“STEINLEN PARÍS 1900” (Reseña / Review #42).

Posted on 12 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 42 // Reseña Literaria nº: 18

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 24 de junio del año 2010 en Lux Atenea.

STEINLEN PARIS 1900 EXPOSICION FUNDACION MAPFRE

Publicado por: FUNDACIÓN MAPFRE
ISBN: 84-89455-99-6
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 243

“Steinlen París 1900” fue el catálogo oficial de la exposición homónima organizada en Madrid por la Fundación Mapfre en el año 2006 (6 de abril al 4 de junio). Una edición de auténtico lujo en cuyas páginas, el culto lector de Lux Atenea podrá apreciar detalladamente las obras que vertebraron esta importante exposición cultural con una definición gráfica digna de los mayores elogios, además de una completa explicación descriptiva de su contenido artístico e histórico que te hace amar este catálogo de arte como se ama a los más volúmenes más especiales de una biblioteca. Con el espíritu decadente francés asomando en cada una de sus páginas, “Steinlen París 1900” nos traslada a una época donde la vanguardia cultural europea que dominó el siglo XIX ofrecía sus obras artísticas más depuradas y maduras a las puertas del siglo XX. Una expansión artística y cultural que se presentaría tan multiforme en sus disciplinas y manifestaciones, como profundamente agitada en sus bases conceptuales. Entre todo este talento, hubo un genio de la pintura y de la litografía que conseguiría reflejar en sus obras con fidelidad absoluta, ese espíritu vital y bohemio donde lo más cultural y vanguardista se llegaría a mezclar con los refinados excesos y con el disfrute intenso de los más diversos placeres. Con la noche como escenario principal donde dar vida a sus elegantes y bellas obras, el extraordinario artista francés Théophile Alexandre Steinlen (1859-1923) lograría elevarse con aristocrática clase hasta lo más alto en el Olimpo de la Pintura de su época.

Quién no ha caído hechizado al contemplar su conocida obra “La Tournée du Chat Noir avec Rodolphe Salis (1896). Un cartel convertido en el símbolo y en la imagen por excelencia de una forma de ver la vida en el París de finales del siglo XIX. En manos de este mago del diseño y de la imagen, este “gato negro” cobraría vida entre el público como la representación simbólica y visual perfecta para reflejar el ambiente que se respiraba en “El Gato Negro”, famoso cabaret situado en el barrio de Montmartre donde se llegaron a reunir la crème de la crème de la intelectualidad y de la vanguardia cultural parisina. Strindberg, Satie, Debussy, Maupassant, Verlaine… fueron algunos de los maestros del Arte que convertirían ese local nocturno en su centro de reunión y diversión. Pocos locales de la época pudieron presumir de tener una clientela tan culturalmente selecta y privilegiada, y, entre sus paredes, con la noche protegiendo sus más lascivos divertimentos, lo carnal y lo intelectual lograrían fundirse en un crisol hedonista único de ígneo encanto. Como podrán comprobar y disfrutar los bibliófilos lectores de Lux Atenea que consigan adquirir este magnífico catálogo, la rica y variada obra pictórica de Théophile Alexandre Steinlen no se puede resumir en una sola creación, por muy famosa y conocida que ésta haya sido desde entonces, y cuya magia aún perdura en nuestros días entre el público, incluso joven y posmoderno. Durante su lectura y análisis, los cuadros, carteles y litografías incluidos en este libro empezarán poco a poco a impregnar al lector con su embriagadora belleza, mientras su mirada es constantemente estimulada en cada nueva página a observar. Imágenes convertidas en instantáneas casi inmortales de la vida cotidiana en una gran ciudad europea donde las penurias, la inseguridad, la soledad, la muerte, la crueldad, el abandono existencial, la explotación del hombre sobre el hombre, la pobreza, la crudeza de la guerra… compartieron el mismo escenario y tiempo con los bailes de salón, con el descaro nocturno, con la fiesta y los cabarets, con lo snob y el lujo burgués, con la decadencia aristocrática y sus refinamientos, con lo romántico y lo carnal sentido y vivido pasionalmente, con los vicios decadentistas… Aires de una época ya pasada cuyo influjo vital se sigue notando aún hoy día, y donde tenemos la suerte de revivirla en estado puro gracias a la genial y virtuosa mano de este artista francés. “Steinlen París 1900”, un catálogo único y espectacular digno de una exposición irrepetible e inolvidable. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DINO VALLS” (Reseña / Review #41).

Posted on 12 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 41 // Reseña Literaria nº: 17

Reseña actualizada. Publicada el 24 de junio del año 2010 en Lux Atenea.

DINO VALLS LIBRO

Publicado por: MIRA EDITORES / CAJALÓN OBRA CULTURAL
ISBN: 84-8465-046-4674-2212-2
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 282

Sin duda alguna, hablar de Dino Valls (Zaragoza, 1959) es hablar de uno de los más excelsos pintores españoles en la actualidad. Con una técnica cercana a la perfección más absoluta, y un realismo asombroso hasta convertir la obra en una entidad viva que hace que cada uno de sus cuadros se proyecte en tres dimensiones casi tan tangible como si se encontrara al otro lado del marco, Dino Valls llega a conseguir con su detallada maestría técnica que el marco se transforme en la ventana a través de la cual poder observar su universo creativo. El impacto visual de sus obras en la persona que las observa es espectacular, rompiendo en su mente todos los conceptos dimensionales de la realidad pictórica que pudiera tener. De indiscutible belleza reflejada en cada nueva creación, Dino Valls se mueve dentro de un arco artístico bastante amplio que le lleva irremediablemente a sumergirse en los difíciles terrenos de la belleza siniestra y, esa imagen, siempre tan controvertida para una parte del público, juega con la psicología de quien observa su cuadro para llevarle a sentir fuertes emociones donde el rechazo y la atracción se presentarán en su mente con arrolladora intensidad. Como analista cultural, lo que es indiscutible y lo que nadie puede llegar a dudar es que el alma transgresora de Dino Valls ama lo bello por encima de todo, teniendo por virtud esta técnica pictórica perfectamente dominada para poder representar y dar vida a sus ideas e inspiraciones sobre un lienzo. Así de contundente y de realista se presenta la obra de Dino Valls al culto lector de Lux Atenea que adquiera esta joya de biblioteca.

Como libro de Arte, esta lujosa y cuidada edición se ha convertido en obra de referencia que resulta imprescindible en su análisis para poder conocer una parte de la impresionante obra pictórica creada por Dino Valls. Un precioso volumen que se presenta con una excelsa calidad de impresión en papel de alto gramaje, y que fascinará a nuestros bibliófilos lectores tanto por el esplendoroso tesoro cultural impreso en sus páginas, como por su gran formato que invita a relajarte contemplando esta espectacular serie de cuadros. Este maestro de la Pintura hace uso del temple, del pan de oro, y, sobre todo, del óleo sobre lienzo o madera, dando un realismo a sus figuras protagonistas que se ve aumentado aún más por el exquisito e inteligente uso que Dino Valls da a la luz que incide sobre ellas (por ejemplo, en “Dédalo”), ofreciendo una imagen que sentimos mucho más cercana. Además, la enigmática belleza de sus personajes y el acertado uso de los símbolos que les rodean transmiten esa personalidad artística tan especial y misteriosa a estos cuadros, que siempre nos dan la impresión de estar ocultándonos algo. Los entornos medievales y mitológicos utilizados como escenarios (por ejemplo, en “Zadkiel”) se presentan con atmósferas siniestras, tétricas en algunas ocasiones, mientras lo misterioso empieza a jugar con nuestra Razón al encontrarnos con imágenes donde los pensamientos de los personajes son reflejados en espejos, como si fueran reales en ese preciso instante (por ejemplo, en “Mañana Será Nunca”). A Dino Valls le encanta romper la lógica en quienes observan sus cuadros, ya sea a través de lo onírico (por ejemplo, en “El Rayo Verde”), mediante la ruptura de la barrera vertical invisible existente entre el observador y el protagonista del cuadro (por ejemplo, en “De Profundis”), o con lo místico (por ejemplo, en “Glycofilusa”), hasta que lo carnal conduce sus ideas creativas hacia escenas obsesivas marcadamente macabras que, página tras página, sobresaltarán al lector de Lux Atenea en un crescendo provocador cuyo reflejo en cuerpos y seres imposibles únicamente encuentran sentido a través de su simbolismo.

Religión y carne. Mística y surrealismo visual. Imaginación y realismo absoluto en ese extraño mundo donde viven sus personajes. Conceptualmente complejo y diverso se muestra Dino Valls en sus obras e, indiscutiblemente, les puedo asegurar que sus cuadros no le dejarán en absoluto indiferente. Además, la seriedad extrema que emana de cada una de sus creaciones parece obligar a sus personajes a no sonreír nunca. La alegría, la felicidad, incluso la sonrisa, parecen haberse extinguido tiempo atrás en ese otro universo. Eso sí, a nivel ético o moral, considerarán a Dino Valls más o menos provocador dependiendo de lo que se fijen y observen en sus cuadros e identifiquen con sus miedos, sus tabúes, sus dogmas… Por esta capacidad para usar la belleza siniestra en sus creaciones, y por sus insinuantes mensajes capaces de desnudar los pensamientos más ocultos de quienes observan sus cuadros, Dino Valls consige atraer con tanto magnetismo psíquico al público. Esta es la grandeza de Dino Valls: el mensaje contenid en su Arte trasciende y revela a su vez al observador. Como consejo personal a los cultos lectores de Lux Atenea, si tienen oportunidad de ver una exposición sobre sus obras en un museo o galería de arte de su ciudad, no duden un segundo en visitarla. Corroborarán y reafirmarán cada una de las palabras escritas en esta reseña. “Dino Valls”, cuando el Arte se convierte en ARTE escrito en mayúsculas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DAVID LYNCH “EXPOSICIÓN DE PINTURA Y FOTOGRAFÍA” Catálogo oficial de la exposición (EDICIONS ALFONS EL MAGNANIM, 1992) (Reseña / Review #40).

Posted on 11 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 40 // Reseña Literaria nº: 16
Reseña actualizada. Publicada el 7 de mayo del año 2009 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONS ALFONS EL MAGNANIM
ISBN: 84-7822-061-5
Edición: 1992 (EDICIÓN COMPRADA)

Los cultos lectores de Lux Atenea ya conocen la pasión que me despierta la obra cinematográfica del director estadounidense David Lynch. De por sí, si tuviera que quedarme con una sola película entre todas las rodadas en la Historia del Cine, elegiría “Lost Highway / Carretera Perdida” sin ninguna duda porque es mi favorita. Pero el maestro David Lych es un artista multidisciplinar de mente renacentista y el excelso libro aquí analizado me ha impresionado, me ha hecho pensar en el fundamento conceptual de estas obras non-mainstream hasta situarme al borde de ese abismo interior que todo ser humano tenemos dentro. Una inmensidad oscura y desconocida donde David Lynch se mueve tan seguro y cómodo como si estuviera en su propio hogar. Antes de continuar con esta reseña cultural, quisiera resaltar que esta lujosa edición fue el catálogo oficial de la exposición sobre la obra pictórica y fotográfica del maestro David Lynch organizada por la Sala Parpalló en el Palau dels Scala (Valencia, España). En este extraordinario evento artístico se llegaron a exponer por primera vez en Europa esta colección de obras creadas por tan talentoso e innovador genio, mundialmente famoso por sus trabajos como director de cine y de conocidas series de televisión. Con una temática fundamentada en el lado más oscuro del ser humano y de la sociedad norteamericana, omnipresente en su obra, esta espectacular exposición de pinturas y fotografías reflejó la siniestra visión que este creador tiene sobre lo cotidiano con nítida autenticidad. Fotografías tomadas por David Lynch que llevan el sello característico de la actividad humana, pero con la paradoja de que jamás ha quedado inmortalizado individuo alguno en sus instantáneas. Son fotografías en blanco y negro donde el artista se recrean en las formas industriales como imagen perfecta de nuestra decadencia ética y moral. Humo, cenizas, cielos cubiertos, basura, objetos abandonados, áspero metal, calles sin pavimentar, óxido predominante, figuras con formas humanas, sustancias con apariencia orgánica, muñecos en actitudes que parodian nuestros comportamientos, macabros frascos con formol… se convierten en un impactante mosaico simbólico en manos de David Lynch. Un espectáculo visual que incita a la reflexión sobre el comportamiento y la actitud de los seres humanos en este mundo.

En cambio, en su faceta como pintor, David Lynch crea la obra directamente en una única sesión sin dar posteriores retoques. Por este motivo, sus obras pictóricas son tan inquietamente sedosas como suaves cicatrices en la piel en un mundo en caos, y con arañazos de ira que inspiran impotencia ante el cruel presente. Y cuando entra el color para iluminar el cuadro, lo hace sobre fondos oscuros y difusos para lanzar luz hacia lo trágicamente oscuro. El amplio espectro cromático de la escala de grises es expuesto con generosidad y variedad en estos cuadros, mientras gruesos trazos terminan convertidos en remiendos, en punzadas dadas a un espíritu debilitado y roto. Influenciado por el pensamiento artístico de Franz Kafka (1883 – 1924), David Lynch presenta un estilo minimalista muy acusado, usando gran cantidad de pintura para configurar fondos y para crear formas fantasmagóricas de apariencia tridimensional que amenazan muy seriamente a quien los observa. Son formas que parecen surgidas del averno, de las peores pesadillas, de lugares demoníacos, y que atacan directamente a la propia Razón del sobrecogido espectador. Y cuando la palabra llega a hacerse presente en su obra, siempre lo hará para sentenciar, para evitar el juicio del espectador ante lo que está contemplando.

En este catálogo oficial de la exposición quisiera destacar el prólogo escrito por Juan Vicente Aliaga y que lleva por título “El Infierno según Lynch”. Un texto en cuya lectura he encontrado la más perfecta sintonía con los pensamientos que me provoca este artista de culto tan multifacético. La influencia de Dante y su “Divina Comedia” se hace obligatoriamente presente cuando nos adentramos en este universo inequívocamente siniestro porque, para David Lynch, el infierno real existe en el interior de cada ser humano, en la aparente “normalidad cotidiana”, en cada obsesión y psicopatía camuflada con comportamientos sociales ejemplares, en esa sonrisa amable presente ante nosotros que, sin saber por qué, pone en alerta nuestro instinto. Y es que, en algunas ocasiones, una risa puede llegar a infundir mayor horror y paralizante miedo que la presencia más tenebrosa y horrible, o la imagen más brutal y desgarradora. Esa es la esencia principal de la belleza siniestra que describí detalladamente en la reseña publicada en Lux Atenea sobre el grandioso libro “Lo Bello y lo Siniestro” del ilustre maestro Eugenio Trías. Si a todo ello le unimos la excelente entrevista realizada por Kristine McKenna al gran maestro Lynch, el punto y final lírico de este libro es perfecto antes de que nuestros cultos lectores pasen a la contemplación, o mejor dicho, a la inmersión sensorial en las obras que se expusieron en este destacado evento cultural. Personalmente, creo que las creaciones cinematográficas de David Lynch tienen muchas semejanzas con el universo literario de William Shakespeare respecto al reflejo que ofrece ese obscuro trasfondo presente en el pensamiento humano. Un elemento crucial en la especie humana, en la definición de su comportamiento y en su intencionalidad que viene conservando genéticamente desde tiempos inmemoriales o, como un cristiano diría: con esa maléfica semilla portada desde el nacimiento de Caín. “David Lynch -exposición de pintura y fotografía-”, no todas las creaciones del maestro David Lynch están orientadas en exclusiva al mundo del Séptimo Arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“GRADUS AD MORTEM”, JESÚS PARDO (HUERGA Y FIERRO, 2003) (Reseña / Review #39).

Posted on 11 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 39 // Reseña Literaria nº: 15
Reseña actualizada. Publicada el 25 de noviembre del año 2007 en Lux Atenea.

Publicado por: HUERGA Y FIERRO EDITORES
ISBN: 84-8374-419-8
Edición: 2003 (EDICIÓN COMPRADA)

La poesía es una de las columnas culturales principales que ha dado solidez a Lux Atenea como selecta página cultural digital. De forma constante he ido incrementando las excelsas obras literarias de poetas a analizar, ya sean estos más o menos conocidos por el público porque la esencia cultural non-mainstream es lo que fundamenta a Lux Atenea. Es obvio que un poeta, llamémosle, más popular, para una página web o para un blog supone un mayor incremento número de personas interesadas en conocer la opinión subjetiva mostrada en esa reseña basada en cualquiera de sus obras. Pero he de reconocer que, como analista cultural non-mainstream, cuando me encuentro con un grandioso libro escrito por un poeta no tan conocido públicamente, y ello no significa que sea menos interesante o importante, instantáneamente suele activarse en mi interior las ganas de analizar su obra para escribir y publicar una reseña sobre esta obra que recientemente he descubierto. Este ha sido el caso del libro “Gradus Ad Mortem” y su genial autor, Jesús Pardo. Un talentoso escritor cuya entrada en el mundo de la poesía no ha podido ser más oportuna por su alma trasgresora. Y, por qué motivo “Gradus ad Mortem” lo considero trasgresor si existen muchos poemas escritos en español cuya temática ha sido la muerte. Porque Jesús Pardo es muy revelador al ser el primer poeta que durante la atenta lectura de su obra me ha hecho sentir la importancia del efecto del mismo tiempo sobre el acto de morir. Es digno de admiración comprobar cómo el poeta, utilizando el presente de la palabra leída, te hace sentir la intemporalidad al situarla fuera del propio acto inspirador, o sea, del mismo giro horizontal de la inmisericorde guadaña. La Dama Muerte tal vez sea la encargada de enviarnos del reino de Cronos al otro reino eterno en el que el propio tiempo fue expulsado para convertirse en un ángel caído del Cielo al mundo terrenal. Aquí, el tiempo convirtió la misma vida en esclava de su presencia, en una irremediable adicta de los efectos de sus mandatos y leyes. Bajo esa perspectiva, tal vez la muerte no sea otra cosa que una nueva oportunidad para abandonar el mundo de lo caduco, de la degradación física constante, de aquello que extingue la propia esencia de la vida al marchitarla incesantemente tras el fugaz embrujo de la juventud.

Además. Jesús Pardo se introduce en la mente, en la lógica humana latente en nuestro cerebro, investigando y ahondando en el factor clave que nos hizo abandonar el reino animal para situarnos entre la tierra y el Cielo: la consciencia de la muerte. Jesús Pardo convierte en poesía todo aquello que hace al ser humano, un ente vivo constantemente influenciado por la presencia de la muerte en su vida, recordándonos en sus versos que dar la espalda a la fugaz condición de la propia existencia, no convierte en inexistente aquello que tanto se teme: el olvido de nuestro paso por el mundo. Por este motivo, el grandioso libro “Gradus Ad Mortem” se proyecta como infinitud frente a lo pasajero, como compañía en nuestra irremediable soledad, como esa partida de cartas con la Dama Muerte cara a cara, como oscuridad convertida en esperanza, y como vida al otro lado de la muerte, o sea, como vida dentro de la inescrutable inmensidad de la Nada. Una vida que no es esta vida, y en una Nada que desconocemos y sólo reconocemos como enigma, pero cuya puerta de entrada tratamos de descubrir en esta vida que aparentemente se aparece ante nuestros ojos como un Todo. “Gradus ad Mortem”, sin duda alguna, poesía inmortal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DALÍ O EL ANTIOSCURANTISMO”, RENÉ CREVEL (JOSE J. de OLAÑETA, 2003) (Reseña / Review #38).

Posted on 11 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 38 // Reseña Literaria nº: 14
Reseña actualizada. Publicada el 25 de octubre del año 2006 en Lux Atenea.

Publicado por : JOSE J. de OLAÑETA, Editor
ISBN : 84-9716-229-3
Edición : 2003 (EDICIÓN COMPRADA)

En la reseña anterior sobre el magnífico libro “Diccionario Abreviado del Surrealismo” resalté la importancia de la imaginería y la visión innovadora de Salvador Dalí dentro de lo que fue el Movimiento Surrealista. Precisamente, siguiendo esta misma tesis artística, uno de los artistas clave dentro de esta corriente surrealista también mantuvo esa afirmación, dejando constancia de ello en esta deslumbrante obra literaria que he seleccionado para ser analizada y reseñada en Lux Atenea. Tan destacado artista no fue otro que el escritor francés René Crevel (1900 – 1935), amigo personal de Salvador Dalí durante el periodo en el que este gran genio de la Pintura tuvo a las tierras galas como lugar de residencia. En las páginas de interesante libro, nuestros bibliófilos lectores podrán comprobar cómo René Crevel no se anduvo con medias tintas en sus descripciones y opiniones, siendo muy claro y directo a la hora de perfilar su mensaje con suma inteligencia al saber muy bien de lo que estaba hablando y describiendo, ya que fue él mismo el que puso también su talento literario para impulsar la tormenta conceptual desencadenada por el Movimiento Surrealista en el desierto artístico europeo de la época. René Crevel, Salvador Dalí, Paul Eluard, André Breton, Luis Buñuel… qué ilustre reunión de genios artísticos en busca de la fusión del lenguaje del inconsciente con el instinto, y de la ruptura mental y psíquica con la provocación dentro del apasionante mundo del Arte. Una época fascinante reflejada en este precioso libro que, publicado originalmente en el año 1931, gracias a la excelente labor bibliográfica que viene desarrollando Jose J. de Olañeta podemos disfrutarlo en España en esta edición para adentrarnos en el centro del universo surrealista a través de la lectura de sus páginas.

René Crevel fue un destacado escritor francés que vivió el Surrealismo de forma tan pasional que la decadencia conceptual del mismo no le supuso otra cosa que la pérdida del sentido de la vida, suicidándose a la temprana edad de treinta y cinco años, y Salvador Dalí nunca asimiló del todo su pérdida. La impresionante obra “Dalí o el antioscurantismo” terminó convirtiéndose en su legado cultural, en la visión de quien amó tan fiel como apasionadamente el Surrealismo hasta sus últimas consecuencias. Pero, como ineludible referencia literaria dentro de esta coriente artística, “Dalí o el antioscurantismo” es una puerta abierta que nos lleva de forma inmediata a esos creativos e innovadores años cuando, en Europa, la libertad artística ofreció uno de los periodos culturales más gloriosos cuya influencia sigue aún latiendo en el arte contemporáneo. No todo lo que se considera actualmente como vanguardista o innovador, lo es en toda su pureza. En la actualidad. muchos artistas siguen viviendo y profundizando en su creatividad apoyándose en las ideas nacidas dentro de este grupo de maestros del arte multidisciplinar que fueron definidos con la inconfundible etiqueta de ‘surrealista’, y la obra “Dalí o el antioscurantismo” destaca especialmente por atesorar en sus páginas cada una de las contundentes pruebas que desvelan la importancia dentro de la corriente surrealista de un genio artístico único e irrepetible llamado Salvador Dalí. Incluso la lectura y análisis del libro “Dalí o el antioscurantismo” es fundamental para poder conocer la interpretación de estas obras dalinianas, sobre todo, en relación a los cuadros de este gran maestro de la Pintura reunidos en las páginas finales de esta edición. “Dalí o el antioscurantismo”, por favor, abran este libro y… ¡disfrútenlo!

Félix V. Díaz
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“DICCIONARIO ABREVIADO DEL SURREALISMO”, ANDRÉ BRETON / PAUL ELUARD (SIRUELA, 2003) (Reseña / Review #37).

Posted on 11 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 37 // Reseña Literaria nº: 13
Reseña actualizada. Publicada el 24 de octubre del año 2006 en Lux Atenea.

Publicado por: SIRUELA
ISBN: 84-7844-720-2
Edición: 2003 (EDICIÓN COMPRADA)

Cuando se leen temáticas relacionadas con el Movimiento Surrealista, es muy fácil que el bibliófilo lector de Lux Atenea ponga en duda la aparente obviedad materialista de la realidad moderna y posmoderna de los momentos presentes. Observas a tu alrededor, lees noticias culturales, hablas con otras personas sobre este interesante tema y, cuando llegas a casa, si coges un libro escrito por cualquier autor surrealista y te empiezas a leerlo y analizarlo, no tardas mucho en pensar que en aquellos años sí que los artistas y los intelectuales concebían la Modernidad. Sabían trasladar esos principios desde sus mentes creativas a la realidad para transformar su presente, y para provocar un gran avance en la perspectiva humana y social. Figuras de relevancia histórica y cultural como Salvador Dalí, André Breton, Paul Eluard, Man Ray… dieron forma y sentido a una época conceptualmente transgresora e innovadora donde todo lo relacionado con lo tradicional habría de quedar en el aire, desde la religión hasta la forma de vestir. Con el paso del tiempo, hasta las ideas políticas llegarían a apropiarse de esta estética, forma, y trasfondo, para luego romperlo debido a que le habían dado un exceso de vacuidad en sus contenidos e intencionalidad. Mientras tanto, en esos mismos años, la Ciencia continuaba rompiendo moldes uno tras otro con estos nuevos aires de modernidad en Occidente.

De nuevo, la prestigiosa editorial Siruela ha vuelto a deslumbrarnos culturalmente en España con la publicación de este extraordinario libro, incluido en su atrayente colección “La Biblioteca Azul”. La impresionante obra “Diccionario Abreviado del Surrealismo” fue escrita por los poetas franceses André Breton y Paul Eluard, padres oficiales del Surrealismo aunque, personalmente, como analista cultural opino que Salvador Dalí llegó a ser mucho más importante y relevante dentro del Movimiento Surrealista de lo que internacionalmente se cree. Pero, como ya sabemos, André Breton y Paul Eluard son franceses y Francia sabe cómo amar y promocionar a sus artistas. Y esta actitud siempre la alabaré porque hay que defender y ensalzar lo que es de uno. En cambio, Salvador Dalí, artista español orgulloso de serlo, en España el establishment cultural históricamente tiende a menospreciar lo nacional en pro de lo extranjero. Pues en Francia lo tuvieron muy claro: André Breton y Paul Eluard para la posteridad y para los libros de Historia del Arte. Este dato subjetivo pero con un inexorable trasfondo de la realidad española, resta importancia alguna a esta maravillosa obra porque es fascinante. Una exquisita guía del Surrealismo que hará las delicias tanto del lector profano como del especialista conocedor de esta corriente artística tan cautivadora. Con ciento setenta páginas y doscientas ilustraciones, “Diccionario Abreviado del Surrealismo” se convierte en la gran obra literaria que servirá no sólo a los artistas y a los analistas e investigadores en sus consultas sobre el complejo universo del Surrealismo en cuanto a sus obras, simbología, fuentes de inspiración… sino también para poder llegar a entender el amplio y diverso mensaje conceptual de este controvertido movimiento cultural relacionado directamente con el lenguaje del inconsciente, y con el significado metafórico y trascendente del mundo onírico. “Diccionario Abreviado del Surrealismo”, si algún bibliófilo lector de Lux Atenea decide simplemente curiosear sus páginas, le aviso que este libro le poseerá culturalmente. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THE HOPE BLISTER “…SMILE’S OK” (4AD/EVERLASTING RECORDS, 1998) (Reseña / Review #36).

Posted on 4 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 36 // Reseña Musical nº: 14
THE HOPE BLISTER, LA ÚLTIMA LLAMA DE THIS MORTAL COIL.
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 27 de octubre del año 2006.

Publicado por : 4AD/Everlasting Records, (EVERCD055), 1998
Edición comentada : CD (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Dagger // 2- Only Human // 3- The Outer Skin // 4- Sweet Unknown // 5- Let The Happiness In // 6- Is Jesus Your Pal? // 7- Spider And I // 8- Hanky Panky Nohow

El proyecto musical This Mortal Coil de Ivo Watts-Russell había quedado clausurado tras la publicación del magnífico álbum “Blood”. Los años pasaron, pero la mente de Ivo Watts-Russell seguía dando vida en su imaginación a nuevas creaciones y conceptos pese a que él no es músico, hasta que, en el año 1998, decidiera volver a la escena musical non-mainstream con otro proyecto surgido de las cenizas de This Mortal Coil. Su nombre será The Hope Blister, dando continuidad a su nueva dinámica artística, a su estilo sonoro, a su marca musical personal. Ivo Watts-Russell selecciona ocho canciones entre una serie de temas compuestos por artistas de reconocido prestigio, y las convierte en unas versiones muy especiales tras pasar por el genial caleidoscopio artístico de su perspectiva particular. Los ocho temas que vertebrarán este extraordinario álbum son “Dagger” compuesto por Halstead del grupo Mohave 3, “Only Human” compuesto por Heidi Berry, “The Outer Skin” compuesto por Chris Knox del duo Tall Dwarfs, “Sweet Unknown” compuesto por Alison y Jim Shaw del grupo The Cranes, “Let The Happiness In” compuesto por David Sylvian, “Is Jesus Your Pal?” compuesto por los miembros del grupo Slow Blow, “Spider and I” compuesto por Brian Eno, y “Hanky Panky Nohow” compuesto por John Cale. A nivel musical, los extraordinarios artistas que colaborarán en el precioso álbum “…smile´s Ok” interpretando cada uno de estos temas serán Louise Rutkowski (vocalista y coros), Lawrence O´Keepe (guitarra, bajo y coros), Audrey Riley (violonchelo), Dimitri Williams (coros), Astrid Williamson (coros), Chris Tombling (violín), Leo Payne (violín), Sue Dench (viola), y Ritchie Thomas (saxofón y percusión). Junto a Ivo Watts-Russell, el insustituible y talentoso artista John Fryer pondrá de nuevo todo su saber en la realización, en la definición, y en la personalidad de este álbum bautizado con el título de “…smile´s Ok”. Con The Hope Blister, Ivo Watts-Russell volverá a ver editada su fértil e innovadora visión musical en otro trabajo (el álbum “Underarms”) que publicará a través de su prestigioso sello discográfico 4AD al año siguiente. Aunque The Hope Blister no es una línea continuista de This Mortal Coil, es indudable que se apoya en gran parte sobre los trabajos publicados por This Mortal Coil, pero The Hope Blister tiene un alma nueva y renovada que cautiva al melómano lector de Lux Atenea por el uso de técnicas mucho más elaboradas. Como analista cultural non-mainstream, si unimos todas las obras musicales de This Mortal Coil y The Hope Blister, “…smile´s Ok” sería el segundo álbum que más me gusta, y si lo que buscamos es oscuridad sentimental y melancolía convertida en mármol blanco de Carrara, “…smile´s Ok” entonces pondría la elección del primero en la lista mucho más difícil y complicada. Por este motivo, no dudo un segundo en valorar a “…smile´s Ok” como un Grandioso Álbum Gótico porque atesora en su interior el minimalismo musical del desasosiego. Una espiritualidad y una frialdad terrenal helando los sentimientos mientras te llena, te sensibiliza, te transporta. Para mí, es una irresistible delicia y un acto de exquisito de buen gusto escuchar un álbum de esta calidad. En pocos trabajos musicales encontrarán tanta alma en sus voces, en sus notas, en sus etéreos pasajes, porque The Hope Blister es la cara positiva y negativa unida en un mismo nombre, como lo son la alegría y la tristeza mostradas en la máscara griega de la tragicomedia. Escuchemos la sensual danza musical del fuego fatuo de This Mortal Coil.

Suena la canción “Dagger”, y las olas del mar nos ofrecen su compañía hasta que la voz de Louise Rutkowski se transforme en un peligroso acantilado sentimental, y con la ilusión del amor constantemente azotada por un inhóspito y embravecido mar cuyo gélido viento nos corta el rostro tan limpiamente como la afilada daga atraviesa una delgada hoja de papel. En esta preciosa canción, Louise Rutkowski tiene arte a la hora de modular su voz para transmitir tristeza y desilusión en esta interpretación admirable. Pero será en la siguiente canción donde la veamos erigirse en todo su esplendor, porque “Only Human” es la canción que más me ha impactado por su intenso magnetismo mental, y es que Louise Rutkowski nos enamora en “Only Human” por la bella nitidez que tiene su voz, por esa fuerza y luminosidad que nos envuelve al escucharla cantar esta preciosa composición. Ecos melódicos, una guitarra tintineando alrededor nuestro como si tuviera el alma de un arpa, y Louise Rutkowski cantando al error, a la equivocación, al desacertado comportamiento que caracteriza al ser humano. ¡¡¡“Only Human”, impresionante tema!!! Posteriormente, la evanescencia empezará a cubrirnos con el tema “The Outer Skin”, una cadena de celestiales vaivenes musicales. Cerramos los ojos y nos sentimos como si hubiéramos sido transportados a otra esfera más cercana al Reino de la Luz. Abrimos los ojos y, tristemente, comprobamos que todo fue un sueño, un placentero sueño. El final de la canción “The Outer Skin”, relajación espiritual pura. Luego, aparecerá el tema “Sweet Unknown” y sus melódicas notas para guitarra que nos volverán a poner los pies en el suelo, en un terreno cuyos límites conocemos pero donde los seres que lo habitan siguen siendo un completo misterio. Sorpresa y placer, sueño y dolor, beso y punzada… ¿alguien llegará algún día a saber el trasfondo real de las personas con las cuales vivimos, con las cuales nos comunicamos, hablamos, nos relacionamos o amamos?

“Let The Happiness In” es una de las canciones más bellas y melodiosas entre todas las que Ivo Watts-Russell finalmente versionó. Ese violín rugoso y frenético escapando de nuestra concentrada audición, ese violonchelo vestido de estricta seriedad, ese violín transformado en puro glamour al cual sólo le falta la luz de la luna iluminándolo, y Louise Rutkowski interpretando magistralmente su lírica con dulzura y flameante pasión. ¡¡¡Qué más podemos pedir a un tema musical!!! Durante su audición, “Let The Happiness In” invitará a los melómanos lectores de Lux Atenea a pulsar la tecla “repeat” del reproductor de CD en una repetición casi mántrica, como si de un trascendental espíritu oriental se tratara, conduciéndonos posteriormente a la canción “Is Jesus Your Pal?” sin romper la armonía que había creado previamente el tema “Let The Happiness In”. No sé que tendrán los instrumentos de cuerda como el violín, la viola, el violonchelo… pero es empezar una canción escuchándolos, y mis sentidos se concentran y estimulan con esos mágicos momentos, extendiéndose esas sensaciones tan placenteras en el tema “Spider and I” cuya progresión melódica de estilo clásico se irá difuminando debido a la entrada de un plano instrumental para guitarra de creciente intensidad noise. Una versatilidad conceptual en el tema “Spider and I” que muy bien podía ser considerado como el ejemplo perfecto de la evolución musical occidental desde el siglo XV hasta nuestros días, pasando de la sociedad del espíritu a la sociedad del ruido. Finalmente, clausurando este excelso álbum se encuentra la canción “Hanky Panky Nohow”, una visión musical alegre, colorista, atrevida y sensual. La felicidad es pasajera y, siempre al final de la fiesta sentiremos nuestra soledad interior aunque compartamos nuestro calor con quien amamos y nos ama. Si no es así, escucha de nuevo este álbum y da continuidad al ciclo sagrado de la Rueda Existencial. Como apunte final, en el año 1999 se publicaría el álbum “Underarms” (CD 4ADM2) a través del sello 4AD, pero no es un álbum musical con temas nuevos de The Hope Blister: “Underarms” es un álbum que incluye remezclas, rarezas, y curiosidades instrumentales de las canciones pertenecientes al álbum “…smile´s Ok”. Desde entonces, no ha sido editada ninguna novedad discográfica relacionada con The Hope Blister. Una última llama que parece que se ha apagado definitivamente, aunque siempre nos quede la esperanza de ver renacer a The Hope Blister como si fuera una perenne ilusión hecha realidad. “…smile´s Ok”, quienes tengan un alma gótica en su interior serán auténticos privilegiados emocionales sintiendo así la maravillosa música de The Hope Blister. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PELÍCULA / FILM “CARRETERA PERDIDA (lost highway)”, 1996 (Reseña / Review #35).

Posted on 3 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 35 // Reseña Media nº: 3
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 25 de noviembre del año 2010.

Director: DAVID LYNCH Guión: DAVID LYNCH y BARRY GIFFORD
Actores principales: PATRICIA ARQUETTE (Renee Madison / Alice Wakefield), BILL PULLMAN (Fred Madison), BALTHAZAR GETTY (Pete Dayton), ROBERT BLAKE (hombre misterioso), ROBERT LOGGIA (Mr. Eddy / Dick Laurent), MICHAEL MASSEE (Andy), JACK NANCE (Phil), RICHARD PRYOR (Arnie), GARY BUSEY (Bill Dayton), NATASHA GREGSON (Sheila)
País: EE.UU Año: 1996 Productora: LOST HIGWAY PRODUCTIONS. INC. Duración aprox.: 123 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. AÑO: 2006 Formato: CAJA 2 DVD´s EDICIÓN LIMITADA (EDICIÓN COMPRADA)

Lo primero que me gustaría decir al culto lector de Lux Atenea antes de que siga leyendo esta reseña cinematográfica es que, personalmente, considero y valoro a la película “Carretera Perdida (Lost Highway)” como la película más extraordinaria y excelsa que haya disfrutado nunca entre todas las grandiosas obras del Séptimo Arte que he visualizado hasta el momento. Una mirada subjetiva que, indiscutiblemente, condicionará este análisis artístico debido al estado de absoluta fascinación que esta película me provoca cada vez que la vuelvo a disfrutar. “Carretera Perdida (Lost Highway)” ha sido la única película que, a día de hoy, he ido a verla en cinco ocasiones a una sala de cine desde su estreno, y no dejaría pasar la oportunidad de repetir esta experiencia si en España hubiera salas de cine que proyectaran películas clásicas y de culto, e incluyera este largometraje en cartelera. Y es que la virtuosa genialidad artística que el director estadounidense David Lynch nos muestra en cada una de sus obras cinematográficas, eleva aún más la grandeza del cine non-mainstream a través de escenas únicas que quedan grabadas en el inconsciente de todo espectador que las presencia. Esta es la magia del Séptimo Arte aplicada a la imagen, a la trama, a la estética propia de un estilo único a través del cual David Lynch nos hace ver el mundo con los ojos de ese ser humano real, alejado de las falsas esencias espirituales con las cuales le gusta ser retratado y que son más propias de fantasías mitológicas y moralidad religiosa, que de la auténtica realidad del ser humano como retorcida e implacable especie depredadora de su propia especie. Dentro de esta difícil y complicada temática psicológica y espiritual abordada por el maestro David Lynch en alguna de sus películas, “Carretera Perdida (Lost Highway)” destaca por encima de todas ellas por su crudeza a la hora de mostrar la siniestra y cruel realidad de lo cotidiano. Al cinéfilo lector de Lux Atenea no le hace falta irse muy lejos del lugar donde vive para encontrar a personas con existencias tan trágicas y corruptas como las aquí mostradas, y solamente hace falta analizar un poco cómo está nuestro mundo en el siglo XXI para ver a David Lynch más como un incómodo revelador de esa realidad oculta, de todo aquello que no queremos ver ni conocer, que como un talentoso director de cine que hace películas con tramas complejas, escenas impactantes, y poso conceptual muy obscuro sin más pretensiones.

Cuando disfruté esta colosal e inquietante película el día de su estreno oficial en una sala de cine madrileña, fue toda una sorpresa el poder encontrar en su magnífico reparto a actores de gran profesionalidad y categoría artística como Robert Blake, cuyo protagonismo en la serie “Baretta” es sencillamente inolvidable para las personas de mi generación. O a Robert Loggia, un impresionante actor con una fuerza para trasmitir credibilidad en pantalla cuando interpreta a personajes relacionados con la mafia, que ya hizo fijarme en su pasión interpretativa desde la primera vez que le vi actuar en la mítica serie de televisión “S.W.A.T. Los Hombres de Harrelson”. O Richard Pryor que, tristemente, esta fue su última aparición en un largometraje, pudiendo verle en “Carretera Perdida (Lost Highway)” dentro del taller mecánico de coches en una silla de ruedas debido a la esclerosis múltiple que padecía en aquel momento. Un actor de Hollywood que será inolvidable por las películas cómicas que protagonizó junto a otro gran actor como Gene Wilder. O también Michael Massee, un excelente actor de auténtico lujo cuando interpreta papeles de villano, de asesino, o de personas infames en una película y es que, con sólo verlo en pantalla, te crees de inmediato ese personaje. Al igual que Jack Nance, magnífico actor que ya es todo un clásico en el reparto de algunas de las películas y cortometrajes rodados por este genial director.

A la hora de ponerse a rodar una película, se nota que a David Lynch no le gusta trabajar con grandes estrellas situadas en lo más alto de la fama y del éxito. David Lynch quiere arte en sus películas, y no los focos o el famoseo de turno. Eso no quita que, para dar vida a los complejos personajes que protagonizan sus películas, pueda contar con algunos actores y actrices reconocidos internacionalmente por el público. Eso sí, si una actriz o un actor famoso entra en el reparto de una de sus películas, tengan por seguro que su exaltado Ego hace ya tiempo que quedó sosegado en pro de la calidad artística, de la entrega, y de la pasión interpretativa. Tanta entrega exige David Lynch a sus actores que, por ejemplo, no he vuelto a ver al actor Bill Pullman interpretar de tan manera magistral a un personaje en la gran pantalla, como dando vida al tenso y complejo personaje de Fred Madison en esta película. Y, por supuesto, en esta excelsa película sería imposible no mencionar la irresistible atracción que la actriz Patricia Arquette nos ofrece en varias escenas, dando ese toque de morbo y de glamour a un personaje que se mueve psicológicamente entre dos polos opuestos muy inestables: lo sensual y lo corrupto. Su interpretación del personaje dual Renee Madison / Alice Wakefield impecable, transmite realidad, dando profundidad y personalidad a esta femme fatal materialista e inmisericorde. Y si alguno de los cultos lectores se ha quedado perplejo y, a su vez, atraído por la enigmática presencia del Hombre Misterioso en “Carretera Perdida (Lost Highway)”, interpretado por el actor Robert Blake, también le aconsejaría que viera y disfrutara la película de culto “Carnival of Souls” ya reseñada en Lux Atenea, para adentrarse un poco más en las raíces conceptuales de ese personaje tan siniestro, tan risueñamente siniestro.

“Carretera Perdida (Lost Highway)” es un drama cinematográfico donde su misterio, donde el suspense, donde el plano existencial espiritual, dan solidez a esta intrigante trama que nos muestra a personas normales y cotidianas marcadas por un karma inflexible, y que, de forma cíclica sigue condicionando sus vidas aunque sus almas se reencarnen y vivan en otro cuerpo, en otra época, o en otras circunstancias. “Carretera Perdida (Lost Highway)” es un largometraje donde se señala a los seres humanos como individuos inexorablemente atraídos por el Mal, por todo lo perverso, por todo aquello que les llevará a la perdición a través del señuelo del placer, o de sentirse dueños de un destino que ya perdieron en el mismo momento de nacer. Una película de amores imposibles, de atracciones carnales imposibles de rechazar, de purezas imposibles de mantener. En resumidas cuentas, de felicidades imposibles de alcanzar aunque, aparentemente, puedan presentarse en momentos muy especiales en compañía de otras personas que también disfrutan engañándose a sí mismos a través del constante engorde de su Ego, eternamente insatisfecho. Este espectacular largometraje muestra la esencia del ser humano a través de sus crueles actos, viviendo un presente donde se creen dioses sobre la tierra porque pueden hacer todo lo que su caprichoso Ego quiere, sin pensar en ningún momento en las consecuencias que esas acciones traerán consigo tanto a ellos como a los demás.

Los fotogramas de “Carretera Perdida (Lost Highway)” destilan corrupción humana, huelen a insatisfacción crónica del individuo, resaltando especialmente a los siete pecados capitales como carta de presentación de nuestra especie en el mundo real en el que vivimos, aunque el espectador pueda no querer admitirlo a simple vista. Una extraordinaria película cuyas escenas irradian vigor y energía humana en personajes muy poderosos, ya que pueden comportarse en este mundo como jueces de todas aquellas personas que se cruzan en su camino, como si su presencia sobre la tierra estuviera tocada por un don divino que los situara más allá del Bien y del Mal. Individuos egoístas, insensibles y tenebrosos que aspiran a ser los nuevos dioses, y que, para conseguir ese objetivo, no dudarán un segundo en sacrificar lo que sea y a quien sea para poder lograrlo. Así de cruda y de real se presentará la película “Carretera Perdida (Lost Highway)” al culto lector de Lux Atenea tras haber convertido lo cotidiano en algo terriblemente opuesto a ese mundo feliz que, desde nuestra infancia, la sociedad trata de inculcarnos a través de la influencia familiar, de los amigos, de la religión, del mundo laboral, de las relaciones amorosas, de la vida familiar… En definitiva, en esta película lo cotidiano se presenta siempre como un Infierno, no porque a David Lynch le guste el Mal, sino porque este mundo es y ha sido siempre así de lúgubre y demoníaco desde el nacimiento del primer ser humano en este planeta. En “Carretera Perdida (Lost Highway)”, la Humanidad es mostrada así de maléficamente corrupta porque así es como le gusta vivir al ser humano en su sociedad, diseñando esa misma sociedad de acuerdo a principios absolutamente hipócritas cuyo objetivo es cubrir todas sus corruptelas. Basándonos en esos principios, e independientemente de la época o de la cultura que elijamos, comprobaremos siempre que quienes tienen el poder, inexorablemente lo ejercerán a voluntad y capricho sin que nadie pueda hacer nada por impedirlo. Aquellos que no lo tienen, aspiran a que algún día puedan estar ellos en el privilegiado lugar de quienes poseen ese mismo poder para hacer exactamente lo mismo. Y, en esta reseña cinematográfica, no les estoy hablando del poder desde el punto de vista de la política en particular, sino de todos los estratos que vertebran la sociedad en general. Un poder humano despótico que se presenta siempre en su más corrupta esencia ya sea en la familia, en las amistades, en el mundo laboral y de los negocios, en los placeres carnales… en todo aquello en lo que el ser humano fija su interés, y acaba moldeando a su gusto y capricho. Por este motivo, todo es cíclico en la obscura trama de esta película como si fuera la rueda del Destino que no para de girar y girar en el tiempo para volver siempre al principio, sin que nada haya cambiado.

Podía hablar de muchos otros planos artísticos de este complejo largometraje como, por ejemplo, en relación a su especacular banda sonora (ya reseñada en Lux Atenea) que, como analista cultural non-mainstream, valoro personalmente como la mejor y más excelsa que haya escuchado y disfrutado hasta el momento para engrandecer una película. En el fondo, “Carretera Perdida (Lost Highway)” es una obra cinematográfica de corte gótico, o más bien decadentista, donde el abanico visual y conceptual es tan abierto que tanto lo sensual como lo psicodélico, tanto lo violento como lo selecto, tanto lo visceral como lo racional, al final encuentran su sentido en esta jungla de emociones intensas que proyecta su oscura trama en el espectador. Además, a todos los lectores de Lux Atenea que quieran informarse más en profundidad sobre este mítico largometraje, les aconsejaría que adquirieran esta edición limitada publicada por Cameo Media ya que contiene un segundo DVD con extras, incluyendo dos interesantes entrevistas realizadas a David Lynch en los años 1996 y 2005, además de entrevistas a actores y actrices como Bill Pulman, Patricia Arquette, o Robert Loggia. “Carretera Perdida (Lost Highway)”, el universo Lynch adentrándose en la psicología humana para destapar todas sus inmundicias a través de la bella y siniestra estética de sus imágenes rodadas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SUEHIRO MARUO “Dr. INUGAMI” (GLÉNAT, 2005) (Reseña / Review #34).

Posted on 1 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 34 // Reseña Cómic nº: 4
Reseña actualizada. Publicada el 23 de mayo del año 2015 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES GLÉNAT ESPAÑA, S.L.
ISBN: 84-8449-805-0
Edición: 2005 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 192

Locura. Esta palabra define perfectamente el inquietante y siniestro arte creado por el genio japonés del seinen manga Suehiro Maruo en su impactante obra. En España, en el año 2005, esta obra fue publicada por la editorial Glenat en esta lujosa presentación con cubierta en tapa dura. “Dr. Inugami” está incluido dentro de la corriente artística conocida como muzan-e contemporáneo, estando vertebrado por una secuencia de historias convertidas en auténticas pesadillas para sus protagonistas. Con una contundencia visual de sus imágenes absolutamente atroz, su densa atmósfera satánica con rituales e invocaciones convierten esos actos demoníacos en un colosal despliegue artístico. Indudablemente, “Dr. Inugami” es una obra extrema y brutal, por cual los cultos lectores de Lux Atenea afines al cómic manga más extraño e innovador, quedarán muy sorprendidos e impactados cuando contemplen estas siniestras muestras de talento y de ingenio en el dibujo mostrados por Suehiro Maruo en una trama prácticamente única en su género. Como analista cultural non-mainstream, tras la atenta lectura de “Dr. Inugami”, estoy plenamente convencido que nuestros lectores que adquieran esta obra no olvidarán el nombre de este autor de culto, en cuanto su mirada se transforme en un tenebroso y horripilante paseo por estas retorcidas historias cuyas acciones llevan a situaciones de impredecibles consecuencias.

“Dr. Inugami” es horror puro integrado en la escena artística más adulta del cómic manga, pero a través de un horror demoníaco y sobrenatural que deja profundamente impactado al inconsciente del lector por la contundente fuerza visual de las imágenes que irán apareciendo en estas páginas. Seinen manga tétrico y lúgubre que, elevado a la décima potencia en su trasfondo psicológico, queda firmemente asentado en su valor artístico en ese altísimo nivel que muy pocos dibujantes son capaces de alcanzar. Un selecto club de maestros del horror manga que, en esta página cultural non-mainstream, están teniendo el protagonismo y la relevancia informativa acorde al fértil y revolucionario talento alcanzado en estas viñetas. Una solvencia conceptual absoluta a través de lo trasgresor que convierte a excelsas obras como “Dr. Inugami” en ese lado oscuro del espejo humano donde reina, atrae, y horroriza la Belleza más siniestra. Una filosofía de la realidad protagonizada por la muerte, el miedo y el terror al servicio de obscuros fines que transforman el universo artístico de Suehiro Maruo en este calvario cada vez más gore y macabro. Un impactante shock visual y psicológico con el que siempre se presentará “Dr. Inugami” de cara a sus lectores, relean las veces que relean esta incomparable e inigualable obra.

Dentro del manga más extremo, infernal y trasgresor, “Dr. Inugami” ocupa un lugar de auténtico privilegio. Sus intrigantes historias protagonizadas por un enigmático mago negro llamado Inukai, destacan por la brutal contundencia desplegada en cada acción. Poseído por un espíritu de justicia basada en una ética y una moral muy cuestionable, en vista a sus principios un tanto maquiavélicos basados en el lema “el fin justifica los medios” aunque esos medios provengan del lado más oscuro e infernal, Inukai no duda un segundo en intervenir en aquello que considera como un acto que debe ser castigado con total e inflexible firmeza. En cuanto se sumerjan en la irresistible lectura de “Dr. Inugami”, desde sus primeras páginas quedarán profundamente conmocionados e impactados con esta siniestra inmersión en la pesadilla humana poblada por entidades situadas al otro lado de la Razón. De ahí que resulte tan difícil de definir con exactitud el verdadero trasfondo de esta obra, debido a su complejidad simbólica y metafórica como fruto del inconsciente creativo del propio Suehiro Maruo, dando una intencionalidad o mensaje central muy claro en torno al cual desarrolló esta trama. Su fuerza de la representación artística extrema como aciaga esencia del alma humana más densa y obscura, es la que este autor ha logrado transmitir con grandeza en sus dibujos, resaltando este arte con el brillante barniz de la innovación y con el prestigioso pulido de la vanguardia al alcance de muy pocos creadores. Lo terrible y lo cruel, en esta obra son teñidos de aparente justicia y de cuyas brumas surgen manos desesperadas que tratan de evitar su inexorable caída al infierno. El éxito y el triunfo de quienes se sienten más allá del Bien y del Mal, en “Dr. Inugami” han sido representados gráficamente instantes antes de quedar atrapados por las fauces del horror.

Un sobrecogimiento del espíritu ante la contemplación del pavoroso pánico provocado por la Maldad más poderosa, macabra y horrible, y que ha terminado representada visualmente en estas páginas a través de imágenes imposibles de olvidar donde los ojos tienen miradas que hielan la sangre, donde la ira emana de las bocas desafiantes ante la inminente ceremonia de sangre, donde los rostros se transforman en desquiciadas máscaras de tragedia con expresiones sin atisbo de cordura alguna, y, sobre todo, donde la estética conservadora en el dibujo es armonizada con maestría con lo siniestro por Suehiro Maruo, hasta cautivarnos profundamente por su depravada esencia humana oculta tras una sonrisa. Todo ello unido a pinceladas simbólicas en imágenes sugerentes como el caracol avanzando lentamente bajo la lluvia, la paloma volando en la noche con la Luna de fondo, la cigarra saliendo de la tierra, el cuerpo de un gorrión muerto, la mano tatuada con una letra… o el dibujo de una de las míticas fotografías de Aleister Crowley más conocidas. En definitiva, este es un cómic manga que no dejará indiferente a los bibliófilos lectores de Lux Atenea que se atrevan a adentrarse en este reino de locura y muerte. “Dr. Inugami”, los atroces, monstruosos e infernales sueños de uno de los genios del seinen manga más siniestro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THE CURE “QUADPUS” (ELEKTRA / ASYLUM RECORDS, 1985) (Reseña / Review #33).

Posted on 1 febrero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 33 // Reseña Musical nº: 13
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 3 de diciembre del año 2006.

Publicado por: Elektra / Asylum Records, (ELEKTRA 0-66856), 1985
Edición comentada : Vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: SIDE A: 1- A Night Like This // 2- New Day
SIDE B: 3- Close to me (12” mix) // 4- A Man in my Mouth
Valoración de la calidad del vinilo : 10 (Excelente vinilo, destacando tanto por el material utilizado como por la calidad de la grabación y de su impresión; un disco imprescindible para los fieles seguidores del grupo británico The Cure)

“Quadpus” es uno de los trabajos musicales más desconocidos de toda la larga carrera discográfica del mítico grupo británico The Cure. Publicado en los Estados Unidos de América en el año 1985, “Quadpus” se convirtió en la década de los ochenta en una de las ediciones discográficas de The Cure más buscadas y difíciles de encontrar, pero esta odisea que había que pasar hasta hacerse con un ejemplar de esta edición en vinilo, salvo que la Diosa Fortuna te lo pusiera muy fácil y casi en la mano. A base de insistir en mi búsqueda, finalmente pude comprar uno de ellos, y todos los esfuerzos realizados tuvieron su recompensa artística más excelsa cuando en el giradiscos pude escuchar y disfrutar las dos rarezas musicales atesoradas en el mismo: “New Day” y “A Man in my Mouth”. Dos grandiosas canciones destinadas a ser degustadas sonoramente en audiciones siempre hipnóticas y psicodélicas que invitan a repetir estas escuchas. Y si centramos la atención artística en el mítico tema de The Cure “A Night Like This”, no sé ya cuántas veces habré escuchado esta canción, ni cuántas veces se habrá bailado este tema en los locales góticos. ¡Cuantas sesiones musicales han llegado a su punto y final con esta canción como cierre! Y es que “A Night Like This” es mucho más que una canción, es casi un icono musical que, como analista cultural, ha marcado más de una experiencia personal y más de un momento inolvidable.

En el siguiente corte dentro de este ilustre vinilo, el tema “New Day”, aunque sea bastante menos conocido, no por ello deja de ser una de las canciones donde Robert Smith mejor ha sabido explotar su timbre de voz, desplegando unos fondos espectrales de lo más siniestro en esta atmósfera obscura y desgarradora. Una extraordinaria canción que los melómanos lectores de Lux Atenea han de tener en cuenta a la hora de seleccionar los temas más excelsos en la obra musical del grupo británico The Cure. Sin duda alguna, como analista musical y como fiel seguidor de este grupo sitúo al tema “New Day” dentro de sus diez mejores canciones. Y, en su cara B, si antes he hablado como he hablado de la canción “A Night Like This”, que más puedo decir de uno de los temas de The Cure de mayor éxito a nivel internacional: la canción “Close to me”. Un tema incombustible pasen los años que pasen, y se escuche las veces que se escuche. Pero, en “Quadpus”, a “Close to me” se le ha dado otra mezcla sonora incorporando nuevos planos instrumentales que incluyen una entrada para trompeta y saxo adicional, una mayor recreación melódica de estos instrumentos de viento, y un acertado uso de los ecos para dar otra dimensión musical a la voz de Robert Smith en este tema. Cerrando este EP 12″, “A Man in my Mouth” se presentará como una de las canciones más surrealistas compuestas por este grupo musical al proyectar pasajes sonoros dignos de un túnel de entrada a otro mundo, de entrada a otra realidad, y de entrada a otras perspectivas conceptuales. “A Man in my Mouth” es una canción perfecta para que cada uno dé rienda suelta a su imaginación. “Quadpus”, joya discográfica en vinilo por su excelencia musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo por meses: febrero 2019

“STEINLEN PARÍS 1900” (Reseña / Review #42).

“DINO VALLS” (Reseña / Review #41).

DAVID LYNCH “EXPOSICIÓN DE PINTURA Y FOTOGRAFÍA” Catálogo oficial de la exposición (EDICIONS ALFONS EL MAGNANIM, 1992) (Reseña / Review #40).

“GRADUS AD MORTEM”, JESÚS PARDO (HUERGA Y FIERRO, 2003) (Reseña / Review #39).

“DALÍ O EL ANTIOSCURANTISMO”, RENÉ CREVEL (JOSE J. de OLAÑETA, 2003) (Reseña / Review #38).

“DICCIONARIO ABREVIADO DEL SURREALISMO”, ANDRÉ BRETON / PAUL ELUARD (SIRUELA, 2003) (Reseña / Review #37).

THE HOPE BLISTER “…SMILE’S OK” (4AD/EVERLASTING RECORDS, 1998) (Reseña / Review #36).

PELÍCULA / FILM “CARRETERA PERDIDA (lost highway)”, 1996 (Reseña / Review #35).

SUEHIRO MARUO “Dr. INUGAMI” (GLÉNAT, 2005) (Reseña / Review #34).

THE CURE “QUADPUS” (ELEKTRA / ASYLUM RECORDS, 1985) (Reseña / Review #33).