“SIETE NOTAS EN NEGRO (sette note in nero)”, 1977 (Reseña / Review #1708).

Posted on 10 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1708 // Reseña Media nº: 61
Reseña actualizada. Publicada el 20 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: LUCIO FULCI
Guión: LUCIO FULCI
Actores principales: JENNIFER O’NEILL (Virginia Ducci), GABRIELE FERZETTI (Emilio Rospini), MARC POREL (Luca Fattori), GIANNI GARKO (Francesco Ducci), IDA GALLI (Gloria Ducci), JENNY TAMBURI (Bruna), FABRIZIO JOVINE (comisario D’Elia), RICCARDO PARISIO PERROTTI (abogado de Francesco Ducci), LOREDANA SAVELLI (Giovanna Rospini, director de la galería de arte), FAUSTA AVELLI (Virginia de niña)
País: ITALIA Año: 1977 Productora: CINECOMPANY / RIZZOLI FILM
Duración aprox.: 93 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Una de las características artísticas más importantes y destacadas de la película “Siete Notas En Negro” ha sido la incorporación del elemento sobrenatural en una trama clásica dentro del cine giallo, ‘amarillo’ en italiano, y etiqueta artística basada en el color de las portadas con las cuales se encuadernaba la exitosa literatura de terror y suspense publicada en la década de los treinta. Con guión y dirección a cargo del emblemático director italiano Lucio Fulci (1927-1996), reverenciado dentro del universo de terror surgido en la cinematografía underground, este mítico largometraje fue su última obra dentro del cine giallo antes de lanzarse de lleno a la temática gore que tanta fama le ha dado. En “Siete Notas En Negro” consigue alcanzar una hipnótica plasticidad visual para poder cautivar al espectador gracias a este don tan especial que posee para sumergirte mentalmente en escenarios dominados por el suspense, mientras la intriga en su trama no deja de sorprendernos escena tras escena. “Siete Notas En Negro” es una joya artística del mejor cine giallo, y que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar adquiriendo esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2013. Podrán comprobar fielmente cómo “Siete Notas En Negro” es obscuro y trágico suspense por excelencia, mientras la angustia no para de crecer hasta hacernos partícipes directos de la acción a través de la profunda carga emocional que son capaces de provocar sus escenas. Además, ve aumentada esta tensión por el influjo obsesivo que despierta lo parapsicológico dentro de este clima de desasosiego, y que emana de forma lenta y densa en esta trama de horror. Con las visiones como elemento sobrenatural clave en esta historia, su embrujo cinematográfico ha sido potenciado a nivel musical gracias a esta magnífica banda sonora compuesta por Franco Bixio, Vince Tempera, y Fabio Frizzi, siendo precisamente Fabio Frizzi el elegido por el grandioso director de cine estadounidense Quentin Tarantino para componer el famoso tema de su película “Kill Bill Vol.1”. Como podrán comprobar, todo ha sido artísticamente cuidado en “Siete Notas En Negro” hasta erigirse como una de las obras más destacadas del cine giallo.

Esta historia comienza el día 12 de octubre del año 1959 cuando en unos acantilados ingleses, una joven (actriz Elizabeth Turner) se arroja al vacío. Simultáneamente, en la ciudad italiana de Florencia, su hija (actriz Fausta Avelli) rompe a llorar al presenciar ese suicidio a través de una visión. Dieciocho años después, vemos a su hija Virginia Ducci (personaje interpretado por la famosa actriz Jennifer O’Neill) felizmente casada con Francesco Ducci (actor Gianni Garko) y disfrutando de una privilegiada posición económica. Virginia tiene otra trágica e impactante visión donde ve a una mujer siendo emparedada por un hombre con cojera, y decide consultar a su amigo Luca Fattori (actor Marc Porel) al ser un experto en parapsicología que está siempre interesado en conocer y estudiar hechos paranormales. Pero sus explicaciones no dejan a Virginia muy convencida debido a que piensa que esas visiones son un mensaje de un hecho ocurrido en el pasado, y no una alucinación como Luca dice. Cuando Virginia visita un viejo palacio propiedad de su marido para reformarlo, descubre la misma estancia donde ocurrieron los sucesos que observó en la visión de la mujer emparedada. Cuando decide picar la pared descubre un cadáver. Con este caso en manos de la policía, el primer sospechoso acaba siendo su marido al ser el dueño del palacio, por lo que es interrogado junto a su abogado (actor Riccardo Parisio Perrotti). Siendo Francesco detenido y encarcelado, Virginia decide investigar para demostrar su inocencia contando con la colaboración de su amigo Luca y de su ayudante Bruna (actriz Jenny Tamburi). Poco a poco, los mensajes en su visión irán encajando, pero el destino le aguarda una gran sorpresa.

En esta película destacan especialmente imágenes y escenas de gran fuerza visual como la secuencia del suicidio de la madre de Virginia en el acantilado, el simbolismo místico del túnel obscuro donde Virginia tiene de nuevo una visión (un trasfondo metafórico que tiene relación directa con las grutas y con las cuevas sagradas donde se practicaban las mancias en la Antigüedad por su conexión con la Gran Diosa Madre y con los poderes del inframundo), con la tensión que se respira en el cara a cara en la puerta entre Virginia y Emilio Rospini (actor Gabriele Ferzetti), o la intrigante atmósfera existente cuando Virginia descubre que la habitación roja existe en realidad. Impresiona observar la tenebrosa imagen de la mujer en el jardín, la inquietante y atrayente habitación roja de siniestra estética gótica y sobrecargada decoración propia del lujo burgués, la inoportuna (y también salvadora) melodía del reloj de pulsera. la belleza plástica del cigarrillo amarillo en el cenicero azul mientras se consume, la presencia ineludible del color rojo en la lámpara y que hace ser consciente a Virginia del trasfondo real de su visión, o la siniestra decoración de la habitación del palacio con las aves disecadas como símbolo de la presencia de la muerte. En definitiva, horror, intriga, y suspense unidos al misterio de lo sobrenatural. “Siete Notas En Negro”, cuando el genio y el talento artístico dan como fruto cinematográfico esta impresionante película de horror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL PACTO (the pact)”, 2012 (Reseña / Review #1707).

Posted on 8 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1707 // Reseña Media nº: 60
Reseña actualizada. Publicada el 11 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Director: NICHOLAS McCARTHY
Guión: NICHOLAS McCARTHY
Actores principales: CAITY LOTZ (Annie), CASPER van DIEN (agente Bill Creek), AGNES BRUCKNER (Nichole), HALEY HUDSON (Stevie), KATHLEEN ROSE PERKINS (Liz), SAM BALL (Giles), MARK STEGER (Charles Barlow “Judas”)
País: EE.UU Año: 2012 Productora: PREFERRED CONTENT
Duración aprox.: 95 minutos
Publicado en España por: BETTA PICTURES Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Pacto” // Trailer // Ficha Técnica // Ficha Artística

Me encantan los guiones cinematográficos escritos con inteligencia y rodados con la maestría propia de un buen director. Una combinación artística que se manifiesta en la excelencia mostrada en el Séptimo Arte del siglo XXI, completamente alejada de la sumisión y de la dependencia a los efectos especiales como camino hacia el éxito entre el público. Por este motivo, el extraordinario largometraje “El Pacto” lo tiene todo para convertirse en película de culto dentro del cine de terror sobrenatural y de suspense. Con guión y dirección a cargo de Nicholas McCarthy, en esta película destaca por encima de todo la brillantez de su guión reflejado en impactantes escenas donde se ha sabido jugar con la mente del espectador hasta el último momento, haciéndole ver finalmente una realidad mucho más racional y real de lo que pensaba. Todo ello engrandece el aura artística de este largometraje. Además, al contrario que sucede con otras películas dentro de este género cinematográfico donde los finales suelen ser muy precipitados, o dejando muchos cabos sueltos, o llevados a un extremo demasiado fantasioso para ser admitido incluso en una obra de ficción, los últimos minutos de “El Pacto” presentan un final muy bien cerrado y que nos muestra la auténtica realidad de esta intrigante historia. Esta cualidad artística de su trama marca diferencias, y aunque “El Pacto” es una película estadounidense, parece más un largometraje inglés debido a su estilo de rodaje y por la forma en la cual se va desarrollando esta tenebrosa historia a través de un tempo perfecto para poder sumergir a la mente del espectador en tan siniestro entorno. Por este motivo, como analista cultural entiendo perfectamente el gran éxito en taquilla que tuvo esta obra cinematográfica en el Reino Unido. Que Nicholas McCarthy convirtiera el cortometraje homónimo presentado oficialmente en 2011 en este largometraje ha sido todo un acierto, como así podrán disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por Betta Pictures el pasado año 2013.

Esta siniestra e inquietante historia comienza en época navideña con la joven Nichole (actriz Kathleen Rose Perkins) en el hogar que la vio crecer, y llamando a su hermana Annie (actriz Caity Lotz) para que vaya a ayudarla tras el fallecimiento de su madre. Cuando Annie llega a la casa, su hermana Nichole no está allí, habiendo desaparecido inexplicablemente sin dejar rastro ni comunicación alguna. El ambiente extraño y un tanto lúgubre en el que ha quedado la casa verá aumentada su atmósfera de terror cuando, al llegar la noche, Annie empiece a escuchar ruidos inexplicables, objetos de la casa cambian de lugar y se mueven… En el funeral, aparecerá su prima Liz (actriz Kathleen Rose Perkins) con la hija de Nichole, y también su prima Liz terminará desapareciendo misteriosamente en el interior de la casa. Tras ser atacada Annie, finalmente acude a la policía en busca de ayuda, encargándose del caso el agente Bill Creek (actor Casper Van Dien). Todo esto unido a los sueños que Annie viene teniendo noche tras noche donde poco a poco va avanzando en el desvelo de su significado y mensaje, descubrirá que existe un secreto de familia protagonizado por su madre y que se oculta en el obscuro pasado de este fantasmagórico lugar, creando un creciente clima de tensión en esta espeluznante historia donde se entremezclan con maestría lo sobrenatural con el terror y el suspense. Nicholas McCarthy es un auténtico maestro a la hora de condicionar nuestra lógica con escenas y actos donde los hechos paranormales influyen en los pensamientos del espectador sobre el origen de este misterio, desvelándonos solamente al final la auténtica realidad como tenebrosa apoteosis de esta extraordinaria película. Además, las magníficas interpretaciones realizadas por los actores y actrices que protagonizan esta obscura trama, se convierten en el factor esencial para que el espectador se adentre mentalmente en esta espeluznante historia de ficción con cierto regusto a posible realidad. Uno de los grandes aciertos del director y guionista Nicholas McCarthy a la hora de ofrecer una realidad cercana a nuestro presente en este siglo XXI, ha sido incluir escenas donde Annie hace uso de Internet para conseguir información, creando ese fuerte nexo de unión emocional entre esta historia de ficción y nuestra vida cotidiana, aumentando con ello la empatía del espectador con sus personajes y con las misteriosas situaciones que viven. Y si analizamos sus admirables decorados y la impecable labor de fotografía e iluminación, junto a su banda sonora tan amenazadora compuesta por Ronen Landa, tan magna configuración artística ha dado como fruto final esta inolvidable obra cinematográfica.

El Séptimo Arte ha logrado convertir el atrayente mundo de la imagen en movimiento en belleza, transformando las escenas rodadas en esas secuencias que indeleblemente se quedan grabadas en nuestro cerebro por su impactante fuerza visual. “El Pacto” es una película cuya grandeza artística viene avalada por inolvidables escenas como la terrorífica secuencia en la cual Annie en el cuarto de baño ve una sombra cruzar el pasillo, piensa que es su prima Liz, y luego es atacada por un ente invisible; o con la fantasmagórica imagen que Annie recibe en el móvil con la localización exacta del lugar donde se ha realizado. La visualización de “El Pacto” te garantiza esta inmersión en el mejor cine de terror como, por ejemplo, a través de la horrible imagen de la mujer decapitada que Annie ve en el sueño mientras duerme en la habitación del motel, cuando detrás de la pared Annie en compañía del agente Bill Creek descubre una habitación oculta de la casa que jamás había visto durante todos los años que estuvo allí viviendo, o el turbio ambiente en el cual vive Giles (actor Sam Ball) donde Annie logra contactar con Stevie (actriz Haley Hudson), una siniestra joven con poderes sensitivos. “El Pacto” es una película que presenta esta espectacular sucesión de imágenes como la escalofriante escena de la visita de Stevie a la casa, las terroríficas imágenes espectrales que aparecen en la misteriosa habitación, la fantasmagórica imagen que aparece en la pantalla de la cámara digital de Bill Creek, la inolvidable secuencia donde Annie hace la ouija en la casa, y, sobre todo, la excelsa escena final con la incertidumbre y la tensión llevadas a límites extremos. En definitiva, vida cotidiana y suspense desarrollándose bajo la amenazadora sombra del horror. “El Pacto”, por su calidad artística, a lo largo de las próximas décadas esta película seguirá siendo una siniestra delicatessen para los cinéfilos amantes del cine de suspense y de terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LAS DIABÓLICAS (Les diaboliques)”, 1955 (Reseña / Review #1705).

Posted on 7 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1705 // Reseña Media nº: 58
Reseña actualizada. Publicada el 17 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: HENRI-GEORGES CLOUZOT
Guión: HENRI-GEORGES CLOUZOT y JÉRÔME GÉRONIMI
Actores principales: SIMONE SIGNORET (Nicole Horner), VÉRA CLOUZOT (Christina Delassalle), PAUL MEURISSE (Michel Delassalle), CHARLES VANEL (comisario Alfred Fichet), JEAN BROCHARD (conserje Plantiveau), THÉRÈSE DORNY (Mme. Herboux), NOËL ROQUEVERT (M. Herboux), MICHEL SERRAULT (supervisor M. Raymond), GEORGE CHAMARAT (Dr. Loisy)
País: FRANCIA Año: 1955 Productora: FILMSONOR / VERA FILMS
Duración aprox.: 112 minutos
Publicado en España por: EL PAÍS Año: 2014
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Las Diabólicas” es mucho más que una película de culto. Es una obra maestra de la grandeur de la France llevada al universo del Séptimo Arte gracias al inigualable talento de uno de sus directores más ilustres y, por desgracia, más olvidados: Henri-Georges Clouzot (1907-1977). Con guión basado en la novela “Celle qui n’était plus” escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac, la trama de “Las Diabólicas” nos sumerge en esta espiral de suspense, tensión, e intriga como pocos largometrajes europeos han sido capaces de transmitir al espectador, creando una atmósfera opresiva, densa, y obscura tan difícil de reflejar en imágenes salvo en el caso de los grandes maestros en la dirección. Presentando esta extraordinaria banda sonora compuesta por Georges Van Parys para dar alma musical a esta joya cinematográfica, la magia visual del rodaje en blanco y negro resulta perfecta para crear esta comunión mental entre el espectador y esta terrible historia donde el dramatismo y la tragedia son tocadas sutilmente por la fantasmagórica apariencia sobrenatural. Pero, por encima de todo, los cinéfilos lectores quedarán impresionados durante la visualización del mítico largometraje “Las Diabólicas” al quedar resaltada su profunda amoralidad, adquiriendo este trasfondo conceptual posmoderno en esencia que se despliega sin ningún tipo de tapujos. Esa cruel hipocresía enmascarada de afabilidad social es representada por el personaje Michel Delassalle, director del colegio interpretado de forma excelsa e impecable por el actor Paul Meurisse con una actitud y una pose de cara al exterior que choca frontalmente con su vida de puertas a dentro. Ahí se muestra despiadado, egoísta, y despótico en el cruel comportamiento con su débil mujer Christina Delassalle (actriz Véra Clouzot, que fue la esposa del director Henri-Georges Clouzot en la vida real). Junto a la mítica actriz Simone Signoret en el papel de la profesora Nicole Horner, la actriz Véra Clouzot destaca en su interpretación de Christina Delassalle. En “Las Diabólicas” también encontrarán un absoluto contraste en la personalidad, en la animosidad, y en la fuerza de voluntad femenina ante la vida que oscila entre la sumisión, la delicadeza, y la fragilidad de Christina frente a la independencia, la fortaleza, la frialdad, y la firmeza en sus decisiones que presenta Nicole. Su unión en pro de un interés común será el origen del plan de asesinato de Michel Delassalle para poder liberarse del infierno en cual ha transformado sus vidas. Una obscura y seductora trama de suspense que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar adquiriendo esta magnífica edición en formato DVD, publicada por el periódico El País en este año 2014.

Nada en el largometraje “Las Diabólicas” es previsible, y una vez muerto Michel Delassalle, su cadáver de repente desaparecerá, presentándose a partir de ese momento en el internado como si fuera una aparición espectral y sin que Christina y Nicole puedan dar explicación alguna a ese misterio. Con la entrada en escena del comisario Alfred Fichet ya retirado (interpretado por el actor Charles Vanel), la trama se complicará aún más al iniciar la investigación para resolver este complicado caso, elevando el tono de tensión y de suspense en esta intrigante historia que solamente se desvelará en los minutos finales. El genial talento artístico del maestro Henri-Georges Clouzot es único dentro del cine europeo más selecto, perfilando esta inteligente trama en imágenes como un brutal conflicto moral en la mente del espectador al encontrarse frente a frente con el asesinato como método violento y radical urdido por estas dos mujeres para librarse definitivamente del mortificante trato que reciben por parte de Michel Delassalle. En esta excelsa película, lo mejor de todo es que a la sutil mano creativa de Henri-Georges Clouzot no le hizo falta el uso de la violencia extrema en escena para crear este entorno opresivo, manejando incluso el silencio como potenciador de esta tensión. Si a ello le unimos las enigmáticas apariciones de Michel Delassalle en el internado después de haber sido asesinado, no se puede pedir más intensidad y misterio a esta trama. Retornando al plano moral donde tan cómodo y seguro se encuentra el director de cine Henri-Georges Clouzot, a pesar de que son Christina y Nicole quienes urden el plan, durante el visionado de esta obra será inevitable que surgan algunas preguntas en el cinéfilo lector de Lux Atenea. ¿Se las puede juzgar moralmente con el mismo baremo? ¿Es Christina manejada hábilmente por Nicole en pro de sus intereses? ¿Busca Christina librarse de Michel o tiene otra intención oculta? Preguntas y más preguntas que aparecerán mientras nos adentramos en este ambiente tan asépticamente sentimental, tan emocionalmente frío, y tan humanamente inestable.

Para los amantes del cine obscuro y siniestro en su plano psicológico, en las ilustres obras cinematográficas de Henri-Georges Clouzot encontrarán el tenebroso pozo de las manifestaciones humanas más terroríficas y crueles donde los siete pecados capitales son sus omnipresentes regentes. Un lúgubre y tenebroso plano humano cargado de egoísmo, de dominio, de sometimiento a través de la manipulación y de la violencia, de venganzas y engaños… con los cuales seguir alimentando la espiral demoníaca donde todos pierden en este infernal plano existencial al que llamamos vida humana. La película “Las Diabólicas” es una muestra clara de las inquietudes existenciales de Henri-Georges Clouzot en relación al lado más oscuro del ser humano, y en ella encontrarán escenas e imágenes imborrables como el barco de papel flotando en el charco a la entrada del Internado Delassalle, la extraña complicidad existente entre la mujer y la amante del director cuando ésta última se quita las gafas de sol para mostrar la violencia de Michel Delassalle desatada contra ella la noche pasada, o con la escena en el aula donde Michel les pide un beso tanto a Nicole como a Christina. Quedarán emocionalmente alterados cuando vean la escena de la cena en el comedor donde se muestra claramente el despótico trato que Michel da a su mujer delante de todos y donde destaca hasta el desprecio con el que le sirve la comida a Christina y cómo la obliga a tragarlo, con la actitud dominante de Nicole con Christina en la escena de la llamada telefónica con Michel comunicándole que quiere el divorcio, con los gestos de Michel en el vagón de tren mostrando claramente al espectador que tiene todo bajo control, con la imagen de Christina y Nicole mientras ésta echa las gotas de somnífero en la botella de whisky, o con la inquietante belleza de la imagen de Christina reflejada en el espejo grande ovalado cuando Michel se quita el abrigo mientras habla con ella. Impresiona la siniestra visión de Nicole al lado de Christina mientras ésta reza de rodillas, configurando una imagen cargada de misterio al entremezclarse lo religioso con el encubrimiento de un asesinato, y, de nuevo, la presencia del espejo reflejando a Christina cuando visita la habitación de Michel Delassalle en el hotel Eden. Cautiva observar la gélida mirada de Nicole cuando corta la llamada telefónica de Christina, la simbólica imagen del montacargas subiendo el ataúd como si fuera un retorno al mundo terrenal desde el inframundo, la inquisitiva mirada de Nicole cuando Christina y el comisario Alfred Fichet llegan al Internado Delassalle, la fantasmagórica imagen de Michel apareciendo inexplicablemente en la fotografía, con la firmeza reflejada en los pasos y en los gestos de Nicole andando por el pasillo del internado, o con la tenebrosa visión de la puerta abriéndose al final del oscuro pasillo y la amenazante aparición de la mano enguantada como inicio de la impresionante escena final en esta colosal e inesperada apoteosis. Como apunte final, quisiera destacar la mención especial realizada al maestro de la literatura francesa decimonónica Jules Barbey D’Aurevilly (1808-1889) al comienzo de la película, autor del excelso libro homónimo ya reseñado en Lux Atenea. “Las Diabólicas”, la irresistible obscuridad cinematográfica del suspense inmortalizada en esta virtuosa perspectiva artística francesa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL DESTRIPADOR DE NUEVA YORK (Lo squartatore di New York)”, 1982 (Reseña / Review #1704).

Posted on 7 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1704 // Reseña Media nº: 57
Reseña actualizada. Publicada el 22 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: LUCIO FULCI
Guión: LUCIO FULCI, GIANFRANCO CLERICI, VINCENZO MANNINO, DARDANO SACCHETTI
Actores principales: JACK HEDLEY (teniente Fred Williams), ALMANTA SUSKA (Fay Majors), HOWARD ROSS (Mickey Scellenda), PAOLO MALCO (Dr. Paul Davis), ALEXANDRA DELLI COLLI (Jane Forrester), COSIMO CINIERI (Dr. Lodge), ANDREA OCCHIPINTI (Peter Bunch), CINZIA DE PONTI (Rosie)
País: ITALIA Año: 1982 Productora: FULVIA FILM
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: FILMAX / EL TERROR TIENE FORMA Año: 2013
Formato: DVD + libreto “Lucio Fulci: Saboreando el Horror”(EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Destripador De Nueva York”
EXTRAS: Trailer

Hacía tiempo que no veía un buen libreto incluido en una edición cinematográfica en formato DVD. Esta magnífica publicación de la película “El Destripador De Nueva York” presentada el año pasado por la prestigiosa compañía Filmax, no solamente guardaba en su interior el magnífico libreto de dieciséis páginas titulado “Lucio Fulci: Saboreando el Horror”, y escrito por Jesús Martí, sino que también viene engalanada con esta impactante carátula reversible que tiene en una cara el cartel original del largometraje y, en la otra, el poster diseñado por el ilustrador Juan Alonso Gutiérrez para esta edición. Uno de esos detalles que marcan diferencias en las ediciones físicas. A nivel artístico, a la hora de clasificar este impactante largometraje nos metemos en un terreno muy resbaladizo y difuso porque… ¿podemos incluir a “El Destripador De Nueva York” dentro del cine giallo? Esta película no presenta del todo a los elementos que caracterizan al cine giallo, y pueden comprobar esa diferencia muy claramente comparándola con otra extraordinaria obra cinematográfica rodada por este emblemático director italiano como es “Siete Notas En Negro” (ya reseñada en Lux Atenea). Entonces, ¿puede ser cine gore, slasher…? Aunque incluye escenas que presentan esas características, finalmente quedan diluidas en la amalgama conceptual mostrada en esta película de forma global. En “El Destripador De Nueva York”, Lucio Fulci (1927-1996) ha fusionado de forma ecléctica diferentes corrientes cinematográficas y, tal vez, esta indefinición en un estilo concreto es lo que hace resaltar a esta película como una de sus obras más impresionantes. El realismo de los asesinatos aquí mostrados, su violencia despiadada, y esta crueldad tan visceral unidas a elementos eróticos, también han quedado resaltados con maestría a nivel sonoro gracias a su banda sonora compuesta por Francesco De Masi, perfilando un escenario cinematográfico de indiscutible plasticidad artística por parte de Lucio Fulci. Puro talento. Además, elevando aún más la tensión en escena para que el espectador al visualizarlo se sumerja en esta vorágine de crímenes psicóticos, en su siniestro torbellino la intriga y el suspense fluyen en un crescendo de impredecible final. Deseo carnal, erotismo, y ataques brutales llevados a cabo por la mente perturbada de un asesino en serie que, por sus salvajes asesinatos, impresionará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea mientras su característica voz (que imita a un pato) nos ofrece ese tono un tanto burlesco y grotesco a su retorcida personalidad. Pura extravagancia en este thriller policíaco donde su densa trama proyecta una gran carga psicológica.

Esta sangrienta historia de suspense dará comienzo en la ciudad de Nueva York con la inolvidable escena del hombre jugando con su perro que, tras tirarle un palo para que se lo traiga, lo que acaba recibiendo es una mano en degradado estado perteneciente a una mujer llamada Anne Lin. Cuando el caso llega a manos de la policía, será el teniente Fred Williams (interpretado por el actor Jack Hedley) el encargado de esclarecerlo, iniciando una investigación. Poco tiempo después, en un ferry rumbo a Staten Island, otra joven llamada Rosie (actriz Cinzia de Ponti) es brutalmente asesinada por el mismo psicópata con voz de pato. Tras hablar Fred Williams con el forense, éste le comenta que no es la primera vez que le traen a una joven asesinada con ese método tan característico de matar, por lo que sospecha que un asesino en serie anda suelto por las calles de Nueva York. Debido a la falta de pruebas, el teniente Fred decide consultar al doctor Paul Davis (interpretado por el actor Paolo Malco) para que le ayude a hacer un perfil psicológico del asesino. La muerte de otra joven en un espectáculo X (la siniestra escena de su asesinato rodada en tonos verdes y negros es muy retorcida y depravada) y con la burlesca llamada telefónica del psicópata que recibe Fred en el apartamento de una profesional, esta trama empezará su intrigante crescendo en una sucesión de escenas a cual más explícita, brutal, y sangrienta como la tensa secuencia del vagón de metro y la huida por los solitarios pasillos de la estación. Imágenes y secuencias que les impactarán como el detalle en la imagen del cartel luminoso de la sala de cine donde se anuncia la película “Un hombre-lobo americano en Londres”, la angustiosa y salvaje escena del ataque a la joven Fay Majors (interpretada por la actriz Almanta Suska) en esa onírica sala de cine, la repugnancia que provoca ver la mano sin dos dedos de Mickey Scellenda (actor Howard Ross) cuando toca el cuerpo de Jane Forrester (actriz Alexandra Delli Colli) en la cama de la habitación del hotel hasta presentar un contraste visual absoluto entre lo bello y lo horrible unidos en una sola imagen. También les impactara el desagradable chirrido de la puerta roja y la tenebrosa impresión que provocan esos pasillos con los colores blanco, rojo, y negro como protagonistas cromáticos; los analíticos, inquisitivos y desesperados ojos del doctor Lodge (interpretado por el actor Cosimo Cinieri), el primer plano de los ojos felinos de Fay Majors, la presencia de una puerta roja en la casa donde guarda reposo Fay, cómo el psicópata juega con el teniente Fred en la escena de la cabina telefónica, la dramática y fantasmagórica imagen de la niña en la cama del hospital, o la sorprendente escena final donde todo este misterio queda desvelado. Sin duda alguna, una película que no dejará indiferentes a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. “El Destripador De Nueva York”, este psychothriller un tanto bizarro del director italiano Lucio Fulci dejó fascinado a Quentin Tarantino cuando lo vio. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

Posted on 4 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1700 // Reseña Media nº: 53
Reseña actualizada. Publicada el 13 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Director: JEAN RENOIR
Guión: JEAN RENOIR
Actores principales: JEAN-LOUIS BARRAULT (Dr. Cordelier / Sr. Opale), TEDDY BILIS (señor Joly, notario), SYLVIANE MARGOLLÉ (Jeune fille), JEAN TOPART (el mayordomo Désiré), MICHEL VITOLD (Dr. Séverin), MICHELINE GARY (Marguerite), JACQUES DANOVILLE (comisario Lardaut)
País: FRANCIA Año: 1959 Productora: PATHÉ Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: CINECOM Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

CONTENIDO: Película “El Testamento del Doctor Cordelier”

Hablar de Jean Renoir (1894-1979) es hablar de uno de los mayores genios artísticos que ha dado el cine francés más prestigioso e innovador. Una labor creativa en la cual destacaría tanto como actor, como director y guionista a través de una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo y que serviría posteriormente a otros grandes directores europeos y estadounidenses como referencia a la hora de rodar sus obras. Sus películas se reverencian y admiran por su innovación artística y por su capacidad para transmitir emociones al espectador, motivo por el cual Jean Renoir ha visto grabado su nombre con letras de oro en el altar del Templo del Cine por méritos propios, habiendo realizado una gran parte de sus obras en una época difícil y complicada para un director cinematográfico a la hora de rodar largometrajes con esta intensidad y con este trasfondo humano. Un periodo histórico convulso y trágico en Europa que no impidió que Jean Renoir pudiera ver realizados sus sueños artísticos a pesar de las grandes dificultades que tuvo que enfrentarse, y con una crítica cinematográfica de la época incapaz de apreciar y de valorar sus obras con criterio y con sensibilidad artística. Como los cultos lectores de Lux Atenea ya saben, el tiempo siempre pone a cada uno en su lugar dentro del mundo cultural. Tras una larga y fructífera carrera cinematográfica en su haber, “El Testamento del Doctor Cordelier” fue una de las últimas películas que rodaría, y cuyo guión fue escrito por el propio director basándose en la famosa novela de Robert Louis Stevenson “El extraño caso del Doctor Jekyll y Mister Hide”, pero ambientada en Francia en la edad contemporánea. Una temática de lo más atrayente para un largometraje marcado por la intriga y por el suspense, y que fue originalmente rodado en blanco y negro para la televisión en 1959, siendo posteriormente presentado en las salas de cine en el año 1961. En “El Testamento del Doctor Cordelier”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea encontrarán a este magistral director en esa fase final de su etapa artística donde la experiencia le permite abrir la obra al campo de la experimentación cinematográfica. Maestría en el rodaje, talento interpretativo en la narración, y genialidad en las secuencias, dan alma a este excelso largometraje. Cine fantástico con esa magia visual en pantalla tan especial que solamente puede ofrecer el rodaje en blanco y negro, y en una ambientación de horror más propia de una pesadilla.

Este atrayente largometraje comienza con la llegada de Jean Renoir al estudio de televisión donde ofrecerá una emisión protagonizada por el propio director, y que servirá de entrada a esta dramática historia. Situándonos en una barriada a las afueras de París, tras enseñarnos la casa del doctor Cordelier, la cámara se centrará en la visita del doctor a su amigo, el notario Joly (interpretado por el actor Teddy Bilis), ya que éste se sorprendió que dejara en su testamento como heredero a un misterioso señor llamado Opale. Al llegar la noche, el notario Joly ve a un hombre atacando a una niña (el señor Opale, personaje interpretado con maestría por el actor Jean-Louis Barrault), refugiándose luego en la casa del doctor Cordelier. Cuando Joly entra para informar al doctor que ese peligroso individuo se ha adentrado en su casa, el mayordomo Désiré (interpretado por el actor Jean Topart) trata de tapar el asunto, causándole un gran asombro este ocultamiento de un hecho tan grave y violento provocado por Opale. Tras hablar con el doctor Cordelier, Joly consulta al doctor Séverin (interpretado por el actor Michel Vitold) sobre este peligroso asunto pero a Séverin no le gustan nada ni la actitud ni las investigaciones y experimentos que realiza Cordelier. Opale empezará a convertir sus paseos por la ciudad en una sucesión de actos violentos de los cuales tendrá conocimiento la policía, procediendo a su investigación a través del comisario Lardaut (interpretado por el actor Jacques Danoville), y Joly también acudirá a la policía a denunciar a Opale porque este peligroso ser se está paseando por las calles de París. El cerco policial comenzará a estrecharse, aumentando la intriga de esta trama que no ha hecho más que empezar en su intenso crescendo.

A nivel musical, esta película presenta una banda sonora de estilo clásico compuesta por Joseph Kosma, y que resulta perfecta para disfrutar este largometraje contemplando escenas tan impactantes como la tensa y amenazante secuencia del señor Opale y la niña, observando los andares chulescos que siempre tiene Opale al andar por la calle mientras mueve su bastón con la mano, o viendo los sádicos instrumentos que la policía descubre en la caótica habitación de Opale. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo escenas como la entrada de Opale en la consulta del doctor Séverin, las tomas de cerca realizadas al monstruoso aspecto de Opale, con la magnífica toma cinematográfica de la cornisa indicando la posible vía de escape de Opale, con el desvelo del obscuro pasado del doctor Cordelier donde se aprovechaba de su profesión y de su prestigio, o con el terrible experimento que el doctor Cordelier hace teniéndose a sí mismo como cobaya, dando como fruto el nacimiento de Opale. Impresiona observar la gran sorpresa que aparece en pantalla cuando la habitación de Cordelier es iluminada con la luz de la mañana, o el impresionante acto final con el doctor Cordelier y Joly como protagonistas principales. Secuencias trágicas que terminan marcando esta historia a través de imágenes dramáticas, horribles, y violentas.

La grandeza artística y conceptual que presenta la película “El Testamento del Doctor Cordelier” está basada principalmente en su temática, en el insondable y obscuro interior del ser humano, y en la perspectiva analítica con la cual Jean Renoir enfoca este delicado e interesante asunto. Dos caras de una misma moneda protagonizadas por el doctor Cordelier y el señor Opale como fiel reflejo de esos dos lados opuestos que muestra el ser humano en sus acciones. Uno racional, creativo, condicionado, delimitado, y controlado, y otro mucho más salvaje, inmisericorde, incontenible, violento, y absolutamente irracional dentro del más puro instinto animal o, mejor dicho, dentro de su insaciable instinto depredador. El doctor Cordelier representa al hombre encumbrado por el éxito y el prestigio profesional gracias a su labor científica como psiquiatra, aparentando mantener siempre las formas y respetando siempre las normas tanto a nivel personal, familiar, profesional, y social. En definitiva, una persona que ha hecho en la vida lo que socialmente es considerado como correcto, y un modelo a seguir aparentemente. Pero en el estudio que viene realizando sobre la mente y la psicología humana, mediante el uso de la ciencia logra crear una pócima que le permite sacar al exterior su otro yo interior, mostrándose sin ningún tipo de límite racional. Opale será el sádico y siniestro ser interior que acabará saliendo a la luz.

Cuando el doctor Cordelier bebe su propia pócima, surje de su interior el monstruoso Opale, un ser capaz de hacer realidad todos aquellos pensamientos y deseos que Cordelier ha intentado controlar a lo largo de su vida, mostrándose de forma cruel, violenta, egoísta, y sin sentimiento de culpa alguna en sus acciones. Un ser caprichoso que toma aquello que quiere, que hace lo que le place sin tener en cuenta la vida de los demás, y sin pensar en ningún momento en las consecuencias de sus trágicas acciones. Una magistral representación simbólica de ese Bien y Mal que vive en el interior del ser humano, y que, ya sea por la acción de uno u otro, en este siglo XXI aún seguimos viendo la trascendencia o el dramatismo de la acción humana según sea el lado que haya actuado. “El Testamento del Doctor Cordelier” puede parecer una película pesimista, pero la verdad no puede ser valorada como pesimista cuando refleja una realidad interior del ser humano aún latente en la actualidad. A lo largo de los últimos miles de años, el progreso tecnológico y científico desarrollado por el ser humano ha sido vertiginoso pero, ¿y los cambios en su interior? ¿También han sido tan rápidos y vertiginosos a la hora de aplacar sus instintos, emociones, deseos, y sentimientos más salvajes y destructivos? Si el ser humano da rienda suelta a sus instintos y apetencias, y termina comportándose como Opale, ¿verdaderamente es el Bien la auténtica realidad latente en su interior? He aquí la esencia intelectual y reflexiva que transmite esta película al ser visualizada, y gracias al talento de este experto maestro del Séptimo Arte a la hora de definir los mensajes profundos que fundamentan sus obras. “El Testamento del Doctor Cordelier”, el inconfundible sello artístico europeo de Jean Renoir en este merecido homenaje a un director de culto dentro del cine más excelso. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

Posted on 3 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1694 // Reseña Media nº: 47
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ROBERT ALDRICH
Guión: LUKAS HELLER
Actores principales: BETTE DAVIS, JOAN CRAWFORD, VICTOR BUONO
País: EE.UU Año: 1962 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 135 minutos
Publicado por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A. Año: 2006
Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

Por su excelencia, la película “¿Qué fue de Baby Jane?” es una auténtica obra maestra dentro del Séptimo Arte, y por este motivo ha de ser incluida en Lux Atenea como parte esencial de esta selección de largometrajes recomendados para los cinéfilos lectores de este blog cultural. Además, esta edición especial publicada por Warner Home Video España incluye un segundo DVD con extras donde destacan documentales cinematográficos de calidad como “Bette Davis: Un volcán benévolo” (BBC, 1983), “Perfil cinematográfico: Joan Crawford” (BBC, 1967), y “Bette y Joan: La ambición ciega”. Sorprendentemente, esta sobresaliente película solamente fue premiada con el Óscar al Mejor Diseño de Vestuario en el año 1962. Basada en la novela homónima del escritor estadounidense Henry Farrell, este largometraje nos ofrece un drama terrible y sobrecogedor protagonizado por dos hermanas artistas cuya fama en la juventud se desvaneció a raíz del trágico y fatal accidente de una de ellas. Su eco en el presente, condiciona y marca totalmente sus vidas, sus actitudes, y su convivencia en una misma casa. Reflejando en impactantes imágenes esta estética siniestra y tenebrosa que se mantiene constante a lo largo de toda la película, encuentra sus puntos álgidos en algunas secuencias de corte claramente macabro, “¿Qué fue de Baby Jane?” provoca al espectador con las crueles y despiadadas escenas que presencia, identificándose inconscientemente con unos personajes y rechazando visceralmente a otros de forma inmediata (este es el auténtico trasfondo de la belleza siniestra en su dualidad emocional), y donde la identificación definitiva sobre quién es el verdugo y quién la víctima en realidad queda convertido en ese enigma permanente a lo largo de toda la trama, quedando desvelado de forma magistral por el mítico director Robert Aldrich en los minutos finales de la película. Les fascinarán las impresionantes escenas protagonizadas por esta terrorífica Bette Davis en el impactante papel de Jane Hudson, junto a la desamparada Joan Crawford encarnando a su hermana Blanche Hudson. Observando estas escenas dramáticas sacarán de su interior esos irremediables pensamientos y enrabietados instintos ante la contemplación de actos tan sumamente sádicos y crueles, haciendo que la vida del personaje con el cual se identifiquen les resulte de lo más injusta y vergonzosa.

La película “¿Qué fue de Baby Jane?” presenta actos despóticos llevados al extremo en su sofisticación más destructiva, y que incluso son llevados al campo del sometimiento psicológico de quien lo sufre y padece, quedando todo amplificado con la respuesta absolutamente sumisa que quien lo recibe. Todo ello altera y condiciona el pensamiento del espectador ante un sufrimiento que ha de contemplar sin poder hacer nada mientras frases como “yo lo que haría en su lugar es…”, “yo no lo soportaría y allí la dejaría abandonada porque…”, “pero por qué no hace…”, inevitablemente surgirán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización. Emociones tan inequívocamente humanas en respuesta a los terribles padecimientos que otra persona está sufriendo. Indudablemente, solamente dos excelsas actrices como Bette Davis y Joan Crawford pudieron dar alma y realismo a esta historia tan dramática, protagonizando gloriosas interpretaciones en este largometraje que se presentan tan estratosféricas como inalcanzables para la gran mayoría de los actores de Hollywood en la actualidad. Precisamente su virtuoso arte interpretativo es lo que ha convertido y seguirá convirtiendo a la película “¿Qué fue de Baby Jane?” en una obra maestra inigualable e insuperable, pasen los años que pasen. Presenciarán impresionantes escenas como las melancólicas canciones interpretadas por Jane Hudson (Bette Davis) recordando su gloriosa época pasada (que vivió entre los suaves pero caducos algodones de la fama), contemplarán las visitas a esta casa convertidas en posibles ángeles salvadores para Blanche Hudson (Joan Crawford), y observarán cómo los hechos circunstanciales terminan por apagar cada gesto de auxilio. Identificarán la película “¿Qué fue de Baby Jane?” con este disco sonando, con esta siniestra e inquietante muñeca a tamaño real de Jane Hudson cuando era una niña famosa, con esta obscura habitación convertida en una Dama de Hierro de cuatro paredes, con estas escaleras vistas como una montaña inexpugnable, con este teléfono tan inalcanzable como una estrella en la noche, con estas notas pidiendo ayuda donde todo parece haberse conjurado en contra de quien las escribe… Un diabólico ambiente tan dramático como desesperado en escenas definitivamente imborrables.

Es todo un placer observar con atención los gestos, la mirada, los movimientos en escena de Bette Davis como si fuera una danza macabra bajo la influencia del horror, y es su vengativa esencia tan manifiestamente rebelde y maléfica lo que la convierte en una actriz única y tan atrayentemente carismática en esta película de culto. Lo mismo sucede con Joan Crawford y su virtuoso arte interpretativo en cuanto a su tremenda capacidad para trasmitir realidad y autenticidad absoluta a un personaje, por difícil y complejo que sea. Sólo con observar detenidamente su rostro ya nos habla de sufrimiento sin necesidad de abrir los labios, y en un cuerpo cuya energía vital vemos cómo se va perdiéndose poco a poco, asumiendo esta pérdida como si fuera su cruel e inevitable destino. “¿Qué fue de Baby Jane?” es observar lo aparentemente cotidiano como una danza siniestra donde una persona rota vive lo insufrible en esta casa convertida en una insoportable y tortuosa cárcel. Hasta el más mínimo detalle en la imagen, hasta el diseño de cada uno de los elementos de decoración se presenta con esta imagen funesta y desquiciada. Además, en esta película podrán disfrutar a Joan Crawford en lo más alto del Olimpo cinematográfico junto a la colosal actriz Bette Davis. Joan Crawford y Bette Davis, dos radiantes auras artísticas que brillan con fuerza en cada fotograma hasta convertir la mente del espectador en el registro imborrable de sus interpretaciones. Lo más increíble es que, en la época que se rodó está película, tanto Bette Davis como Joan Crawford decían que estaban pasando por una grave crisis en sus carreras como actrices. Después de ver esta película, ¿darán credibilidad a esa valoración que mostraron en público? Además, el absoluto rechazo y la perenne enemistad que estas dos actrices siempre se mostraron a lo largo de sus vidas estuvo bien presente durante el rodaje, dejando inmortalizado ese toque sarcástico y perverso en cada una de estas geniales escenas. Una perspectiva y una belleza gótica unida a lo moderno que hacen aún más atrayente a esta trágica historia. Y si analizamos este largometraje más profundamente, uno se pregunta sobre cuántas vidas ha roto el mundo del espectáculo en relación a artistas que, tras haber disfrutado de las mieles de la fama y del éxito, han acabado bebiendo las hieles del olvido y del desinterés público. “¿Qué fue de Baby Jane?”, una lujosa y respetable mansión en cuyo interior se encuentra viviendo la venganza en esta sala de torturas del mismísimo infierno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SOSPECHOSOS HABITUALES (the usual suspects)”, 1995 (Reseña / Review #1691).

Posted on 1 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1691 // Reseña Media nº: 44
Reseña actualizada. Publicada el 8 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Bryan Singer
Actores principales: Kevin Spacey (Verbal Kint), Gabriel Byrne (Dean Keaton), Benicio del Toro (Fenster), Stephen Baldwin (Mc Manus), Kevin Pollack (Hockney), Chazz Palmintieri (David Kujan)
Año: 1995 Duración aprox.: 92 minutos
Publicado por: FILMAX Formato: DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

California. Un barco, un asesinato en la cubierta, y unas llamas que empiezan a extenderse. Nueva York, seis semanas antes. Tras el robo de un camión cargado de armas, Dave Kujan, agente de Aduanas, detiene a cinco sospechosos sin prueba alguna basándose en la suposición de que ese robo tan solo ha podido ser realizado por profesionales. Tras la detención, los somete a una sesión de interrogatorio y a otra de reconocimiento, pero las coartadas son sólidas y veraces. Los detenidos son Verbal Kint (que está impedido con medio cuerpo inválido pero es inteligente y organizado), Dean Keaton (ex-policía y un frío profesional del robo en permanente estado de alerta), Fenster (gran conocedor del mundo delictivo y que se mueve dentro de él como pez en el agua), Mc Manus (asesino profesional de disparo certero, pero muy impulsivo y visceral), y Hockney (metódico y siempre bien cubierto con la coartada perfecta). Sobrevolando sobre las cabezas de estos delincuentes profesionales siempre moviéndose en el inestable mundo de los grandes golpes, se encuentra la figura de un ser desconocido llamado Keyser Soze, una leyenda. Cinco profesionales atrapados en la red tendida por Keyser Soze porque sabe cómo manejarles, y si Keyser Soze te necesita, nunca podrás rechazar su oferta porque no existe en su vocabulario la palabra “No”. Pero los cinéfilos lectores de Lux Atenea se preguntarán: ¿quién es Keyser Soze?

Keyser Soze es una leyenda, es una vida marcada por la tragedia sufrida por su familia, pero hay quien asegura que en realidad es el mismísimo Diablo. Un ser maligno que nadie ha visto, que siempre permanece oculto, y hasta su sombra es despiadada. La mente de Keyser Soze es una fría calculadora, meticulosa hasta extremos inconcebibles, precisa, ágil en la acción, con una voluntad férrea, con una sed de venganza incontenible que cuando se desata nadie encuentra un refugio seguro. Nadie está a salvo si es señalado por la mano de Keyser Soze, una pesadilla personificada en un ser de carne y hueso. ¿O tal vez tan sólo sea un fantasma? ¿Será un mito, una historia ficticia? Estas preguntas aparecerán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea viendo la película “Sospechosos habituales”, y durante noventa minutos esas preguntas sin respuestas aparentes se convierten en la base principal de la intriga que sostiene esta magnífica trama de suspense. Todo es turbio en este largometraje, y la sombra de la sospecha lo cubre absolutamente todo y a todos. Los cabos sin atar se van multiplicando según va pasando el tiempo minuto a minuto, pero los dólares que circulan se cuentan por miles. Además, “Sospechosos habituales” es una película dinámica cuya excelente trama forma el esqueleto y sus personajes dan solidez a la historia, ese cuerpo interpretativo esencial para poder crear una gran película. Un largometraje con tintes de novela negra donde la acción tan solo es frenada provisionalmente por la pregunta naciente y la incógnita sin despejar. Sus escenas son vivas, sentimentales, sugerentes y duras, destacando especialmente algunas de ellas como cuando Fenster durante la sesión de reconocimiento ha de decir la frase “¡Dame las llaves, cabrón!”, la escena donde las miradas se van cruzando entre los cinco sospechosos al salir de la comisaría, la secuencia del robo en el garaje donde la tensión se puede cortar con un cuchillo, o la escena del poli-taxi express en la cual se denuncia la corrupción policial en Nueva York con mucho arte.

Y si hablamos de los actores que brillaron en esta película por sus interpretaciones, por ejemplo, el actor estadounidense Kevin Spacey dio el salto a la fama gracias a ella. Por sus cualidades artísticas, Kevin Spacey es uno de los actores que más me gusta porque considero que es todo un maestro de la interpretación. Un actor que logrado que su nombre se haya convertido en sinónimo de calidad cinematográfica. Y que decir del actor irlandés Gabriel Byrne, porque en “Sospechosos habituales” está soberbio y con un as siempre guardado en la manga. Y si miramos al actor puertorriqueño Benicio del Toro, aquí podemos verle creciendo artísticamente con esa fuerza que imprime a sus personajes, unos personajes con carácter. Además, en este largometraje también podrán disfrutar con las interpretaciones de otros actores como Stephen Baldwin dando esa clase a un asesino tan peligrosamente impulsivo como Mc Manus, a Kevin Pollack muy sobrio pero haciéndose imprescindible en esta trama, y con Chazz Palmintieri dando esa aura especial a este detective que, a través de su investigación, va viendo como poco a poco va acorralándolos para acercarse a la verdad. Sin duda alguna, poder tener a un grupo de actores de esta calidad artística garantiza que una buena trama reluzca con mayor intensidad cinematográfica. Pongan todo esto en manos de un director con la capacidad de organización de Bryan Singer (tardó solamente treinta y cinco días en rodar esta película), y el resultado final se llama “Sospechosos habituales” con uno de los mejores finales que haya visto en una película. Si deciden adquirir esta edición especial publicada en formato DVD por la mítica compañía Filmax en España, recomiendo que no se pierdan la sección de “Curiosidades” incluida en los extras porque es sencillamente… ¡¡¡sorprendente!!! “Sospechosos habituales”, pasión por el Séptimo Arte provocada por esta película de culto dentro del mejor cine de suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DEAD SPACE: PERDICIÓN (dead space: downfall)”, 2008 (Reseña / Review #1684).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1684 // Reseña Media nº: 40
Reseña actualizada. Publicada el 29 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: CHUCK PATTON
País: EE.UU Año: 2008
Productora: FILM ROMAN / ELECTRONIC ARTS / STARZ MEDIA
Duración aprox.: 74 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES
Año: 2008 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Suspense, Terror, y Ciencia-Ficción. Tres palabras que definen perfectamente esta película de animación, y cuyas brutales escenas gore garantizan este impactante espectáculo visual en la pantalla para impresionar al cinéfilo lector de Lux Atenea afín a la vanguardia. Con una trama que, básicamente, sigue los parámetros ya establecidos en la mítica película “Alien”, “Dead Space: Perdición” adquiere un mayor interés artístico al ser la precuela del shooter de terror homónimo publicado por la mítica compañía estadounidense Electronics Arts. Su visualización previa adquiere una gran importancia antes de empezar a jugar a este videojuego, ya que el final de esta película de animación se ha enlazado con su inicio. Por lo tanto, a los cultos lectores de Lux Atenea que juegan a “Dead Space” y no entienden del todo su trama, u otras de las características y particularidades que definen y perfilan esta intrigante historia, seguro que esta película resolverá muchas de sus dudas al respecto. “Dead Space: Perdición” es una película de animación cuya trama de ciencia-ficción nos sitúa en el descubrimiento de una gigantesca estructura extraterrestre en la superficie de un planeta, originando un serio conflicto religioso debido al fanatismo que presenta una corriente religiosa cuyos seguidores se autodenominan como unitologistas. Tras este interesante y enigmático hallazgo, extraños sucesos empiezan a encadenarse en la base instalada en las cercanías de esa misteriosa construcción, junto a una serie de asesinatos y de actos violentos como nunca se hayan visto en aquel lugar. Vertebrado por terroríficas sorpresas apareciendo constantemente en pantalla a lo largo de toda la película, debido a las especiales características alienígenas que aquí se presentan, la magnífica combinación de alta tecnología con angustiosos ambientes donde la oscuridad y la sangre están siempre presentes convierten estos escenarios en auténticos cementerios high-tech en el espacio.

Como analista cultural, creo que conviene subrayar que “Dead Space: Perdición” es una extraordinaria película de animación destinada a un público adulto debido a sus impactantes y sangrientas escenas. Presentando dibujos influenciados por este inconfundible estilo de ilustración para diseñar personajes que es característico en el panorama cinematográfico occidental a la hora de crear películas y series de animación, en este largometraje se han combinado imágenes de gran calidad con dibujos muy esquematizados y sin prácticamente tonalidades cromáticas. Un contraste absoluto unido a fascinantes detalles tecnológicos que engrandecen esta película como la sierra de luz, el indicador luminoso de vida que llevan a la espalda los humanos, o el sistema utilizado para sacar el monolito extraterrestre del planeta, nos ofrecen una realidad tecnológica futurista que atraerá a los fieles seguidores de este estilo cinematográfico. Una atmósfera obscura y tétrica donde el misterio y el suspense están presentes esta historia en la mayor parte de su desarrollo. “Dead Space: Perdición” destaca por sus impactantes escenas sangrientas donde la estética gore hace acto de presencia con todo tipo de mutilaciones, desmembramientos, cuerpos que revientan desde dentro, escenarios salpicados con sangre hasta el último rincón, brutales cortes e impactos en los cuerpos… haciéndonos recordar de nuevo que esta película de animación no está hecha para ser visualizada por el público infantil. Después de este necesario apunte artístico, una vez vista y analizada, por su calidad creo que este largometraje debería haber tenido un poco más de promoción en los medios de información para dar a conocer esta impactante obra al gran público, ya que creo que existe un gran número de espectadores interesados en este género cinematográfico en todo el mundo. “Dead Space: Perdición”, una película de animación brutal y terrorífica que será muy apreciada por los incondicionales seguidores de la temática “Alien” dentro de la ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BATTLE ROYALE”, 2000 (Reseña / Review #1683).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1683 // Reseña Media nº: 39
Reseña actualizada. Publicada el 19 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Kinji Fukasaku
Actores principales: Takeshi Kitano (Profesor Kitano), Ko Shibasaki (Mitsuko)
Año : 2000 Duración aprox.: 114 minutos
Publicado por: MANGA FILMS, S.L.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Al inicio del milenio, la nación sufrió una profunda crisis. Con un quince por ciento de desempleo, diez millones de personas quedaron en paro. Ochocientos mil estudiantes boicotearon los institutos. Los adultos dejaron de confiar en la juventud y empezaron a temerla. Finalmente, se aprobó la ley de la reforma educativa del milenio, también conocida como ley B.R”. Con este prólogo comienza la película “Battle Royale”. Frente a una situación cercana a la anarquía en el sistema educativo, se ha aprobado la ley B.R. Los alumnos que son sometidos a la ley Battle Royale, son reunidos en un grupo del cual solamente sobrevivirá uno y la clase B de un instituto ha sido seleccionada. Cuarenta alumnos a los que se les unirá dos incorporaciones sorpresa. Desorientados por esa amarga sorpresa y bajo control militar, son tratados como animales y soltados en un medio hostil cuya ley es la ley de la jungla, la ley del más fuerte. ¿O del más listo? ¿O del que tiene más suerte? ¿O del psicópata más insensible? Ya se verá. Este grupo ha sido trasladado a una isla y cada alumno tiene un collar explosivo en el cuello que se activará cuando las normas se incumplan, teniendo avisos cada seis horas que les informan sobre las zonas peligrosas en la isla. Unos lugares que, una vez activados, estar allí supone la muerte segura. En aquella isla permanecerán durante tres días, pero en ese periodo de tiempo solamente se puede salvar uno de ellos, y si sobreviven más de uno, todos los collares explotan. A cada uno de ellos se les ha dado una mochila de supervivencia que incluye, aparte de comida y objetos para el aseo, un arma aleatoria que puede ser un subfusil, una pistola automática, un revolver, una escopeta, una espada, una ballesta, una navaja… Y en la isla, todo vale, no hay reglas salvo la supervivencia de una única persona. La confusión, la tensión, y el miedo a perder la vida serán los tres factores principales para desencadenar los actos más salvajes y violentos. En un escenario así, ¿confiarías en tu mejor amigo? ¿y en una persona con una actitud inocente? ¿y en palabras que hablan de paz y amor? Además, ¿crees que la unión, la fraternidad, y el amor triunfarían en un entorno tan salvaje? ¿Cuál es la verdadera cara del ser humano? ¿Triunfarán el instinto de supervivencia y los pensamientos más egoístas? ¿Es el débil, una presa fácil?

El actor japonés Takeshi Kitano en el papel del profesor Kitano, se presenta frío, estricto, firme, y con una pesada mochila a la espalda llena de cargas emocionales, destacando sobre todo su mirada y su impasibilidad. Pero Takeshi Kitano comparte protagonismo con otra magnífica actriz como Ko Shibasaki en el papel de una de las alumnas llamada Mitsuko. Una dulce joven que, guadaña en la mano, ve cambiadas sus prioridades en la vida radicalmente. La imagen de Mitsuko impactará al cinéfilo lector de Lux Atenea y, en algunas escenas, llega incluso a cruzar los límites del cine de acción para pasar por unos instantes al cine de terror. Ko Shibasaki tiene grandes cualidades artísticas para destacar como actriz ideal a la hora de dar vida a personajes cargados de intensidad y emotividad porque, en el reino de los gestos, los japoneses son auténticos genios hasta convertir los movimientos y las expresiones corporales en puro arte. Mediante el uso de esta técnica, los gestos de los personajes transmiten al espectador la tensión en la acción que transcurre en cada escena, haciendo que lo viva mucho más intensamente. A nivel sonoro, la Música Clásica que se ha utilizado como banda sonora de la película se revela como un contrapunto necesario para dar ese contraste que realce los actos de violencia. Su paralelismo con la película “La naranja mecánica” (1971) es inmediato, destacando también en su época por su brutal violencia. Música Clásica y violencia, la sensibilidad y lo salvaje configurando dos caras de una misma moneda para exaltar la barbarie.

Dirigida por Kinji Fukasaku, en el momento de rodar esta película tenía setenta años de edad y “Battle Royale” es su película número sesenta. Un artista admirable al cual la edad no le impide seguir desarrollando su creatividad audiovisual, y es digno de elogio verle con estas ganas en el ‘making of’ incluido en los extras del DVD, sorprendiéndonos con este derroche de energía y vitalidad que más quisieran poseer algunos artistas mucho más jóvenes. En su labor como director, tras muchos años de experiencia de rodaje a sus espaldas se ha convertido en todo un maestro del cine de acción con dosis altas de violencia y, en esta obra cinematográfica, la sangre es utilizada sin tener que hacerla correr como auténticos ríos, como así acostumbran a usarla normalmente en muchas otras películas orientales dentro de esta temática. Esto hace que “Battle Royale” sea una película violenta, pero sin llegar a saturar por su exceso de sangre gratuita hasta llegar al gore. En este atrayente largometraje distópico destacan escenas como cuando aparece la cara de una ganadora de la prueba al inicio de la película, la escena del autobús donde todos los alumnos se quedan dormidos menos uno, la escena donde rueda una cabeza con casco y una bonita dentadura, y, sobre todo, destacan las escenas en donde aparece la imagen del video explicativo de Battle Royale y la isla donde van a ser confinados, siendo un guiño al mundo freaky. ¿Alguien se atreve a cuchichear? Como apunte final, comentar que su final sigue la misma línea de las últimas creaciones cinematográficas japonesas incluyendo, como no, esta rayada. Así es la impredecible creatividad del país del Sol Naciente, siempre sorprendente. “Battle Royale”, el juego ha comenzado en esta distopía futurista llena de acción, violencia, y muertes, muchas muertes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PROMESAS DEL ESTE (eastern promises)”, 2007 (Reseña / Review #1682).

Posted on 27 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1682 // Reseña Media nº: 38
Reseña actualizada. Publicada el 16 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: DAVID CRONENBERG
ACTORES PRINCIPALES: NAOMI WATTS, VIGGO MORTENSEN, VINCENT CASSEL, ARMIN MUELLER-STAHL
AÑO: 2007 DURACIÓN APROX.: 100 minutos
PUBLICADO POR: UNIVERSAL PICTURES IBERIA, S.L.C AÑO: 2010
FORMATO: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Promesas del Este” es una coproducción británica y estadounidense basada en el guión escrito por Steven Knight, y dirigida por uno de los directores cinematográficos cuyo talento artístico nos viene deslumbrando desde finales del siglo XX hasta la actualidad: David Cronenberg. Este legendario director canadiense, tomando la ciudad de Londres como escenario para ser mostrada a través de su plano social mafioso y corrupto, en esta extraordinaria película nos ofrece esta cruda visión de la sociedad occidental del siglo XXI caracterizada por su creciente inhumanidad, convirtiendo cada una de sus grandes ciudades en auténticas junglas de cristal, hormigón, y asfalto donde la violencia está latente cada día. Partiendo de una escena inicial donde el cinéfilo lector de Lux Atenea observará a una chica rusa desamparada y moribunda que termina muriendo en el hospital tras su embarazo prematuro, será su diario el origen principal de toda esta violenta trama mostrada a través de contrastes psicológicos continuos. Cuando Anna Khitrova (Naomi Watts) que trabaja en ese hospital de comadrona, coge el diario, debido a que está escrito en ruso y no entiende ese idioma, acaba llevándolo al dueño de un restaurante para que lo traduzca. A partir de ese momento, todo se complicará en su vida debido a los datos tan comprometedores que ese diario tiene en sus páginas sobre un importante jefe mafioso ruso. Pero, por encima de esta intrigante y violenta trama, “Promesas del Este” es una película muy tensa que juega con los sentimientos y con la sensibilidad del espectador para generarle fuertes emociones. Unas emociones que el cine actual parece haber dejado en manos de los efectos especiales, y no basadas en la trama y en los diálogos protagonizados por los actores tras ser realzados en sus interpretaciones. Precisamente por estas admirables interpretaciones, sobre todo la del actor Viggo Mortensen como Nikolai Luzhin, esta película fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea deseosos de poder disfrutar de una buena película.

La actriz británica Naomi Watts interpreta con absoluta credibilidad a Anna Khitrova, un personaje que se mueve emocionalmente a lo largo de toda la película entre la insensibilidad de su tío ruso y el lastre psicológico de su reciente embarazo malogrado. El magnífico actor alemán Armin Mueller-Stahl encarna a Semyon, el dueño del restaurante Trans-Siberian, y con esta mirada imborrable en la gran pantalla destaca especialmente por su inteligencia, su pragmatismo, y su instinto maquiavélico disfrazado de sincera hospitalidad. El extraordinario actor francés Vincent Cassel hace otro excelente papel al dar vida a Kirill, hijo único de Semyon y capitán de Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen) dentro de la organización mafiosa, dando realismo al carácter alocado, visceral, inmaduro, caprichoso, y muy violento de este difícil personaje. Pero es el actor Viggo Mortensen quien más destaca en este largometraje tras su genial interpretación de Nikolai Luzhin, chofer de Semyon (dueño del restaurante) y al servicio de su hijo Kirill, que se comporta de forma muy profesional, fría, y eficaz a la hora de tratar asuntos delicados de la familia para que no dejen rastro. Su peculiar humor negro y su carácter analítico, calculador, misterioso, crea una imagen de indomabilidad y de insondable personalidad que atraerá con toda seguridad la atención del espectador. Como analista cultural, sin duda alguna, valoro su interpretación de Nikolai Luzhin poniéndole cuerpo y alma como una de las mejores de toda su carrera cinematográfica.

En “Promesas del Este”, los personajes principales de esta película son vistos por el espectador en un ambiente plagado de contrastes como el existente entre la hospitalidad y el lujo extremo mostrado por los mafiosos rusos y sus implacables métodos, entre la macabra forma de actuar de Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen) y sus destellos de generosidad y piedad, entre las órdenes oficiales de las fuerzas policiales y el interés del topo para detener al jefe de la organización mafiosa. Todo ello, mostrado siempre con el aura siniestra y peligrosa de este ambiente interno de la mafia rusa mostrado por David Cronenberg en esta película, y que domina e impregna cada fotograma. “Promesas del Este” es una película brutal y salvaje donde las muertes, las venganzas, los asesinatos, la ferviente religiosidad, los negocios sucios que proporcionan grandes márgenes de beneficio, el secretismo siempre latente, los rituales mafiosos, las traiciones… fascinarán al público. Una atracción generada por el simbolismo de los tatuajes dentro de las organizaciones mafiosas rusas, por sus contundentes procedimientos, su impenetrabilidad a la hora de dificultar considerablemente la posible entrada de topos en la organización, por el choque violento entre dos organizaciones mafiosas (en este caso, entre la mafia chechena y la rusa)… Todo ello se convierte en características propias de un impactante largometraje sobre la Mafia, y que han sido potenciadas gracias a la excelsa perspectiva artística de uno de los grandes maestros de la dirección cinematográfica. Impactantes e imborrables escenas a las que nos tiene acostumbrados David Cronenberg a lo largo de toda su dilatada carrera. Concepto, imagen, y mensaje han sido siempre su principal tarjeta de presentación, y los frutos de su visionario talento creativo siguen ofreciéndonos estos largometrajes tan obscuros y sublimes. “Promesas del Este”, todo fiel seguidor de la obra de David Cronenberg no debe perderse esta película rodada por este director de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

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Archivo de la etiqueta: Película Suspense

“SIETE NOTAS EN NEGRO (sette note in nero)”, 1977 (Reseña / Review #1708).

“EL PACTO (the pact)”, 2012 (Reseña / Review #1707).

“LAS DIABÓLICAS (Les diaboliques)”, 1955 (Reseña / Review #1705).

“EL DESTRIPADOR DE NUEVA YORK (Lo squartatore di New York)”, 1982 (Reseña / Review #1704).

“EL TESTAMENTO DEL DOCTOR CORDELIER (Le testament du Docteur Cordelier)”, 1959 (Reseña / Review #1700).

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

“SOSPECHOSOS HABITUALES (the usual suspects)”, 1995 (Reseña / Review #1691).

“DEAD SPACE: PERDICIÓN (dead space: downfall)”, 2008 (Reseña / Review #1684).

“BATTLE ROYALE”, 2000 (Reseña / Review #1683).

“PROMESAS DEL ESTE (eastern promises)”, 2007 (Reseña / Review #1682).