Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).

Posted on 4 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1987 // Reseña Musical nº: 1355

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (recibido como promocional)
Tracklist: 1- Untitled Knife I // 2- Untitled Knife II
Datos técnicos: Composiciones musicales grabadas en directo el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres) por Shaun Crook, habiendo sido mezcladas y masterizadas por James Dunn; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Ambos CD’s. Excelso álbum musical en directo imprescindible dentro de la escena noise

En este blog cultural y existencial vuelve a ser protagonista el genial artista japones de vanguardia musical noise Masami Akita, alma máter de Merzbow, tras la reciente publicación de su álbum en directo “Cafe OTO”. Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen el impactante estilo sonoro de Merzbow tras la publicación de mis análisis musicales (reseña del álbum “Animal Liberation”, reseña del álbum “((Vibra)) MMVII”, reseña del álbum “No Closure”, reseña del álbum “Partikel III”, reseña del álbum “A Perfect Pain”), siendo de nuevo la autenticidad de su contundente directo sonoro lo que enriquece su prolífica obra musical. Publicado oficialmente a mediados del pasado mes de noviembre a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una elegante edición en ecopak 2CD, el álbum en directo “Cafe OTO” viene engalanado con este magnífico trabajo artístico creado por Abby Helasdottir donde la fotografía de portada, tomada por el propio artista japonés Masami Akita, refleja la complejidad técnica del equipo musical virtuosamente utilizado en su actuación en vivo. La magia artística de Merzbow simbólicamente inmortalizada en una sola imagen, que lo dirá todo para el melómano lector de Lux Atenea que lo observe con sumo detalle.

Dos CD’s atesorando este brillante y potente espectáculo musical en directo grabado por Shaun Crook el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres), y tras haber sido mezclado y masterizado por James Dunn. Pero es con la perfecta remasterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), donde el álbum “Cafe OTO” despliega todo su poder sonoro sin concesiones, ofreciendo una nitidez musical ideal al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta joya discográfica, además de unos niveles de registro sonoro perfectos y una dimensión espacial que transforma la audición de este álbum en una experiencia única y arrolladora. Música noise en estado puro gracias a la maestría musical de Merzbow, y a la maestría de Martin Bowes como el mayor experto sonoro a nivel técnico que existe dentro de esta escena en la actualidad. Precisamente en remasterizaciones tan complejas y difíciles como “Cafe OTO” es donde un maestro en labores técnicas demuestra su trabajo sonoro más perfeccionista y equilibrado. ¡¡¡Qué grandioso espectáculo musical en directo de Merzbow para ser disfrutado con absoluta autenticidad!!!

Iniciamos esta inmersión en el universo sonoro noise de Merzbow adentrándonos en el primer CD “Untitled Knife I”, donde este brumoso plano ruidístico va a ir adquiriendo sutiles tonalidades noise desde el fondo hacia su primer plano, para luego integrarse en una nueva dimensión. Cuando otros planos sonoros noise surjan de repente para incrementar el espectro musical, todo el entorno irá perdiendo su amplitud dimensional para saturar el ambiente hasta llevarnos a escenarios conceptuales de vanguardia donde el nihilismo posmoderno aflora en su trágica angustia. Llegando a esta fase musical, con la pérdida de la noción del tiempo por parte del melómano lector de Lux Atenea, la distorsión del norte existencial verá truncada su visión ante una cortante realidad que condicionará progresivamente este espectro sonoro, primero de forma puntual, y luego de forma mucho más extrema y desafiante cuando estos afilados pasajes sonoros lo dominen todo. Un presente cortante y sangrante cargado de sadismo que ahoga, que disfruta respirando la densa adrenalina emanada del miedo, mientras la degradación ambiental no deja de arrancar cualquier rastro de belleza. Sumergidos en la tormenta de la existencia, a partir de aquí, Masami Akita vuelve a hacer otra contundente demostración artística de su maestría dentro de la escena noise, configurando diversos planos sonoros que aparecen, se solapan, se amortiguan, y se funden en otro plano final de lo más arrollador. Incluso, con la entrada de este latente tempo industrial como el latido de una maquinaria en incesante actividad, la sensación de desasosiego irá incrementándose hasta ahogar física y mentalmente, condicionando emociones bajo estas emanaciones musicales extremas que van revelando su distorsionada alma.

Un despliegue de frecuencias y distorsiones terminarán sincronizándose para abrir este espectáculo de deshumanización, proyectado a un futuro lacerante y posesivo en su trasfondo psicológico. Sin vía de escape posible y con la inadaptación ya asumida, cada segundo es una tortura existencial, y cada latido es una nueva herida en el Ego maltratado. Elevando el foco de observación, todo el entorno es un inmenso sistema destructivo que se manifiesta desde lo más grande a lo más pequeño e insignificante, y el espectáculo de esta incansable acción mecánica es desolador. Un aliento frío se materializa, una piel acartonada de abre debido a la desesperanza, y una mano toca el muro para ser seccionada al instante. Aquí todo es cruel, pero al ser todo cruel en lo absoluto, la pérdida de la noción de lo bueno y de lo malo se consigue para eliminar ese baremo existencial definitivamente, cambiando radicalmente el escenario sonoro desarrollado por Merzbow con la entrada de múltiples focos sonoros vibrantes, distorsionados, y modularmente alterados en su tempo. Con la difuminación del Mal omnipresente y dominante en un entorno donde todo es obscuridad, donde no hay contraste, en ese preciso instante será cuando comience su declive, su decadencia, su automutilación, y el canibalismo del propio sistema hacia sí mismo, derivando a un abismo sistémico donde no hay salvación posible porque no hay opciones. Sólo un presente perfecto despótico que se autodestruye, y que ha sido admirablemente recreado en este acelerado latido y en estos planos ruidísticos extremos que asfixian. Todo irá alterándose, todo perderá su sincronización apareciendo las malfunciones, pero el sistema cree que sigue siendo perfecto. Con el ocaso ya inevitable, el tiempo solamente estará presente como testigo de su caída final y del consiguiente vacío.

En el segundo CD “Untitled Knife II”, el cambio creativo en su espíritu sonoro vendrá definido por los matices, empezando de nuevo con esta nebulosa noise que será desgastada tan implacablemente como si fuera una pieza metálica cortada por una radial. Poco tiempo después, comenzará la saturación dimensional con la entrada de nuevos planos sonoros ruidístas que irán cubriendo cualquier espacio libre hasta hacerse hegemónicos. Con los espacios ya restringidos y el aire completamente congestionado con frecuencias áridas y armónicos descontrolados, aquí el sonido de Merzbow alcanza ese clímax artístico que expandirá la mente del melómano lector de Lux Atenea afín a la vanguardia más transgresora e innovadora. Permaneciendo Masami Akita absolutamente concentrado en la definición musical, el pulido de esta estructura multicapa presenta características especiales en su progresión sonora que desvela puro talento en la concepción artística en directo. Arte de vanguardia fluyendo para romper límites y barreras, mientras este vórtice sonoro va abriéndose al margen de la sociedad y de la dinámica cotidiana existente en el exterior de este evento artístico. Como en el cráter de un volcán, situados en su interior parecerá que hemos quedado apartados del reloj universal que marca el paso del resto del mundo, estando cubiertos ahora con capas sonoras noise que desvelan hundimiento y tragedia. Todo se hará opaco a lo humano, todo irá agrietándose, y todo perderá su densidad amenazando con desmoronarse. Ante este ruinoso espectáculo, la belleza sublime aparecerá en la contemplación del implacable paso del tiempo como hacedor de polvo y sombras.

Mientras Masami Akita continúa destilando esta esencia noise hasta purificarla en grado máximo, su concentración irá aumentando para saturar los sentidos y llevar al melómano a ese estado de ruptura mental. Aquí la música noise desvela y filtra lo poco que queda de armonía para apartarlo de la estructura artística, quedando únicamente estas columnas noise que se erigen desafiantes en este espacio musical extremo. Lo tecnológico y lo artístico llevado al plano musical en sus límites periféricos más excesivos. Cuando Merzbow logra configurar lo supremo, entonces este crisol sonoro noise se quiebra para expandirse y desgastarlo todo, calmándose en la latencia y en el tempo pausado que será de nuevo alterado para crepitar, reanimándose en una nueva estructura sonora ácida que provoca ansiedad. Y a cada cambio, una nueva opresión del espacio cada vez más angustioso. Agobiados, aquí hasta cuesta respirar, quedando lo orgánico fuera de lugar en este entorno sobresaturado y excesivamente rígido, de ahí esta creciente tensión que acabará quebrando, hundiéndose, y reactivándose en una sucesión de fases hasta desaparecer repentinamente. Indiscutiblemente, quienes tuvieron la oportunidad de asistir en el año 2016 a este directo musical en la ciudad de Londres, vivieron una experiencia única donde Merzbow se manifestó como innovación y transgresión artística en estado puro. “Cafe OTO”, el talentoso artista japonés Masami Akita realizando otra contundente demostración sonora en vivo de su creatividad musical de vanguardia dentro de la escena noise. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Burial Hex “In Hiding” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1986).

Posted on 2 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1986 // Reseña Musical nº: 1354

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD (recibido como promocional)
Tracklist: 1- O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade // 2- Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused // 3- From Heel To Throat // 4- A Kiss To Birth The Rotted Sun // 5- Backwards Curse // 6- Penitential March // 7- Magic Without Tears // 8- Pacing The Hollow // 9- Feral Blood Vision
Datos técnicos: Temas musicales remasterizados por Clay Ruby y Nathaniel Ritter entre los años 2022 y 2023
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna compilación musical

A finales del pasado mes de septiembre, el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records presentó oficialmente esta compilación musical de Burial Hex, vertebrada por nueve temas musicales pertenecientes a varias ediciones discográficas publicadas en formato digital, en vinilo, y en cassette, habiendo sido reunidas y publicadas por primera vez en formato CD en esta preciosa edición que incluye el tema inédito “Penitential March” como extra. El álbum recopilatorio “In Hiding” ha sido engalanado por Nathaniel Ritter con este impactante diseño, destacando especialmente su impactante portada de totémica estética visual y trasfondo simbólico unido a lo mágico. Una imagen intensa donde su configuración y su perspectiva revela ese halo metafórico enlazado con el subconsciente, llevando su mensaje más allá de lo lógico y racional, pero unido inequívocamente a lo humano y sus creencias espirituales y metafísicas que se pierden en el principio de los tiempos. A nivel técnico, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con el magnífico trabajo de remasterización realizado entre los años 2022 y 2023 por Nathaniel Ritter y Clay Ruby, alma máter de Burial Hex. Una base musical renovada y potenciada con esta nueva mezcla sonora ideada por Clay Ruby, y que impactará al melómano con esta contundente demostración de talento artístico, ofreciendo el virtuoso espíritu creativo de vanguardia dentro de esta escena musical que ha erigido a Burial Hex como uno de sus máximos representantes. Prueba de ello es la atrayente panorámica sonora desarrollada a lo largo de todos estos años por Burial Hex, y que los melómanos lectores de Lux Atenea han ido conociendo en este blog cultural gracias a la cortesía de Cold Spring Records (reseña del álbum “Gauze”; reseña del álbum “In Psychic Defense”).

Sin más demora, iniciamos este viaje musical adentrándonos en el primer tema “O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade”, donde lo acuoso y lo siniestro perfilan sonoramente este entorno áspero para lo humano mientras planos musicales afilados e iridiscentes vuelven a crear esa dualidad ambiental. Con el plano vocal transmitiendo su belleza obscura más tenebrosa, esta composición irá derivando del dark ambient al ritual ambient con una tormentosa aura sonora que sobrecogerá a los melómanos lectores de Lux Atenea. Además, tras esta primera muestra de maestría en el apartado técnico de remasterización, este álbum dejará abierta su puerta artística mediante el irresistible atractivo del sonido nítido, dimensional, y embriagador. Cuando los instrumentos de cuerda hagan su entrada en esta estructura musical, la evolución del ritual ambient a la música contemporánea también incorporará matices sonoros propios de la música experimental que les hipnotizará por su obscuro magnetismo envolvente, destacando especialmente su tenebroso plano vocal como antesala de este potente estilo post-industrial que dará algo de luz al entorno, pero sin perder su belleza siniestra. El retorno a la inquietante calma con el sonido del agua siendo de nuevo protagonista, adquiere ese tacto artístico único del dark ambient pero cercano a su frontera conceptual con el ambient. Profundamente impresionados, la inmediata llegada del tema “Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused” será sentida como una apertura a lo primitivo, a los espacios abiertos, y a la noche. Una sobriedad donde la calma espiritual encuentra su sentido simbólico en el crepitar del fuego, para luego dar paso a este estilo conceptual propio de la mítica Escuela de Berlín de la década de los setenta donde la música electrónica presenta este alma universal, expansiva, y suprahumana. Con la brutal entrada de estos planos sonoros vocales, todo se volverá extremo y dominante a través del temor y de la coacción, reconfigurando su posesivo mensaje cuando se sumerja en estas decadentes olas post-industriales.

Posteriormente, el tema “From Heel To Throat” les seducirá con esta ambientación ceremonial cargada de ritualismo, de abandono de la Razón, y de emanación de lo visceral y emocional llevado a lo externo, al fetichismo de lo simbólico. Hasta estos pasajes melódicos propios del neofolk fluirán como revelación de lo unido a lo terrenal, a lo físico, al entorno natural fluyendo en éxtasis casi místico. “From Heel To Throat” es una composición intensa donde el eclecticismo conceptual lleva a su estructura sonora a evolucionar de forma innovadora, definiendo un viaje musical cuya belleza embriagará la mente del melómano. Aumentando la luz, el tema “A Kiss To Birth The Rotted Sun” será radical desde su inicio, cayendo psicológicamente sobre la mente con su aplastante dominio de lo extremo en su pesado rumbo a lo barroco, pero una esencia barroca decadente y monstruosa. Aquí, el horror se vuelve psicótico, degradante, y perturbado, transmitiendo desesperación y locura como manifestación de la pérdida de la cordura. Ojos que desean compasión, pero su mirada es fría y salvaje en su brutal obsesión. Hasta el plano melódico para órgano cayendo como una maldición refuerza esta recreación de lo irracional, quedando luego otra vez situado en el psicodélico caleidoscopio de la mente extraviada. Con el tema “Backwards Curse” presentándose con este plano melódico infernal, el horror quedará reforzado musicalmente con esta tenebrosa presencia vocal propia de una película de terror, de un cuento de Halloween, o de una casa maldita, siendo una composición conceptualmente mucho más lineal hasta su abrupta entrada en el estilo noise más áspero y pesado. ¡¡¡“Backwards Curse”, belleza siniestra en estado puro!!!

“Penitential March” es el título del tema inédito incluido en esta compilación musical, pasando del horror del tema anterior al dark ambient más experimental y melódico. Una atmósfera sonora lúgubre donde se respira lo mortuorio y lo escatológico, siendo lo melódico lo que da soporte a toda esta estructura musical con reminiscencias al cine estadounidense de terror de los años setenta. A continuación, el tema “Magic Without Tears” tendrá una definición sonora más gótica y, cinematográficamente hablando, más cercana a la inconfundible ambientación del estilo artístico que caracterizó a la mítica compañía inglesa Hammer. Breve en su duración, “Magic Without Tears” será la antesala perfecta para resaltar el siguiente tema “Pacing The Hollow”, proyectando una inquietante calma en el entorno a pesar de este plano melódico folk un tanto degradado en su estructura y en su evolución. Decadencia, recuerdos, y desesperanza bullendo en un presente insatisfactorio donde la mirada al pasado es dolor, y donde en el futuro sólo hay cenizas y olvido. Como opening musical de una serie de televisión de culto, el tema “Pacing The Hollow” sería perfecto. Finalmente, el tema “Feral Blood Vision” extenderá el telón de clausura de este álbum con la presencia del arte musical de Mater Suspiria Vision (recomiendo la lectura de la reseña de su álbum “666”), ya que inspiró a Clay Ruby para crear esta composición sonora experimental. “Feral Blood Vision” presentará este crescendo luminoso como la contemplación de un amanecer, para luego adentrarse en terrenos conceptuales propios del ambient en su definición sonora electrónica. Una contemplación de lo sublime mientras lo físico fluye, se transforma, y avanza hacia esa mutación renovada que será temporalmente caduca por su característica material. Por este motivo, la composición musical irá poco a poco apagándose hasta renacer con un nuevo impulso sonoro más pesado y denso, cuyo tempo se ralentizará hasta eclosionar en un nuevo escenario luminoso de estilo ambient, puntualmente oscurecido con estas pinceladas vocales siniestras. “In Hiding”, magna compilación musical de imprescindible audición para poder conocer la excelsa obra artística de Burial Hex dentro de la vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Indalaska “Musique des Sables” (ZOHARUM, febrero 2023) (Reseña / Review #1985).

Posted on 1 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1985 // Reseña Musical nº: 1353

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Ecopak CD de seis paneles, edición limitada de 250 unidades (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- L’éveil des eaux dormantes // 2- Transfixion // 3- Le bleu superstition // 4- Le premier jour de sable dans l’éther
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient de vanguardia

Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen la excelsa creatividad musical del dúo artístico francés formado por los hermanos Frédéric Charlot y Olivier Charlot, tanto en Maninkari (reseña de su álbum “Continuum Sonore Part 7>14”) como en Sphyxion (reseña de su álbum “3”), siendo en esta ocasión en su reciente álbum de Indalaska “Musique des Sables” donde exploran nuevos espacios sonoros. Como analista cultural, cuando un artista o una banda musical cambian completamente su estilo de composición, siempre agradezco que cambien de nombre a su nuevo proyecto para no confundir a los melómanos que disfrutan intensamente sus creaciones musicales. Por este motivo, como Indalaska, en el caso en particular del álbum “Musique des Sables”, me fascina su avanzado concepto sonoro dentro del estilo dark ambient donde el drone aparece para dar dimensión a la estructura musical, y para perfilar espacios de cara a otros planos sonoros. Publicado oficialmente el pasado mes de febrero a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital y en esta atrayente edición limitada de 250 unidades en ecopak CD de seis paneles, el álbum “Musique des Sables” ha sido engalanado con este diseño de portada retro creado por el propio Olivier Charlot, con reminiscencias a los diseños de portada de los álbumes de la década de los noventa dentro de la escena electrónica underground. Un estilo de diseño donde la representación de espacios en 3D en malla digital cubierta de una superficie base a falta de sus texturas definitivas, daban ese halo tecnológico aplicado al universo musical. Como reflejo visual de la esencia conceptual del álbum “Musique des Sables”, esta portada es perfecta, uniendo una pincelada bellamente sublime a la simplicidad de estas imágenes así representadas, alejando la mente del melómano de ese espacio del cual ha de mantener una distancia focal.

Cuatro composiciones vertebran esta magna obra musical compuesta con sumo talento por Frédéric Charlot y Olivier Charlot, transmitiendo una deslumbrante esencia artística de vanguardia donde lo conceptual adquiere brillantez a través de la maestría en la estructura sonora, y de la sorpresa con la entrada en nuevos terrenos musicales inexplorados dentro de este estilo dark ambient tan irresistible. Su trasfondo espiritual de corte trascendente impresionará al melómano lector de Lux Atenea afín a la vanguardia artística, sobre todo si le apasiona la música contemporánea, debido a que Indalaska convierte a “Musique des Sables” en un viaje iniciático y místico donde lo denso e impuro es dejado atrás para aligerar la energía sagrada del alma, permitiéndola alcanzar esa anhelada cercanía al Demiurgo, auténtico constructor del universo, de la Realidad, de las dimensiones, y de las diferentes manifestaciones. Una travesía hacia lo sagrado oculta tras la densidad de lo obvio, de lo físico, y de lo palpable. Lo místico versus la materialidad de lo físico. “Musique des Sables” deslumbra por la inmensa profundidad de su núcleo conceptual trascendente, y paraliza al melómano durante su audición por su radiante belleza sublime entremezclada con lo siniestro, con lo oculto, y con lo musicalmente impredecible.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta obra maestra adentrándonos en el primer tema “L’éveil des eaux dormantes” con esta sensación sonora de estar en el interior de otro elemento dimensional, siendo estos planos drone ideales para definir esta cúpula sensorial donde obscuridad e iridiscencias sonoras llegan a romper la realidad, abriendo el telón que desvela este otro mundo que late e irradia con absoluta armonía más allá del tiempo. Un estado espiritual en la frontera del Reino de Hades que no paraliza, pero embriaga los sentidos hasta ser todo mente. Olas vibratorias tocando lo hierático para recrear musicalmente esta evolución que, con la aparición de estos planos instrumentales, presentará una definición sonora mucho más directa en su perfilamiento artístico relacionado conceptualmente con la música contemporánea. Precisamente por su trasfondo como ruptura de lo físico, el siguiente tema “Transfixion” se presentará mucho más contundente y afilado, dejando a un lado todos los condicionantes de lo físico como una serpiente abandona su vieja piel tras la muda. Con una admirable estructura musical marcada por los espacios abiertos en una doble dimensión y que han quedado perfectamente definidos, incluso los ecos establecen estos puentes musicales para que lo melódico y lo ambiental se fundan en un nuevo espacio. Una ruptura que irá ampliando su área para dar luz a lo inminente frente a esa vieja estructura ya obsoleta y en decadencia. De esta forma, el tema “Transfixion” estará en constante mutación mientras la actividad no cesa ni se calma, ya que lo nuevo reclama su reino, su espacio, y ese universo donde cobrará sentido. Ya en plena expansión, las dimensiones, como capas, irán poco a poco sincronizándose con este nuevo latido trascendente hasta equilibrarse con el nuevo impulso, llevando toda la estructura musical a un único bloque multicapa que se irá volviendo omnipresente con el paso del tiempo. De por si, en su parte final, el tema “Transfixion” se vuelve sacro con la entrada de este plano melódico para órgano que transmite plenitud.

Posteriormente, inmersos en el tema “Le bleu superstition”, los aires conceptuales neoclásicos serán los que se presenten en su intensidad melódica inicial, convirtiendo a esta composición en una auténtica delicatessen musical. ¡¡¡“Le bleu superstition”, impresionante!!! Cuando su fusión con los planos sonoros dark ambient vaya desarrollándose, el espectáculo artístico se vuelve colosal, adquiriendo ese halo épico donde lo místico es revelación y temor a su vez. Envuelto en belleza siniestra con la entrada de este plano sonoro cristalino que provoca inquietud, su tempo cortante y constante cubierto de esta densa bruma hará las delicias de los melómanos lectores de Lux Atenea más góticos, apagándose ese tenebroso tempo para dar un mayor protagonismo a los planos melódicos más punzantes y extremos cercanos conceptualmente al post-industrial. Desembocando en el tema “Le premier jour de sable dans l’éther”, la transformación se consumará en un entorno místico donde este siniestro plano melódico transmite seriedad y temor. Pero el impulso es hacia adelante e imposible de parar, intuyendo ya la deseada pureza en el brillo de lo etéreo. Un anhelo de lo celestial que hipnotiza al alma, y que convierte la existencia en una melódica danza hacia la unión sagrada. En esta fase musical de la composición, la realidad se muestra nítida, reveladora, y esencial como desvelo, sintiendo la calidez de la resurrección espiritual envuelta con ese temor a lo desconocido que no se perderá hasta el final, cuando ya no hay vuelta atrás. “Musique des Sables”, Indalaska integrando con maestría artística el estilo dark ambient más innovador con la música contemporánea de esencia mística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Ampscent “Ampscent” (ZOHARUM, mayo 2023) (Reseña / Review #1953).

Posted on 16 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1953 // Reseña Musical nº: 1352

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD de seis paneles con libreto desplegable, edición limitada de 300 unidades (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Hospitality // 2- Intro // 3- Boiling Field // 4- Arrival // 5- Nothing But The World // 6- Meta Scenery
Datos técnicos: Temas musicales producidos y mezclados por Ampscent
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical de vanguardia

El dúo Ampscent está formado por los experimentados artistas multidisciplinares Jacek Doroszenko (teclados, sintetizadores, y electrónica) y Marcin Sipiora (sintetizadores y electrónica), presentando en este álbum homónimo un avanzado estilo musical donde el eclecticismo conceptual adquiere fundamentos sonoros propios de la escena industrial, experimental, high-tech ambient, harsh electronics… de avanzado carácter futurista. Este año 2023, el magnífico álbum “Ampscent” fue presentado oficialmente a mediados del mes de mayo a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum, habiendo sido publicado en formato digital y en esta edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles con libreto desplegable. En este álbum homónimo, el dúo Ampscent ha incluido dos de los tres temas que vertebraron su EP “Nothing But The World” (temas “Boiling Field” y “Nothing But The World”), ópera prima publicada también por el sello Zoharum en el mes de enero de este mismo año, quedando este álbum finalmente vertebrado con seis impactantes temas musicales de auténtica vanguardia, como así podrán comprobarlo y disfrutarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta obra musical. Una ventana sonora abierta al futuro conceptual de esta escena electrónica non-mainstream donde Ampscent presenta una perspectiva creativa fascinante, siendo este álbum un agujero espacio-tiempo que se abre para poder ver y sentir cómo será esta escena artística dentro de unos años. Así de vanguardista se presentará el álbum “Ampscent” desde un principio.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en la áspera atmósfera sonora del primer tema “Hospitality”, donde no hay concesión alguna al equilibrio o al factor aleatorio. Su estructura musical adquiere estos planos industriales como base secuencial, mientras pinceladas experimentales y destellantes cromatismos sonoros high-tech ambient nos embrujan por su talentosa definición. Escuchar de nuevo el tema “Hospitality” será obligatorio precisamente por esta contundente demostración de arte musical de vanguardia, prestando atención a cada plano sonoro, a cada detalle, y a cada particularidad sonora. Hasta fugaces presencias post-industriales aparecen y desaparecen en esta composición, como si fueran cometas sonoros surcando esta estructura musical de vanguardia. Adentrándonos luego en el alocado y fluctuante tema experimental “Intro”, su aura distópica irá aumentando en este intenso y siniestro caleidoscopio sonoro que nos dirigirá directamente al tema “Boiling Field”. Aquí, donde este escenario conceptual muta y se reconfigura conceptualmente traspasando varias fronteras, termina revelándose experimental en su visión artística pero amalgamando lo industrial con el high-tech ambient con sumo talento. Emocionalmente frío, el tema “Boiling Field” nos invita a contemplar estas entrañas mecánicas expuestas a nuestra atenta mirada, y con aires futuristas de cautivadora belleza que te envuelven por sus iridiscencias cristalinas. Estructuralmente, la composición “Boiling Field” es exquisita y hedonista por su innovadora esencia conceptual, siendo uno de los temas más resplandecientes y magnéticos de este álbum. ¡¡¡“Boiling Field”, impresionante!!!

En el tema “Arrival”, el dúo Ampscent profundiza en estos nuevos espacios conceptuales de vanguardia buscando la belleza artística por encima de todo. Vientos sonoros experimentales fluyendo en este entorno ambient para seducir al melómano con tanto esplendor musical en estado puro. Una sensación de armonía que no es rota ni siquiera con la entrada de secuencias glitch entrecortadas, haciendo que esta composición pudiera ser perfecta para poner banda sonora a la lectura de un manga japonés de Tsutomu Nihei como Biomega, tan adelantado a su tiempo en cuanto al futuro que nos presenta en sus páginas y viñetas. Posteriormente, el tema “Nothing But The World” dará continuidad a esa inmersión sonora pero con una atmósfera más siniestra, apareciendo planos sonoros experimentales y harsh electronics que dejarán muy impresionados a los melómanos non-mainstream. Hasta secuencias industriales que reflejan suciedad y humedad volverán más denso e irrespirable este entorno, observando toda esta coreografía en movimiento con la sensación de estar descubriendo algo nunca antes escuchado. “Nothing But The World” es un latido, es debilidad y decadencia, es el metal inorgánico que sigue moviéndose perpetuamente hasta el último segundo de energía. Con el tema “Meta Scenery” desvelando un nuevo continente virtual en expansión, la clausura de esta obra maestra es sublime por su definición sonora, entrecruzándose conceptualmente el high-tech ambient con lo experimental, además de incorporar avanzados planos musicales harsh electronics e industriales que te lanzan de lleno a sentir ese futuro digital que ya empieza a asomarse en el horizonte tecnológico. Una expansión sensorial que les invitará a escuchar este tema repitiéndose ad infinitum. “Ampscent”, uno de los álbum musicales más innovadores y vanguardistas que se hayan publicado en este año 2023, gracias a la admirable labor cultural que viene desarrollando el prestigioso sello discográfico polaco Zoharum. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Satøri “The Woods” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1952).

Posted on 13 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1952 // Reseña Musical nº: 1351

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- A Stopped Clock // 2- Restrict // 3- The Summoning // 4- Caustic // 5- Black Serpent Kiss // 6- Pressing Down // 7- Body & Blood // 8- Abuser // 9- You Can’t Breathe
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Dave Kirby entre los años 2020 y 2023; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena power electronics

Ya se encuentra disponible en pre-pedido a través de la webstore del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records y de su página oficial en Bandcamp, el esperado nuevo álbum de Satøri titulado “The Woods” que será presentado oficialmente el próximo día 8 de septiembre en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD. El álbum “The Woods” ha sido engalanado con este siniestro diseño gráfico en blanco y negro a cargo de Abby Helasdottir, quedando esta imagen de portada centrada en un entorno natural aparentemente tensionado con la presencia de estas ramas en la base de estos árboles como si se estuvieran preparando unas piras rituales o unas quemas de purificación aparentemente espirituales. Pero no son ramas destinadas a convertirse en piras, sino unas inquietantes chozas o refugios de una sola entrada. Una imagen visual del retorno humano a lo tribal, o al cazador salvaje sin ética o moral alguna que da rienda suelta a esos instintos propios del homo homini lupus que no han abandonado nunca al ser humano desde hace milenios. El horror en estado puro. En su nuevo álbum “The Woods”, el talentoso artista británico Dave Kirby vuelve a presentarnos otra joya musical donde el eclecticismo conceptual de vanguardia queda sustentado de forma creativa en los estilos power electronics, noise, dark ambient, industrial… Innovación y vanguardia destinadas a engrandecer esta apasionante escena musical, y que gracias a grandiosos artistas como Dave Kirby se presenta inagotable e incansable en la constante expansión de sus fronteras conceptuales.

Como alma máter de Satori ahora en solitario, Dave Kirby ahonda en esta obra en ese lado obscuro y demoníaco del ser humano manifestado en sus impulsos irracionales más destructivos y viscerales, a pesar del halo racional con el cual trata de envolverse y de justificarse como especie dominante en este planeta. Ya sea a nivel individual o colectivo, una cosa son los deseos y la propaganda, y otra la realidad y la contundencia de los actos, y muchos individuos o la propia Humanidad no parecen haber avanzado mucho en su camino racional y lógico, siendo lo emocional y sentimental lo que sigue impulsando con fuerza hacia la propia autodestrucción, o hacia un futuro estado de pre-civilización absolutamente tribal y salvaje en un entorno natural degradado y contaminado debido a la soberbia moral y ética del ser humano, y a su insaciable egoísmo material. A nivel técnico, los nueve temas que vertebran el grandioso álbum “The Woods” se presentarán ante el melómano lector de Lux Atenea con una nitidez y con una dimensión sonora espectacular gracias al impecable trabajo de masterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido). Compuestos entre los años 2020 y 2023, estos temas musicales de Satori son muy contundentes a nivel artístico tras el minucioso trabajo de equilibrado y armonización en su nivel de registro sonoro realizado por Martin Bowes. Unas composiciones que revelan toda su intensidad de forma nítida, y un siniestro mensaje de trasfondo humano con un detalle en su dimensión musical que es impresionante. ¡¡¡El álbum “The Woods” suena espectacular!!!

Sin más demora, comenzamos esta audición adentrándonos en el primer tema “A Stopped Clock” de tacto sonoro áspero en su inicio, y rápidamente derivando hacia este colosal escenario en clave harsh noise y potente base industrial que se eleva tan cortante y desafiante como un hacha alzada en el aire. Brutal en su evolución sonora, estos inmisericordes latigazos fustigarán la mente del melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta siniestra obra como dura preparación psicológica ante lo que le espera en este álbum. El tema “Restrict” aparecerá con un estilo power electronics más innovador y deslumbrante en su siniestra belleza musical, mutando hacia espacios sublimes que se tiñen de angustia y sangre en cuanto esta arrolladora apisonadora sonora surja para someter y subyugar. Con un plano lírico que sobrecoge tanto como la audición del discurso de un agresivo líder señalando a la sociedad, aquí Satori amplifica todo el conjunto musical con esta ecléctica integración conceptual del noise, el industrial, y el power electronics más deshumanizado e insensible. Grietas abriéndose para dar paso a la hecatombe que, en “The Summoning”, da paso a este terrorífico ceremonial donde el sacrificio y el dolor son fundamentales para apartar el raciocinio y la lógica de la mente humana. Todo en “The Summoning” es extremo, subliminal, y coercitivo en su impacto mental, volviéndose infernal y demoníaco en su salvaje intencionalidad. En “The Summoning” no hay ni Ética ni Moral, sino la acción ejecutora del poder mostrando la cara más diabólica del ser humano. Una conmoción psicológica que paralizará al melómano durante su audición.

Cuando en el tema “Caustic” aparezca este estilo dark ambient en su inicio, el posterior protagonismo de los planos sonoros propios del power electronics nos harán sentir este corrosivo escenario distópico post-apocalíptico marcado por las ansias de degradación y de posesión hasta llegar a su manifestación más repulsiva y despiadada. Como si fuera un electroencefalograma sonoro de Leatherface en “Matanza en Texas”, sobre todo con esa máscara de piel tan bárbara y tribal, “Caustic” perturba por su envolvente halo de histeria, de pensamientos atroces, de sangriento placer imposible de complacer, y de profundo desprecio a lo humano hasta cosificarlo, sobre todo con esta sierra eléctrica musical en clave noise que no se para ante nada ni nadie. Fuera de control, el paso al potente tema “Black Serpent Kiss” será inmediato, retorciéndose su estructura musical como si fuera un leviatán desencadenado. “Black Serpent Kiss” proyecta y expande lo irracional. Ese interior infernal latente en las entrañas mentales del ser humano que han convertido este mundo en un tortuoso valle de lágrimas y de sufrimiento hasta hacer realidad ese infierno descrito y representado artísticamente por diferentes creencias religiosas a lo largo de la Historia. Un sádico calvario que, en el tema “Pressing Down”, se volverá solemne y mántrico en su esencia ritual inicial, encaminándonos a un viaje mental interior donde lo simbólico y lo metafórico están profundamente alterados en el individuo posicionado psicológicamente más allá del Bien y del Mal. “Pressing Down” recrea la peligrosa inestabilidad mental del ser humano endiosado que siente todo el poder en sus manos, y que a su vez se siente vacío e insatisfecho, provocando explosiones de ira y de rabia internas que desean ver la muerte y la destrucción a su alrededor como reflejo visual de su terrible infierno interior plagado de miedos y terrores.

El tema “Body & Blood” dará continuidad a esa descabellada deriva existencial que necesita estimular la aberración humana y sus instintos más primarios dirigidos a la materialización de la barbarie. Como culmen de la devastación y del culto al horror, “Body & Blood” sería un tema musical perfecto como banda sonora de una impactante película de horror cuando su psicópata protagonista entra en salvaje acción. Aquí los planos sonoros noise se muestran perfectamente armonizados con esta lírica descarnada, recreando lo brutal como pocos estilos son capaces de definir en clave musical. Una crudeza artística absolutamente sobrecogedora en “Abuser” debido a este inicio sacro abruptamente cortado con estos afilados planos noise, desgarrando toda la estructura musical hasta completar su dominio. Incluso algunos de estos planos sonoros son capaces de elevarse como desafío a lo celestial, siendo su materialización en este plano físico, la muestra más efectiva de su rebeldía a los designios sagrados. Sin límite o poder alguno que impida ese diabólico acto, “Abuser” refleja ese acto brutal de destructivo impacto físico y mental que dejará secuelas irreversibles imposibles de curar. Con el tema “You Can’t Breathe” extendiendo el telón de clausura en esta recreación del Mal protagonizado por el ser humano, su esencia conceptual aparecerá mucho más experimental y ecléctica para fascinar al melómano afín a los impactantes frutos artísticos de vanguardia de esta reveladora escena. “The Woods”, el genial artista británico Dave Kirby en solitario vuelve a convertir un nuevo álbum de Satøri en ese desvelo de los instintos demoníacos y autodestructivos humanos que lo encaminan inexorablemente hacia el apocalipsis de esta civilización técnicamente tan avanzada, pero muy pobre y decadente en su dimensión espiritual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

400 Lonely Things “Mother Moon” (Cold Spring Records, abril 2023) (Reseña / Review #1951).

Posted on 11 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1951 // Reseña Musical nº: 1350

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Good Morning // 2- You Must Sail To The Haunted Stars // 3- Parlor Tricks // 4- Many Moons // 5- In Darkness // 6- Oh My Soul // 7- Banning Mill // 8- Cast Us Deep In Mountain Sleep // 9- I Live In The Green Blooded Forest
Datos técnicos: Temas musicales mezclados y masterizados por Preston Wendel (Shania Taint)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Good Morning // 2- You Must Sail To The Haunted Stars // 4- Many Moons // 6- Oh My Soul // 9- I Live In The Green Blooded Forest

Un molino construido en los Estados Unidos de América como fábrica textil en la década de 1840, más de un siglo después termina convirtiéndose en un lugar refugio para artistas y outsiders desde la década de los setenta hasta los noventa, un emplazamiento cargado energéticamente donde arte y trascendencia confluyen en esta encrucijada, obras de arte que son algo más que decoraciones en sus habitaciones y estancias, simbología y fotografía inmortalizando una idea de trasfondo trascendente y místico, y lo selénico y lo mágico reflejados en esa unión sagrada perdida en el ser humano moderno y posmoderno salvo en estos apartados reductos a salvo de lo mercantil y de lo superfluo. Esta es la fuente de inspiración principal que llevó a Craig Varian, alma máter de 400 Lonely Things, a crear su grandiosa obra “Mother Moon” donde lo siniestro y lo tenebroso es mucho más interior que externo, y donde la música dark ambient de vanguardia fluye para despertar sensibilidades y planos existenciales capaces de armonizarse con la mutación interior, con el cambio, y con esa elevación del plano espiritual que rompe los límites de lo lógico y racional preestablecidos. El álbum “Mother Moon” es obscuro como los pasillos del laberinto creado por Dédalo, pero en su interior habita este Minotauro femenino unido a la Luna, a lo mágico, y a lo sobrenatural.

Presentado oficialmente en el mes de abril de este mismo año a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, el álbum “Mother Moon” ha sido publicado en formato digital y en una preciosa edición en digitak CD de seis paneles que incluye un libreto digital de 44 páginas si se realiza el pedido a través de la página oficial de Cold Spring Records en Bandcamp. Engalanado con esta portada tan simbólica y atrayente protagonizada por esta coloreada fotografía del artista estadounidense Richard Scott Hill, prestigioso escultor y fotógrafo de fama mundial, aquí el mensaje viene codificado en clave metafórica cuyo trasfondo nos lleva a lo mágico, a lo trascendente, a la transformación interior, al cambio existencial, a lo oculto, y a esa máscara tan necesaria como defensa y protección del individuo ante el mundo y todo lo externo. Un Minotauro femenino que es protagonista principal en la imagen, y que también es ese otro lado del Minotauro unido a lo esotérico y a esta luna mágica que revela el misterio y que armoniza el ritual con su energía sagrada. Una imagen de portada que atrae nuestra mirada por esta belleza unida al simbolismo artístico y pictórico, configurando un todo complejo y profundo que exige dedicar un tiempo a cada uno de sus detalles que revelan una realidad oculta a primera vista. En este terreno creativo, el artista Richard Scott Hill sabe cómo romper lo cotidiano y los prejuicios con la provocación artística y con la esencia psicológica del mensaje simbólico unido al inconsciente humano.

Llevado a un plano musical, Craig Varian, alma máter de 400 Lonely Things, ha vertebrado el álbum “Mother Moon” con nueve temas convertidos en un viaje mental y trascendente donde la propia experiencia ha sido esencial para poder definir sonoramente la estructura musical de cada composición. Un estilo dark ambient muy avanzado donde el drone y la experimentación llevará al melómano lector de Lux Atenea a sentir este otro mundo, este escenario sobrenatural existente en el mundo de forma oculta. Unos temas musicales que han sido mezclados y masterizados por Preston Wendel (Shania Taint), y donde la influencia sobrenatural está presente en estas composiciones no para asustar con su belleza musical siniestra, sino para revelar ese otro lado del espejo de la realidad capaz de transformar interiormente a una persona. Por este motivo, escuchar el álbum “Mother Moon” se convierte en un acto personal, individual, e imposible de compartir con otros debido precisamente a su trasfondo psíquico profundo y por el nivel de concentración que exige cada uno de estos temas. En el fondo, el álbum “Mother Moon” es un ritual, un teatro metafórico de sus símbolos donde la ambientación musical es fundamental para irradiar a la mente del melómano con su fuente de inspiración principal: la presencia de lo oculto, y que también está unido al propio misterio de la vida.

Iniciamos este ritual trascendente en clave musical adentrándonos en el primer tema “Good Morning” con el sonido de la campana capaz de ahuyentar al mal de forma ritual, y adquiriendo esta composición un estilo ambient luminoso y expansivo donde lo natural aparece casi en estado virginal e idílico. Derivando hacia un escenario mucho más cerrado, la luz terminará abriéndose paso en este entorno con una evanescencia musical que, en el tema “You Must Sail To The Haunted Stars”, continuará presente en su inicio para luego elevarse hacia lo obscuro y lo infinito impulsado por lo mágico y lo místico como si fuera el vuelo mágico de un chamán. En “You Must Sail To The Haunted Stars”, el estilo ambient irá mezclándose conceptualmente con el dark ambient a través de estos planos experimentales donde el drone envuelve con su neblina sonora. La lírica presentándose como fuente de revelación en este dinámico escenario, acaba siendo un mantra que abre puertas mentales para ampliar el horizonte existencial hasta hacer perder el contacto con el suelo, con lo material, y con la jaula carnal, de ahí la inmersión en este estilo ambient tan etéreo en su parte final hasta volver a iniciar el ciclo mántrico. La belleza musical de “You Must Sail To The Haunted Stars” es impresionante, invitándote a repetir su audición varias veces antes de sumergirnos en el tema “Parlor Tricks”, arrancando como si fuera una nueva diapositiva iluminada en el proyector. “Parlor Tricks” es mucho más inquietante por el predominio musical del dark ambient, y el melódico sonido del piano inspira temor y tenebrosidad ante lo presente donde nada es lo que aparenta, llevándonos al interior de esta estancia fantasmagórica con presencia de lo ultraterreno y sobrenatural. La distorsionada deriva en la que termina esta composición ya absolutamente dark ambient. ¡¡¡“Parlor Tricks”, sobrecogedor!!!

Luego, en el tema “Many Moons”, el estilo dark ambient de 400 Lonely Things irá presentando muchos más matices sonoros incluso en este plano etéreo y aterciopelado que paraliza el tiempo y condiciona la mente. “Many Moons” es embriagador como un embrujo de Circe, envolviendo para cambiar la perspectiva de la vida y del mundo hasta llegar a la desconexión de lo cotidiano que será considerado como algo perteneciente al pasado. La nueva realidad es mucho más placentera, seductora, y aparentemente salvífica. ¡¡¡“Many Moons”, delicioso tema musical!!! Con “In Darkness” arrojándonos al interior de lo siniestro para provocarnos choques emocionales y dudas existenciales en este entorno frío en cuanto a sentimientos, lo experimental definirá su particularidad sonora hasta adquirir un aura futurista y tecnológico más cercano conceptualmente al high-tech ambient. Retornando al estilo ambient en el tema “Oh My Soul”, su debilidad estructural es lo que provocará que la entrada de planos sonoros dark ambient sea progresiva y decisiva en su configuración musical, dando dinamismo a este escenario nebuloso donde todo late, todo se mueve, y todo se encamina hacia lo sagrado. De ahí la calma espiritual que transmite este tema durante su audición, como si fuera un ceremonial de purificación.

El tema “Banning Mill” ahondará en lo obscuro mientras estas nieblas ocultan la verdad, quedando solamente la intuición como guía en este escenario semi-traslúcido dominado musicalmente por el drone en varios planos sonoros. Una estructura vaporosa, débilmente iluminada, y que se vuelve lisérgica con el paso del tiempo mientras nuestra mente se disipa en esta evanescencia espiritual. Cuando el tema “Cast Us Deep In Mountain Sleep” aparezca, lo mágico y lo ritual serán más directos pero de forma muy sutil, entrando en este ceremonial con suavidad, con solemnidad, y con los ojos abiertos a lo revelado. “Cast Us Deep In Mountain Sleep” transmite un estilo dark ambient muy avanzado e innovador que se sitúa cerca de su frontera conceptual con el ritual ambient, pero este tema es más espiritual y menos sobrecogedor, y su unión con lo ultraterreno se queda a nivel terrenal. En su trasfondo, “Cast Us Deep In Mountain Sleep” es más espiritual y vital que celestial y chamánico, y al incorporar este plano sonoro cíclico de un respirador presenta ese lado siniestro donde la fragilidad de la vida está presente. Adentrándonos en un escenario más tenso donde lo místico es ruptura y quebranto, la entrada en esta atmósfera inhóspita con la presencia de nuevo del respirador no hará más que atirantar aún más este tema hasta conducirnos a lo purificador, centrado simbólicamente en el agua. Luego, el tema “I Live In The Green Blooded Forest” clausurará este álbum con una estructura musical mucho más experimental y ecléctica unida a lo sobrenatural. Espacios solemnes, voces distorsionadas, ecos hieráticos, “I Live In The Green Blooded Forest” es el tema más tenebroso incluido en “Mother Moon” hasta sobrecoger si se escucha en la obscuridad más absoluta. “Mother Moon”, música y trascendencia en clave sonora, metafórica, y simbólica cuyo mensaje va directo al inconsciente en su propio lenguaje. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Various Artists “Arise – A Cold Spring Sampler” (Cold Spring Records, agosto 2023) (Reseña / Review #1950).

Posted on 9 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1950 // Reseña Musical nº: 1349

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: CD1: 1- Kollaps “Hate Is Forever” // 2- Llyn Y Cwn “Adrift” // 3- Khost “We Will Win” // 4- Jagath “Svapna (Excerpt)” // 5- Trepaneringsritualen “Veil The World” // 6- Coil “Ostia (The Death Of Pasolini)” // 7- Merzbow “No Cages Part 3” // 8- She Spread Sorrow “Blue” // 9- Frank Hall “Hvalstöðin (“I Remember You” OST)” // 10- Dead Voices On Air “Papa Papa Revers” // 11- Lull “Range (Excerpt)” // 12- Maschinenzimmer 412 “Ecaf Dloc” // 13- The Circular Ruins & Mystified “Forbidden Planet” // 14- Common Eider, King Eider “Sun .:. Fire (Excerpt)” // 15- Colossloth “The Locust Trove” // 16- We Be Echo “Sexuality” // 17- George Fenton “The Boy And The Devil (“The Company Of Wolves” OST)”
CD2: 1- Kristian Eidnes Andersen / Lars Von Trier “Lascia Ch’io Pianga (Epilogue) (“Antichrist” OST)” // 2- Himukalt “Staggered, Crushed” // 3- Sonologyst “Ad Astra” // 4- Satori “A Stopped Clock” // 5- 400 Lonely Things “You Must Sail To The Haunted Stars (Excerpt)” // 6- Tunnels of Āh “Ritual For The New Dumb” // 7- Sleep Research Facility “Sargo (Excerpt)” // 8- Burial Hex “Lost Sailor” // 9- TenHornedBeast “Upon Their Heads (Excerpt)” // 10- FM Einheit / Lee Ranaldo “Alpine Traum” // 11- SPK “Invocation To Secular Heresies” // 12- Oleg Karpachov “Fodder (“Sputnik” OST)” // 13- Drew Daniel / John Wiese “Abhorred Shears” // 14- La Breiche “Le Rite” // 15- Neil Chaney “Aura (“Aura” OST)” // 16- Genesis P-Orridge & Dave Ball “Imagining October III (“Imagining October” OST)”
Datos técnicos: Álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Selecta compilación musical

El pasado martes, día 8 de agosto de 2023, fue presentado oficialmente el nuevo álbum recopilatorio “Arise – A Cold Spring Sampler”, quedando inmortalizado el universo musical que da solidez a la perspectiva cultural del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records. Siempre en la vanguardia, siempre apostado fuerte por el apoyo a artistas y bandas musicales innovadoras, Cold Spring Records es uno de los sellos discográficos fundamentales e ineludibles para los melómanos que deseen disfrutar de la mejor música compuesta en las últimas décadas dentro de esta escena. Perspectivas conceptuales de primer nivel inmortalizadas por Cold Spring Records en preciosas ediciones físicas (CD y vinilo), algunas ya son ediciones de coleccionista muy buscadas en la actualidad, y siempre publicando la crème de crème dentro estilos musicales tan apasionantes como el industrial, post-industrial, noise, dark ambient, electrónica experimental, ritual ambient… Como analista musical, con esta publicación ya son 95 el número de reseñas que he escrito y publicado en Lux Atenea sobre ediciones discográficas publicadas por el ilustre sello Cold Spring Records en los últimos diez años. Así lo han podido comprobar y disfrutar los melómanos lectores de Lux Atenea, y este análisis musical tan completo sobre las ediciones discográficas de Cold Spring Records va a condicionar las siguientes descripciones, ya que muchos temas de esta compilación musical ya fueron descritos en las reseñas de sus respectivos álbumes. Y es que las obras de los artistas y de las bandas musicales que este sello británico publica, me apasionan, me fascinan, y me hacen disfrutar esta escena musical intensamente, siendo Cold Spring Records uno de los pilares culturales de Lux Atenea dentro del arte musical non-mainstream.

El grandioso álbum “Arise – A Cold Spring Sampler” ha sido publicado en formato digital y en una preciosa edición de 4000 unidades en ecopak 2CD, habiendo sido engalanado por Jo Mitchell con este atrayente diseño cuya portada es una de sus propias fotografías titulada “The Drowned Village”. Un entorno donde la naturaleza es protagonista, donde el río simboliza el discurrir de la vida a lo largo del tiempo, y donde el cielo nublado transmite ese lado melancólico en la perspectiva existencial incluso en su ambientación otoñal rumbo al frío invierno que paralizará la vida. Una visión con ese halo decadente que es esencial para poder sentir cada uno de los temas musicales que vertebran este álbum, habiendo sido masterizados por el maestro Martin Bowes (Attrition), el técnico de sonido más detallista y preciso a la hora de definir la obra musical de un artista o banda musical, dando esa claridad sonora, ese nivel perfecto en el nivel de registro de grabación, y esa armonía esencial para que el melómano pueda sentir y disfrutar el tema musical en su mayor pureza y autenticidad. Siendo The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), el mítico laboratorio de alquimia sonora donde el maestro Martin Bowes perfila y pule la obra musical a masterizar o remasterizar, después de todos estos años, los melómanos lectores de Lux Atenea ya saben que ver el nombre de Martin Bowes en el apartado técnico de un álbum es sinónimo de excelsa calidad sonora. Por este motivo, las re-audiciones del álbum “Arise – A Cold Spring Sampler” siempre se convertirán en una deliciosa inmersión en el mundo musical editado por Cold Spring Records.

Dividido en dos CD’s, la selección musical que vertebra esta compilación es deslumbrante desde el primer tema hasta el último. Un abanico conceptual amplio y diverso que comenzará con el tema “Hate Is Forever” de Kollaps, incluido en su obra maestra post-industrial “Until The Day I Die” (leer reseña del álbum). “Hate Is Forever” es brutal, ruidista, demoníaco, y un torbellino de odio que provoca destrucción a su paso en su alocada deriva hacia ese caos que lo aniquilará. Profundamente impresionados, a continuación, el tema de Llyn Y Cwn “Adrift” perteneciente a su obra maestra “Du Y Moroedd” dentro de la escena dark-ambient (leer reseña del álbum), seguirá mostrando una espiral sonora pero en clave siniestra, ahondando en lo psicológico, en el miedo, en el pavor. Luego, el protagonista musical será Khost y el primer tema “We Will Win” de su grandioso álbum “Buried Steel” (leer reseña del álbum), donde el estilo industrial doom les llevará al abismo sin que puedan hacer nada para evitarlo, y donde la perdición es sentida de forma visceral. Desembocando en el tema “Svapna (Excerpt)” de Jagath perteneciente a su obra maestra homónima (leer reseña del álbum), aquí lo industrial deriva hacia el dark ambient y el ritual ambient hasta hacer palpable ese halo misterioso y mágico que provoca grietas en la base de la Razón y de la Lógica. Dando continuidad a lo misterioso y ahondando en el estilo industrial más innovador, Trepaneringsritualen y su tema “Veil The World” perteneciente a su espectacular álbum homónimo (leer reseña del álbum), es una de las mejores muestras del estilo death industrial definido por el talentoso artista sueco Thomas Martin Ekelund, fluyendo lo poderoso tras ese telón de lo oculto que todo lo dirige, que todo lo controla, y que todo lo condiciona. Con Coil deslumbrándonos con su tema “Ostia (The Death Of Pasolini)” perteneciente al glorioso álbum “A Guide For Beginners – The Voice Of Silver / A Guide For Finishers – A Hair Of Gold” (leer reseña del álbum), una auténtica joya discográfica y musical, lo melódico presenta ese lado descarnado, inhumano, y despiadado dentro de una perspectiva existencial dominada por lo barroco, por lo mortuorio, y por lo sentimental llevado a su lado más irracional. ¡¡¡“Ostia (The Death Of Pasolini)”, impresionante delicatessen musical!!!

Uno de los álbumes musicales de Merzbow con el cual más me identifico por su trasfondo es su obra maestra “Animal Liberation – Until Every Cage Is Empty” (leer reseña del álbum), siendo “No Cages Part 3” uno de los temas más desgarradores por la ausencia absoluta de empatía, de sentimientos, de sensibilidad existencial, de ahí que el virtuoso artista japonés Masami Akita haya perfilado este estilo industrial de forma magistral como base conceptual de esta composición dura y cruel por la insensibilidad hacia la vida que nos transmite. Si el director de un documental sobre mataderos necesitara una banda sonora, el tema “No Cages Part 3” sería perfecto. Profundizando en lo mental aparecerá “Blue” de She Spread Sorrow, primer tema perteneciente a su obra maestra death industrial titulada “Huntress” (leer reseña del álbum), y donde lo hipnótico y lo psicodélico te envuelven con su densidad sonora y por su plano lírico en clave etérea hasta llegar a la embriaguez mental. Siguiendo este siniestro camino musical, en el tema “Hvalstöðin” perteneciente a la excelsa banda sonora de la película “I Remember You” (leer reseña del álbum), Frank Hall recrea lo demoníaco en esta magna composición dentro del estilo dark ambient que les sobrecogerá. Otra joya discográfica dentro del estilo industrial y experimental protagonizada por el álbum “Abrader Redux” de Dead Voices On Air (leer reseña del álbum), queda muy bien representada por el ecléctico tema “Papa Papa Revers”. De esencia cosmopolita, aquí lo experimental, lo tribal, y el dark ambient quedan armonizados en este tema vanguardista y al cual el paso del tiempo no afecta a su esencia innovadora compuesta en el año 1994. Casi treinta años han pasado desde que viera la luz por primera vez, y “Papa Papa Revers” sigue sonando plenamente actual. Otra obra maestra es “That Space Somewhere” de Lull (leer reseña del álbum), y “Range (Excerpt)” es una muestra de su primer tema concebido como un caleidoscopio sonoro en clave dark ambient donde la languidez se vuelve difusa, y todo se vuelve vaporoso hasta provocar que el melómano pierda la noción del tiempo y del espacio.

Como pueden comprobar, la compilación musical “Arise” es espectacular, y ahora nos deslumbrará Maschinenzimmer 412 con su tema “Ecaf Dloc” perteneciente a su obra maestra “Macht Durch Stimme” (leer reseña del álbum). Como primer tema de este álbum de culto dentro de la escena industrial, “Ecaf Dloc” es la sublimación sonora de lo tecnológico y de la ingeniería llevada a lo colosal con el acero y el hormigón convirtiéndose en la antítesis de “Cold Face”, adquiriendo ese impulso imparable marcado por la insensibilidad emocional y por lo maquiavélico llevado al extremo. Con la literatura de ciencia-ficción tomada como base inspiradora, The Circular Ruins & Mystified presentaron su grandioso álbum “Fantastic Journey” (leer reseña del álbum) donde el tema “Forbidden Planet” es una muestra clara de su creatividad musical, haciendo que la audición de esta composición sea una de las experiencias sonoras más asombrosas de esta compilación musical. Como analista cultural, recomiendo muy especialmente la audición del álbum “Fantastic Journey” al completo. Cambiando de escena y adentrándonos en lo ritual, aquí Common Eider, King Eider son auténticos maestros. Esta muestra del tema “Sun .:. Fire (Excerpt)” perteneciente a su obra maestra “Égrégore” (leer reseña del álbum), es una lánguida inmersión en lo chamánico y sobrenatural recreados impecablemente en este despliegue instrumental y sonoro. Retornando a lo industrial con otra obra maestra como “Promethean Meat” de Colossloth (leer reseña del álbum), el tema “The Locust Trove” transformará el entorno en algo agreste, corrosivo, sofocante, y ácido en su definición estructural metálica que somete y esclaviza. “The Locust Trove” es desangelado, al contrario que el tema “Sexuality” de We Be Echo, primer tema de su grandioso álbum “Ceza Evi – Compleat Edition” (leer reseña del álbum) que, aunque es emocionalmente gélido, presenta una belleza sonora experimental que te cautiva. Cerrando este primer CD, en el tema “The Boy And The Devil” perteneciente a la banda sonora de “The Company Of Wolves”, George Fenton logra integrar en esta ecléctica composición lo épico con lo ambiental, lo siniestro con lo heroico, llevándonos a una clausura musical con ese inconfundible sabor cinematográfico.

En el segundo CD, también lo cinematográfico queda resaltado con el tema “Lascia Ch’io Pianga (Epilogue)” de Kristian Eidnes Andersen y el director de culto Lars Von Trier, perteneciente a su famosa película “Antichrist”. La legendaria composición “Lascia Ch’io Pianga” del maestro clásico barroco Georg Friedrich Händel (1685-1759) es protagonista absoluto en esta preciosa interpretación dentro del bel canto. El tema “Staggered, Crushed” de Himukalt será un giro conceptual de 180 grados. Perteneciente a su obra maestra “Knife Through The Spine” (leer reseña del álbum), Himukalt amalgama dos estilos musicales como el noise y el power electronics, predominando éste último en una composición profundamente lánguida hasta llegar a la parálisis. Luego, en el tema “Ad Astra” que abre el grandioso álbum “Interdimensional” de Sonologyst (leer reseña del álbum), el artista italiano Raffaele Pezzella transforma el drone en puro arte sonoro para crear este vórtice que aparecerá para llevar al melómano a otra perspectiva existencial más elevada a través de esta integración del dark ambient y el aislacionismo en oleadas sonoras que fluyen para cautivar. Como avance del próximo álbum de Satori titulado “The Woods”, el análisis de su primer tema “A Stopped Clock” lo expondré en la reseña de este álbum que publicaré próximamente en Lux Atenea, adelantando que esta composición es un salvaje mosaico sonoro de vanguardia definido por el noise, el dark ambient, el industrial, y el power electronics. Lo mismo sucede con el tema “You Must Sail To The Haunted Stars (Excerpt)” perteneciente al álbum de 400 Lonely Things “Mother Moon”, cuya reseña publicaré en muy poco tiempo. Un estilo dark ambient de vanguardia donde el drone es dimensional, y donde la entrada en perfiles sonoros experimentales tiene esa irresistible atracción sensorial que te engancha a su audición. Siguiendo una línea artística de carácter mortuorio, Tunnels of Āh en el tema “Ritual For The New Dumb” perteneciente a su extraordinario álbum industrial y experimental “Deathless Mind” (leer reseña del álbum), aparecerá con este gélido minimalismo con pinceladas post-industriales donde lo metálico casi alcanza lo orgánico en su evolución sonora, proyectando este formateo mental como base fundamental de su mensaje. “Ritual For The New Dumb” es distópico, tecnológicamente atroz, y psicológicamente opresor respecto a todo lo que se sale del mainstream.

Manteniendo un estilo musical mucho más centrado en el dark ambient, en esta muestra de la composición “Sargo (Excerpt)”, Sleep Research Facility ampliará y obscurecerá los espacios para llevarnos a un viaje sensorial magnético e hipnótico que te evade psicológicamente. Disfrutado a medianoche mirando a las estrellas del cielo y a la luna, “Sargo (Excerpt)” es espectacular. Posteriormente, será protagonista Clay Ruby, alma máter de Burial Hex, con el tema “Lost Sailor” perteneciente a su magna obra “Gauze” (leer reseña del álbum), donde todo se vuelve más ecléctico en su definición conceptual hasta conducirnos directamente a este estilo black industrial de precioso y obscuro perfilamiento melódico para violonchelo, y distorsionado plano lírico del cual emana sufrimiento y desesperación. Con esta muestra del tema “Upon Their Heads (Excerpt)” perteneciente a la obra maestra de TenHornedBeast titulada “The Lamp Of No Light” (leer reseña del álbum), todo se redefinirá hacia entornos sonoros colosales y extremos de carácter trascendente y esotérico. Dantesco y sublime, este tema condicionará al melómano hasta llevarlo al hieratismo, a ese estado de contemplación y parálisis ante lo sobrenatural y sobrehumano que es perfilado en este eclecticismo conceptual donde está presente el estilo dark-ambient, noise, doom, industrial… de afilados cromatismos sonoros. Una senda artística que seguirá incitándonos a su andadura sonora con el tema “Alpine Traum” de FM Einheit y Lee Ranaldo (Sonic Youth), perteneciente a otra joya discográfica titulada “Exhibition Of A Dream” (leer reseña del álbum). De imprescindible adquisición para los auténticos amantes de esta escena musical, en “Alpine Traum”, la luz aparecerá en este entorno hasta conducirnos a esos escenarios cinematográficos tan fascinantes que surgieron en la década de los setenta.

El foco creativo se centrará en el mítico grupo musical australiano SPK a través de su tema “Invocation To Secular Heresies”, perteneciente a su grandioso álbum “Zamia Lehmanni (Songs Of Byzantine Flowers)” (leer reseña del álbum). Un embriagador estilo industrial de trasfondo esotérico que sobrecoge, y donde los planos melódicos y líricos son espectaculares. Alejándonos de ese escenario, en su tema “Fodder” perteneciente a la banda sonora de “Sputnik”, Oleg Karpachov fusionará en su crisol musical el ambient y lo minimalista con el dark ambient y lo épico dentro de este dinamismo sonoro poderoso e incontenible, hasta en sus pinceladas sonoras tan afiladas como cortantes. Más experimental y glitch es el tema “Abhorred Shears” de Drew Daniel y John Wiese, perteneciente a su magnífico álbum “Continuous Hole” (leer reseña del álbum), con un cortante diente de sierra sonoro de trasfondo industrial que se entrecorta para aumentar la concentración y el asombro del melómano afín a la vanguardia más transgresora. Luego, el dúo musical francés La Breiche en su tema “Le Rite” perteneciente al grandioso álbum homónimo (leer reseña del álbum), hará que el post-rock sea litúrgico e innovador al incorporar estos planos sonoros electrónicos de radiante belleza que encantarán a los melómanos lectores de Lux Atenea. ¡¡¡“Le Rite”, impresionante!!! Más siniestro será el tema “Aura” perteneciente a la banda sonora de la película de terror británica “Aura (the exorcism of Karen Walker)” (leer reseña del álbum), con Neil Chaney dando cuerpo artístico a esta atmósfera de terror donde el peligro se intuye, se siente, y termina materializándose a través del horror sobrenatural demoníaco que paraliza al individuo bajo su influencia. Sin duda alguna, la banda sonora de la película “Aura (the exorcism of Karen Walker)” es una auténtica obra maestra. Clausurando este álbum recopilatorio con otra obra maestra de vanguardia como es la banda sonora del cortometraje “Imagining October” rodado por Derek Jarman (1942-1994), artista reivindicativo de la presencia queer en el cine, Genesis P-Orridge y Dave Ball convirtieron el eclecticismo musical de vanguardia del álbum “Imagining October” (leer reseña del álbum) en un contundente despliegue de talento marcado por esta radiante vidriera conceptual ambient, post-industrial, experimental, e industrial. La solemnidad que transmite el tema “Imagining October III” sobrecoge por este halo decadente a través de su lírica interpretada por voces clásicas, por estas pinceladas post-industriales tan sutiles, y por estos planos nebulosos presentes de forma permanente para hacer aún más gris y desolador este escenario. “Arise – A Cold Spring Sampler”, excelsa compilación musical para quedar fascinado con este panorama artístico tan vanguardista e innovador editado por Cold Spring Records. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Drew Daniel, John Wiese “Continuous Hole” (Cold Spring Records, agosto 2023) (Reseña / Review #1949).

Posted on 5 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1949 // Reseña Musical nº: 1348

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Intro // 2- Abhorred Shears // 3- Un Mask // 4- Scramble Suit/e // 5- Progress Bar // 6- OBV // 7- Done It // 8- Dress Up // 9- Sleek Disorder // 10- Cosmic Joke // 11- Surprise
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Drew Daniel y John Wiese entre los años 2003 y 2014; álbum masterizado por Thomas Dimuzio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- Un Mask // 5- Progress Bar // 6- OBV

Ayer viernes, día 4 de agosto de 2023, fue presentada oficialmente esta re-edición del álbum “Continuous Hole” compuesto por los talentosos artistas estadounidenses Drew Daniel y John Wiese, habiendo sido publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una magnífica edición en digipak CD de seis paneles. Engalanado con una atrayente portada basada en esta imagen fotográfica tomada por John Wiese, visualmente los melómanos lectores de Lux Atenea empezarán a descubrir esos detalles simbólicos que rompen la aparente atmósfera cotidiana que transmite esta portada en su primera mirada. Precisamente ese foco en el detalle llevado al arte musical es lo que marca el ecléctico estilo de composición de Drew Daniel y John Wiese, abriendo el arco conceptual desde lo experimental hasta el más puro glitch, o desde trazos sonoros post-industriales hasta la presencia de estructuras propias de la música contemporánea más vanguardista en la actualidad. Vertebrado por once temas creados entre los años 2003 y 2014, el álbum “Continuous Hole” fue publicado originalmente en el año 2018 a través del sello estadounidense Gilgongo Records en una edición en vinilo LP 12”, siendo esta re-edición en digipak CD de Cold Spring Records lo que vuelve a remarcar su relevancia artística dentro de esta apasionante escena musical en este año 2023. Un álbum extraordinario y sorprendente que fue masterizado por Thomas Dimuzio, proyectando este universo sonoro donde cualquier idea preconcebida por el melómano lector de Lux Atenea antes de su atenta audición será quebrada ante la presencia de estas estructuras musicales de vanguardia. Innovación conceptual llevada a terrenos artísticos inexplorados que serán una auténtica delicia para los melómanos más experimentados en esta materia musical. Lo indómito y lo agreste llevado al universo sonoro más deslumbrante y radical.

Sin más demora, iniciamos la audición de este álbum musical de vanguardia teniendo a la breve composición “Intro” como antesala sonora glitch del tema “Abhorred Shears”, donde secuencias entrecortadas van desarrollando un diente de sierra sonoro de trasfondo industrial en su afilada evolución. Una primera conexión artística con la perspectiva creativa de Drew Daniel y John Wiese en este álbum, y que, en “Un Mask”, va a presentarnos una personalidad musical marcada por destellos sonoros donde lo lírico es tan agónico como la decadencia existencial del individuo en la posmodernidad. “Un Mask” suena a crisis, suena noche en soledad en una habitación vacía, suena a reflexión dolorosa imposible de parar o de anular en los pensamientos presentes. Una crudeza que desaparecerá en el tema “Scramble Suit/e” al retornar a lo secuencial, a lo externo y mecánico de tacto frío, y donde lo emocional no aparece en ningún momento. Llevado casi hasta la frontera conceptual del noise, “Scramble Suit/e” funde lo post-industrial y lo glitch en el crisol de la experimentación sonora, y su desarrollo es fluido y constante hasta quedar completamente apagado de forma repentina. Desembocando en el tema “Progress Bar”, aquí si que lo conceptualmente noise es muy pronunciado ya que el glitch aparece absolutamente pleno y libre en su sentido artístico, rompiendo barreras y límites hasta con la aparición de este precioso plano melódico sintetizado que surgirá como un cielo azul en un entorno nublado y gris. Pero lo obscuro domina, y al final de este tema vuelve a tomar el control de este entorno sonoro.

Uno de los temas más radicales de este álbum es “OBV”, siendo una sucesión violenta de golpes lo que moldee este entorno que derivará hacia un estilo industrial muy áspero y colosal como si fuera un brutalismo sonoro. A veces orgánico, otras veces ciclópeo, “OBV” te hiela, te paraliza, te altera hasta el rítmo de la respiración al ser capaz de concentrar la atención del melómano hasta sumergirlo en esta vorágine musical de vanguardia. ¡¡¡“OBV”, impresionante!!! Luego, en el tema “Done It”, aunque aparentemente todo se suaviza, su minimalismo provoca calidez después de lo tormentoso y lo glitch aparece con cierto tacto emocional unido a lo humano. “Done It” suena a singularidad sistémica, a jungla urbana aplacada donde el individuo cree haber encontrado un entorno seguro de la agresividad externa, y donde sus deseos y sus aspiraciones parecen estar al alcance de su mano si persevera en su búsqueda. De ahí que la entrada en la composición “Dress Up” sea natural y equilibrada como si formaran un todo escalonado. “Dress Up” son trazos sonoros, es intimidad definida en fotogramas sueltos, es minimalismo existencial unido al Yo cuyos fugaces cromatismos sonoros desvelan movimiento y ocultan miedos. Sin duda alguna, “Dress Up” es el tema más psicológico y profundo del álbum “Continuous Hole”.

Con el tema “Sleek Disorder” ambientando nuestro entorno, el punto de ruptura musical presentará grietas profundas y un estilo glitch que provoca desazón y desasosiego aunque haya luz. Incluso su base secuencial lleva a eso mismo, al abandono, a la insatisfacción crónica, a observar la vida como un caos sin sentido. “Sleek Disorder” es un bloque de mármol llamado vida que es cincelado a golpes de maza, no habiendo ninguna zona pulida sino una forma embrutecida a través de las aristas y de los grandes trozos arrancados que han dejado su huella. Y si de lo concreto pasamos a lo inmenso, en el tema “Cosmic Joke” la creatividad musical se vuelve ecléctica al integrar el noise con el glitch, y la experimentación electrónica con la base industrial, desenvolviéndose y desintegrándose poco a poco como una espiral de ADN sometida a una radiación gamma donde no hay masa, sino fotones que impactan y destruyen. “Cosmic Joke” sería la banda sonora perfecta en una secuencia documental donde poder observar los devastadores efectos de la radiación en lo orgánico. Finalmente, la clausura de esta obra tan innovadora llegará con el tema “Surprise” que, aunque aparentemente parece ser una composición ambient con iridiscencias sonoras, rápidamente surgirán estos planos musicales extremos donde el noise y el glitch muestran su lado más salvaje y agresivo. Como en un Reino de Morfeo psicodélico y psicótico, este círculo musical volverá a repetirse como si fuera una cruel pesadilla de la cual saldremos repentinamente. “Continuous Hole”, el arte musical de vanguardia no conoce el paso del tiempo gracias a la virtuosa mano de estos dos escultores sonoros: Drew Daniel y John Wiese. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Nostalgie Éternelle “Krummhörn” (Industrial Complexx, marzo 2023) (Reseña / Review #1948).

Posted on 3 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1948 // Reseña Musical nº: 1347

Quiero dar las gracias a Ximo Noguera (Industrial Complexx) por haber contado conmigo como analista musical en el libro incluido en esta preciosa edición y por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD + Libro (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- New Orchestra // 2- Sample World // 3- Alles ist zurück // 4- United Splinters // 5- Ein Wort von dir // 6- Wow Feeling // 7- Echter Fortschritt // 8- I’m Nothing // 9- Violet Jessop // 10- Fragezeichen // 11- Arty People
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- New Orchestra // 2- Sample World // 3- Alles ist zurück // 8- I’m Nothing // 9- Violet Jessop

Como analista musical ha sido un honor y un auténtico placer haber escrito sobre el talentoso dúo musical alemán Nostalgie Éternelle en el libro incluido en esta preciosa edición de su álbum “Krummhörn”, y todo gracias a Ximo Noguera, alma máter del prestigioso sello musical valenciano Industrial Complexx, al haber contado conmigo como colaborador cultural en esta lujosa edición. Además, para mí es un inimaginable y relevante honor cultural estar en este libro junto al genial y polifacético artista alemán Stefan Knappe aka Baraka[H], alma máter de Maeror Tri, Troum, y propietario del prestigioso sello discográfico Drone Records. Ximo Noguera, Stefan Knappe, y yo hemos vertebrado con nuestros artículos este atrayente libro dedicado a la obra del mítico dúo musical Nostalgie Éternelle, y que hará las delicias de los melómanos por su profundidad, por su precisión, y por su detalle en la descripción, incluyendo datos e información que sorprenderán a los seguidores de esta escena musical. Una lujosa edición que fue presentada oficialmente a finales del pasado mes de marzo a través del prestigioso sello discográfico valenciano Industrial Complexx, habiendo sido publicada en formato digital, en una edición limitada de 20 unidades en cassette, en una edición limitada de 50 unidades en CD, además de sus correspondientes ediciones en cassette+libro y CD+libro. El álbum “Krummhörn” ha sido engalanado con un magnífico diseño artístico de portada creado por Mimusa y realizado a nivel gráfico por Iván Galíndez, presentando esta imagen visual estéticamente tenebrosa y con reminiscencias a un pasado aún latente en el presente como si fuera un antiguo recuerdo renaciendo en la mente. Un diseño retro, obscuro, y con ese reflejo propio de la vanguardia musical underground de carácter cosmopolita, y de denso poso conceptual y existencial.

A nivel musical, en el álbum “Krummhörn”, el dúo germano Nostalgie Éternelle formado por Inox Kapell (Stefan Heinze) y Dieter Mauson presenta un eclecticismo conceptual muy marcado en cada uno de los once temas que vertebran esta obra, abriendo el arco musical desde el estilo dark electro y la electrónica experimental hasta lo industrial, la Escuela de Berlín, y el post-punk, además de presentar pinceladas y cromatismos sonoros propios del minimal, del noise, del ambient… El álbum “Krummhörn” es un auténtico lujo musical de primer nivel presentado en esta edición discográfica tan selecta, como no podía ser de otra forma para poder reverenciar su arte musical. El resplandeciente talento musical mostrado por Nostalgie Éternelle en sus álbumes, así como en los diferentes proyectos artísticos protagonizados por Dieter Mauson, y al igual que las obras musicales concebidas por Stefan Knappe aka Baraka[H] (Maeror Tri, Troum), se han convertido ya en sólidos pilares culturales en Lux Atenea a lo largo de todos estos años, como así han podido comprobarlo los melómanos lectores de este blog absolutamente pasional, subjetivo, y muy personal. Vientos musicales que no pierden su esencia con el paso de los años, incrementando su belleza según el tiempo va resaltando su trasfondo y su fundamento artístico.

Sin más demora, iniciamos esta inmersión en el universo sonoro de Nostalgie Éternelle adentrándonos en el ambiente cosmopolita del primer tema “New Orchestra”, apareciendo texturas sonoras experimentales que son perfectas para recrear la soledad del individuo, la ciudad sentida como una agresiva urbe, el nihilismo reflejado en los ojos mientras miran el entorno de maldad latente como si fuera un mundo diabólico, y que sólo encuentran pureza al observar cómo cae la lluvia. Luego, en “Sample World”, lo decadente se vuelve melodioso metamorfoseándose en esta excelsa canción de base dark electro y perfilamiento metálico secuencial indiscutiblemente industrial. Insatisfacción, inadaptación, soledad del outsider, todo en “Sample World” huele a inhumanidad moderna, a acidez existencial que corroe el espíritu. Regresando a pasajes sonoros experimentales, el tema “Alles ist zurück” fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea con estas texturas y secuencias electrónicas que caracterizan a la vanguardia musical alemana, fundiendo lo futurista con la frialdad emocional hasta congelar la belleza, apareciendo la breve composición “United Splinters” con esta fascinante estructura sonora electrónica bajo la influencia conceptual de la Escuela de Berlín, siendo la antesala ideal para resaltar el tema “Ein Wort von dir” donde Nostalgie Éternelle convierte el eclecticismo conceptual en un destellante resplandor en un entorno sentimentalmente desolado. Un sincretismo musical que convierte a “Ein Wort von dir” en un tema agreste, volátil, y muy afilado.

Volveremos a la esencia conceptual de la Escuela de Berlín en “Wow Feeling”, pero de forma innovadora y experimental en su definición, siendo el tema “Echter Fortschritt” el que rompa esa atmósfera sonora con el incontenible ímpetu industrial llevado hasta la frontera con el punk en su descaro contra lo moderno y mainstream, y todo ello teniendo como base a estos planos sonoros propios del noise más comedido y menos brutal. La belleza cristalina que presenta esta fusión del ambient con lo minimal realzará la brillantez musical de “I’m Nothing”, resaltándolo como uno de los temas más sorprendentes del álbum “Krummhörn”. Una delicatessen artística que solamente puede tener como origen creativo al dúo musical alemán Nostalgie Éternelle. ¡¡¡“I’m Nothing”, impresionante!!! Hipnotizados melódicamente, la entrada en “Violet Jessop” nos cambiará radicalmente la atmósfera sonora con esta delicia post-punk con ese retrogusto old-school de la década de los ochenta, sobre todo en su tempo lánguido, pausado, y embriagador. Una preciosa pincelada conceptual de trasfondo gótico y atrayente nebulosa melódica que invita a adentrarse en ella para desaparecer en su psicodélica iridiscencia. Después de disfrutar varias veces el tema “Violet Jessop”, la vuelta al escenario sonoro industrial presente en este álbum aparecerá en “Fragezeichen” para oscurecerlo todo, empequeñecer las dimensiones, y volver al aire casi irrespirable por su densidad. Finalmente, será el tema “Arty People” el que extienda el telón de clausura a través de la experimentación electrónica más pura y desenfadada, abriendo los espacios a la luz para mostrar lo desangelado donde las entidades esféricas no interactúan entre ellas, moviéndose cada una con un impulso propio, aislado, y decidido. “Krummhörn”, magna obra musical de Nostalgie Éternelle destinada a convertirse en los próximos años en una buscada edición discográfica de coleccionista. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Shinkiro “The Birth Of The Gods” (CYCLIC LAW, julio 2023) (Reseña / Review #1947).

Posted on 21 julio, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1947 // Reseña Musical nº: 1346

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico Cyclic Law por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Wind // 2- Fire // 3- The Sun // 4- The Sea // 5- Water // 6- Mountains // 7- The Moon
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra dentro de la escena musical ambient

Hoy viernes, día 21 de julio de 2023, se presenta oficialmente el nuevo álbum de Shinkiro “The Birth Of The Gods” a través del prestigioso sello discográfico Cyclic Law, siendo publicado en formato digital y en una edición limitada de 400 unidades en ecopack CD de seis paneles disponibles en la webstore de Cyclic Law, y en su página oficial en Bandcamp. Engalanado con un espectacular diseño de portada creado por Dehn Sora, esta impactante puerta Torii delimitadora del territorio sagrado refleja perfectamente el trasfondo sintoísta que fundamenta cada una de las siete composiciones que vertebran esta magna obra. Lo ancestral y lo mitológico en clave japonesa armonizándose con este avanzado estilo musical ambient donde Manabu Hiramoto, alma máter de Shinkiro, perfila escenarios sonoros sublimes donde lo instrumental fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Planos sonoros drone junto a grabaciones de campo, y la magia melódica del piano poniendo ese halo musical único, convierten al álbum “The Birth Of The Gods” en una auténtica delicia artística que resulta ideal para ser disfrutada en audiciones y re-audiciones a lo largo de los años. Incluso, en esta época estival, escuchar el álbum “The Birth Of The Gods” a medianoche se convierte en una experiencia inolvidable. Una delicia musical más que recomendada, y que incluso en los fríos días de invierno en paseos solitarios, este álbum ha de poder romper la conexión terrenal cotidiana del melómano para llevarle a otra perspectiva, a otras sensaciones, a otra mirada del mundo que le rodea como si contemplara un axis mundi sagrado que se acaba de revelar delante suya.

Iniciamos este viaje musical a lo sagrado adentrándonos en el tema “The Wind”, intensamente luminoso y mentalmente abierto, y donde el viento refleja simbólicamente el movimiento, o sea, el fundamento principal de la vida. Un impulso que, en “The Wind”, transmite poder y voluntad de creación a un nivel colosal e inescrutable en su intencionalidad. Un estilo ambient que te seduce por su magnificencia y que, en el tema “Fire”, este escenario va a transformarse en un entorno más espiritual y místico que conduce a lo puro, a ese estado de pureza íntimamente ligado a lo sagrado. “Fire” es iridiscente porque abre el abanico lumínico, porque amplía la presencia de lo divino a su estado más cercano a lo etéreo, y su fulgurante intensidad elimina lo denso e intrascendente para poder alcanzar lo más alto. Y tras el fuego, el tema “The Sun” será su sublimación como reflejo de lo divino, como centro expansivo de lo vivo, de la energía vital, siendo esa guía trascendente que da sentido a todo. “The Sun” irradia y conmueve, emanando estas ondas cíclicas que se mueven más allá del horizonte para establecer las fronteras de su reino sagrado. También “The Sun” es acción incansable e inagotable, invitando a lo hierático mientras somos envueltos por esta composición musical. “The Sun” es un tema impresionante.

En cambio, todo se volverá más denso en el tema “The Sea”, obscureciéndose un poco debido a la evolución de este entorno hacia lo evanescente y fugaz. “The Sea” recrea un estado espiritual más plano e idílico donde la materia aún no se ha vuelto densa y pesada, y aunque esta bella composición lleva al estilo ambient muy cerca de los límites conceptuales que lo separan del dark-ambient, sonoramente sigue siendo cien por cien ambient. El tema “Water” mantendrá la esencia musical que da continuidad a “The Sea”, pero marcando un desarrollo sonoro mucho más experimental y etéreo donde los diferentes ecos cristalinos conforman esta breve pero fascinante composición. Un periodo de transición perfecto para adentrarnos en la densidad del tema “Mountains”, donde lo sagrado y lo elevado quedan perfectamente armonizados en esta ecléctica composición situada conceptualmente en la intersección del ambient con el dark-ambient, el minimal, y lo experimental. “Mountains” es el tema más esotérico de este álbum, y sus reflejos místicos cautivarán a más de un melómano lector de Lux Atenea por la profundidad y por el detalle en su fuente de inspiración. Una atmósfera que invita a la elevación del plano existencial, y a ese impulso atávico marcado por la revelación espiritual. Una revelación que, en el tema “The Moon”, se volverá mágico, intuitivo, creativo, y muy íntimo. En “The Moon” aparecerá el piano con ese halo melódico gótico que seduce por su obscuridad aunque haya luz, y con esa iridiscencia del arte regio donde la materia, la energía, y el devenir son moldeados por la intención. “The Moon” es un tema no tan breve como “The Sea”, pero con ese encanto sonoro que te incita a escucharlo varias veces seguidas por su irresistible belleza. “The Birth Of The Gods”, el genial artista japonés Manabu Hiramoto vuelve a concebir y perfilar una nueva obra maestra con la indiscutible personalidad conceptual definida en Shinkiro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la categoría: Reseña Musical

Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).

Burial Hex “In Hiding” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1986).

Indalaska “Musique des Sables” (ZOHARUM, febrero 2023) (Reseña / Review #1985).

Ampscent “Ampscent” (ZOHARUM, mayo 2023) (Reseña / Review #1953).

Satøri “The Woods” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1952).

400 Lonely Things “Mother Moon” (Cold Spring Records, abril 2023) (Reseña / Review #1951).

Various Artists “Arise – A Cold Spring Sampler” (Cold Spring Records, agosto 2023) (Reseña / Review #1950).

Drew Daniel, John Wiese “Continuous Hole” (Cold Spring Records, agosto 2023) (Reseña / Review #1949).

Nostalgie Éternelle “Krummhörn” (Industrial Complexx, marzo 2023) (Reseña / Review #1948).

Shinkiro “The Birth Of The Gods” (CYCLIC LAW, julio 2023) (Reseña / Review #1947).