexorable exterminio, hacen resaltar al tema “Grinder” con la diabólica marca de una escarificación extrema. Un siniestro equilibrio teñido por el polvo provocado por la devastación y que lo termina cubriendo todo, dejando una huella en el entorno que irradia desesperación y pérdida de la cordura. “Grinder” paraliza por la letal firmeza de su poder hegemónico, avanzando con la paciencia y la precisión de un experto trabajador de despiece cárnico en un matadero, alejándose completamente de cualquier luz de empatía. Con el tema “Living Meat” dando continuidad a esta deriva existencial escrita con las palabras lacerantes de la deshumanización, su estructura musical destaca especialmente por la magnificencia de su tempo potenciado por esta percusión acelerada y amplificada en su nivel de registro sonoro. La llegada del plano lírico interpretado como si fuera una posesión diabólica, no hará más que dan mayor impulso a este torbellino sádico y insaciable, mutando en algunos momentos hacia parámetros interpretativos propios del grindcore en sus tonos vocales más graves y sepulcrales. Sin duda alguna, el tema “Living Meat” es una de las joyas musicales más contundentes y avanzadas de este álbum, siendo la repetición de su audición, el culto a esta banda musical que ha llegado a esta escena para replantear y renovar sus bases conceptuales. ¡¡¡“Living Meat”, colosal!!!

Cuando el tema “Coded Sky” surja para llevarnos a otro entorno musical muy distinto a los anteriores, la presencia de los sonidos electrónicos en su estructura será la tensa calma melódica antes de que se desate la hecatombe. Como una oscura y siniestra tormenta de arena que todo lo cubre a su paso, cegando a quienes quedan atrapados en su interior, “Coded Sky” es la antesala perfecta para dar contraste al tema “Infinity”, salvaje y agresivo en cada nota, en cada plano sonoro, y con la guitarra estableciendo un muro de lánguido tempo melódico para que la lírica sea el maestro de ceremonias. Una afilada pincelada para guitarra, y “Coded Sky” se desencadenará con toda su amplia riqueza musical para que el melómano lector de Lux Atenea disfrute de la autenticidad artística de Hold Me Down en estado de máxima creatividad en la composición, quedando todo perfumado con la densidad de la innovación más transgresora. ¡¡¡“Coded Sky”, grandioso tema!!! Desembocando en la canción homónima del álbum, el ritmo, el tempo, su impulso corrosivo, aparecerán con ese lado sobrenatural en la interpretación lírica en clave black metal, decorado con pasajes melódicos en su trasfondo que huelen a ese terror inconsciente totalmente alarmado por la intuición. Miradas a un lado y a otro, desesperación en la espera, ansiedad y peligro vital a punto de colapsarlo todo, “Devour” es un tema musical que les helará la sangre, quedando sus matices instrumentales para guitarra como testimonios de la cacería humana. Posteriormente, el tema “Boiler Room” elevará la presión existencial hasta arrancar la piel de la carne en una danza macabra orquestada por su batería con absoluta maestría. Como una incansable máquina desbrozadora en acción segando vidas, su base rítmica termina siendo magnética e irresistible por su aura de misantropía, estimulando esos pensamientos marcados por lo apocalíptico mientras una sonrisa aparece en los labios. El final del tema, más propio de una ópera dentro de la Música Contemporánea de vanguardia que de un tema englobado dentro del industrial metal. Una auténtica genialidad en la composición. ¡¡¡“Boiler Room”, oscuramente ritual!!!

Todo se ralentizará cuando el tema “Shed” tome el protagonismo musical, con esta guitarra más propia del doom metal y avanzando con la languidez de lo mortuorio para conducirnos a este escenario sepulcral casi psicótico. Un sangriento caleidoscopio que parece sacado del universo infernal de Hellraiser, y que fascinará al melómano lector de Lux Atenea entregado en cuerpo y alma al disfrute de los frutos musicales más bellamente siniestros. Ya seas afín a la escena metal, a la escena industrial, a la escena gótica, a la escena experimental extrema japonesa, o a las corrientes conceptuales más transgresoras, el tema “Shed” te hipnotizará con sus negros efluvios artísticos donde lo humano es cruel. Y otra nueva demostración de la versatilidad conceptual inagotable de Hold Me Down en la composición aparecerá en el siguiente tema “The Connector”, elevando la estructura musical como una sólida columna a la cual ofrendar sacrificios. Despiadado en su interpretación, “The Connector” se desplegará en oleadas mientras las bases rítmicas y la batería impulsan al tema con una firmeza y una determinación que, incluso en su prolongado valle musical, no hace más que tomar mayor energía para su acción posterior. Este continuo en un segundo plano dando trasfondo a su impresionante belleza musical, incrementa la tensión ambiental hasta ese extremo a punto de la ruptura violenta. ¡¡¡“The Connector”, obra maestra!!! “At the Gate” será el culmen de esa tensión reorientada hacia la ultratumba, hacia la oquedad que desemboca en la Nada, mientras las paredes débilmente iluminadas parecen cobrar vida en este escenario. “At the Gate” sería un tema perfecto para engrandecer una película distópica y post-apocalíptica a nivel musical, ya que te sumerge en esta jungla salvaje e impredecible donde la vida humana es un error de la naturaleza a corregir. Con el tema “Death Hour” extendiendo el telón de clausura, su estructura musical les encantará por sus contrastes absolutos en cuanto a luminosidad sonora y en cuanto a su estructura afilada y letal, siendo toda una declaración sobre el dominio de lo mortuorio en relación a la vida. La Muerte siempre gana, hagas lo que hagas, tomes las precauciones que tomes, o te cuides hasta el más mínimo detalle, porque al final del camino o al final del túnel, siempre estará allí esperándote con su inconfundible sonrisa. Sin duda alguna, el excelso tema “Death Hour” es pura experimentación conceptual. “Devour”, después de su debut musical (“Powerless”, Sentient Ruin Laboratories, 2022), este álbum ahonda aún más en el trasfondo de su mensaje deshumanizado y distópico, expandiendo su impacto sonoro con nuevas estructuras musicales innovadoras que no dejará indiferentes a los melómanos afines a la escena industrial metal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
SUTEKH HEXEN “CONSTELLATION RITUALISTIC ALTARS : DEMO(N)S” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (leer reseña)
CLAN DOS MORTOS CICATRIZ “TÉCNICAS DE MORTE” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (leer reseña)
6th CIRCLE “PACIFIED / CONJURING” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, mayo 2020) (leer reseña)
KUROI JUKAI (黒い樹海) “KUROI JUKAI” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, febrero 2020) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BBJr “THE ANTIQUE HEARTBEAT” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (Reseña / Review #2292).

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Reseña Cultural nº: 2292 // Reseña Musical nº: 1479

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias el genial artista Arvo Zylo y a su prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Please Remove Me From This // 2- Bad Electricity // 3- And Back Again // 4- Big Stretch // 5- Dog Years // 6- The Whole of the Thing
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical de referencia dentro de la escena de vanguardia

Dirigido por el genial artista Arvo Zylo, el próximo lunes, día 1 de septiembre, el sello discográfico estadounidense No Part Of It volverá a deslumbrar a los melómanos más exquisitos por sus gustos musicales con la presentación oficial del impresionante álbum “The Antique Heartbeat” de BBJr, acrónimo del talentoso artista estadounidense de vanguardia Bob Bucko, Jr. “The Antique Heartbeat” será publicado en formato digital y en una espectacular edición limitada de 100 unidades en cassette con carcasa blanca esmerilada e impresión en color rojo hasta convertir esta edición en un auténtico lujo discográfico, incluso por su preciosa tarjeta interior, estando disponibles a través de la página oficial del sello No Part Of It en Bandcamp. Engalanado con un impactante diseño artístico a cargo de Grief Council, para su portada se ha elegido la obra “Dog X-Rays” por cortesía de Sarah V para poder reflejar de forma visual el alma experimental de vanguardia que fundamenta su esencia musical. Un diseño artístico y una imagen visual que impresionarán al melómano lector de Lux Atenea, sobre todo en su edición física en cassette. A nivel musical, la creatividad musical del artista estadounidense Bob Bucko, Jr. vuelve a deslumbrarnos con nuevas propuestas conceptualmente eclécticas tras haberse adentrado en nuevos terrenos sonoros, explorando equilibrios estructurales, embrujos melódicos, y texturas sonoras que brillan por primera vez gracias a su talento para componer dimensiones musicales inéditas. Vertebrado por seis espectaculares temas, en el álbum “The Antique Heartbeat” encontrarán composiciones perfumadas con aires cosmopolitas non-mainstream donde el jazz, lo experimental, el industrial, el noise, lo post-industrial… se funden en el fértil crisol de la vanguardia artística con esencia, con raíces, con fundamento, de ahí su conexión directa con el alma del melómano más selecto, exclusivo, y hedonista porque posee una cultura musical capaz de sentir el trasfondo artístico de estas obras innovadoras. “The Antique Heartbeat” es un álbum que desvela, que te ofrece nuevas perspectivas dentro de esta escena en constante evolución, y donde la mente creativa del multinstrumentista Bob Bucko, Jr. se está erigiendo desde la década de los noventa como uno de los artistas más destacados por la relevancia de su amplia obra musical. “The Antique Heartbeat” les hechizará, sobre todo si son de alma nocturna y tienen ese impulso existencial inconformista del outsider en busca de auténticos diamantes musicales inexplorados.

Iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el primer tema “Please Remove Me From This” con esta cortina sonora experimental donde las secuencias sonoras van apoderándose de tu mente, absolutamente sorprendida por este contundente despliegue musical psicológicamente posesivo. Una composición donde fluye ese pasado al cual se trata de arrinconar en la mente debido a su incompatibilidad con el presente, y cuya resistencia a quedar reducido a la nada en la memoria ha sido fielmente recreado a nivel musical en esta estructura sonora multicapa tensa, afilada, y con esas aristas que rasgan las emociones y los sentimientos que no desean ser manipulados. Como los melómanos lectores de Lux Atenea pueden comprobar, el tema “Please Remove Me From This” ya es una clara declaración de intenciones artísticas enfocadas a nuevos espacios, a trasfondos profundos, y todo orquestado hasta el más mínimo detalle por Bob Bucko, Jr. A continuación, el tema “Bad Electricity” será otra nueva expansión musical de intensa fuerza sonora, y con una personalidad conceptual basada en lo post-industrial llevado a su frontera con lo experimental, reconfigurando conceptos y definiciones para enriquecer esta escena y renovarla. La entrada de planos sonoros experimentales propios de la electrónica analógica abre su dimensión artística para romper barreras y dar paso a un entorno ruidísta en un primer plano, e inconmensurable en su trasfondo. Y con la aparición de pinceladas instrumentales propias del jazz, este collage urbano underground queda perfectamente conjuntado en una estructura sólida que destaca por su brillantez conceptual. Luego, su deriva hacia entornos sonoros propios del ambient nos conducirá a un mágico caleidoscopio musical más propio del reino de los sueños a nivel mental. ¡¡¡“Bad Electricity”, obra maestra!!!

El talento creativo del artista estadounidense Bob Bucko, Jr. seguirá fluyendo en el tema “And Back Again” para experimentar nuevas sensaciones musicales por él concebidas. Lenta y progresivamente, como la llegada de una locomotora antigua al andén de una estación de tren, “And Back Again” es una composición potente que se hace notar y que llevará al melómano lector de Lux Atenea a sentir la belleza sublime, pero en clave post-industrial, cambiando lo natural por la plasticidad mecánica que lo sobrepasa mentalmente y paraliza ante la magnificencia de lo observado. “And Back Again” te abre la mente, pero enfocando la atención a la acción mecánica, a la acción imparable, y a la visión de lo industrial como un ente vivo que muestra su poder sin importar la presencia de lo humano en el entorno porque es irrelevante, o simplemente una pieza más. Enganchados a su audición, cuando aparezcan planos sonoros más radiantes y melódicamente entrecortados, el entorno quedará algo más suavizado a nivel emocional hasta que la distorsión de lo melódico se coagule finalmente con la presencia de este nuevo cromatismo sonoro que nos conducirá al epílogo final de la composición. Cuando el tema “And Back Again” termine, el silencio aparecerá en nuestros oídos para que valoremos aún más la grandeza conceptual de lo escuchado, apareciendo el tema “Big Stretch” para sumergirnos en otro adictivo entorno musical sonoramente distinto a cualquiera de los temas anteriores. Aquí, el ambient y lo experimental se integran para perfilar un escenario musical de tempo acelerado donde lo instrumental queda perfectamente delimitado en este entorno ensombrecido, mientras una luz tamizada ilumina la parte sonora más relevante dentro de su estructura musical. Incluso con la entrada de este plano instrumental propio del jazz más experimental queda milimétricamente armonizado con el acelerado plano instrumental que nos viene acompañando desde el comienzo del tema. Una muestra más del talento en la composición mostrado por el genial artista Bob Bucko, Jr. Volviendo al escenario sonoro inicial, en “And Back Again”, el círculo musical quedará definitivamente cerrado.

“Dog Years” es una composición que destaca especialmente por su belleza siniestra, perfilando un escenario post-industrial donde el olor de lo decadente se respira con claridad. Una atmósfera saturada, casi irrespirable, unas actividades donde las chispas y el metal van apoderándose del presente para alejar inexorablemente al ser humano de cualquier manifestación de lo natural. Aquí todo es óxido, planchas de metal cortadas y soldadas, focos de iluminación dirigidos en medio de la oscuridad, y, sobre todo, esa esperanza en algo mejor a través de este impulso inquebrantable hacia un futuro cuyo temor obliga a estas acciones. A nivel sonoro, “Dog Years” es grandioso, espectacular, y encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea sobre todo si vienen de la escena industrial y post-industrial, apreciando cada detalle, cada matiz, cada pincelada sonora por extrema que sea. Por su intensidad musical y por su trasfondo, “Dog Years” es una auténtica delicia. La clausura de este álbum llegará con el tema “The Whole of the Thing” y su magia melódica en clave ambient y experimental. Un cambio musical absoluto respecto a cualquiera de los temas anteriores, y con una belleza sonora que lo acerca a lo sublime incluso con la llegada de afilados planos sonoros industriales, o de decadentes cromatismos instrumentales en clave jazz, e incluso, noir jazz. Sin duda alguna, “The Whole of the Thing” es el tema más reflexivo e introspectivo del álbum, y su elección como composición final del álbum ha sido todo un acierto, creando esta atmósfera tan especial para poner el punto y final a esta experiencia sensorial y musical única, inefable, y emocionalmente intensa. ¡¡¡Qué grandioso álbum!!! ¡¡¡Chapeau!!! “The Antique Heartbeat”, el artista estadounidense de vanguardia Bob Bucko, Jr. volviendo a demostrar cómo se puede componer un álbum musical de vanguardia de primer nivel, donde el eclecticismo conceptual es tan esencial como el talento para la armonización estructural sonora de la obra musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (leer reseña)
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

APHELION PSALM “PORTAL TO CASSIOPEIA” (AUTOEDITADO, junio 2025) (Reseña / Review #2291).

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Reseña Cultural nº: 2291 // Reseña Musical nº: 1478

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista español Carlos Martín Cuevas aka C. Pilgrim (Aphelion Psalm) por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta con libreto de cuatro páginas (edición no a la venta) (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Portal to Cassiopeia:
I. Opening of the Portal (0’00»)
II. Ten-thousand-year Cryosleep (5’20»)
III. Antimatter Void Abyss (11’22»)
IV. At the Gates of Alpha Cassiopeia (14’54»)
Datos técnicos: Composición musical compuesta por C. Pilgrim entre los meses de mayo y junio del año 2025
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Portal to Cassiopeia

A mediados del pasado mes de junio fue presentado oficialmente el single “Portal to Cassiopeia” del genial artista español Carlos Martín Cuevas aka C. Pilgrim, y alma mater de Aphelion Psalm. Publicado en una autoedición en formato digital disponible a través de la página oficial de Aphelion Psalm en Bandcamp, en la nota informativa incluida en esta edición promocional física, el propio artista comenta que este single ya está en proceso de publicación en una próxima edición limitada en cassette a través de un sello discográfico underground. La presencia del mítico astrónomo, astrofísico, y divulgador científico estadounidense Carl Sagan (1934-1996) en el libreto de este single, y que tanto influyó en mi generación a la hora de comprender la inmensidad del universo y de la fragilidad de nuestro planeta y de nuestra civilización humana a través de su famosa serie de televisión Cosmos, de su enciclopedia homónima de tres tomos (publicada por Planeta en el año 1987, cuya edición atesoro en mi biblioteca), y de varios libros, junto a esta magnífica imagen de portada crean la presentación perfecta para describir la fuente de inspiración principal de esta obra musical a nivel visual. El single “Portal to Cassiopeia” de diecisiete minutos de duración, en realidad se encuentra vertebrado por cuatro piezas musicales enlazadas en un continuo bajo la influencia conceptual del estilo dark ambient fusionado con space ambient, y con reminiscencias conceptuales enraizadas en la mítica Escuela de Berlín de la década de los setenta. Con el universo, con la mirada al cosmos convertida en fuente de inspiración para el artista español Carlos Martín Cuevas, la audición de “Portal to Cassiopeia” fascinará al melómano lector de Lux Atenea que busca en la música esa expansión sensorial a través de composiciones sonoras de vanguardia. Un debut artístico contundente y esplendoroso por su riqueza en matices sonoros, y por su eclecticismo conceptual.

Sin más demora, iniciamos la audición del single “Portal to Cassiopeia” adentrándonos en la expansión dimensional que caracteriza al primer fragmento del tema homónimo titulado “Opening of the Portal”. Una estructura multicapa donde el drone y los planos sonoros electrónicos van adquiriendo luminosidad sobre un fondo oscuro perfilado conceptualmente en clave dark ambient, y con vibrantes oleadas musicales cuya presencia va tomando mayor protagonismo según nos sumergimos en estos confines difusos e inescrutables. Luego, “Opening of the Portal” irá apagándose de forma progresiva para que la siguiente pieza musical “Ten-thousand-year Cryosleep” nos lleve a un escenario mucho más intenso y radiante donde la Escuela de Berlín está presente como base conceptual de esta composición. Cromatismos sonoros sintetizados creando ambiente, melodías electrónicas casi etéreas fluyendo con absoluta libertad y viveza, planos sonoros experimentales recreando visiones futuras donde ojos humanos verán por primera vez la magnificencia del universo, todo ello configurando un estilo space ambient con pinceladas high-tech ambient que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su belleza artística. Si te gusta la Escuela de Berlín, “Ten-thousand-year Cryosleep” te hipnotizará con su esplendorosa riqueza sonora donde los matices son los que llevan a esta composición hasta la vanguardia en este siglo XXI. En manos del artista español Carlos Martín Cuevas, todo queda equilibrado e intenso, con raíces conceptuales y con el magnetismo de lo innovador también presente con sutileza, mostrando una maestría en su tempo y en su arquitectura musical que sorprenden al ser su ópera prima como Aphelion Psalm, y este savoir faire les invitará a repetir su audición varias veces para disfrutar sus matices musicales, antes de pasar a la siguiente composición. ¡¡¡“Ten-thousand-year Cryosleep”, la mítica Escuela de Berlín llevada conceptualmente al siglo XXI!!!

El siguiente fragmento musical titulado “Antimatter Void Abyss” va a adquirir una personalidad sonora definida por sus claroscuros melódicos que oscilarán dentro de los límites conceptuales del dark ambient con el ambient, y con el drone en tonos graves llevando a este entorno a una fría oscuridad mucho más profunda, paralizando su tempo de forma progresiva hasta conducirnos a un escenario minimal con base drone. Toda la actividad quedará sostenida únicamente por el drone, quedando en su trasfondo este plano sonoro que preparará mentalmente al melómano lector de Lux Atenea para la llegada de la composición “At the Gates of Alpha Cassiopeia”, que clausurará este single. Retornando a lo radiante pero de forma contenida, como la observación de un foco intenso de luz desde la distancia, ya de entrada va a ir complementándose esta estructura musical hasta quedar fijada con solidez como un mosaico sonoro ya terminado. Una eclosión que será el germen de algo nuevo, de algo buscado, de algo anhelado, como una llegada al Paraíso, de ahí este grandioso final del tema donde el space ambient vuelve a brillar con grandeza bajo la atenta mirada de C. Pilgrim. Un final que te deja con la miel en los labios, porque desearías que esta composición siguiera fascinándote durante más tiempo con su audición. Diecisiete minutos que se presentan como un placentero vórtice sonoro en tu vida cotidiana para llevarte a otra realidad mucho más colosal e inabarcable. Un vórtice sonoro capaz de trasladarte a otro lejano lugar de nuestro universo. “Portal to Cassiopeia”, extraordinaria ópera prima de Aphelion Psalm cuya calidad musical, deseo que sea la semilla creativa de un próximo álbum en vista al gran talento artístico mostrado en esta obra. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ZENIAL “FOIL PUNK” (ZOHARUM, febrero 2025) (Reseña / Review #2290).

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Reseña Cultural nº: 2290 // Reseña Musical nº: 1477

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta (edición no a la venta) (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Katedra 2.11 // 2- I’m Yours // 3- Access granted // 4- Deckard // 5- Leon Kowalski, serial number N6MAC41717 // 6- Upgrade // 7- Biały Szum // 8- Event Horizon
Datos técnicos: Temas musicales grabados en Césaré (Centre National de Création Musicale, Reims, Francia) entre los días 1 y 5 del año 2021, salvo el tema “Access granted” grabado en la ciudad polaca de Poznań el día 15 de septiembre del año 2023; composiciones musicales mezcladas por Zenial entre los años 2021 y 2023, incluyendo algunos sonidos generados por Chat GPT 4; álbum masterizado por Rafal Sądej
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- I’m Yours // 3- Access granted // 4- Deckard // 5- Leon Kowalski, serial number N6MAC41717 // 7- Biały Szum

A principios del pasado mes de febrero fue presentado el álbum “Foil Punk” de Zenial, habiendo sido publicado por el mítico sello discográfico polaco Zoharum en formato digital y en una preciosa edición limitada de 250 unidades en ecopak CD de seis paneles, ambos disponibles a través de la webstore del sello y de su página oficial en Bandcamp. Engalanado con este impactante diseño creado por Maciej Mehring (Zoharum) con trabajo artístico a cargo de Łukasz Pazera, la imagen futurista de su portada es perfecta para reflejar el trasfondo que da sentido a cada una de las ocho composiciones que vertebran este álbum. Desde el año 2003, el genial artista polaco Łukasz Szałankiewicz, alma mater de Zenial, viene desarrollando una incansable labor de definición conceptual de vanguardia presentada a través de álbumes musicales innovadores, siendo el álbum “Foil Punk”, un ejemplo claro de esta amplitud y de esta profundización creativa incluso con la incorporación de algunos sonidos generados por Chat GPT 4. Una de las Inteligencias Artificiales que está cambiando nuestro mundo postmoderno en decadencia debido su rumbo imparable hacia la Singularidad, donde las Inteligencias Artificiales estarán presentes en prácticamente todo. El álbum “Foil Punk” fascinará al melómano lector de Lux Atenea por esta espectacular definición conceptual de carácter ecléctico, y donde está presente lo experimental, el dark ambient, minimal, high-tech ambient, industrial, ambient… “Foil Punk” también está unido a la cultura ciberpunk, con todo su carácter filosófico y distópico dentro de una visión postapocalíptica del futuro, y, sobre todo, “deshumanizada” por la pérdida de emociones y de sentimientos. Por estos motivos, el temor y la desconfianza que provoca el uso de Inteligencias Artificiales por parte de la ciudadanía no puede ser ignorada, de la misma forma que la mecanización e industrialización de la sociedad también provocó los mismos miedos en una parte de la población dentro de las sociedades tradicionales. A nivel sonoro, tras haber pasado por un magnífico proceso técnico de masterización realizado por Rafal Sądej, el álbum “Foil Punk” se presenta espectacular y con una calidad musical que les facilitará la inmersión en estos escenarios futuristas, cada vez más cercanos en el tiempo en cuanto a nuestra realidad cotidiana.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum sumergiéndonos en el tenso entorno del primer tema “Katedra 2.11”, estructuralmente complejo en su definición y muy preciso en el equilibrio establecido entre planos sonoros y samples. Tenebrosamente oscuro a pesar de la presencia de lo humano en sus ecos cosmopolitas, como en el estilo dark ambient, el trasfondo musical basado en el drone es clave para consolidar espacios difusos y perfiles sonoros esquivos de gran importancia en su siniestra belleza. Una magnífica composición que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea que se identifican en cuerpo y alma con la belleza obscura dentro del universo musical, presentando “Katedra 2.11” una interesante perspectiva dentro del dark ambient decorado con planos sonoros high-tech ambient y samples. A continuación, el tema “I’m Yours” alejará toda la oscuridad anterior para quedar este entorno completamente despejado, brillando estos bellos e innovadores planos sonoros que se mueven conceptualmente entre lo experimental, el high-tech ambient, y la luminosidad del ambient electrónico más melódico. “I’m Yours” es vibrante, futurista en su proyección artística, y provoca fascinación por su esencia vanguardista de intenso tempo y plasticidad. Incluso puede llevar a lo lisérgico por su evolución psicodélica donde los cromatismos sonoros fluyen como una danza de irrealidad de fuerte influjo mental. Con el tema “Access granted” proponiéndonos otra experimentación sensitiva dentro del estilo musical ecléctico de Zenial, su esencia artística equilibra lo experimental y el ambient, presentando dos líneas musicales de lánguido tempo que derivarán hacia su frontera con el industrial, sofocando su atmósfera hasta hacerla mucho más densa y agobiante. Pinceladas high-tech ambient volverán mucho más sofisticada su estructura, brillando como luces led en la penumbra mientras lo tecnológico no deja de estar presente en su deshumanizado entorno. Por este motivo, “Access granted” va volviéndose cada vez más atractivo y provocador hasta llevarnos a un final que rápidamente se evaporará. ¡¡¡“Access granted”, impresionante!!!

En el tema “Deckard” aparecerá la sombra de la mítica novela de ciencia-ficción “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” de Philip K. Dick, cuya influencia en el guion de la obra maestra cinematográfica “Blade Runner” fue absoluta. Ciencia-ficción, Blade Runner, Rick Deckard, se convierten en la fuente de inspiración de esta composición profundamente marcada por el minimalismo sonoro, por este vibrante estilo dark ambient, y por esta sensación de estar ante las puertas de Mal abriéndose para tentar con su hipnótico espectáculo tecnológico. Nebuloso y centelleante en su evolución artística, el tema “Deckard” se irá volviendo cada vez más posesivo y amenazante hasta convertir su audición en uno de los momentos más especiales de este álbum. Hasta en la distorsión del plano vocal, esta composición no pierde su halo mefistofélico, permaneciendo en ese estado de gracia creativa que encantará al melómano lector de Lux Atenea adicto a la vanguardia musical. En su ecuador, enlazará sonoramente con el estilo definido en la anterior composición, metamorfoseándose en una inquietante cuenta atrás sensorial basada en el estilo dark ambient, y cuyo desenlace dejará al descubierto nuevos planos sonoros electrónicos que parecen cobrar vida propia. Adentrándose en un torbellino dimensional, “Deckard” se acercará de forma tímida al high-tech ambient mediante este minimalismo de profunda proyección dimensional. Una complejidad y una tensión acorde a la personalidad de Rick Deckard, que se mueve entre dos mundos: quién cree que es y quién es en realidad. ¡¡¡“Deckard”, grandioso tema!!! Con el trasfondo cinematográfico de Blade Runner también presente en la composición “Leon Kowalski, serial number N6MAC41717”, uno de los replicantes pertenecientes al grupo liderado por el mítico Roy Batty, interpretado con maestría por el actor neerlandés Rutger Hauer (1944-2019), su proyección musical mantendrá un minimalismo inicial en clave ambient que va a perturbarse con la entrada de planos sonoros high-tech ambient con reminiscencias soundscapes. En su conjunto, darán cuerpo musical a este entorno en permanente estado de tensión gracias a la presencia de este plano musical vibrante, apareciendo cromatismos experimentales para potenciar su radiación artística de vanguardia. “Leon Kowalski, serial number N6MAC41717” perfectamente podía formar parte de la banda sonora oficial de la película “Blade Runner” por su esencia y trasfondo, incluso hasta por su deriva psicodélica porque da mayor realismo al entorno de alta tecnología que nos muestra. La aparición de samples en un primer plano romperá completamente la espiral sensorial, retornando a su minimalismo inicial para preparar la entrada de elementos sonoros propios del estilo industrial, recreando la verdadera esencia de este replicante de apariencia humana. ¡¡¡“Leon Kowalski, serial number N6MAC41717”, el intenso impulso de la vanguardia!!!

El tema “Upgrade” es más dinámico, más fluido, más experimental hasta llegar a lo excéntrico, irradiando una tensión casi enfermiza y distorsionada que conduce a la provocación psicológica, quedando todo amplificado en su siniestra proyección musical con la entrada de esta voz sintetizada. Una composición absolutamente tenebrosa y con ese punto psicótico que altera el entorno hasta deformarlo, rompiendo con lo esperado y con cualquier atisbo de equilibrio que pueda llevar a la calma. Todo ello se confirmará a nivel sonoro a partir del ecuador de la composición con la entrada de planos sonoros propios del dark ambient más demoníaco, dirigiendo toda la estructura musical hacia lo infernal. Posteriormente, el tema “Biały Szum” ahondará en la redefinición sonora a través de un entorno dominado aparentemente por la laxitud, y por esa actividad aprisionada para impedir su expansión, desarrollándose musicalmente en clave high-tech ambient con una frialdad que atraerá al melómano lector de Lux Atenea. Luego, samples y planos sonoros experimentales aparecerán en la composición para transformar este escenario hasta volverlo emocionalmente gélido, siendo el momento clave para la entrada en un entorno futurista que fuerte impacto sensorial, sobre todo si se escucha este tema en la oscuridad de la noche. De admirable riqueza creativa, “Biały Szum” les invitará a varias audiciones más para poder descubrir cada uno de sus secretos artísticos, incluyendo en ello su alma industrial. ¡¡¡“Biały Szum”, talentosa creatividad!!! Finalmente, el tema “Event Horizon” clausurará este álbum con otra contundente demostración artística en cuanto a innovación, ofreciendo una mirada siniestra a este estilo high-tech ambient llevado a su frontera con el dark ambient, con el industrial, y con la electrónica experimental non-mainstream. Aparentemente más humanizado que el resto de temas, “Event Horizon” refleja esa ruptura del tiempo gracias a la tecnología, e incluso de los espacios al convertir las distancias en algo circunstancial en el presente. De impactante audición, “Event Horizon” se convierte en un tema perfecto para escuchar con auriculares debido precisamente a su fuerte personalidad musical. “Foil Punk”, el genial artista polaco Łukasz Szałankiewicz en estado de máxima inspiración creativa dentro de la escena electrónica underground actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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ZŁE OKO “XENOS” (ZOHARUM, abril 2024) (leer reseña)
LUGOLA “THE TRUTH PENETRATES YOUR MOUTH” (ZOHARUM, noviembre 2023) (leer reseña)
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SUTCLIFFE NO MORE “CUTE” (ZOHARUM, mayo 2024) (leer reseña)
LARMO “ALARM” (ZOHARUM, mayo 2024) (leer reseña)
HARMONY OF STRUGGLE “BRUTAL AESTHETICS” (ZOHARUM, noviembre 2023) (leer reseña)
RAPOON “TIME FROST” (ZOHARUM, noviembre 2023) (leer reseña)
JARL “ISOLATION COLOURS” (ZOHARUM, septiembre 2023) (leer reseña)
INDALASKA “MUSIQUE DES SABLES” (ZOHARUM, febrero 2023) (leer reseña)
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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CREPUSCULAR RITUALS “BURNING THE WICKERMAN” (GATES OF HYPNOS / BASEMENT CORNER EMISSIONS, junio 2023) (Reseña / Review #2289).

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Reseña Cultural nº: 2289 // Reseña Musical nº: 1476

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Gates Of Hypnos por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Burning The Wickerman
Datos técnicos: Grabado el día 1 de mayo del año 2023 en la ceremonia de Wickerman por los Sumos Sacerdotes de Crepuscular Rituals: Ken Jamison y Emperador Sadox
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Burning The Wickerman

En el mes de junio del año 2023 fue presentado oficialmente el impresionante álbum “Burning The Wickerman” de Crepuscular Rituals, formado por los artistas Ken Jamison y Sado Rituals, tras haber sido grabado en el día 1 de mayo de ese mismo año, fecha energética y simbólicamente perfecta. Precisamente en colaboración con el extraordinario sello estadounidense Basement Corner Emissions, dirigido por el propio artista Ken Jamison (Crepuscular Rituals, Hana Haruna, Danshoku Dino…) y Tim Burkland (Danshoku Dino, T. Bjorklund Quartet…), el álbum “Burning The Wickerman” fue publicado por el prestigioso sello discográfico polaco Gates Of Hypnos dirigido por Sado Rituals en formato digital, y disponible a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con esta impactante portada basada en la imagen fotográfica “Beltain 2019 Wickerman burning Butser Ancient Farm” de Eleanor Sopwith, a nivel visual, el álbum “Burning The Wickerman” adquiere intensidades cromáticas mucho más potentes con este filtro pictórico en su definición. Una colosal obra musical de cuarenta y tres minutos de duración a través de la cual, Crepuscular Rituals perfila a nivel sonoro la esencia ceremonial pagana de este momento único en el año con reminiscencias celtas, de ahí la presencia del Hombre de Mimbre (wicker man) en el ritual de sacrificio, y del fuego con su trasfondo simbólico, metafórico, y mágico. La cultura celta, los druidas, rituales, sacrificios… se convierten en la fuente de inspiración que da sentido al álbum “Burning The Wickerman”, a través de esta avanzada perspectiva conceptual dentro del estilo industrial con matices experimentales que van desde el noise al power electronics, siendo definida de forma musical por Crepuscular Rituals con sumo talento. Una obra que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a las corrientes de vanguardia dentro de la escena underground, y con Beltane emanando a través del espíritu sonoro de “Burning The Wickerman”.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta espectacular obra musical adentrándonos en estos oscuros espacios sonoros de pulsante energía, como latidos de una entidad ultraterrena. Áspero, industrial, potente, así se presenta el álbum “Burning The Wickerman” con una ambientación mitad futurista y tecnológica, mitad siniestra y metafísica, configurando un escenario inhóspito donde las ráfagas musicales van alterando y acercando a la composición a su frontera con el noise y con el power electronics. Una esencia conceptual ecléctica donde el estilo industrial va presentando afiladas trazas noise, mutando hacia estructuras musicales más pulidas mediante una transformación sutil de su estructura. Esta cualidad artística de Crepuscular Rituals irá sorprendiendo al melómano lector de Lux Atenea, sobre todo con la entrada de planos sonoros propios del ritual ambient. Una innovadora fusión de la esencia instrumental ritual con la cortante y metódica base sonora industrial, y que, como una chirriante radial, va a ir provocando amplias grietas en esta estructura musical para dar paso a lo tenebrósamente mágico en su praxis más inhumana, insensible, y fría en su ejecución. La mirada más terrible cuyo poder lleva al sacrificio, al dolor, y a la convicción de que esa ofrenda al fuego traerá lo bueno como recompensa sagrada. Además, la unión musical que Crepuscular Rituals establece entre este plano sonoro noise mecánico y cortante con el acto del sacrificio, es impresionante en esta fase de la composición, mostrando un talento muy especial para definir conceptos a través del arte musical. Vanguardia fluyendo con la nítida esencia sonora de lo recreado, por extremo que sea su trasfondo, y “Burning The Wickerman” va incluso a ahondar a continuación en la vorágine y en el estado de excitación mental donde la sugestión no debe ser nunca olvidada. Con la Lógica y la Razón apartadas ya de la mente del individuo como guías, y poseídos por esta perturbadora dinámica de comunión espiritual con el colectivo provocado por el ritual, la entrada en ese torbellino irracional es inexorable. Ya todo son sensaciones extremas, percepciones alteradas, rupturas con la consciencia, y dejarse llevar por esa magnificencia de lo emocional y de lo sentimental completamente unidas a lo primario, a lo visceral, a la oscuridad mental más demoníaca y depredadora. En este estado, la mirada ya no conecta con la empatía, los ojos ya no transmiten Conocimiento, la mente ha retrocedido hasta su inconsciente más salvaje, y tras ese tenebroso velo, lo mágico y lo religioso se convierten en una manipulación del colectivo de lo más efectiva e interesada. La mente ya no evoluciona, el Conocimiento desaparece, y lo místico se diluye completamente en ese supuesto ceremonial que traerá bondades espirituales. “Burning The Wickerman”, Crepuscular Rituals creando esta obra maestra dentro de la escena industrial más ecléctica y experimental. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

Otras reseñas recomendadas:
CORPSE HONEY “DISSOLUTIONING” (GATES OF HYPNOS, mayo 2025) (leer reseña)
PELÍCULA / FILM “EL HOMBRE DE MIMBRE (the wicker man)” 1973 (leer reseña)

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MEMBRANE “DEATHLY SILENCE” (POGO RECORDS / DAY OFF / ARAKI RECORDS / MA SARET RECORDS / BLIND PROD., enero 2025) (Reseña / Review #2288).

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Reseña Cultural nº: 2288 // Reseña Musical nº: 1475

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico franco-belga Pogo Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: SIDE A: 1- Raise // 2- Fire and Fear // 3- Too Late
SIDE B: 4- Deathly Silence // 5- The Soft Whispers // 6- Earth
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Cyrille Gachet en los meses de invierno del año 2024; álbum masterizado en el mes de mayo de 2024 por Alan Douches en Westwestside Music
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena sludge rock

Presentado oficialmente a principios del pasado mes de enero, el álbum “Deathly Silence” de la banda francesa Membrane se ha convertido en el máximo exponente de creatividad musical dentro de su apasionante carrera artística. El álbum “Deathly Silence” ha sido publicado en formato digital, en una preciosa edición limitada de 150 unidades en LP 12” en vinilo transparente, y en una selecta edición splatter limitada a 150 unidades en LP 12” en vinilo blanco y negro, gracias a la colaboración discográfica entre el prestigioso sello franco-belga Pogo Records, el sello discográfico francés Day Off, el sello discográfico francés Araki Records, el sello Ma Saret Records, y Blind Prod. Engalanado con este magnífico diseño artístico creado por McVtx, destaca especialmente por su siniestra portada de trasfondo fúnebre donde la iluminación es clave en su belleza como imagen en blanco y negro. Formado por Nicolas Frère (guitarra eléctrica y vocalista), Nicolas Cagnoni (bajo y coros), Maxime Weingand (batería), y Hugo Perestrelo (guitarra eléctrica), la banda musical francesa Membrane destaca especialmente por su avanzada perspectiva creativa dentro del estilo sludge rock, decorado con algunas pinceladas conceptuales propias del doom metal. Vertebrado por seis temas, el álbum “Deathly Silence” no les concederá tregua alguna salvo en los valles musicales definidos en algunos de sus temas, teniendo cada canción su propia personalidad sonora donde hasta la lírica es magníficamente interpretada por Nicolas Frère dentro de una amplio abanico de registros vocales. Tras haber pasado por el proceso técnico de masterización realizado por Alan Douches, este álbum impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena sludge rock, e incluso metal, precisamente por su intensidad sonora donde el bajo, las guitarras eléctricas, y la batería son apocalípticas y arrolladoras, pudiendo ser disfrutadas con un extraordinario nivel de nitidez sonora. Como analista musical, siempre recomendaré la adquisición de su edición en vinilo precisamente por la calidad que ofrece este formato discográfico, pudiendo sentir los temas en su plenitud artística.

Iniciamos la audición de este espectacular álbum sumergiéndonos en la furiosa atmósfera sonora del tema “Raise”, sin concesión alguna a la calma, mientras las guitarras eléctricas crean este muro casi ruidístico por su densidad y por su aspereza musical. Un comienzo de álbum intenso, ácido, y desgarrador donde la voz de Nicolas Frère destaca por sus gritos desde el alma, y por este plano instrumental para bajo que le da potencia y solidez a toda la estructura, perfilando una composición que se desarrolla a través de oleadas salvajes. Un entorno que, como jungla despiadada, es recreado con sumo talento en la parte final de la canción con esta batería de auténtico lujo marcando el tempo, con estas guitarras apocalípticas, y, posteriormente, con el muro sonoro para guitarra que define claramente a esta composición. Sludge rock espectacular que dejará profundamente impactado al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta joya discográfica, sobre todo en su lujosa edición en vinilo. A continuación, el tema “Fire and Fear” surgirá con una entrada mucho más tranquila pero, rápidamente, la batería nos anticipará la aparición inminente de su rugiente guitarra acompañada por un plano lírico contenido, desatándose toda la tensión con este torbellino instrumental que avanzará con la arrogancia de quien extiende la violencia y la destrucción. Con un valle sonoro donde su afilada guitarra se eleva como un siniestro ave fénix apocalíptico, mientras el bajo ahonda en lo lúgubre hasta adentrarse en el estilo doom metal, con firmeza marcarán la tormentosa aparición del espíritu artístico de Membrane con una potencia inmisericorde, incluso en la parte final del tema donde hasta la calma tras la tormenta crea inquietud. Un horizonte musical que se presentará absolutamente desgarrador porque sale de dentro, de la rabia contenida. Con el tema “Too Late” no dando descanso posible, su melodiosa entrada para guitarra irá definiendo un entorno decadente donde el fracaso no es asimilado, aunque la realidad marque lo contrario. En esta canción, los matices en la interpretación lírica son esenciales porque, a nivel conceptual, Membrane lleva a esta composición hasta la frontera del sludge rock con el doom metal pero sin traspasarlo. Bajando un nivel de intensidad en su desarrollo instrumental, en “Too Late” destaca especialmente este plano para guitarra situado en lo alto de la estructura musical, mientras el plano vocal queda en un nivel inferior como tapado por una nebulosa de perdición. Esta recreación artística queda fielmente representada en su epílogo musical donde la voz son lamentos, y con la melodiosa guitarra mostrando aquello que no se desea ver en el presente. ¡¡¡“Too Late”, magnífico tema!!!

Posteriormente, el tema homónimo del álbum lo cubrirá todo de oscuridad existencial como la entrada a un cementerio en soledad, surgiendo las guitarras y la batería con una estructura dimensional espectacular, y dentro de un tempo pausado e inquietantemente apaciguado. Pero la explosión sonora estallará orquestada por esta batería de auténtico lujo, estableciendo un paso casi marcial en su evolución que abrirá los espacios de su estructura instrumental a la guitarra, de nuevo, situada en un nivel superior. Con un registro vocal llevado al extremo de su tensión interior, en esta fase de la composición, el tema “Deathly Silence” se transformará en una delicatessen dentro del estilo doom metal, proyectando un halo de perdición casi irrespirable por el aciago destino que presagia y que se reforzará musicalmente hablando en la parte final de la canción. ¡¡¡“Deathly Silence”, grandioso tema!!! En cambio, en “The Soft Whispers”, Membrane nos presenta una estructura siniestra en su ambientación pero mucho más abierta en su dimensión. Una estructura multicapa donde cada instrumento queda estratificado, y no establecido en una única línea horizontal. Incluso con la entrada de este sampler, el melómano lector de Lux Atenea reafirmará su fascinación ante lo innovador, ante el talento en la composición musical, y ante la pasión en la interpretación tanto lírica como instrumental, avanzando este tema con los pesados pasos de un coloso. “The Soft Whispers” se mueve con soltura y con un claro trasfondo artístico dentro de unos límites de intensidad que permiten remarcar cada instrumento, quedando el plano vocal en un segundo nivel para que podamos sentir su trasfondo lírico en cada uno de sus matices, y en cada uno de sus cambios de registro. Por este motivo, seguro que disfrutarán de varias audiciones más del tema “The Soft Whispers” antes de que “Earth” clausure este intenso álbum. Un final musical superlativo donde el protagonismo del plano vocal es total desde su inicio, derivando hacia un estilo más gótico que será reconducido de nuevo hacia el sludge rock. Apoyado con solidez por las guitarras, la batería me parece espectacular por su sentido del tempo, y por el alma sonora que define a esta composición a nivel instrumental, llegando a su epílogo con la mirada fija en ese abismo al cual seremos arrojados inexorablemente. “Deathly Silence”, la banda musical francesa Membrane transformando el estilo sludge rock en pura vanguardia dentro de esta escena marcada por el inconformismo existencial más visceral. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

7697 MILES “KECHU” (KINETIK RECORDS, mayo 2025) (Reseña / Review #2287).

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Reseña Cultural nº: 2287 // Reseña Musical nº: 1474

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista alemán Dieter Mauson (Nostalgie Éternelle, Delta-Sleep-Inducing Peptide, Occupied Head, 7697 Miles) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Fill Kolor // 2- Traykem // 3- Walüng // 4- Vichuquen // 5- Aiwiñ // 6- Yelmen // 7- Kimngeay
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena ambient más experimental

A mediados del pasado mes de mayo fue presentado el nuevo álbum del dúo musical 7697 Miles titulado “Kechu”, siendo publicado a través del prestigioso sello discográfico griego KinetiK Records en formato digital y en una preciosa edición limitada de 20 unidades numeradas en cassette, ambas disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con esta contundente portada en blanco y negro, “Kechu” irradia solidez en su reflejo visual con esta rocosa y estratificada imagen porque, en su nuevo álbum, 7697 Miles vuelve a presentar otra grandiosa demostración de su talento creativo de vanguardia. Formado por el artista chileno Cristobal Rawlins (Raw-C) y el artista alemán Dieter Mauson (Nostalgie Éternelle, Delta-Sleep-Inducing Peptide, Occupied Head), desde el año 2018, el dúo musical 7697 Miles no ha dejado de innovar dentro de un eclecticismo musical bajo la influencia conceptual de estilos como el ambient, experimental, high-tech ambient… y con reminiscencias a la escena electrónica de la década de los setenta, además de acercarse de forma puntual a la frontera con el dark ambient. Un trasfondo artístico que los melómanos lectores de Lux Atenea sentirán nítidamente en su nuevo álbum “Kechu”, y siempre con la inspiración creativa mostrada con un sentido de armonía absoluta que caracteriza a su estilo de composición. Dentro de esta escena, el dúo musical 7697 Miles no ha dejado de presentar nuevas perspectivas estructurales, nuevas integraciones sonoras, nuevas definiciones basadas en dos pilares conceptuales contrapuestos en una sola misma composición, ofreciendo pura vanguardia a los melómanos para sorprenderlos y fascinarlos con cada nueva obra presentada. Esta es la grandeza artística de 7697 Miles, y su nuevo álbum “Kechu” es espectacular.

Iniciamos la audición de esta magnífica obra adentrándonos en su primer tema “Fill Kolor”, donde su pulsante estructura musical proyecta una ambientación sonora futurista con lo sintético y lo tecnológico fluyendo en esta atmósfera multicolor sobre fondo oscuro. Pero “Fill Kolor” no es una composición alegre, sino que te lleva a esa perspectiva reflexiva donde lo observado te envuelve con su magnetismo musical posesivo, como la noche atrapando almas solitarias. Una delicia musical que desembocará en el tema “Traykem”, con un cuerpo ambiental más etéreo donde la música electrónica experimenta sin perder su armonía en ningún momento. Una entrada sutil en este túnel donde el tiempo parece diluirse, y donde la luz queda difuminada en una densa niebla hasta llevarnos a la magia de las bandas sonoras de las películas de terror de la década de los setenta, pero modernizando su estructura con matices musicales de este siglo XXI. “Traykem” parece conducir a la calma, pero su halo sonoro provoca inquietud, abriendo sus detalles melódicos con un sentido del equilibrio que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la música que irradia belleza, incluso adentrándose en lo siniestro. Posteriormente, el estilo musical cambiará completamente en el excelso tema “Walüng” donde la vanguardia conceptual aflora con una grandeza artística seductora e intimista. De nuevo, con reminiscencias a la década de los setenta en cuanto a la personalidad de estos planos melódicos para sintetizador, son decorados con un gran sentido dimensional a través de cromatismos sonoros casi cristalinos que destellan magia musical, transformando su audición en algo fuera de este mundo. Sin llegar a lo psicodélico, el excelso tema “Walüng” se acerca a esa frontera por su fluctuante evolución estructural mientras muta y se transforma para encantarnos. Una clara demostración del espíritu innovador que caracteriza a 7697 Miles por su estilo de composición, presentando una maestría artística y un fértil estado de inspiración que se nota en el desarrollo de estas composiciones. ¡¡¡“Walüng”, qué delicia!!!

Con el tema “Vichuquen” oscureciendo completamente el escenario musical, sus destellos luminosos como estrellas en el cielo nocturno rápidamente van a adquirir un trasfondo tenebroso con la entrada de pinceladas sonoras de lo más inquietantes. Casi orgánico y vivo en su desarrollo, “Vichuquen” perfectamente podía ser la banda sonora de una mansión abandonada donde lo espectral se manifiesta de forma sutil, pero aterradora. Con sus planos melódicos dando claridad a un escenario marcado por lo decadente, la entrada de este lúgubre pasaje melódico confirmará lo intuido desde el comienzo del tema, reafirmando su oscuridad tan inteligentemente definida como una orquestación material de lo diabólico, siempre oculto tras el velo de la realidad. Oscilando conceptualmente en la frontera del ambient con el dark ambient, el tema “Vichuquen” llevará al melómano lector de Lux Atenea a repetir su audición debido a este interesante despliegue de matices sonoros, organizados en dos pilares contrapuestos donde la luz y la oscuridad no se mezclan, sino que crean un conjunto global espectacular. ¡¡¡“Vichuquen”, pura armonización conceptual!!! Luego, el tema “Aiwiñ” nos llevará de nuevo a un escenario futurista pero mucho más nítido y expansivo que en “Fill Kolor”, y con una amplia perspectiva del entorno desde lo alto abarcando la extensa presencia del desarrollo más avanzado. “Aiwiñ” abre el horizonte, expande la mente, y con la mirada estimulada con este espectáculo tan activo como mágico, al final del tema uno se queda con la sensación de haber sentido lo que puede llegar a ser una futura civilización altamente tecnificada. En el tema “Yelmen”, con 7697 Miles sorprendiéndonos con otra contundente muestra de su talento en la composición, los sentidos quedarán fascinados con esta inmersión musical cuyo firme tempo crea la base perfecta para elevar estas columnas sonoras absolutamente brillantes. De espíritu experimental, en “Yelmen” se entremezclan bases rítmicas propias de lo tribal con melodías electrónicas de la década de los setenta, y con planos sonoros experimentales que le dan esta aura de vanguardia que lleva a este conjunto musical a lo ecléctico de forma muy clara. Finalmente, el tema “Kimngeay” clausurará este impresionante álbum perfilando una estructura musical de tormentosos claroscuros, disipándose de forma progresiva con este estilo high-tech ambient de primer nivel. Nueve minutos de puro disfrute a través de escenarios sonoros impredecibles, y de una viveza radiante que contrasta completamente con su trasfondo oscuro. La discreta entrada de bases rítmicas le irán dando un mayor dinamismo e impulso, pero de forma controlada para que sus matices electrónicos sigan siendo los protagonistas en este grandioso despliegue musical. “Kechu”, 7697 Miles en estado de máxima creatividad artística dentro de su avanzada mirada conceptual de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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NOSTALGIE ÉTERNELLE “TWEE KEERLKES KWAMM VAN LEER / OOSTFREESLAND (1988-1991)” (INFRASTITION, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ETERNELLE “EP” (EE TAPES, 2011) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “NOTRE DÉBUT (RE-ISSUE)” (FINAL MUZIK, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PSYCHIC TV “A PRAYER FOR DEREK JARMAN” (COLD SPRING RECORDS, junio 2025) (Reseña / Review #2286).

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Reseña Cultural nº: 2286 // Reseña Musical nº: 1473

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD con libreto de 8 páginas desplegable (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Loops Of Mystical Union // 2- Elipse Of Flowers // 3- Mylar Breeze (Parts 1 & 2) // 4- Mylar Breeze (Part 3) // 5- Prayer For Derek // 6- Rites Of Reversal
Datos técnicos: Temas musicales grabados en The Building Site y en Jhopdi Studios; álbum remasterizado por Genesis P-Orridge y Larry Thrasher
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- The Loops Of Mystical Union // 2- Elipse Of Flowers // 3- Mylar Breeze (Parts 1 & 2)

El pasado día 23 de junio fue presentado oficialmente el extraordinario álbum “A Prayer For Derek Jarman” de Psychic TV que, tras más de treinta años, vuelve a resplandecer con intensidad a nivel musical en este siglo XXI. Teniendo como formación artística a Genesis P-Orridge, John Gosling (Zos Kia, Coil, Mekon), y Larry Thrasher, mayormente el peso cinematográfico en estas obras es clave para poder ver el sentido y el trasfondo de estas composiciones que tienen al polifacético artista británico Derek Jarman (1942-1994) como fuente de inspiración. Publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD con libreto de 8 páginas desplegable, y con anotaciones de Genesis P-Orridge realizadas en el año 1997, el álbum “A Prayer For Derek Jarman” ha sido engalanado con este impactante trabajo artístico realizado por Abby Helasdottir. Destacando especialmente su portada y su contraportada, es en su imagen principal donde se integran visualmente lo religioso y lo moderno y vanguardista, creando este icono con la figura de Derek Jarman santificada por ese halo de luz alrededor de su cabeza, y que tiene un trasfondo y un mensaje artístico mucho más profundo que los melómanos lectores de Lux Atenea podrán entender cuando lean el siguiente párrafo de esta reseña. Teniendo como perspectiva artística de vanguardia al estilo industrial, del cual Genesis P-Orridge es clave conceptual imprescindible, el álbum “A Prayer For Derek Jarman” presenta una amplia diversidad estructural a nivel musical que lo sigue llevando hasta lo innovador a pesar de los años ya transcurridos. Con lo esotérico siempre presente en Psychic TV, estas composiciones destacan especialmente por el alto grado de virtuosismo en su concepción, presentando una creatividad desbordante y una personalidad sonora que las hace únicas. Tras haber pasado por este trabajo técnico de remasterización realizado por Genesis P-Orridge y Larry Thrasher, el álbum “A Prayer For Derek Jarman” adquiere una calidad musical que les atraerá por su dimensión sonora y por su nivel de detalle, proyectando ese realismo tan necesario para poder sentir su mensaje.

El axis artístico que da sentido a los seis temas que vertebran este álbum es el polifacético artista británico Derek Jarman (1942-1994), cuyas obras dentro de la escena cinematográfica y literaria, y dentro del arte plástico de vanguardia, siguen siendo de ineludible referencia. Además de su defensa de los derechos de los homosexuales en aquella época, Derek Jarman no dudó en proyectar otra imagen del movimiento gay a través de sus obras artísticas. Tratando de alejar con ello la visión distorsionada que la sociedad británica tenía sobre este tema, el poso religioso tradicionalista es clave para poder entender la consolidación que tienen estos prejuicios en la sociedad. En el fondo, Derek Jarman llevó la Modernidad verdaderamente a la sociedad británica que, aunque moderna en apariencia, seguía teniendo raíces muy profundas en lo tradicional y con todos los prejuicios e hipocresías sociales que ello conlleva. Derek Jarman murió en el año 1994 a consecuencia del virus del SIDA, tras haberse retirado a su legendaria casa Prospect Cottage situada en la costa inglesa de Dungeness (Kent, Reino Unido) cuando supo que estaba contagiado con esta enfermedad entonces incurable. Yo soy heterosexual y, por mi edad, viví aquellos años. Ciertas corrientes tradicionalistas y religiosas en aquella época no dudaron un segundo en hablar del SIDA como de un castigo divino a los homosexuales, difundiendo este mensaje a nivel social. Un ejemplo de estigma social sin fundamento alguno, pero difundido de forma interesada. Este es un claro ejemplo de esa mentalidad tradicionalista religiosa existente en una sociedad aparentemente moderna y, no hay que echar la vista atrás muchos años para ver mensajes del tipo “si eres heterosexual, no te preocupes que de SIDA solo se contagian los homosexuales” o “el SIDA es un castigo de Dios para los gays” en medios de comunicación y en declaraciones públicas. Religión-Tradicionalismo-Sinrazón, la misma historia de siempre. Para qué usar la Razón, la Lógica, y el Pensamiento Científico, cuando se han de sobrevalorar por encima de todo a lo emocional y a lo sentimental, ya que han de ser los verdaderos motores sociales según ellos. Sin la Razón, sin la Lógica, y sin la Ciencia, es mucho más fácil manipular a la sociedad y a las mentes de las personas, y, dentro de otro plano, está siendo además uno de los problemas sociales más graves que ha traído consigo la Posmodernidad por su entrega absoluta a lo emocional y a lo sentimental que domina una gran parte del universo digital de las redes sociales unida al sensacionalismo, al materialismo, al hedonismo, al egocentrismo… influyendo en el pensamiento de una parte cada vez mayor de la ciudadanía. Este choque frontal con lo Religioso-Tradicional no solamente fundamenta la esencia artística de Derek Jarman, sino también la perspectiva de Psychic TV pero añadiendo un trasfondo esotérico y mental muy profundo que es ineludible para poder entender su obra musical, con Genesis P-Orridge como alma mater.

Iniciamos la audición de esta joya discográfica sumergiéndonos en el universo musical de Psychic TV a través del primer tema “The Loops Of Mystical Union”, tenebroso e incisivo en su comienzo musical mientras la tensión no deja de ir en aumento a pesar de sus intermitencias. Un espectro industrial cortante y abrasivo donde lo chirriante rompe con la sensibilidad para llevar a un estado mental muy bajo unido a lo primitivo. Destrucción y acción para teatralizar a nivel simbólico el rechazo al entorno, la oposición a lo sólidamente establecido que es dañado de forma implacable en busca de una luz ya apagada. Un dinamismo ambiental que se siente como una amenaza para la existencia, y que se encuentra en todos los sitios porque domina más por su constante mutación que por su poder. Y frente a ello, la acción más desgarradora que, incluso lesiva, es incansable porque no acepta su sometimiento. ¡¡¡“The Loops Of Mystical Union”, claustrofóbico y salvaje!!! Luego, en “Elipse Of Flowers”, todo cambiará hacia un escenario más melódico y luminoso donde el plano instrumental para percusión es clave en su tempo, desarrollándose con una aparente armonía que, en el fondo, no llega a consolidarse, dando la sensación de estar en reproducción en reversa. Con las iridiscencias embelleciendo su atmósfera, su proyección sonora es mántrica bajo la influencia musical de la India, extendiéndose con esa polifonía donde cada foco instrumental tiene carácter propio y que, en su conjunto, llegan ocasionalmente a converger en un equilibrio espiritual que desaparecerá tan rápidamente como llegó, volviéndose a iniciar su ciclo. El tema “Elipse Of Flowers” es ambient a nivel conceptual, incorporando elementos experimentales que lo acercan a lo post-industrial a nivel estructural en aquellas fases de la composición donde se pierde la armonía, y esta definición musical será mucho más clara en su parte final con el uso de samples.

Como banda sonora del primer cortometraje de Derek Jarman titulado “Sebastiane” (1976), esta composición destaca de manera muy especial en este álbum, desarrollándose en tres partes divididas en dos. En la primera, “Mylar Breeze (Parts 1 & 2)”, los melómanos lectores de Lux Atenea se encontrarán con esta estructura instrumental propia de la Música Contemporánea, extendiendo estos planos melódicos para piano donde sus ecos son esenciales para delimitar el espacio dimensional. Adquiriendo una belleza sonora cada vez más compleja y atrayente, “Mylar Breeze (Parts 1 & 2)” irá poco a poco degradándose con pinceladas sonoras tensas cada vez más frecuentes que afectan a su evolución musical. Incluso, el tempo de estos planos melódicos llegan a chocar entre sí, como si fuera una lucha por dominar este entorno, motivo por el cual la entrada de notas graves un tanto sepulcrales van a ir alejando cualquier atisbo de armonía melódica, derivando la composición hacia esa vertiente de la Música Contemporánea donde lo obscuro se vuelve cada vez más siniestro y provocador. Unas teclas del piano que se hunden como pesadas piedras que caen en la superficie de un lago para romper su brillante espejo del mundo, y que terminan convirtiendo a la segunda parte de “Mylar Breeze” en una dramática manifestación sonora en su epílogo. Con el tema “Mylar Breeze (Part 3)” apareciendo con estos cantos en el silencio, todo derivará hacia el lamento y el sufrimiento aceptado, consentido, porque se mira a los ojos del destino cara a cara a pesar de su angustioso y trágico presente. Experimental en su esencia, en “Mylar Breeze (Part 3)” son las voces lo que definen su personalidad musical hasta hacerse fúnebres, y liberadoras del alma a su vez por su mántrico trasfondo. Una vez desaparezcan, volveremos a la esencia instrumental de “Mylar Breeze (Parts 1 & 2)”, pero no en su fase mortuoria final, sino en su luminosidad inicial. Conservando la armonía durante la mayor parte del tiempo, en esta fase de la composición, la entrada de planos sonoros tensos y desequilibrados va a ir tapando cada vez más focos de luz para dar paso a esta oscuridad con poso melancólico.

Con el tema homónimo del álbum amalgamando estas grabaciones de campo en la orilla del mar, con el sonido de las aves, la sensación de calma espiritual es absoluta. En el fondo, aquí se percibe claramente el intento de recrear el encanto que Derek Jarman vio en la costa inglesa de Dungeness para fijar allí su legendaria casa Prospect Cottage. No hay que olvidar que se desplaza allí tras conocer que estaba contagiado con el virus del SIDA y, en su inicio, el tema “Prayer For Derek” transmite esa búsqueda de la paz espiritual y esa aceptación de su destino con una mirada a la inmensidad. Un contraste absoluto entre la presencia de la vida a través de estos cantos de aves, y el paso del tiempo simbolizado en el rítmico sonido de las olas. Todo esto cambiará cuando aparezcan otros samples donde lo humano está presente, quedando todo lo anterior en un segundo plano y obscureciéndose de forma progresiva hasta saturar todo este espacio. Un siniestro caleidoscopio del cual saldremos para adentrarnos en esta tenebrosa estancia con elementos sonoros propios del chamanismo, y que tienen sentido en esta composición como guía para el alma al dejar atrás su encarnación. Finalmente, con el tema “Rites Of Reversal” clausurando este grandioso álbum, el escenario musical volverá a presentar un nuevo cambio radical mientras lo agresivo y lo visceral son representados por este gruñido de perro, siendo sus samples modulados y alterados durante toda la composición. Un tema concebido por Genesis P-Orridge como banda sonora de una película basada en el polifacético artista estadounidense Williams S. Burroughs (1914-1997), y que tenía a Derek Jarman como camarógrafo. “A Prayer For Derek Jarman”, joya discográfica por excelencia para los fieles seguidores de Psychic TV y para los melómanos amantes de esa vanguardia musical que no pierde su fundamento innovador, pasen los años que pasen. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.