“EL CASO DE LUCY HARBIN (strait-jacket)”, 1964 (Reseña / Review #1740).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1740 // Reseña Media nº: 93
Reseña actualizada. Publicada el 30 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: WILLIAM CASTLE
Guión: ROBERT BLOCH
Actores principales: JOAN CRAWFORD (LUCY HARBIN), DIANE BAKER (CAROL), GEORGE KENNEDY
País: EE.UU Año: 1963 Productora: COLUMBIA PICTURES / WILLIAM CASTLE PRODUCTIONS
Duración aprox.: 92 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2010
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“El Caso de Lucy Harbin” es una película de culto rodada en blanco y negro, y donde podrán disfrutar de un auténtico thriller de suspense y horror. Dirigida por el mítico William Castle, director estadounidense especializado en cine de terror, “El Caso de Lucy Harbin” nos presenta esta excelente trama avalada por la indiscutible calidad de su guion escrito por un auténtico genio del suspense como Robert Bloch, autor de la legendaria novela “Psicosis”. Un largometraje donde los cinéfilos lectores de Lux Atenea sentirán el auténtico terror psicológico gracias al desarrollo de esta compleja y difícil trama que se percibe con credibilidad. Esta película nos presenta el sangriento caso de una esposa engañada por su marido que decidió tomarse la justicia por su mano. Tras haber quedado su marido con una antigua novia en un bar de carretera, aprovechando la ausencia de su mujer la invita a ir a su granja, su hogar familiar. Pero Lucy Harbin, genialmente interpretada por la icónica y admirada actriz estadounidense Joan Crawford, regresa prematuramente a su casa encontrándolos durmiendo en la cama. Tras coger un hacha que encuentra fortuitamente, decide hacer uso de él como un instrumento perfecto para ejecutar la venganza desatando su ira. Ingresada en un psiquiátrico por el macabro y sangriento crimen que ha cometido, tras veinte años de reclusión, las autoridades consideran que Lucy está perfectamente adaptada para poder vivir de nuevo en libertad. El choque emocional que padece Lucy tras su retorno a casa es absoluto, los intentos de su hija Carol por ayudarla no tardarán en aparecer, y madre e hija parecen vivir momentos felices tras su puesta en libertad pero los repentinos e imprevisibles cambios en el temperamento de Lucy empezarán a sorprender a quienes la rodean por su aparente irracionalidad. Toda esta situación tan tensa se incrementará cuando el doctor que la trató llega a su casa y…

Ya en el comienzo de esta película, con la impresionante actuación de Joan Crawford dando carácter, personalidad, y credibilidad a Lucy Harbin en unos momentos tan dramáticos y sangrientos, tras las fantasmagóricas y terroríficas imágenes que verán después como presentación del largometraje, los cinéfilos lectores de Lux Atenea empezarán a darse cuenta que “El Caso de Lucy Harbin” les va a garantizar noventa minutos de suspense en estado puro. Con un exquisito cuidado de la imagen realizada por todo un maestro como William Castle, el expresivo rostro de Joan Crawford encuentra en él al director perfecto para dar el enfoque cinematográfico ideal a sus gestos y expresiones, y con unos ojos de Joan Crawford cuya mirada lo dice todo. Un amplio y selecto espectáculo interpretativo de trasfondo psicológico que podrán disfrutar incluso en el magnífico papel realizado por el actor George Kennedy, y que ha sido contratado como ayudante en la granja por la hija de Lucy, Carol. Por encima de todo, lo que convierte a “El Caso de Lucy Harbin” en una película de culto son sus impresionantes e imborrables secuencias. Escenas como la del asesinato del marido y la amante con la hija de Lucy viéndolo todo, la secuencia de la cama con las cabezas cortadas, cuando Carol está trinchando la carne delante de su madre, la escena donde Carol presenta a su novio Michael a Lucy… junto a impactantes imágenes como el álbum de fotos con las cabezas recortadas o el uso de las sombras como reflejos visuales terroríficos, les llevarán a un inolvidable final de los que se quedan grabados en la mente del cinéfilo para toda la vida. “El Caso de Lucy Harbin”, película de culto y thriller sublime rodado con la hipnótica atmósfera que ofrecen las imágenes en blanco y negro.¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL CAPITAL (le capital)”, 2012 – COSTA-GAVRAS (Reseña / Review #1739).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1739 // Reseña Media nº: 92
Reseña actualizada. Publicada el 5 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: CONSTANTIN COSTA-GAVRAS
Guión: CONSTANTIN COSTA-GAVRAS, KARIM BOUKERCHA, JEAN-CLAUDE GRUMBERG (basado en la novela homónima de Stéphane Osmont)
Actores principales: GAD ELMALEH (Marc Tourneuil), GABRIEL BYRNE (Dittmar Rigule), NATACHA RÉGNIER (Diane Tourneuil), CÉLINE SALLETTE (Maud Baron), LIYA KEBEDE (Nassim), HIPPOLYTE GIRARDOT (Raphaël Sieg)
País: Francia Año: 2012 Productora: THE BUREAU / CENTRE NATIONAL DE LA CINÉMATOGRAPHIE / COFINOVA 8 / K.G. PRODUCTIONS
Duración aprox.: 110 minutos
Publicado en España por: SAVOR DISTRIBUCIONES S.A.
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Entrevistas a Costa-Gavras (VE) y Gabriel Byrne (VO) // Making of (VO) // Trailer

Estamos viviendo una crisis económica en Occidente como nunca antes hubiéramos visto desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Una crisis que va mucho más allá de una crisis económica, al haberse juntado al mismo tiempo varios factores de cambio en la sociedad occidental que son esenciales para poder comprender su origen en profundidad. Lo primero que hay que tener claro es que esta crisis es una crisis financiera por falta de crédito que ha visto potenciados sus efectos en Occidente debido a la transición de sus economías, pasando de una productiva (industrial y comercial) a otra especulativa (bursátil y financiera) a la hora de generar riqueza. Con la producción industrial occidental en declive al haber tomado el relevo las principales naciones asiáticas, la capacidad que tienen los estados para crear miles de puestos de trabajo a través de la creación de nuevas industrias y empresas es mínima al ser mucho más competitivo producir industrialmente en Asia, que en Europa o Estados Unidos de América. Se salvan algunas industrias y empresas de alta tecnología, pero solamente son capaces de absorber unos pocos cientos de miles de trabajadores de alta cualificación, por lo cual no es la solución necesaria para dar trabajo a millones de trabajadores en paro a consecuencia de esta crisis. La otra opción es potenciar el sector servicios y a los autónomos, pero en esta crisis se encuentran con un gran problema: no pueden acceder al crédito. Por lo tanto, si esta crisis parece estar originada por los fondos de inversión y más directamente por los bancos debido al agujero económico que han dejado sus negocios e inversiones especulativas que les impiden dar créditos, y sin créditos a las empresas y a los autónomos no hay capacidad para crear millones de puestos de trabajo en Occidente, en qué mundo financiero están trabajando estos bancos y fondos de inversión para que se puedan crear agujeros económicos de este nivel sin que los gobiernos puedan tener mecanismos de control que los detecten y eviten.

“Sangráis a la gente tres veces. Una, la Bolsa quiere sangre, deslocalizáis y el trabajador se va al paro. Dos, lo sangráis como cliente. Tres, con la deuda en Europa sometéis a los países y se sangra al ciudadano.”

Como analista cultural, he visto muchas películas y documentales que se han ido presentando durante estos últimos años sobre esta temática y, entre todos los que he analizado hasta el momento, la película “El Capital” es una de las que más se ha acercado a la auténtica realidad que se vive en este mundo financiero, y cuyas reglas son las que marcan la sociedad especulativa en la cual estamos viviendo. Nuestra sociedad y la opinión pública siguen pensando que aún seguimos viviendo en una sociedad del Bienestar moderna e industrial en este siglo XXI, cuando en realidad vivimos en una sociedad especulativa y posmoderna que circula por esta autopista financiera mundial llamada globalización, y cuyas reglas y formas de actuar quedan absolutamente fuera del alcance de cualquier nación o gobierno, por poderoso que este sea. Un complejo panorama de intereses cuya área de influencia va más allá de las fronteras de un país. Un escenario poblado por fondos de inversión capaces de manipular las acciones de cualquier empresa o la deuda de cualquier nación en su propio beneficio, y con bancos ávidos de beneficios a cualquier riesgo para poder sobrevivir en esta jungla económica posmoderna del siglo XXI. En la película “El Capital”, el genial y talentoso director de culto Costa-Gavras ha sabido ahondar y luego reflejar en imágenes, este mundo de las altas finanzas donde reina la ley del más fuerte, o sea, del que más dinero y poder tiene y, por ello, más capacidad tiene para multiplicar su dinero a través de la especulación. Si por el camino se cierran empresas rentables, se quedan miles de trabajadores de alta remuneración en paro, o la economía de un país se viene abajo debido a la especulación financiera, al final simplemente son vistos como efectos lógicos e inevitables de un clima financiero mundial absolutamente desregulado y fuera de control. Y mientras todo sea legal, negocios son negocios, o sea, el business as usual del capitalismo.

Los cinefilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el realismo y la naturalidad con la cual Costa-Gavras refleja esta jungla financiera protagonizada por un empleado de banca llamado Marc Tourneuil (actor Gad Elmaleh), cuya ambición le llevará actuando con decisión, con firmeza, y calculando siempre cada paso que da, el poder ir ascendiendo dentro de este mundo de los negocios hasta llegar a la cúspide del poder en el banco en el que trabaja. Un mundo económico ultracompetitivo poblado por lobos, por lobos con piel de cordero, y por corderos con piel de lobo, y donde la ética y la moral son vistos como una cosa del pasado o, más bien, como una debilidad al igual que el interés por engrandecer tu propio país. En un mundo financiero de alcance internacional, a quién le va a preocupar los beneficios o los perjuicios de una decisión económica para el destino de una nación o de su población. En este enturbiado juego de intereses con la banca, los fondos de inversión, y las cotizaciones de las acciones de las empresas como protagonistas, Marc Tourneuil irá viendo amenazado su poder y su independencia a través de presiones de todo tipo donde él, en muchas ocasiones, no es más que una pieza más movida por poderosos intereses económicos situados muy por encima de él y que sólo miran la alta rentabilidad en la inversión a corto plazo. La astucia y la capacidad de engaño de Marc Tourneuil serán puestas a prueba en esta trama donde el drama y la tensión son llevadas a un punto límite. Pero este mundo de ficción recreado en “El Capital” es totalmente real en la sociedad occidental en la que vivimos, al igual que el flujo de capitales que la sostiene, aunque pueda resultar un tanto difícil de asimilar o de aceptar por los cinéfilos lectores de Lux Atenea. “El Capital” es una película cruda y sincera, mostrándose sin tapujo moral o maquillaje ético alguno por parte de su director al exhibirnos la realidad económica en Occidente que la ciudadanía no siempre se quiere ver en este siglo XXI.

“- Hemos tenido en cuenta a las agencias de calificación. Es eso.
– Olvida a esos mafiosos”

Indiscutiblemente, la película “El Capital” deja un mensaje ético y moral en el espectador perfectamente argumentado en imágenes por Costa-Gavras, Pero, en un mundo posmoderno que se caracteriza por regirse únicamente por la ley, dejando a un lado la ética y la moral propias de las sociedades tradicionales y modernas, qué importancia tiene entonces lo ético y lo moral en nuestra realidad cotidiana viviendo en esta sociedad posmoderna donde las cosas son solamente legales o ilegales. Llevados estos principios al mundo de los negocios, a quién le sorprende que quienes tienen el poder para multiplicar su dinero en muy poco tiempo hagan uso de él, siempre que estos movimientos especulativos estén dentro de la legalidad en el país donde realizan. Una forma de hacer negocios que, en la película “El Capital”, está representada con absoluta credibilidad y cinismo por el extraordinario actor Gabriel Byrne en el papel de Dittmar Rigule, hombre a las órdenes de un poderoso fondo de inversión. Dittmar Rigule trata de controlar y de dirigir a Marc Tourneuil para que sus intereses económicos no se vean afectados y discurran por el camino del beneficio que han de seguir, y, por este motivo, Marc Tourneuil se siente presionado y ve su poder amenazado por los dictados que ha de obedecer. Esta es la razón por la cual unos y otros se mueven en un entorno donde la mentira y los subterfugios tienen que estar presentes para no perder el ansiado poder. Un poder que trae consigo grandes beneficios. Economía y poder occidental, dos colosales barcos tratando navegar (y no hundirse) en este salvaje e incontrolable flujo de capitales global capaz de mover inmensas cantidades de dinero de un país a otro en cuestión de segundos. Un dinero que no reconoce ni intereses nacionales, ni ética social, ni moral alguna. El dinero es el sentido y la razón suprema en este siglo XXI. El omnipresente dios de la sociedad posmoderna que rige la globalización, y cuyos dictados han de cumplirse cueste lo que cueste, y caiga quien caiga. La película “El Capital” es muy clara y contundente a este respecto, afectando este credo incluso a personas tan poderosas y aparentemente intocables como Marc Tourneuil.

“- ¿Qué opina de la situación?
– Que es propicia. Es durante las crisis que se crean las diferencias y se amasan fortunas. Y, sobre todo, si se ha tomado la precaución de guarecerse.”

Como no podía ser de otra forma en esta selección de películas que vengo reseñando en Lux Atenea, “El Capital” presenta grandes escenas e imágenes imborrables que deslumbrarán a los cinéfilos, como las secuencias en las cuales se contrasta lo que a Marc Tourneuil le gustaría decir y actuar en esa situación y lo que realmente dice y hace, cuáles son los interesantes análisis psicológicos que Marc Tourneuil hace sobre las personas con las que ha de relacionarse, cómo la top model Nassim (interpretada por Liya Kebede) se va convirtiendo en la irresistible obsesión de Marc Tourneuil, cómo los despidos de personal se convierten en un factor de rentabilidad para las acciones de una gran empresa, u observar la reunión de Stanley y Marc Tourneuil con la tecnología como eje de la conversación respecto a sus aplicaciones financieras, y donde la mano humana es cada vez menos necesaria. Impresiona el alto standing que se observa en la escena cuando Marc entra en el apartamento de Nassim, la decadente atmósfera que se respira en la escena del local donde Nassim lleva a Marc, el lujo y la sofisticación que reflejan este mundo de las altas finanzas, la sencilla y reveladora secuencia cuando Marc Tourneuil explica a su esposa Diane (actriz Natacha Régnier) la jugada financiera en la pantalla de su ordenador, o la escena de la conversación entre la analista especializada en mercados asiáticos y Marc Tourneuil con el idealismo y el pragmatismo materialista frente a frente. Además, los setenta y seis minutos de duración de los extras incluidos en este DVD, con Costa-Gavras y Gabriel Byrne como protagonistas, junto al interesante Making Of de la película, convierten a esta magnífica edición de Savor Distribuciones en una publicación de lo más completa sobre este atrayente y reflexivo largometraje. “El Capital”, crudeza cinematográfica inspirada en la realidad económica actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“QUILLS”, 2000 (Reseña / Review #1738).

Posted on 18 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1738 // Reseña Media nº: 91
Reseña actualizada. Publicada el 7 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: PHILIP KAUFMAN
Guión: DOUG WRIGHT
Actores principales: GEOFFREY RUSH (marqués de Sade), KATE WINSLET (Madeleine ‘Maddy’ LeClerc), JOAQUIN PHOENIX (abate de Coulmier), MICHAEL CAINE (Dr. Royer-Collard), BILLIE WHITELAW (madame LeClerc)
País: EE.UU Año: 2000 Productora: FOX SEARCHLIGHT PICTURES / INDUSTRY ENTERTAINMENT / WALRUS & ASSOCIATES, LTD
Duración aprox.: 120 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA S.A.
Año: 2001 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

¿Por qué el marqués de Sade (1740-1814) sigue atrayendo al público en este siglo XXI? ¿Por qué continúa vigente su espíritu transgresor y provocador en este año 2014, doscientos años después de su muerte? Algo tiene su figura y su mensaje de trasfondo ígneo y corrupto para que sus llamas continúen vivas en la mente de la ciudadanía a través de esta siniestra atracción hacia lo inmoral y lo perverso, teniendo mucha más fuerza psicológica que la repulsión que generan sus degradantes y degenerados textos etiquetados como “propios de una mente enferma”. Tantas veces considerado como una persona viciosa y lujuriosa, creo más bien que la visión del marqués de Sade sobre el libertinaje extremo va mucho más allá de los límites de la lujuria debido a esa esencia humana degradante, egoísta, y autodestructiva que destila la cruda descripción de envilecidos y depravados actos. Dentro de esa perspectiva analítica, en Lux Atenea quisiera resaltar la extraordinaria película “Quills” rodada por el prestigioso director estadounidense Philip Kaufman, después de haber dirigido magníficos largometrajes como “Elegidos para la gloria”, “Henry & June”, “La insoportable levedad del ser”… Con este relevante currículum cinematográfico en su haber, la unión de su especial talento artístico para el cine con la fascinación que provoca un escritor maldito como el marqués de Sade, fue inevitable que su fruto artístico culminara en este grandioso drama donde las pasiones y las debilidades humanas quedan intensamente contrastadas a través de su lado más tenebroso. Actos salvajes que continúan causando estupor, conmoción, y repulsa por su carga mental alejada completamente de la Razón. Un enajenamiento de los sentidos ante lo contemplado que, en el caso de la película “Quills”, toma esta deriva brutal y extrema como espejo revelador de la realidad humana más siniestra cuando no hay nada que lo limite. Esa ruptura total de los límites es lo que observarán los cinéfilos lectores de Lux Atenea cuando visualicen esta magnífica edición en formato DVD, publicada por Twentieth Century Fox Home Entertainment España en el año 2001. Un crescendo emocional desde el primer minuto donde la Razón se verá constantemente atacada ante la contemplación de esta desviación moral y ética degenerada, siendo sobrepasada ampliamente por los inesperados efectos de la hipocresía moral y por la incontenible plasticidad de la inteligencia humana para poder burlar las situaciones más desesperadas. “Quills” es una película de temática extrema porque extrema fue la vida y la obra literaria del marqués de Sade.

“En condiciones adversas, el artista se crece.”

Esta interesante trama nos sitúa en la ciudad de París en el año 1794, quedando ambientados de forma admirable el entorno y la vida cotidiana reinante en aquella época convulsa. Además, la actitud que presentan estos geniales actores ante la cámara con actitudes y gestos propios de aquel siglo, facilitan que el espectador se sumerja mentalmente con mucha facilidad en esta historia, convirtiendo cada suceso en un torrente de emociones cuya intensidad irá en aumento debido a la brutal deriva de los acontecimientos. Una intriga que dará comienzo en la residencia psiquiátrica de Charenton donde el marqués de Sade permanece encerrado. Dirigido con aparente serenidad y calma por el abate de Coulmier, magníficamente interpretado por el actor estadounidense Joaquin Phoenix, verá rápidamente rota su armonía. La ejecución en la guillotina de Mademoiselle Renard será el primer aviso al espectador de que nada va a ser de color de rosa en “Quills”. Luego, el choque inmediato entre el abate y el marqués de Sade, interpretado de forma excelsa por el actor australiano Geoffrey Rush, será una animosa lucha de poder entre enérgicas e irreductibles voluntades donde el abate aparentemente representa el lado bueno, y el marqués de Sade el lado oscuro de la tentación y de la corrupción. Teniendo a la lavandera de la residencia llamada Madeleine Leclérc, espléndidamente interpretada por la actriz Kate Winslet, como campo de batalla en disputa donde comprobar ambos su verdadero poder, será la entrada del doctor Royer-Collard en esta residencia, papel interpretado con obscura y malévola maestría por el actor Michael Caine, lo que llevará la sangrienta marca de la tragedia a cada uno de estos personajes simbólicamente unidos a la degradación moral (marqués de Sade), a la religión vivida con pasionales tabúes carnales difícilmente controlables (abate de Coulmier), a la visión romántica del amor con un toque pícaro (Madeleine Leclérc), y a la crueldad humana tapada con el velo de la respetabilidad social (doctor Royer-Collard). Una interactuación entre personalidades absolutamente incompatibles, salvo en el caso de Madeleine y el marqués de Sade, que generará situaciones caracterizadas por la brutalidad en los actos, y donde el marqués no será precisamente el que salga peor parado de cara a la opinión del espectador una vez finalizada la visualización de esta película.

La constante principal en esta trama será la obsesión del marqués de Sade por escribir sus obras a pesar de las dificultades, siendo el abate y el doctor Royer-Collard los que hagan todo lo posible por evitarlo, sobre todo el manipulador e inmisericorde doctor. Al comienzo de la película, el marqués de Sade se encuentra escribiendo su famosa obra “Justine” (obra literaria ya reseñada en Lux Atenea) de forma oculta a los ojos del abate, entregando sus escritos a la joven Madeleine a la que tiene fascinada. Ella luego se encarga de ponerse en contacto con los editores para que lo publiquen. Cuando tan provocativa obra ve la luz pública y se convierte en un escándalo social, será el propio emperador Napoleón el que dé poder al doctor Royer-Collard para que inspeccione la residencia psiquiátrica de Charenton y evite que el marqués de Sade continúe escribiendo. Cada drástica medida tomada será inteligentemente respondida por el marqués, y cuando le retiran los papeles, la tinta, y las plumas para escribir, utilizará las sábanas como lienzo, el vino como tinta, y un hueso de pollo como pluma. Cuando es descubierta esta argucia, el marqués de Sade usa su propia sangre como tinta y su ropa como lienzo para escribir su obra. Cuando este sistema tampoco le acaba sirviendo, a falta de un método de escritura termina organizando una ingeniosa forma de continuar su actividad literaria: a través de un agujero en la pared le va diciendo las frases que componen su obra a otro paciente ingresado, y este en una cadena con otros pacientes al final acaban dictándoselo a Madeleine para que los vaya escribiendo. Pero cuando incluso este sistema es descubierto, en una situación tan límite y desesperada, al final un moribundo marqués de Sade aún continuará escribiendo usando sus excrementos en las paredes de su celda, desafiando al abate y al doctor enfrentados el creador literario cuyas obras son consideradas como un peligro para la sociedad. Lo más ruin e hipócrita llegará años después, una vez muerto el marqués de Sade, cuando el doctor Royer-Collard ponga a los pacientes de la residencia a trabajar imprimiendo las obras del marqués de Sade por el lucrativo negocio literario que genera. Una muestra más de la hipocresía que tienen en esta vida quienes dan lecciones morales y éticas.

“Es la primera regla de la política: el hombre que ordena la ejecución jamás hace caer la hoja.”

El choque entre el marqués de Sade y el abate es desigual y claramente a favor del marqués. Conoce bien sus debilidades carnales, y explota ese talón de Aquiles que rompe su equilibrio interior basado en la religión para provocarle aún más y enfrentarle a sus miedos, temores, e incontrolables pasiones. El abate trata de contener la pasión que siente hacia Madeleine, y esa tentación irá en aumento hasta llegar a una siniestra pesadilla protagonizada por él donde el cuerpo presente de Madeleine es ultrajado. Un shock emocional que pasará factura al abate, junto a las acciones extremas que éste ejecutará contra el marqués de Sade en una horrenda y macabra deriva que irá mostrándose cada vez más brutal según vaya aumentando su debilidad. Cuando el doctor Royer-Collard haga acto de presencia en la residencia es cuando estas acciones se llevarán al extremo más absoluto, y el marqués de Sade conoce muy bien al doctor nada más verlo porque es otro ser humano igual o más envilecido y degenerado que él. La sátira representación teatral que el marqués dirige en la residencia, de temática inspirada en el recién llegado doctor, se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película por su mensaje sarcástico e irónico sobre la verdadera personalidad del doctor. Un espejo en el cual se refleja su realidad oculta ante el público asistente sin velo ni máscara alguna, clamando venganza por su osado atrevimiento. Un desvelo ácido y directo de su hipocresía que es donde la mente del marqués de Sade se encuentra como pez en el agua a la hora de describir y de representar la terrible realidad del ser humano. Sade conoce muy bien cómo piensa y actúa el doctor porque él es igual, pero sin la máscara social de lo respetable, y este es el motivo por el cual desvela la realidad humana en sus obras literarias a través de la descripción de actos dignos del más macabro y horrible infierno.

“Os recuerdo que yo no he creado este mundo. Sólo lo documento.”

Qué grandeza artística mostrada por el director Philip Kaufman a la hora de crear escenas imborrables en la mente del espectador, siendo uno de los apartados cinematográficos donde destaca este largometraje de forma sobresaliente. Con actores de esta categoría entregados en cuerpo y alma a la interpretación de sus respectivos papeles, solamente queda la maestría artística del director para crear la magia cinematográfica en la gran pantalla. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo extraordinarias escenas como el drama y la desesperación que se respira en la ejecución de Mademoiselle Renard, en la terrorífica visión de la institución dirigida por el doctor Royer-Collard y los brutales métodos de rehabilitación que aplica a sus pacientes, en la decoración un tanto bizarra de la celda del marqués de Sade, observando la inquisitorial silla calmante del doctor Royer-Collard, con el brutal trato que el doctor da a su jovencísima esposa Simone, en la inteligente escena donde el doctor va manipulando a la esposa del marqués para orientarla hacia sus intereses, en la secuencia donde se ve a Simone camuflando el libro “Justine” para poder leerlo sin miedo de ser descubierta por la inquisitiva mirada del doctor, con la sublime imagen del marqués de Sade vestido con el traje donde ha escrito los nuevos capítulos de su obra (¡¡¡impresionante!!!), o en la tensa e impactante escena del abate con el marqués de Sade encadenado, y el crucifijo. “Quills”, el Séptimo Arte convirtiendo al polémico marqués de Sade en protagonista y perverso antihéroe en esta magna película. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TENEBRE (tenebrae)”, 2012 (Reseña / Review #1737).

Posted on 17 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1737 // Reseña Media nº: 90
Reseña actualizada. Publicada el 30 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: DARIO ARGENTO
Guión: DARIO ARGENTO
Actores principales: ANTHONY FRANCIOSA, JOHN SAXON
País: ITALIA Año: 1982 Productora: SIGMA CINEMATOGRAFICA ROMA
Duración aprox.: 110 minutos
Publicado en España por: CREATIVE FILMS, S.L.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Dentro del cine de terror italiano, en la mítica película “Tenebre (Tenebrae)” estrenada oficialmente en el año 1982, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de uno de los mejores largometrajes rodados por el maestro del cine giallo Dario Argento (‘amarillo’ en español, debido al color de las portadas de las novelas en las cuales solían basarse el guion de estas sangrientas películas). Presentando magníficas obras artísticas como “Tenebre”, el cine giallo consolidará su expansión y éxito internacional, siendo una muestra clara del interés mostrado por la industria del cine a nivel mundial que Dario Argento pudiera contar con dos magníficos actores estadounidenses como Anthony Franciosa, conocido por el público español tras su participación en la película “El Largo y Cálido Verano” junto al mítico actor Paul Newman, o en “Un Rostro en la Multitud” dirigida por Elia Kazan, y John Saxon, protagonista en películas tan famosas como “Operación Dragón” junto a Bruce Lee, o en la primera y tercera parte de “Pesadilla en Elm Street”, dando alma y personalidad a dos importantes protagonistas en esta historia. Por su impactantes imágenes y escenografía, “Tenebre” es una película bizarra, violenta, y macabra donde Dario Argento nos presenta esta historia basada en la secuencia de crímenes que se suceden tras la presentación en Roma de la novela “Tenebrae”. Una promoción realizada por el propio escritor estadounidense Paul Neal (Anthony Franciosa) en Italia, y que desencadenará una serie de horribles actos sangrientos donde un admirador suyo decide imitar cada uno de los crímenes descritos en su reciente obra. Tras cada cruel asesinato, el escritor Paul Neal recibirá un mensaje de este salvaje homicida en el apartamento donde se hospeda, quedando muy claro para las autoridades policiales que cada uno de esos crímenes guardan relación directa con su libro “Tenebrae”. En medio de esta macabra locura, el escritor Peter Neal intentará descubrir quién es el psicótico asesino admirador suyo.

En esta película, el talentoso maestro Dario Argento perfila una obra cinematográfica oscura, selénica, y sangrienta basada en la perversión humana y su efecto en la sociedad. Una película donde la más improbable locura es posible debido a los brutales asesinatos que, a lo largo de toda la película, se van sucediendo a través de escenas muy crudas y de lo más impactantes. Una novela titulada “Tenebrae” cuya trama está basada en perversiones que toman como fundamento un crimen ejecutado en el pasado, y con el asesinato y la violencia planteadas como una redención personal. Pero cuando ese criminal literario ficticio es imitado en la vida real por un perturbado asesino, incluso sacará fotos de las personas a las cuales mata como reflejo de esas escenas de atmósfera un tanto onírica y fetichista relacionadas con traumas y sus secuelas violentas, y que han quedado descritas en las páginas del libro. Una relación inquietante y tan directa que Dario Argento no dudará en unir lo carnal y la sangre para perfilar algunas partes de su rodaje. En “Tenebre”, su creatividad artística llevada a lo siniestro y al horror configura y define secuencias tan inquietantes como cuando la sombra del asesino se proyecta en las paredes con toda su carga psicológica del terror inminente, en la escena donde la chica es perseguida por el dóberman, o, incluso, en imágenes tan simbólicas como cuando el asesino usa su navaja para romper una bombilla encendida, en una toma rodada cargada de belleza inconfundiblemente siniestra. Con un nivel de tensión creciente a lo largo de todo el largometraje, los cinéfilos lectores que vean la película “Tenebre” podrán sentir momentos únicos de horror y suspense, y con treinta minutos finales impresionantes donde no faltará la sorpresa porque Dario Argento es todo un maestro a la hora de dificultar al espectador la identificación del posible asesino, aumentando más la atención y intriga con ello. “Tenebre”, mítico thriller psicológico basado en una mente perturbada que asesina de forma inmisericorde. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CAMINO A LA PERDICIÓN (road to Perdition)”, 2002 (Reseña / Review #1736).

Posted on 16 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1736 // Reseña Media nº: 89
Reseña actualizada. Publicada el 25 de junio del año 2012 en Lux Atenea conmemorando el 10º aniversario del estreno de la mítica película “CAMINO A LA PERDICIÓN” (2002).

Director: SAM MENDES
Guión: DAVID SELF
Actores principales: TOM HANKS (Michael Sullivan), PAUL NEWMAN (John Rooney), JUDE LAW (Harlen Maguire), JENNIFER JASON LEIGH (Annie Sullivan), STANLEY TUCCI (Frank Nitti), DANIEL CRAIG (Connor Rooney), CIARÁN HINDS (Finn McGovern)
País: EE.UU Año: 2002 Productora: DREAMWORKS PICTURES / 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 112 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2003 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Comentarios del director // Cómo se hizo // Escenas inéditas // Spot de la banda sonora // Selección de imágenes // Biografías del reparto y equipo de producción // Notas de producción

Galardonada en el año 2002 con el Oscar a la Mejor Fotografía, la película “Camino a la Perdición” celebra su décimo aniversario este año 2012 sin haber perdido un ápice de su espectacularidad cinematográfica. Con una intrigante trama basada en el cómic “Road to Perdition” creado por Max Allan Collins y Richard Piers Rayner, “Camino a la Perdición” lo tiene todo como legendaria película de gángsters ambientada en la década de los treinta. Con la Ley Seca en vigor como revulsivo económico principal en el crimen organizado para alcanzar la riqueza, y con la lucha entre clanes por el control del lucrativo contrabando de alcohol, uno de sus grandes generadores de beneficio, algo tienen de especial estos largometrajes tan bien rodados sobre el mundo de la Mafia que inmediatamente se transforman en películas míticas en cuanto son presentadas ante el gran público. Vidas al límite donde la abundancia material y el disfrute de todo tipo de placeres que se puedan comprar con dinero, se le une ese estado de libertad individual donde el gángster está situado al margen de la ley, siendo su única ley el poderoso y sangriento uso de las armas sin muestra de piedad alguna. Todo ello crea cierta empatía en el espectador con sus protagonistas principales, a pesar de sus tenebrosas formas de ganar dinero y del temor constante a poder perder la vida en cualquier momento, convirtiéndose en el vínculo emocional más directo que se establece entre estos antihéroes y el espectador, Una intensidad emocional aún más extrema e impetuosa en películas como “Camino a la Perdición”. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán cautivados al ser mostrado con todo lujo de detalles en esta magna obra, a través de impresionantes secuencias con iluminación artificial en recintos cerrados y preciosas tomas realizadas en exteriores, disfrutándolas con la mirada atenta a tanta belleza artística reflejada en imágenes.

La trama de “Camino a la Perdición” está basada en la historia contada por el hijo de Michael Sullivan sobre los acontecimientos que sucedieron en el invierno de 1931. Situados en Rock Island, territorio dominado y controlado por la mafia irlandesa, Michael Sullivan (Tom Hanks) es un asesino a sueldo con una familia que mantener (mujer y dos hijos) y tiene como jefe a John Rooney (Paul Newman), el cual le va ordenando los trabajos que ha de ejecutar. En una noche lluviosa, John Rooney le ordena que acompañe a su hijo Coonor Rooney (Daniel Craig) a resolver un asunto, pero Coonor Rooney es una persona sin autocontrol, impulsivo, con su suspicacia permanentemente en alerta, y de retorcida capacidad de análisis, y estos graves defectos en su personalidad le llevan a cometer un asesinato. El problema vendrá cuando Michael Sullivan descubra que uno de sus hijos lo ha visto todo, tras haberles acompañado escondido en los asientos traseros del coche. A partir de ese momento, la omertá no será la garantía que salvaguarde sus vidas, y todo se irá complicando poco a poco mientras observamos cómo la atmósfera de familiaridad, de confianza, y de respeto entre Michael Sullivan y John Rooney se va deteriorando tras ese trágico incidente, llevando el drama y el dolor consigo como consecuencia inmediata para su familia. Una siniestra causa-efecto donde el poder, el dinero, y el silencio suelen entremezclarse en complicados nudos de difícil desenredo salvo a través del asesinato, y que tendrá como colofón y punto de ruptura definitivo, la impresionante escena de Michael Sullivan en su charla con el dueño del local y la acción inmisericorde que sucede a continuación en su hogar. Tras estos duros acontecimientos en su vida, Michael Sullivan decide tomar cartas en el asunto y tomarse la justicia por su mano, y en una huida desesperada donde la protección de su único hijo será lo que le mueva, toma las medidas que cree necesarias para garantizar su supervivencia por duras y radicales que estas sean. Michael Sullivan trata de recurrir a otros jefes de la mafia buscando protección, dando entrada a los hombres de Al Capone en este asunto para complicar aún más esta interesante trama. Ver cómo John Rooney va adelantándose a los movimientos de Michael Sullivan, y cómo éste último concibe una inteligente estrategia para lograr alcanzar su complicado objetivo, se convierte en uno de los pilares principales de esta intensa trama junto a la relación padre-hijo que se establece a partir de entonces. Un factor esencial en la vertebración y evolución de esta historia.

En “Camino a la Perdición”, el plantel de actores es sencillamente espectacular con la participación de grandes estrellas dentro de la Historia del Cine como Paul Newman, Tom Hanks, Jude Law, Daniel Craig… o actores de auténtico lujo como Stanley Tucci, cuyo talento interpretativo vuelve a brillar en una película sobre la Mafia de esta categoría. Actores que han convertido este largometraje en referencia indiscutible dentro de este género cinematográfico. Además, su magnífica banda sonora compuesta por Thomas Newman, consigue que nos identifiquemos mental y emocionalmente con cada una de estas espectaculares escenas rodadas por todo un maestro como Sam Mendes, director de “American Beauty”. Un virtuoso creador de brillantes escenas cuyas imágenes se quedarán grabadas en la mente de los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Y es que “Camino a la Perdición” tiene la grandeza artística de haber convertido el cine negro rodado a principios del siglo XXI en puro arte en la gran pantalla, siendo la magia en la dirección de Sam Mendes, el factor clave de este realismo audiovisual ambientado en la Gran Depresión y con una intensidad dramática constante a lo largo de toda la película hasta el último segundo. La detallada recreación de aquella época, el cuidado en el vestuario, y el realismo absoluto en estas escenas, dan credibilidad absoluta a este largometraje donde los gestos y las miradas lo dicen todo. Es increíble esta ambientación de un funeral irlandés, completamente opuesto al típico velatorio propio de la cultura mediterránea, y en relación al arte interpretativo quedan resaltados los gestos y todo el lenguaje no verbal unido a las emociones que transmiten cada uno de estos actores en sus personajes, incluso, hasta en la aparente familiaridad de John Connor (Paul Newman) con Michael Sullivan (Tom Hanks), en contraste con la permanente e imperturbable seriedad en su rostro. No hay nada mejor que reflejar emociones en una película con gestos y miradas para crear sentimientos en el espectador y, en este sentido, “Camino a la Perdición” une fuertemente ese vínculo emocional.

Como analista cultural, quisiera destacar la impresionante interpretación realizada por el actor estadounidense Stanley Tucci en el magnífico papel de Frank Nitti. Su postura firme, sus modos elegantes, y su lógica pragmática en defensa de sus intereses y de sus negocios dan la imagen perfecta del jefe de la mafia impoluto que, situado más allá del Bien y del Mal, lleva a cabo sus acciones siempre tras haber analizado con detenimiento y profundidad si esos actos le traerán algún beneficio. En definitiva, un papel perfecto para este actor de auténtico lujo en una película de cine negro. Otro de los actores que le sorprenderá por sus extraordinarias aptitudes interpretativas es Jude Law en el papel de Harlen Maguire, frío y calculador asesino a sueldo con cualidades psicológicas dignas de un implacable ejecutor. Su interpretación es sencillamente magistral, y con interpretaciones de este nivel, seguiré insistiendo que Jude Law es uno de los actores más infravalorados por la industria cinematográfica de Hollywood en vista a su magnífica calidad como actor, y a su hipnótico magnetismo cada vez que hace acto de presencia en una escena. Observar cómo Harlen Maguire va siguiendo incansablemente a Michael Sullivan como un sabueso tras su presa, vaya a donde vaya, haga lo que haga, y sin que nunca sea capaz de percibir su presencia, salvo cuando la suerte está echada, ofrece al espectador uno de esos personajes que dejan huella debido a sus razonamientos más propios de un psicópata, y que Jude Law los convierte en perfectamente creíbles ante nuestra atenta mirada. Una pena que solamente en películas de este nivel se haya podido sacar partido a todas sus dotes interpretativas más que sobresalientes.

En esta película, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de escenas tan espectaculares como el asesinato en la habitación del hotel y esa puerta con espejo en el baño reflejando el sangriento escenario mientras se va cerrando, la secuencia de la salida de Michael Sullivan del banco y la lenta llegada del coche conducido por su hijo, en la macabra escena del velatorio donde Michael Sullivan y su hijo se encuentran ante el féretro mientras el hielo para conservar el cadáver va derritiéndose poco a poco, cuando aconseja a su hijo a qué religiosos puede comentarles lo sucedido y a cuáles no, en la extraordinaria y tensa escena del restaurante de carretera, la preciosa secuencia donde Michael Sullivan y John Rooney tocan el piano juntos bajo la atenta la mirada de Connor Rooney, o en la sorprendente escena donde Jude Law va a una casa como reportero freelance para fotografiar el asesinato que allí ha ocurrido. En “Camino a la Perdición”, la tensión y la intriga son siempre constantes como en la afilada escena de la reunión de John Rooney donde deja en ridículo a su hijo delante de todos los jefes, en la magnífica secuencia de la suite del hotel donde se enfrentan Michael Sullivan y Harlen Maguire, cuando el coche de Michael Sullivan va recorriendo las carreteras tratando de alejarse del área de influencia de Connor Rooney, en la idílica escena de la playa con Michael Sullivan, su hijo, y el perro, pero, sobre todo, quedarán sumamente impactados cuando vean la escena de John Rooney y sus guardaespaldas acompañándole a su coche en esa noche fría y lluviosa. En definitiva, arte cinematográfico de alto nivel cuya visualización repetirán a lo largo de los años y de las décadas. “Camino a la Perdición”, el cine negro más excelso haciendo aún más grande al Séptimo Arte en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA CARNE Y EL DEMONIO (the flesh and the fiends)”, 1959 (Reseña / Review #1735).

Posted on 15 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1735 // Reseña Media nº: 88
Reseña actualizada. Publicada el 8 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: JOHN GILLING
Guión: JOHN GILLING y LEON GRIFFITHS
Actores principales: PETER CUSHING (Dr. Robert Knox), JUNE LAVERICK (Martha Knox), DONALD PLEASENCE (William Hare), GEORGE ROSE (William Burke), JOHN CAIRNEY (Christopher Jackson), BILLIE WHITELAW (Mary Patterson), RENEE HOUSTON (Helen Burke), DERMOT WALSH (Dr. Geoffrey Mitchell), MELVYN HAYES (Jamie)
País: REINO UNIDO Año: 1959 Productora: TRIAD PRODUCTIONS LTD.
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: CINEMA INTERNATIONAL MEDIA, S.L.
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Este largometraje no es una película de terror más. Es cine británico de culto. Rodada por el director inglés John Gilling (1912-1984) en el insustituible y cautivador celuloide en blanco y negro, “La Carne y el Demonio” es una película que, por su lúgubre y escabrosa temática, me ha hecho recordar el inolvidable relato corto “Los Ladrones de Cadáveres” incluido en el libro “El Diablillo de la Botella y otros relatos” de Robert Louis Stevenson (ya reseñado en Lux Atenea Webzine). Cuando, a principios del siglo XIX en Reino Unido, los médicos y científicos empiezan a necesitar cadáveres para sus investigaciones, se crea un lucrativo negocio encargado de abastecerles de cadáveres. Durante los siguientes años, la necesidad de cubrir esa demanda llevará a los conocidos como ‘ladrones de cadáveres’ a multiplicar sus acciones, y a extender una psicosis entre la ciudadanía debido al considerable incremento de robos de cuerpos de fallecidos de sus propias tumbas que se empieza a detectar en los cementerios de todo el país. A tal extremo llegará esta psicosis y el miedo de la gente a que roben el cuerpo del familiar muerto que, incluso, llegarán a poner jaulas con fuertes barrotes en las tumbas para que los ladrones de cadáveres no se los puedan llevar. Por lo tanto, cuando vean una de estas tumbas con jaula en persona o en imagen, piensen que ésta no se instaló porque el fallecido fuera un vampiro como he llegado a escuchar decir (o incluso leer) a algunos fantasiosos expertos en medios de información, sino que realmente se construían para que no fuera robado el cuerpo del fallecido por los ladrones de cadáveres en aquella época. Cuando la demanda llega a ser tal que los precios que se pagan por los cadáveres son desorbitantes, algunas personas dedicadas a este macabro comercio no dudaron en llegar al asesinato para poder satisfacer ese mercado, contando siempre con la complicidad de los compradores que no solían preguntar nunca el origen de ese cuerpo entregado, aunque creo que estos mismos compradores acababan conociendo la verdad sobre su muerte en cuanto tuvieran conocimientos médicos o forenses, y observaran y analizaran el cadáver. Una sangrienta historia de terror y misterio en la cual está basada la trama de este largometraje de culto dentro de este género cinematográfico, y que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán visualizar en esta magnífica edición de la película en formato DVD publicada por Cinema International Media en 2013. Sin duda alguna, “La Carne y el Demonio” es una clara muestra del mejor cine británico de horror con ese arte y ese estilo inconfundible que le caracterizó a la hora de rodar tan magnas y siniestras escenas.

La trama de “La Carne y el Demonio” está basada en los hechos reales ocurridos en la ciudad de Edimburgo en el año 1828, lugar donde el doctor Robert Knox llegó a comprar para sus investigaciones médicas algunos cadáveres de personas que habían asesinado William Burke y William Hare para hacer este tipo de negocios. Una historia que comienza con la tenebrosa e impactante escena de la llegada de los ladrones de cadáveres al cementerio donde, tras dirigirse a una tumba, proceden a excavarla para sacar al fallecido. La fuerza visual de la cruz como silencioso testigo del robo del cuerpo, envía con macabra nitidez al espectador ese vandálico y repudiable acto de sacrilegio en una tumba con el único móvil del beneficio económico. Un contraste absoluto entre la visión sagrada del mundo de los muertos y el impulso materialista donde todo es válido con tal de ganar dinero. A continuación, aparecerá la aparente normalidad con la llegada de Martha Knox (actriz June Laverick) a la Academia de Anatomía del doctor Knox en Edimburgo, y su encuentro con el doctor Geoffrey Mitchell (actor Dermot Walsh). Tras presenciar el discurso del doctor Robert Knox (interpretado por el legendario actor Peter Cushing) ante sus alumnos, tío y sobrina se ven tras la larga temporada vivida en la ciudad de París pero Martha desconoce algunos terribles secretos que allí se ocultan. La trama irá desarrollándose poco a poco en torno a los dos ladrones de cadáveres con William Hare (actor Donald Pleasence) como desalmado cerebro que no deja pasar una ocasión para conseguir dinero, y William Burke (actor George Rose) como ayudante con un coeficiente intelectual un tanto limitado. Sus ansias de conseguir dinero fácil les llevará a cometer un asesinato tras otro, y ese sangriento círculo vicioso de muerte, dinero, y cuerpos humanos para la investigación empezará a implicar al propio doctor Knox al encubrir la actividad de estos dos asesinos, vertebrando en una trama que se cerrará con este espectacular e inquietante final. Una historia de horror que se vuelve absolutamente creíble a los ojos del espectador gracias al extraordinario nivel de interpretación mostrado tanto por sus actores principales como por los secundarios, creando la conexión mental y la ambientación perfecta para alcanzar esta magia artística y emocional que fundamenta la esencia del cine como espectáculo inigualable.

Visualizar esta película es una experiencia difícil de olvidar por la tenebrosa belleza de sus imágenes, rodadas en blanco y negro con el formato panorámico del sistema Dylascope, proyectando una ambientación tan lúgubre en sus escenas más siniestras que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea, sobre todo con esta impresionante banda sonora de estilo clásico compuesta con maestría por Stanley Black. Un largometraje inolvidable dentro del mejor cine británico de horror que les impresionará con sus escenas e imágenes, como al contemplar esas fugaces y densas brumas presentes en el cementerio cuando estos dos ladrones están tirando de las cadenas para sacar un muerto de su tumba, la siniestra visión del sirviente llevando el esqueleto cuando llega Martha a la Academia de Anatomía, la cara de desprecio del doctor Knox cuando delante de su sobrina el alumno Christopher Jackson (actor John Cairney) le anuncia la llegada de un nuevo cadáver para diseccionar, o en el gran contraste existente entre las lujosas y luminosas escenas relacionadas con la vida cotidiana del doctor Knox en su faceta pública y familiar, respecto a las obscuras, claustrofóbicas, sombrías, y decadentes secuencias directamente relacionadas con el turbulento mundo en el que se mueven estos dos ladrones. “La Carne y el Demonio” les cautivará con el ambiente libertino y voluptuoso que se vive en la taberna The Merry Duke, con el debate filosófico entre la Ciencia y la religión en relación a los cadáveres y al alma que fundamenta una de las escenas más importantes de esta película, o con el profundo shock psicológico que aparece cada vez que sumergen un cadáver en salmuera. Un entorno decadente que se observa en las sucias y angostas calles que presenta el barrio donde se mueven estos dos ladrones, también observando los gestos en sus terribles caras cuando asesinan a la anciana Aggie, o la espeluznante imagen del cadáver de Mary Patterson tapado con la sábana (actriz Billie Whitelaw) y la simbólica figura del esqueleto detrás. Pero en esta película también está presente la acción marcada por la tensión y la desesperación, como la brutal escena protagonizada por Jamie (actor Melvyn Hayes) y los dos ladrones de cadáveres, o la impresionante secuencia de los ciudadanos con antorchas reclamando justicia, una de las mejores escenas rodadas en este largometraje. Impresiona ver la flemática actitud del doctor Knox ante sus alumnos en un aula prácticamente vacía y con las protestas de la gente como sonido de fondo, en un virtuosismo interpretativo como solamente un actor de la categoría de Peter Cushing es capaz de realizar, o ver el cruel destino que le espera a William Hare cuando es puesto en libertad, además de la sencilla y reveladora escena del doctor Knox y la niña que le hace ver y comprender en un instante la auténtica realidad de sus actos. Una vez visualizada esta extraordinaria obra cinematográfica, no duden que el juicio moral y ético en su final siempre quedará en manos de cada espectador en función de sus valores personales. Tradición y religión versus Ciencia y laicismo. “La Carne y el Demonio”, una de las mejores películas sobre la tétrica temática de los ladrones de cadáveres del siglo XIX y el turbio negocio que el mundo de la Ciencia creó con su demanda. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA VENUS RUBIA (blonde Venus)”, 1932 (Reseña / Review #1734).

Posted on 14 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1734 // Reseña Media nº: 87
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: JOSEF von STERNBERG
Guión: JULES FURTHMAN y S.K.LAUREN
Actores principales: MARLENE DIETRICH (Helen Faraday), CARY GRANT (Nick Townsend), HERBERT MARSHALL (Edward Faraday)
País: EE.UU Año: 1932 Productora: PARAMOUNT PICTURES
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBÉRICA, S.L. Año: 2010
Formato: DVD edición coleccionista con libreto de 34 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

La amalgama artística formada por el director Josef von Sternberg (1894-1969) con la mítica actriz Marlene Dietrich (1901-1992) ha dejado a la posteridad estos deslumbrantes frutos cinematográficos, siendo una de sus joyas más preciadas y brillantes la excelente película “La Venus Rubia”. Rodado en el mágico y cautivador celuloide en blanco y negro, “La Venus Rubia” es un largometraje basado en la dramática historia del científico estadounidense Edward Faraday entregado al trabajo (actor Herbert Marshall) que, tras conocer un día a la artista alemana Helen (interpretada magistralmente por la diosa Marlene Dietrich), cae irremediablemente enamorado de ella, deciden casarse, y tienen un hijo. Pero, dentro de esa relación, la actitud de Edward Faraday hacia Helen es la de un hombre que identifica a su mujer con sus ideales más ensoñadores, y la cruda realidad terminará por despertarle de tan dulces e irrealizables sueños. Helen, como mujer libre y moderna cuya mirada a la vida está siendo condicionada y asfixiada por la ética y la moral social sobre lo que es considerado como correcto (la mujer ha de casarse, tener hijos, cuidarlos como una buena madre, sacrificar su vida en pro de su marido y de sus hijos…), terminará finalmente aceptando que su naturaleza es diametralmente opuesta a ese rol materno porque le provoca un profundo vacío existencial. El instinto, la mentalidad moderna opuesta a lo tradicional, la forma de ser auténtica consigo misma, la perspectiva que tiene Helen para sentir el mundo, serán los factores que terminen imponiéndose a pesar de los sinsabores y de las inseguridades que la vida pueda llegar a ofrecerle en el futuro. Helen observa su matrimonio como una unión entre un hombre que no la ve como ella es, sino como un ideal femenino, y ella misma como esposa se ve incapaz de seguir aceptando ese rol que no le satisface en absoluto, llegando a la conclusión de que ni el destino más benigno para ellos podría llevarles a consolidar esa relación de pareja imposible de asentar. Edward Faraday quedará finalmente a cargo del hijo, Helen retorna al mundo del espectáculo y del alegre music hall pero, cuando conoce a un dandi económicamente muy solvente llamado Nick Townsend (personaje interpretado por este jovencísimo Cary Grant), la lucha por la custodia de su hijo no habrá hecho más que empezar.

En “La Venus Rubia”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán comprender cómo la divina Marlene Dietrich consolida su imagen de femme fatal por excelencia dentro del mundo del cine en aquella época. Marlene Dietrich es una actriz espectacular, y una mujer inalcanzable para el resto de los mortales cuya sensual belleza logra despertar grandes pasiones entre el público a través de una ambigüedad sexual perfumada con sutiles matices perversos, aumentando su glorificada imagen como Excelsa Diva entre las grandes divas cinematográficas. Una obra de irresistible atmósfera en la cual quedarán sus mentes atrapadas tras contemplar la hierática belleza de Marlene Dietrich en la gran pantalla. Pero “La Venus Rubia” también fue una película que crearía cierta polémica en su época no sólo a nivel social tras su estreno, sino también entre los mismos directivos de la productora antes y durante su rodaje. El choque absoluto entre la mentalidad conservadora de los magnates de Hollywood y el reflejo cinematográfico de las imparables corrientes sociales modernas que ya empezaron a aparecer en la década de los veinte, sería inevitable. Este proyecto artístico llegaría a buen puerto con un éxito indiscutible entre el público que, a pesar de las décadas que han pasado desde su estreno y de los radicales cambios sociales que se han sucedido desde entonces, la película “La Venus Rubia” sigue conservando esa brillantez cinematográfica inmutable en el siglo XXI. Quisiera destacar el magnífico trabajo realizado por el actor británico Herbert Marshall (1890-1966) interpretando el papel de Edward Faraday como marido buenazo y sereno, y al joven Cary Grant identificado en aquella época con la imagen del dandi seductor y elegante, y al que le falta un poco de esa fascinación visual e interpretativa con las cuales nos deslumbraría en rodajes realizados en años posteriores. Tras “La Venus Rubia”, fue imparable carrera de Cary Grant hacia el estrellato en Hollywood, encontrando en las comedias su equilibrio interpretativo perfecto a la hora de mostrar ese lado más irónico y divertido en escena (recomiendo la lectura de la reseña sobre la biografía de Cary Grant que publiqué en Lux Atenea). “La Venus Rubia” es una película mítica que deja al espectador con ese regusto decadente por su trasfondo y sobre lo que es la existencia humana en sus diferentes perspectivas, actitudes, y motivaciones. Además, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que logren adquirir esta lujosa edición en formato DVD más libreto, podrán disfrutar de todas las escenas censuradas en aquella época en su versión original subtitulada. “La Venus Rubia”, mítico largometraje cuya trama está basada en la imposibilidad de ser aquello que va en contra de la verdadera naturaleza de la persona, por mucho que se desee. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LENI RIEFENSTAHL: EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD / OLYMPIA (Triumph der Willems / Olympia)” (Reseña / Review #1733).

Posted on 14 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1733 // Reseña Media nº: 86
Reseña actualizada. Publicada el 29 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Director: LENI RIEFENSTAHL
Guión: LENI RIEFENSTAHL
País: ALEMANIA Año: 1935 (El Triunfo de la Voluntad) / 1938 (Olympia)
Productora: REICHSPARTEITAGSFILM (El Triunfo de la Voluntad); OLYMPIA FILM / TOBIS FILM KUNST (Olympia)
Duración aprox.: 102 minutos / 191 minutos / 81 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: Digipak 3DVD con libreto de 6 páginas, edición especial coleccionista (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: “El triunfo de la voluntad” 1935
DVD 2: “Olympia” 1938 (Olimpia: Olimpiada / Olimpia: Juventud Olímpica).
DVD 3 – EXTRAS: Día de Libertad (Tag der Freiheit) (cortometraje) // El Alquimista (documental de Xose Zapata) // Leni Riefenstahl (por Roman Gubern) // Biofilmografía Leni Riefenstahl

Antes de empezar a comentar la excelsa obra cinematográfica de esta genial directora alemana e innovadora artista, quisiera dar una opinión personal y subjetiva bastante clara sobre ese intento informativo parcial y sectario que realizan algunos sobre el admirable trabajo artístico de Leni Riefenstahl (1902-2003), y donde se ha tratado de mezclar y enturbiar su magnífica obra por la relación que tuvo esta directora de cine con el gobierno nacionalsocialista alemán. Un hilo conductor que tratan de mostrar ante el público como justificación de su rechazo al Arte creado por Leni Riefenstahl, y cuya base moral y ética se apoya en el esperado rechazo de los ciudadanos ante esa unión directa del artista con sus líderes políticos. Desde mi punto de vista, esa etiqueta asignada a lo políticamente incorrecto cae por su propio peso si esas mismas personas que señalan a Leni Riefenstahl, no señalan con la misma contundencia y rechazo a otros geniales directores de cine como, por ejemplo, a Serguéi Eisenstein (con obras maestras en su haber como “El Acorazado Potemkin”, “Octubre”, “Alexander Nevsky”…) por su vinculación artística directamente relacionada con el gobierno comunista soviético, o a Elia Kazan (con obras maestras como “Un Tranvía Llamado Deseo”, “¡Viva Zapata!”, “Esplendor En La Hierba”…) por estar directamente vinculado con la caza de brujas desatada en Hollywood entre los años 1947 y 1956 por la Comisión de Actividades Antiamericanas, y donde testificaría contra otros compañeros de profesión acusados de ser comunistas. Por lo tanto, dejando la política a un lado, a los cinéfilos lectores de Lux Atenea voy a comentarles la obra artística de esta directora alemana porque tuvo una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo. No debemos olvidar que “El Triunfo de la Voluntad” llegó a ser premiado en la Exposición Internacional de París del año 1937, por lo que sus premios y reconocimientos artísticos no tuvieron como origen solamente a Alemania y a los países occidentales afines al III Reich. De por sí, en este siglo XXI, analistas y expertos en esta materia siguen alabando las excepcionales dotes cinematográficas de Leni Riefenstahl por su sublime belleza artística, por su incomparable estilo a la hora de rodar secuencias y escenas, y por su agudeza técnica tan sobresaliente, opiniones que comparto mayormente.

“Es un prodigio que nunca más se ha repetido.”

Iniciamos este fascinante recorrido por el universo cinematográfico ideado y creado por Leni Riefenstahl con una de sus obras más carismáticas y avanzadas a su tiempo: “El Triunfo de la Voluntad”. Una excelsa obra comentada en este DVD por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, ofreciéndonos una opinión crítica y sincera desde una perspectiva profesional elaborada y constructiva alejada de convencionalismos y prejuicios. Un interesante recorrido cultural por esta película rodada en blanco y negro donde todo su simbolismo queda revelado punto por punto, detalle a detalle, mientras nuestra mirada queda fascinada ante la contemplación de estas muestras de genialidad artística, y con una sensación de modernidad que nos absorbe hasta establecer un contraste absoluto entre lo que estamos viendo y la consciencia de estar visualizando una obra creada hace casi ochenta años. Con una carga política en el trasfondo y en la evolución de sus imágenes muy clara, “El Triunfo de la Voluntad” se presentará ante los cinéfilos lectores de Lux Atenea tan colosal y mesiánica como Leni Riefenstahl perfiló. Una exaltación del líder cargada en elementos simbólicos que refuerzan su figura ante el pueblo, ante la nación, y ante el mundo, y donde las perspectivas y los encuadres durante su rodaje no dejarán de sorprenderles plano tras plano, mientras los comentarios en off van instruyendo en sus detalles artísticos y técnicos. En el fondo, el mayor logro alcanzado por Leni Riefenstahl en “El Triunfo de la Voluntad” ha sido crear una incomparable obra del Séptimo Arte con un nivel de calidad nunca alcanzado anteriormente, habiendo sabido perfilar gran parte de su mensaje con el espíritu schopenhaueriano en el cual esa voluntad humana está basada y fundamentada.

“Si hubiera que hacer un resumen de la estética de Riefenstahl, diría que consiguió armonizar una concepción estética neoclásica, geométrica, ordenada, equilibrada, con algunos hallazgos de la vanguardia.”

Una fusión de la imagen cinematográfica con lo filosófico que, pese a su indiscutible trasfondo político, en “El Triunfo de la Voluntad” adquiere una plasticidad y un poder visual en constante crescendo. Una intensidad audiovisual capaz de fascinar al espectador ante la presencia del sublime poder desatado, factor fundamental de esa voluntad convertida en hechos materiales y capaz de transformarlo todo en un nuevo principio de esplendor. En el fondo, Leni Riefenstahl supo convertir en subliminales imágenes el nacimiento de una supuesta nueva Edad de Oro en Europa con Alemania como punto de origen del cambio social y político, siendo la nación germana el nuevo eje de la civilización occidental donde todo quedaría orientado hacia la construcción de una nueva cultura. El tiempo y la realidad luego demostrarían el dramático futuro y la cruda realidad de esa nueva corriente política que llevaría a Occidente a una nueva guerra mundial, absolutamente devastadora para las naciones en Europa. Si hasta un político de la categoría de Winston Churchill llegó a decir en la edición de Great Contemporaries del año 1939 que “Siempre he dicho que si Gran Bretaña fuera derrotada en la guerra, espero que encontremos un Hitler que nos devuelva a nuestra posición correcta entre las naciones”, en el año 1935 cómo creen que reflejaría en imágenes a su aclamado líder esta innovadora directora de cine a la que pusieron a su disposición todos los medios económicos y técnicos que necesitara. Por ideas políticas, ningún artista que ame sus obras rechazaría esos medios casi ilimitados que darán vida a sus futuras creaciones.

Respecto al contenido del segundo DVD de esta edición, en el que se ha incluido de nuevo las excelentes explicaciones realizadas por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, no comentaré nada más ya que fue analizado en la reseña que publiqué sobre su impresionante obra “Olimpiada Parte I y II” (en este DVD han sido titulados como “Olimpia: Olimpiada” y “Olimpia: Juventud Olímpica”). Por lo tanto, adentrémonos en el excepcional contenido del tercer DVD que incluye selectos e interesantes rodajes y documentales como extras. “Día de Libertad” es un cortometraje de corte militarista sobre la Wehrmacht, y donde el uso de película en blanco y negro no fue impedimento alguno para que Leni Riefenstahl, en esta moderna representación de la vida castrense, pudiera reflejar el día a día en los campamentos militares como imagen firme y organizada del carácter militar del pueblo alemán. Su banda sonora, acorde a la intensidad y a la firmeza marcial de la época, acompaña esta presentación de la vida de los soldados alemanes con absoluta naturalidad, a través de sorprendentes imágenes donde esta inteligente directora sabe utilizar la iluminación natural en exteriores y sus novedosos ángulos de enfoque como elementos clave en esta visión de la fortaleza y del poder militar de la Wehrmacht. Uno de los momentos audiovisuales más intensos de este cortometraje es la contemplación de sus exhibiciones en ejercicios realizados en eventos públicos. Su final, con una amplia demostración del poder aéreo de la Luftwaffe y del antiaéreo en manos de la Wehrmacht, no hará más que reforzar la imagen de Alemania como una moderna y poderosa potencia militar en aquella época en Europa.

“Ella fue pionera en una época pre-televisiva.”

A continuación, en el documental “El Alquimista”, será el enfoque audiovisual de Xose Zapata sobre la neutralidad española en la II Guerra Mundial, y sobre la evolución de la relación económica y política que se estableció entre Francisco Franco con el régimen nacionalsocialista alemán, los que serán descritos a través de detallados análisis históricos realizados por expertos. Un excelente trabajo documental sobre aquella etapa de nuestra historia no tan conocida a nivel público, y que será de sumo interés tanto para investigadores como para los cultos lectores de Lux Atenea interesados en ampliar sus conocimientos en este tema. En el documental sobre Leni Riefenstahl realizado por el crítico cinematográfico Román Gubern, conoceremos no solamente parte de la vida de Leni Riefenstahl en aquella época, sino también cómo era su carácter independiente y su firme personalidad. Finalmente, la biofilmografía de Leni Riefenstahl clausurará este impresionante documento artístico e informativo sobre su vida y obra, publicado por Cameo Media en el año 2006. “Leni Riefenstahl: El Triunfo de la Voluntad / Olimpia”, una edición en formato DVD de auténtico lujo para poder mostrar el talento artístico de la directora cinematográfica europea más sobresaliente en todo su esplendor. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Buscó su último paraíso en los fondos submarinos y se dedicó a realizar fotografía y cine subacuático.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LENI RIEFENSTAHL “OLIMPIADA PARTE I y II (OLYMPIA)” (Reseña / Review #1732).

Posted on 14 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1732 // Reseña Media nº: 85
Reseña actualizada. Publicada el 28 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Directora: LENI RIEFENSTAHL
Guión: LENI RIEFENSTAHL
País: ALEMANIA Año: 1938 Productora: OLYMPIA FILM / TOBIS FILM KUNST
Duración aprox.: 205 minutos
Publicado en España por: FH PRODUCCIÓN Año: 2006
Formato: Digipak 2DVD edición especial limitada para coleccionistas (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Filmografía de Leni Riefenstahl // Biografía de Leni Riefenstahl // Galería de fotos de Leni Riefenstahl // Olimpiada Parte I trailer // Olimpiada Parte II trailer // El Triunfo de la Voluntad trailer // Adolf Hitler después de Mi Lucha trailer

Rodada en 1936 durante la celebración de este evento deportivo de alcance mundial, esta excelsa obra cinematográfica de la directora alemana Leni Riefenstahl (1902-2003) se convirtió en la película oficial de la IX Olimpiada celebrada en Berlín, estrenándose el día 20 de abril del año 1938 en el Palacio de UFA (estudio cinematográfico Universum Film AG) de la misma ciudad. “Olimpiada” se ha convertido en una de las Obras Maestras del Séptimo Arte por los innovadores méritos artísticos de Leni Riefenstahl, y está estructurada con un prólogo evocador sobre el origen de este evento deportivo en la Grecia Clásica para, posteriormente, proceder a reflejar la IX Olimpiada celebrada en Berlín con imágenes de incomparable belleza estética. Dividida en dos partes muy diferenciadas, la primera está basada en el rodaje de la Ceremonia Inaugural y de las competiciones atléticas celebradas en el estadio olímpico, y la segunda parte corresponde a las tomas realizadas en otros deportes dentro de sus competiciones, así como la refinada y escultural presentación del entrenamiento y descanso de los atletas en la Villa Olímpica. Gracias a este impresionante trabajo artístico realizado por Leni Riefenstahl, muchos críticos y especialistas cinematográficos han valorado a “Olimpiada” como la mejor obra que se haya rodado sobre una Olimpiada, y a pesar de todos los avances técnicos y audiovisuales que se han producido desde entonces hasta nuestros días. La grandeza artística de Leni Riefenstahl perdura en este siglo XXI con mayor profundidad en virtud a su maestría, a su visión vanguardista de las imágenes a rodar, y a su talento innato a la hora de transformar estas imágenes en sublime belleza. Tan grandiosa fue la calidad de este documental que en 1938 llegó a ser galardonado en el Festival Internacional de Cine de Venecia, en 1939 le fue concedida la Medalla de Oro Olímpica del Comité Olímpico Internacional, y en el año 1948 también fue premiado con el Diploma Olímpico en el Festival Internacional de Cine de Lausana (Suiza). En definitiva, un reconocimiento oficial al talento y a la creatividad de Leni Riefenstahl a la hora de reflejar a aquellos atletas participantes en la Olimpiada en majestuosas, esplendorosas, y deslumbrantes imágenes hasta quedar inmortalizados como auténticos héroes a través de su mirada. Indudablemente, “Olimpiada” no solamente se convirtió en arte cinematográfico destinado a la exaltación del deporte, de los deportistas, y del propio espíritu olímpico, sino también se alzó como eficaz medio de propaganda de alcance internacional sobre los logros alcanzados en Alemania por el III Reich, reflejando en imágenes gran parte de sus ideales políticos de forma atrayente para el espectador.

En España, gracias a la admirable labor realizada por la compañía FH Producción, en el año 2006 pudimos disfrutar por primera vez de esta impresionante obra maestra en su versión original sin cortes. Esta lujosa edición incluye dos DVD´s correspondientes a cada una de las dos partes en las cuales está dividida, y cuyo trabajo de remasterización fue impecable. En esta edición limitada especial para coleccionistas, sin duda alguna, los cinéfilos lectores de Lux Atenea interesados en esta temática encontrarán la mejor publicación que se haya presentado hasta el momento, siendo además sus extras, otra de sus características más destacadas e interesantes debido a la detallada información que nos ofrecen. Si incluso un prestigioso medio de comunicación como The Times llegó a referirse a esta película en términos elogiosos, o, en el año 1960, llegó a ser incluida dentro de los diez mejores largometrajes rodados hasta entonces tras ser seleccionada por un grupo de expertos cineastas de la época, cómo se va a poder empañar esta obra maestra a través del vaho de la intencionalidad política, siempre tan insensible como cambiante en su visión del Arte. Firmado y filmado por Leni Riefenstahl, su Arte siempre se presentará tan excelso como grandioso ante los ojos de una mente culta, y esto es lo que verdaderamente importa porque “Olimpiada” es y seguirá siendo una obra maestra intemporal.

“Olimpiada” dura más de 200 minutos, y les puedo asegurar que en cuanto empiecen a verla quedarán irresistiblemente hechizados ante la contemplación de tanta belleza en imágenes. En el primer DVD de esta lujosa edición podrán disfrutar de la ceremonia inaugural y de las competiciones atléticas celebradas en el estadio olímpico de Berlín, conteniendo su segundo DVD las impactantes imágenes rodadas en otros deportes, sobre el entrenamiento, y sobre el descanso de los atletas en la Villa Olímpica. Y es que “Olimpiada” no es una de esas producciones de Hollywood de metraje incomprensiblemente largo donde, tras disfrutar de un comienzo espectacular de media hora, a continuación la película pasa a un estado de progresivo sopor imposible de aguantar. “Olympia” es precisamente todo lo contrario porque lo tiene todo para que te quedes con la mirada fija en la pantalla ante la esplendorosa visión de sus imágenes. Incluso, les sorprenderá que este documental se rodara en el año 1936 con estas escenas cinematográficas tan modernas en su realización, con estas espectaculares imágenes a cámara lenta, con estos innovadores y seductores enfoques, y con estas tomas en movimiento. La magia artística de Leni Riefenstahl se presenta siempre contundente y poderosa dentro del mundo del cine, destacando sobre todo por su inconfundible talento en el uso de la iluminación exterior en sus espectaculares tomas rodadas, y por su arte cinematográfico basado en esta definición y concepción estética de las imágenes que rueda hasta convertir a sus protagonistas en seres casi divinos y sobrenaturales. Si los cinéfilos lectores de Lux Atenea desean informarse más en detalle sobre las virtudes técnicas y artísticas de “Olympia”, les aconsejo que visualicen la edición especial en DVD dedicada a Leni Riefenstahl que publicó la compañía Cameo Media, mientras escuchan sus interesantes análisis y comentarios en off. “Olimpiada / Olympia”, excelso documental de culto donde la innovación cinematográfica y la fascinante belleza de las imágenes olímpicas rodadas por la mente creativa de Leni Riefenstahl, fueron transformadas en Arte y en imagen del espíritu de una nación a nivel internacional. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO (Twin Peaks: fire walk with me)”, 1992 (Reseña / Review #1731).

Posted on 13 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1731 // Reseña Media nº: 84
Reseña actualizada. Publicada el 30 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DAVID LYNCH
Guión: DAVID LYNCH y ROBERT ENGELS
Actores principales: SHERYL LEE (Laura Palmer), RAY WISE (Leland Palmer), MÄDCHEN AMICK (Shelly Johnson), DANA ASHBROOK (Bobby Briggs), DAVID BOWIE (Phillip Jeffries), MIGUEL FERRER (Albert Rosenfeld), RAY WISE (Leland Palmer), FRANK SILVA (Bob), HEATHER GRAHAM (Annie Blackburn), CHRIS ISAAK (agente especial Chet Desmond), MOIRA KELLY (Donna Hayward), PEGGY LIPTON (Norma Jennings), DAVID LYNCH (agente Gordon Cole), HARRY DEAN STANTON (Carl Rodd), KIEFER SUTHERLAND (Sam Stanley), MICHAEL J. ANDERSON (enano del traje rojo), KYLE MacLACHLAN (agente especial Dale Cooper), GRACE ZABRISKIE (Sarah Palmer), KIMBERLY ANN COLE (Lil, la bailarina), LENNY von DOHLEN (Harold Smith)
País: EE.UU Año: 1992 Productora: TWIN PEAKS PRODUCTION
Duración aprox.: 129 + 85 minutos
Publicado en España por: FILMAX Año: 2006
Formato: 2DVD edición limitada con el libro “David Lynch: El Zar de lo Bizarro” (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo”
DVD 2 – EXTRAS: Camina Conmigo // Documental “Pretty as a Picture”

Antes de empezar a analizar esta excelsa obra cinematográfica, quisiera informar a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que han seguido la serie de culto “Twin Peaks” que, en la película “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo”, el papel de Donna fue interpretado por la actriz Moira Kelly y no por Lara Flynn Boyle, que fue quien dio vida a este personaje en la serie de televisión. Teniendo esto en cuenta, vamos a sumergirnos en el fascinante universo de David Lynch que tanta grandeza artística atesora, y cuyo talento e innovación dentro del Séptimo Arte no siempre ha sido bien comprendidos y valorados por la propia industria audiovisual estadounidense, y por los expertos en los medios de comunicación. En cambio, su complejo e irresistible mensaje artístico sí ha sabido conectar directamente con la mente de millones de espectadores para fascinarlos con otro estilo, con otro tempo, con otra visión del suspense, de la intriga, del horror procedente del interior del ser humano, y del drama y la tragedia que éste provoca cuando se manifiesta en la vida real. Debido a que en la mítica serie de televisión “Twin Peaks” habían quedado algunos cabos sueltos en su trama que provocaban el debate y cierto desconcierto entre el público, “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo” aparecerá como una película de desvelos que dan respuesta a esa inquietud provocada, ofreciendo información que es clave para poder conocer el trasfondo real de esta dramática historia marcada por el lado más siniestro del ser humano. Aunque “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo” comienza con la aparición del cuerpo de Teresa Banks en el río, pasando este caso a manos del FBI para su investigación bajo la dirección del agente especial Chet Desmond (interpretado por el actor y cantante Chris Isaak), al final quedará sin esclarecer y con su asesino sin identificar. Pasado un año desde ese suceso, serán los siete días previos a la muerte de Laura Palmer (actriz Sheryl Lee) los que desvelen al espectador el turbio ambiente en el que vivía, y que finalmente terminaría con su vida. Máscaras sociales y falsas apariencias que conforman la vida cotidiana en aquel lugar y destinadas a ocultar ese mundo familiar, social, y personal siniestramente obscurecido por los vicios, las perversiones, y el sufrimiento. De ahí la importancia del factor psicológico en el perfilamiento de cada uno de estos personajes, algunos de los cuales ya se han convertido en míticos e inolvidables para los fieles seguidores de esta serie de televisión de culto, aquí ampliada en la gran pantalla.

La verdad es que fue todo un acierto que la mítica compañía Filmax incluyera el libro “David Lynch: El Zar de lo Bizarro” de Javier J. Valencia en esta lujosa publicación en formato DVD. Noventa y seis páginas que fascinarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su contenido informativo, y en cuyas hojas encontrarán datos sobre esta obra no tan conocidos a nivel público debido a la complejidad en la producción que siempre arrastró el proyecto “Twin Peaks”, antes y después del rodaje. Además, haber incluido un segundo DVD con extras que amplían considerablemente el arco informativo sobre este largometraje, convierte a esta caja de edición limitada en un preciado objeto muy buscado por coleccionistas en la actualidad. La siniestra y elegante belleza de su diseño, junto a esta acertada unión de lo literario con lo cinematográfico en una edición única, como analista cultural lo valoro enormemente ya que el mundo de la literatura y del Séptimo Arte prácticamente llevan unidos desde el rodaje de las primeras películas mudas hasta nuestros días. Como apasionado del Arte, siempre aplaudiré la publicación de este tipo de ediciones tan cuidadas interna y externamente. Como guinda en esta crème de la crème cinematográfica, si añadimos esta magnífica banda sonora compuesta por el maestro Angelo Badalamenti para esta película, uno no puede decir más que ¡¡¡chapeau!!! Además, David Lynch es todo un genio a la hora de orquestar un fuerte impacto visual que toque la fibra sensible del espectador a través de una historia de ficción con fuertes lazos emocionales y psicológicos con la vida cotidiana, pero llevado a ese siniestro lado obscuro que es propio del ser humano cuando lleva a cabo sus más diabólicos y terribles actos en un mundo aparentemente normal de cara a la sociedad. Homo homini lupus como lema en este infierno por él creado, y actuando de esta manera tan salvaje sobre la faz de la tierra desde que el mundo es mundo. Esta es la principal fuente de inspiración de David Lynch en sus obras cinematográficas inspiradas en esta temática.

La importancia del factor psicológico en la obra cinematográfica de David Lynch se refleja con absoluta intensidad y crudeza emocional en este inquietante espectáculo humano, protagonizado por personas dominadas totalmente por sus pasiones y por los sentimientos nacidos en las profundidades de su inescrutable inconsciente. Una trágica realidad mostrada en este largometraje, y que desespera aún más ante la pasibilidad reinante y el ocultamiento de la verdad en quienes la conocen para seguir tapando sus trapos sucios. Un asesinato, el de Teresa Banks, con su cuerpo flotando en el río mientras es llevado por la corriente, terminará siendo descubierto pero el primer choque emocional llegará con la ligereza con la cual las autoridades locales se toman ese crimen, mostrando estos agentes y empleados un humor un tanto irritante. Pero, cuando llega a manos del FBI con los agentes Chet Desmond (que descubrirá el mensaje simbólico de este caso), su ayudante Sam Stanley (actor Kiefer Sutherland), y el agente Gordon Cole y su inseparable sonotone (interpretado por el propio David Lynch), una autopsia más detallada del cadáver revelará que le falta un anillo (el anillo verde terminará siendo una de las claves para resolver su asesinato) y que debajo de una de sus uñas hay un trozo de papel con la letra T impresa. Pero antes de entrar en los siete últimos días de Laura Palmer, David Lynch pondrá su inconfundible sello artístico llevándonos a Philadelphia, con los agentes Gordon Cole, Dale Cooper (interpretado por el icónico actor lynchiano Kyle MacLachlan) y Phillip Jeffries (interpretado por el actor y cantante David Bowie) como protagonistas, mientras aparecen en pantalla ambientes surrealistas, los enigmáticos sueños de Phillip Jeffries (ya que éste ha estado desaparecido durante dos años sumergido en un sueño dentro de un sueño), y la imborrable e inquietante habitación de cortinas rojas y suelo ondulado en blanco y negro que se ha convertido en la imagen más recordada de este largometraje. Todo se complicará en este caso cuando el agente Chet Desmond desaparezca, haciéndose cargo de ello el agente Dale Cooper. En esta parte inicial de la película, provoca admiración el extraordinario apartado de iluminación al hacer uso de tanta luz cálida en escena que parece que es de día en interiores. Además, el decrépito camping en el cual todo parece estar en abandono, junto a personajes que van apareciendo como la camarera o el dueño de las caravanas, nos van hundiendo mentalmente en este ambiente confuso y enredado donde los secretos inconfesables tapan la auténtica verdad.

Pasado un año desde la aparición del cadáver de Teresa Banks, iremos conociendo poco a poco la vida personal, familiar, y social de Laura Palmer en los últimos siete días antes de su asesinato. Entrará en escena su amiga Donna, también observaremos las adicciones de Laura Palmer, y el ambiente universitario tan particular en el cual se mueve, siendo Bobby Briggs (actor Dana Ashbrook) la persona que trata de controlar a Laura al verla arrastrada por su propia deriva personal, pero ella sabe muy bien cómo manipularlo. A nivel familiar, la casa donde vive Laura muestra un estilo de vida acomodado pero, Laura, al igual que su madre, tienen fuertes adicciones, revelándose como una familia desestructurada. Me impresionó la magnífica interpretación de la actriz Grace Zabriskie al dar vida a la madre de Laura, Sarah Palmer, en un difícil papel que logra convertirlo en creíble y auténtico ante nuestros ojos. Retornando a la trama de la película, todo cambiará radicalmente en cuanto Laura comprueba que alguien ha arrancado algunas páginas de su diario personal, a pesar de que lo tiene escondido. En esas hojas describía el tormento interior que viene padeciendo por culpa de Bob, personaje magistralmente interpretado por el actor Frank Silva al haber reflejado con absoluta contundencia visual el carácter salvaje, inhumano, y poderoso de Bob como icono de la maldad. El horror íntimamente relacionado con el desequilibrio psíquico que presenta el padre de Laura, Leland Palmer (actor Ray Wise), y con esas miradas y esas sonrisas de trasfondo malévolo entremezcladas con ciertos momentos de calma donde la culpa y los remordimientos afloran para torturarlo implacablemente. Además, una escena que es clave en esta película, y en la trama de toda la serie, es cuando Leland Palmer sale de la casa donde Laura había visto a Bob en una de las habitaciones, y la aparente normalidad hogareña que el espectador contempla cuando Laura llega a su casa, cuya atmósfera será rota cuando su dominante y neurótico padre empieza a humillarla verbal y psicológicamente incluso delante de su temerosa madre. Una doble personalidad destructiva, obsesiva, dominante, neurótica, incontrolable, y de reacciones impredecibles. De ahí el permanente estado de sufrimiento y de soledad que presenta Laura Palmer, motivo por lo cual lleva su existencia al extremo en su vida privada como un intento de desconexión de la insoportable realidad. Pero ese espinoso camino que ha tomado no logra aplacar su dolor, sino aumentarlo. Dentro de este apartado, la mirada analítica y en profundidad lanzada por este maestro cinematográfico al círculo insalvable de quienes entran de lleno en entornos de perversión y de violencia que avivan el fuego de sus infiernos interiores, convierte la escena del reservado en el local canadiense donde se celebran las fiestas privadas en una de las más impactantes de esta película. Centro de vicio y perversión donde algunas personas encuentran su ansiado reino carnal, siendo ese el lugar donde Donna descubrirá el lado obscuro de Laura que jamás hubiera pensado que existiera. Allí, el espectador también encontrará información muy reveladora sobre Teresa Banks, la mujer asesinada cuyo cuerpo encuentran en el río al principio de la película.

“Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo” es una obra maestra a la hora de reflejar ambientes sórdidos, crudos, y tensos llevados al terreno del simbolismo metafórico y de la plasticidad visual, junto a elementos y personajes relacionados con el plano psíquico, onírico, y paranormal como en la escena del encuentro entre el enano de traje rojo (actor Michael J. Anderson) y el agente Dale Cooper en la habitación roja, simbolizando el plano analítico dentro del inconsciente colectivo. Un plano metafísico donde varias personas interactúan, comunicándose entre ellos a través de lo que llamamos intuición, o, también, a través de sueños premonitorios. Dotes premonitorias que Dale Cooper tendrá antes de la muerte de Laura, comentándoselo a su compañero Albert. Y es que el factor psicológico condiciona la mente del espectador en esta película con personajes inolvidables como Lil (actriz Kimberly Ann Cole), la bailarina del vestido rojo de simbólico gesto, o el inquietante enano del traje rojo con su particular forma de hablar y de expresarse (nos parece sumamente tenebroso ya que lo que vemos es el rodaje de la interpretación del actor pero reproducido al revés, de ahí sus movimientos y sus expresiones tan extrañas). Un espectáculo visual obscuro representado en secuencias e imágenes como la visión del siniestro cuadro con la elegante anciana y el niño de la máscara blanca sin rostro, la fantasmagórica imagen de Laura que aparece cuando le confiesa a Harold Smith (actor Lenny von Dohlen) que Bob ha arrancado algunas páginas de su diario, o la impactante escena del asesinato en el aserradero. El perfilamiento de imágenes es clave en el arte audiovisual de David Lynch como la evanescente imagen de la cantante con una magnífica interpretación de la canción delante de ese fondo rojo intenso y cuya letra conmueve y hace llorar a Laura, la imagen mental del padre de Laura cuando ella y Donna están sentadas en el sillón, la imagen simbólica del ángel protector que desaparece del cuadro ante la mirada de Laura, observar a James y Laura solos en la noche, la visión de la cabaña del bosque con el pájaro enjaulado, la imagen del padre de Laura acercándose a la ventana de la cabaña, y, sobre todo, la densa atmósfera de dolor y sufrimiento que se respira en la escena del vagón de tren. En definitiva, una nueva demostración del virtuosismo creativo de David Lynch en esta película de culto. “Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo”, detrás de las cortinas rojas del inconsciente colectivo se esconde la obscura raíz que da sentido, causalidad, y energía emocional a este infierno llamado Humanidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo por meses: octubre 2022

“EL CASO DE LUCY HARBIN (strait-jacket)”, 1964 (Reseña / Review #1740).

“EL CAPITAL (le capital)”, 2012 – COSTA-GAVRAS (Reseña / Review #1739).

“QUILLS”, 2000 (Reseña / Review #1738).

“TENEBRE (tenebrae)”, 2012 (Reseña / Review #1737).

“CAMINO A LA PERDICIÓN (road to Perdition)”, 2002 (Reseña / Review #1736).

“LA CARNE Y EL DEMONIO (the flesh and the fiends)”, 1959 (Reseña / Review #1735).

“LA VENUS RUBIA (blonde Venus)”, 1932 (Reseña / Review #1734).

“LENI RIEFENSTAHL: EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD / OLYMPIA (Triumph der Willems / Olympia)” (Reseña / Review #1733).

LENI RIEFENSTAHL “OLIMPIADA PARTE I y II (OLYMPIA)” (Reseña / Review #1732).

“TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO (Twin Peaks: fire walk with me)”, 1992 (Reseña / Review #1731).